Ante la dimisión de Román de la Calle como director del Museu Valencià de la Il·lustració i de la Modernitat (MUVIM), la Associació Valenciana de Crítics d’Art (AVCA) quiere expresar su apoyo total a la labor conceptual y gestión pública realizada por este miembro destacado de nuestra asociación durante los años que ha ejercido su función directiva. El respeto que merece la trayectoria de Román de la Calle como docente, catedrático universitario, académico y hombre de cultura está al más alto nivel y ha sido, durante décadas y en diferentes ámbitos, un ejemplo de erudición y conocimiento para varias generaciones.

Asimismo, AVCA quiere abundar en el comunicado enviado conjuntamente a la prensa por las asociaciones profesionales del sector de las artes visuales, el pasado sábado 6 de marzo, indicando que como asociación que reúne especialistas en materia de arte contemporáneo, no acepta la intromisión censora y partidista en la gestión de la cultura en la Comunitat Valenciana. Si hay un motivo por el cual AVCA existe y debe seguir existiendo, es por la defensa de la libertad de opinión y acción de sus asociados y afines en el contexto y bajo las leyes de un Estado de Derecho como es el actual. Y, aún más, por la defensa de estas libertades en el ámbito de lo público, atañan o no a sus miembros o asociados.

La política (incluyendo en ella su gestión y el uso partidista de su poder momentáneo) ha querido personificar en la cultura la parte débil de un binomio donde siempre gana la primera. Cuando se ponen de manifiesto actitudes censoras y de clara prepotencia política, saltándose todos los pasos y cargos intermedios, la cultura no debe callar. Nunca. Nuestra intención, por lo tanto, es denunciar actitudes como la cometida por los responsables de la Diputació de València el viernes 5 de marzo y exigir que se depuren responsabilidades en las más altas instancias de la Institución.

A una institución cultural pública se le presuponen las tres condiciones que implica su propia nomenclatura: que sea una institución que vele por el colectivo; que sea sensible y defienda las expresiones culturales de su época dentro de su margen de acción y, por supuesto, que entienda lo público como aquello que es de bien común y que, por supuesto, también refleja las opiniones adversas, las contrariedades y las miradas minoritarias lógicas y aceptadas en nuestras sociedades contemporáneas. Ninguna de estas tres obligaciones democráticas ha ejercido en este caso la Diputació de València. Exigimos, por lo tanto, que vuelva a plantearse su función intrínseca y actúe de acuerdo a estos principios de derecho, sin los cuales la institución puede verse gravemente desprestigiada.

Portada del libro

“Un autor sarcástico, culto y revolucionario,
…una obra que hay que leer despojados de prejuicios.” (Félix Grande)

Probablemente uno de los más perdurables logros del psicoanálisis lo constituya el haber establecido en el imaginario colectivo la representación del hombre como ser que se produce a sí mismo a base de metáforas, imágenes portadoras de vida y/o devastación. Ese es también el punto de partida de El ave fénix solo caga canela, una obra que, en palabras del poeta Félix Grande, “mantiene un divertidísimo diálogo con el psicoanálisis, /…/ un humor que, a veces, bajo la originalidad llena de broma se pone estrictamente serio”.
El autor se sitúa ante su obra revestido de un distanciamiento irónico que apenas alcanza para encubrir la abrumadora certeza de que es ahí, en ese territorio infestado de símbolos, donde -en términos de redención o condena- el propio yo se la juega.

Ángel Cerviño (Lugo, 1956) es artista visual y comisario de exposiciones. Ha publicado con anterioridad Kamasutra para Hansel Y Gretel (Ediciones Eventuales, Madrid, 2007), y numerosos textos críticos en torno a las nuevas prácticas artísticas y la creciente espectacularización de la industria cultural, en revistas, catálogos y publicaciones de arte contemporáneo. Ha sido miembro del consejo editorial de la revista SINAL (órgano de expresión de la Asociación Galega de Artistas Visuais) y ha participado en diversos proyectos editoriales, entre otros: Entrecruzar – Proxecto edición (CGAC, Santiago de Compostela, 2006), RETAL – Fragmentos de cultura contemporánea (Vigo, 2007 – 2008).

Página web de Ángel Cerviño: www.angelcervino.es

Martes, 8 de marzo de 2010
Lugar: Sala Conferenze. Real Academia de Epaña en Roma
Piazza di San Pietro in Montorio, 3
00153 Roma

Intervienen:

Maria Rosa Sossai
José Luís Corazón Ardura
Avelino Sala

La voz remota, una conversación entre el artista Avelino Sala y el crítico José Luis Corazón Ardura publicado dentro del proyecto El enemigo está dentro disparad sobre nosotros que tuvo lugar en el 2009 en Laboral Ciudad de la Cultura, Gijón.

La Asociación de Mujeres en la Artes Visuales (MAV) se encarga del comisariado de la actividad y, bajo el título de Mujeres en el Sistema del Arte, plantea para el desarrollo del tema cuatro mesas consecutivas que se centrarán en el análisis de cuatro momentos concretos dentro del proceso del sistema del arte contemporáneo como industria creativa: “Producción”, “Gestión”, “Distribución” y “Difusión”.

Este ciclo de mesas redondas se propone reflexionar sobre la situación de las profesionales en el sistema del arte como un ámbito laboral con rasgos distintivos, pero encuadrado en la industria cultural.

A pesar de la impresión común de la integración normalizada de las mujeres en el sistema del arte occidental, tanto a nivel internacional como en España, los datos en cifras y la experiencia de las profesionales cuestionan ese optimismo. Nos interesa clarificar si en las últimas décadas hemos avanzado y, entonces, a qué coste; o bien, si estamos retrocediendo y cuáles son los defectos estructurales que condicionan el ingreso escaso y precario de las mujeres en el sistema del arte.

Nos preguntamos por qué, a diferencia de otros ámbitos profesionales que se han feminizado como consecuencia del elevado porcentaje en su formación (como sanidad o educación, por ejemplo), no ocurre lo mismo en el sistema laboral del arte, donde parace agudizarse la discriminación sexista que determina la estructura piramidal en toda la estructura laboral en España.

Queremos clarificar soluciones y estrategias que den respuesta a las expectativas de todas las profesionales y de las jóvenes que legítimamente desean incorporarse al sistema del arte en nuestro país.

Las cuatro mesas de debate recorren el proceso completo del sistema del arte contemporáneo como industria creativa: producción, gestión, distribución y difusión. Es decir, el planteamiento arranca desde el cuestionamiento de la situación de las artistas como productoras, a la gestión del producto mediante su selección e interpretación en exposiciones y su eventual incorporación a colecciones de museos, centros de arte y fundaciones. Para pasar después a debatir sobre dos filtros: los problemas con que artistas y galeristas se enfrentan en el mercado artístico; y cómo y por quiénes se difunde lo producido por las profesionales a través de los media: prensa general y especializada, radio y televisión.

Programa

Lunes, 8 de marzo, a las 19:00h
Mesa redonda “Producción”
Moderadora:
Marina Núñez, artista, profesora de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Pontevedra y Vocal de la Junta Directiva de MAV.

Participantes:
Marta de Gonzalo, artista y profesora de educación secundaria.
Concha Jerez, artista y profesora de la facultad de Bellas Artes en la Universidad de Salamanca.
Francesca Llopis, artista y presidenta de UAAV, Unión de Asociaciones de Artistas Visuales

Artistas destacadas debatirán sobre los problemas de orden creativo y de producción con los que se enfrentan: el objetivo será dar respuesta a: el grave contraste entre los porcentajes en formación y en inserción laboral; qué mecanismos son excluyentes en el sistema del arte; cómo afecta la precarización a las productoras en el sistema del arte; qué exigencias han de plantearse para que las artistas contribuyan a la excelencia en un marco de paridad.

Martes, 9 de marzo, a las 19:00 h
Mesa redonda “Gestión”
Moderadora:
Gloria Picazo, directora del centro de arte contemporáneo La Panera, Lleida y Vocal de la Junta Directiva de MAV

Participantes:
Margarita Aizpuru, comisaria de exposiciones.
Xavier Arakistain, director del Centro Montehermoso Kulturenea, Vitoria.
Yolanda Romero, directora del Centro José Guerrero, Granada y presidenta de ADACE, Asociación de Directores de Centro de Arte Contemporáneo.

Comisarios y directores de centros de arte contemporáneo debatirán sobre la estructura que parece relegar los proyectos de exposiciones individuales y colectivas de artistas mujeres. Se cuestionará el escaso porcentaje de obras de artistas mujeres en las colecciones de instituciones públicas y privadas. Así como la composición piramidal de los staff de las instituciones artísticas. Y se propondrán actuaciones para la mejora de presencia de obra de artistas mujeres en exposiciones y colecciones.

Miércoles, 10 de marzo, a las 19:00 h
Mesa redonda “Distribución”
Moderadora:
Petra Pérez, galería Vanguardia, Bilbao, y Vocal de la Junta Directiva de MAV

Participantes:
Pilar Citoler, directora del Patronato del MNCARS.
Rocío San Claudio, galerista y editora.
Carlos Urroz, director de UP Urroz Proyectos.

Gestores de ferias y galerías debatirán sobre la escasa penetración de obras de artistas mujeres en el mercado artístico, esclareciendo los motivos de su baja cotización económica. Se indagará por qué el “criterio de calidad” continúa afectando a la obra de artistas mujeres. Además, se abordará la situación de las galeristas, indagando si también su rol está condicionado por la discriminación sexista. Y se propondrán líneas de trabajo para corregir en conjunto los defectos en este sector.

Jueves, 11 de marzo, a las 19:00 h
Mesa redonda “Difusión”
Moderadora:
Susana Blas, comisaria, redactora de programas culturales TVE y Vocal de la Junta Directiva de MAV.

Participantes:
Javier Díaz-Guardiola, coordinador de la sección de arte, arquitectura y diseño de ABC.
Marta Rodríguez, coordinadora del “Contenedor de cultura de la 2″ TVE.
Elena Vozmediano, crítica de arte y presidenta de IAC, Instituto de Arte Contemporáneo.

Especialistas en prensa, edición y difusión mediática debatirán sobre la difusión del trabajo de las profesionales en artes visuales: artistas, comisarias, críticas, gestoras, investigadoras, etc… También se abordará la situación de las profesionales en comunicación en el ámbito de la cultura y, en concreto, de las artes visuales. Se indagará sobre la penetración de la información desde una perspectiva de género, y sobre las posibles soluciones para servir una información precisa y adecuada al público cultural, formado mayoritariamente por mujeres.

Lugar y fechas:
Auditorio del Ministerio de Cultura
C/ San Marcos, 40. Madrid
8, 9, 10 y 11 de marzo de 2010. De 19:00 a 22:00 h

Entrada libre hasta completar aforo

Persona de contacto:
Arantxa Chamorro Malagón
Subdirección General de Promoción de las Bellas Artes
Dirección General de Bellas Artes y Bienes Culturales
Ministerio de Cultura 91 701 62 05

Presentación del libro:
“Espacios para la Libertad. Graffiti en el entorno ferroviario de Valladolid” de Carmen María Palenzuela López.
Participantes: Celestino Candela, Fernando Manero, Manuel Sierra, Torcuato Cortes de la Rosa
Jueves 11 de febrero a las 19:30 h.
Entrada gratuita hasta completar aforo.

Inauguración de la intervención en la Sala Cero:
All day, every day. Vivir pintando. Nuevos discursos en la pintura.
Comisariado por Carmen Mª Palenzuela López
11.02.10 – 14.03.10
Jueves 11 de febrero a las 20:30 h.

Conferencia:
“Cuarenta años de graffiti: génesis, mecánica y evolución de un juego” por Javier Abarca. Profesor en la Facultad de BBAA de Aranjuez – Universidad Complutense de Madrid.
Viernes 19 de febrero a las 20:00 h.
Entrada gratuita hasta completar aforo.
Hoy jueves 11 de febrero se presenta en el Museo Patio Herreriano de Valladolid la intervención en la Sala Cero, “All day, everyday. Vivir pintando. Nuevos discursos en la pintura”.

Un proyecto enmarcado dentro del programa Sustrato Urbano, programa que se puso en marcha a finales del año 2008 y que pretende crear una plataforma de acción cultural que reúna a artistas y colectivos para realizar propuestas y actividades que tengan como objetivo hacer de la práctica artística un medio de debate y discusión. El programa asume en su discurso el cambio en cuanto al tipo de experiencia que se vive en un museo, ampliando las formas tradicionales de relación con la obra a prácticas de participación, debate y acción, por parte de colectivos y artistas que ocupan con sus proyectos esta parcela de “esfera pública”. En esta primera de las actividades de este programa en 2010 se ha querido reflexionar sobre la función dinamizante del graffiti en el arte, especialmente en la pintura y el desarrollo de la creatividad como factor de crecimiento e integración.

La intervención en la Sala Cero, que permanecerá abierta hasta el 14 de marzo, ha contado con la participación de ocho escritores de graffiti, ocho artistas, seleccionados por Carmen María Palenzuela López, comisaria del proyecto, que han sido invitados por el Museo para intervenir la Sala Cero: BRK192, FLECHA 011, RUDIGUER SOTO RIBERA, DAVID1, AXEL FOLEY, BIG “DRO”, LEROY Y OAGAC.

Así mismo hoy jueves por la tarde se presentará el libro “Espacios para la Libertad. Graffiti en el entorno ferroviario de Valladolid” de Carmen María Palenzuela López en el Salón de Actos del museo a las 19,30 horas y el viernes 19 de febrero tendrá lugar la conferencia “Cuarenta años de graffiti: génesis, mecánica y evolución de un juego” a cargo de Javier Abarca. Profesor de la Facultad de BBAA de Aranjuez. Universidad Complutense de Madrid.

Al mismo tiempo se está preparando un breve documental, con parte del proceso creativo, que tratará además de aproximarnos al mundo del graffiti a través de algunas reflexiones individuales de estos artistas.

ALL DAY, EVERYDAY remite a la forma en la que estos artistas viven el graffiti. Es un proyecto de carácter dinámico y multidimensional que pretende abarcar lo local y lo global, el individualismo y la colaboración y proporcionando las condiciones necesarias para facilitar un contacto significativo entre tres elementos fundamentales implicados en este hecho artístico: los escritores de graffiti, el museo y los diferentes públicos implicados, con el fin de que se produzca una relación, un conocimiento de las cuestiones más relevantes de estos ámbitos, el análisis de sus funciones, sus técnicas de desarrollo, el lugar que ocupan y los mensajes que emiten; además del intercambio de técnicas procedimentales, herramientas, materiales y conceptos de la expresión plástica y visual.

El conocimiento o el acercamiento hacia algunas de las propuestas menos convencionales, por ser las que ponen en entredicho las bases de lo establecido, es una necesidad para el análisis del momento que vivimos y de sus contradicciones.
La búsqueda de situaciones que hagan posible una reflexión profunda sobre la función dinamizante del graffiti en el panorama del arte, especialmente en pintura y el desarrollo de la creatividad como factor de crecimiento e integración. El generar un punto de encuentro que favorezca el enriquecimiento de las experiencias de los artistas y de los escritores de graffiti, de sus procesos técnicos y creativos, de la acción museística, cuya labor gira tanto en torno al cuidado como a la calidad.

Tales son los propósitos, sin olvidar que el graffiti, como todo arte, responde a la expresión poética de un imaginario particular, que, en su caso, alcanza el máximo sentido en su hábitat natural.

“Bienvenidos al maravilloso mundo del getting up: dejarse ver pero sin ser visto. Una cosa es pintar con spray y otra hacer graffiti. Como diría Oscar Wilde la finalidad del arte es exponer el arte y esconder al artista. Hoy, lo que usted se va a encontrar, es algo que se ha separado de su entorno natural que es la calle y se ha metido en la sala de un museo. Para cada uno de nosotros, lo que hacemos, tiene un significado distinto y esto no deja de ser una experiencia personal, para nada negativa”

brk192/ flecha 011/ rudiguer soto ribera/ david1/ axel foley/ big “dro”/ leroy/ oagac
Escritores de graffiti en la exposición All day, everyday. Museo Patio Herreriano

“Un graffiti invade y corre el riesgo de ser invadido. Se apropia con audacia de un soporte que en realidad nunca podrá ser suyo. Siendo un gesto individual y clandestino, un graffiti está destinado a atraer la mirada colectiva y a acompañar los paseos públicos. Sus autores son masivos periféricos, exhibicionistas tímidos. Estas tensiones viven en el corazón del graffiti y lo vuelven un arte fascinante”.1
Andrés Neuman
Benefactor de muros.17/04/05. Periódico Ideal.

Departamento de Comunicación y Desarrollo
Calle Jorge Guillén., 6.
47003 Valladolid.
Correo electrónico: comunicacion@museoph.org ; prensa@museoph.org
Teléfono: 00 34 (9) 83 362 908. Fax: 00 34 (9) 83 375 295

Sábado 20 y domingo 21, 19,30 h., Una casa digestiva para Lavapiés de Josep-Maria Martín en la terraza de La Casa Encendida.

Sábado 27, de 10 a 17 h., Open Space de Hucha de deseos de Susanne Bosch en la Sala de Columnas del Círculo de Bellas Artes.
Domingo 28, 12 h., Bajar al subterráneo recién excavado de Lara Almárcegui (previa inscripción en www.madridabierto.com).
18, 19, 24, 25 y 26, obras sonoras en La Libélula de Radio 3.

Información de todas las intervenciones en INFOMAB, todos los días de 9 a 21 h. en el Paseo de Recoletos.
Consulta de obras sonoras, piezas audiovisuales y anteriores ediciones, hasta el día 28 en La Casa Encendida y en Espacio 28004 (C/ Marqués de Santa Ana, 4).

Con el nombre Sembrar es amar. Sábado Verde en LABoral este sábado, día 6 de febrero, se celebrará un taller en el Centro de Arte y Creación Industrial de Gijón en el que los participantes podrán interactuar con la obra de la artista Alicia Jiménez, y conocer de primera mano el origen y los propósitos que han llevado a la creadora asturiana, ganadora del Premio LABjoven_Experimenta en su edición de 2009, a concebir esta instalación que se expone en la Sala Plataforma 1 del Centro.
Este taller está dirigido a todos los públicos y se celebrará, en la primera jornada, entre las cuatro y las siete de la tarde, en dos grupos. Durante los restantes sábados del mes de febrero (días 13, 20 y 27), el horario es de 12 a 13.30. La participación en el mismo es gratuita y en la organización LABoral cuenta con la colaboración de la Asociación Libélula Huerta y de la Fundación Municipal de Servicios Sociales del Ayuntamiento de Gijón. Esta última entidad ha planteado un taller intergeneracional, en el que las personas mayores acudan al Centro de Arte con sus nietos.

En Barbecho, nombre del proyecto de Alicia Jiménez, traslada un campo de siembra al Centro de Arte. En este espacio natural, la artista incluye componentes tecnológicos, interactivos y lúdicos con los que los visitantes podrán interactuar. La instalación invierte la imaginería propia de los sistemas de producción industriales para ensalzar el tiempo libre y el descanso como partes esenciales de otro tipo de crecimiento: el desarrollo personal y el crecimiento humano. En pequeñas pantallas de vídeo, sembradas por todo el terreno, se confrontan ciertos valores asociados de forma positiva a la productividad -como la forma de hacer, trabajar y vivir actual-, frente a aquellos beneficios que se atribuyen al descanso -la espera, la improductividad o la administración del propio tiempo.

Sembrar es amar. Sábado verde en LABoral es una acción abierta a todo aquel que quiera aprender y participar en la siembra, trasplante y cuidado de cosecha ecológica para el autoconsumo, su posterior cuidado y recolección mientras dure la exposición. Las personas que participen en este taller podrán disfrutar de esta obra que emula un campo de cultivo.
Incluso podrán contribuir en el proyecto sembrando o regando los terrenos que Alicia Jiménez ha preparado para la exposición, pasando a formar parte de la obra expuesta, convirtiéndose en artistas por un día.

Este taller está dirigido a todos los públicos y se celebrará, en la primera jornada, entre las cuatro y las siete de la tarde, en dos grupos.

Durante los restantes sábados del mes de febrero (días 13, 20 y 27), el horario es de 12 a 13.30.

La participación en el mismo es gratuita y en la organización LABoral cuenta con la colaboración de la Asociación Libélula Huerta y de la Fundación Municipal de Servicios Sociales del Ayuntamiento de Gijón.

LABoral
Centro de Arte y Creación Industrial
Los Prados, 121
33394 Gijón
Asturias – Spain
T: +34 985 185 582
M: +34 689 436 976

www.laboralcentrodearte.org

Coincidiendo con la celebración de ARCO 2010, este año dedicado a Los Ángeles, el Museo ha organizado una exposición sobre este artista mexicano, quien en la actualidad vive y trabaja en esta ciudad norteamericana.

La exposición, la primera que una institución española le dedica a este artista, se ubica en las antiguas carboneras del edificio Sabatini, situadas en el sótano del Museo. El espacio, dividido en dos ambientes, sirve a García Torres para crear sendas instalaciones.

La pieza ¿Alguna vez has visto la nieve caer? 2010, creada expresamente para esta ocasión, consiste en una proyección de diapositivas, acompañadas de audio. La obra es tanto literaria como audiovisual, con ciertos ingredientes de ficción y de documental. La voz narrativa de la obra relata los acontecimientos que rodearon al mítico One Hotel de Kabul, que el artista italiano Alighiero e Boetti (Turín, 1940 – Roma 1994) regentó en la capital de Afganistán en la década de los 70.

La otra instalación, Share-E-Nau Wondering- A Film Treatment (2006), consiste en una historia de ficción que García Torres narra a través de unos faxes. El artista se inventa una supuesta correspondencia con Boetti: “Yo voy a Kabul en busca del hotel de Boetti y en estos faxes narro todo lo que yo le voy contando: qué veo, por dónde voy y qué es lo que encuentro. Mi propósito es buscar el One Hotel, pero en mi búsqueda por Kabul, nunca lo encuentro.”

Mario García Torres ha sido galardonado con diferentes distinciones como el Cartier Award – Frieze Art Fair, 2007; las becas Fullbright, 2003-2005, o la PAEE –FONCA/CONACULTA, 2004. Recientemente, el artista ha expuesto su obra en el Jeu de Paume de Paris; en el Berkeley Museum of Art, California; en el CCA Wattis Institute for Contemporary Art de San Francisco; en la Kunsthalle de Zurich, Suiza; en el Cube Hoxton Square de Londres; en la Sora Gallery de Tokyo; en el Museum of Modern Art de Syros, Grecia y en el Stedelijk Museum de Amsterdam.

MUSEO NACIONAL CENTRO DE ARTE REINA SOFÍA
c/ Santa Isabel, 52
28012 Madrid
Del 10 de febrero al 24 de mayo de 2010
De lunes a sábado, de 10:00 a 21:00 horas
Domingo, de 10:00 a 14:00 horas
Martes: cerrado

www.museoreinasofia.es

BASES
Primero: Objeto de la convocatoria
El propósito de nuestras ayudas es financiar proyectos creativos de aquellos autores que se expresan a través de la creación visual o financiar la divulgación de obras que ya han sido creadas. Las ayudas se distribuirán en cinco categorías: Artes plásticas, Fotografía, Diseño, Ilustración y nuevas tecnologías.
Los proyectos que se presenten a la convocatoria tendrán por objeto:
A) Fomentar la actividad creadora y apoyar económicamente al autor o autora de la creación visual para desarrollar su trabajo, al hilo de su proceso de investigación o para dar la oportunidad de crear una nueva obra.
B) Financiar la divulgación de una obra ya realizada.
Podrán participar en esta convocatoria aquellos creadores o creadoras visuales residentes en España.
Todos los proyectos que se financien tendrán que ser ejecutados antes del 1 de Diciembre del año 2010.

Segundo: Presentación y plazo de entrega de las solicitudes
El plazo de presentación y entrega de las solicitudes se abrirá el 15 de Febrero y finalizará el 18 de Marzo de 2010 y podrán ser presentadas o enviadas por correo certificado, a la sede de la Fundación Arte y Derecho C/ Gran Vía, 16. 1º, 28013 Madrid. En este último caso, la fecha válida a efectos de presentación de las solicitudes será la fecha que figure en el matasellos.
La documentación a enviar es la siguiente:
- Cumplimentar el formulario de inscripción que está publicado en www.arteyderecho.org .
- Fotocopia del DNI o de la tarjeta o permiso de residencia.
- Currículum vitae.
- Una memoria descriptiva de la obra o proyecto creativo que se quiere realizar.
- El presupuesto total de la actividad de divulgación de la obra ya creada o del proyecto a realizar, especificando todas las partidas necesarias para su ejecución e indicando el importe de la ayuda económica que se solicita.
- En el caso de solicitudes de financiación de proyectos a realizar, se aportará un dossier gráfico con un mínimo de 10 imágenes de obra reciente, bocetos o trabajos personales realizados (fotografías de sus obras, CD-ROM con copia en papel, DVD reproducible en PC compatible, vídeo VHS o cualquier otro material que se estime oportuno). En el caso de solicitudes de financiación para la divulgación de una obra ya realizada, se enviará un dossier gráfico de la obra.

Tercera: Dotación
Este año la dotación total de la convocatoria asciende a 100.000 €.
Este importe se distribuirá a razón de 20.000 euros para premiar cada una de las categorías a que se refiere la base primera. Para el supuesto de que alguno o algunos de los premios por categorías quedasen desiertos o no se agotase la cantidad destinada, el importe excedente se repartirá entre las categorías restantes mejorando la dotación de cada categoría en forma proporcional.
La dotación de la convocatoria proviene del Fondo Asistencial y Cultural de VEGAP, el cual se nutre, de acuerdo con lo dispuesto en el artículo 155 de la Ley de Propiedad Intelectual, del 20 % de la recaudación que VEGAP percibe por la gestión del derecho de copia privada. El pago del premio estará sujeto a la normativa fiscal vigente.

Cuarto: Resolución
La resolución de concesión o denegación de las ayudas será decidida por un Jurado formado únicamente por artistas de reconocido prestigio que determinará la cuantía aprobada, en cada caso, para financiar los proyectos seleccionados. La decisión del Jurado será inapelable. La Fundación Arte y Derecho comunicará la resolución del Jurado a todos los participantes.
Las propuestas que no resulten aprobadas deberán ser retiradas por sus titulares en la sede de la Fundación a partir del 1 de julio y hasta el 1 de octubre de 2010, siendo este plazo improrrogable. Únicamente, se devolverán por correo aquellos proyectos en cuya solicitud se incluya un sobre franqueado con la dirección a la que habrán de dirigirse los envíos.

Quinto: Memoria Justificativa y seguimiento
Los beneficiarios de las ayudas deberán presentar una memoria o informe de ejecución del proyecto premiado antes del 15 de Diciembre del año 2010. La memoria se acompañará de una fotocopia de todos los justificantes de los gastos realizados con cargo a la ayuda percibida y deberá contener una descripción del proyecto realizado o bien, en su caso, de la actividad de divulgación de la obra realizada (Título, actividad realizada, fecha y lugar de ejecución, descripción, comisario del proyecto en su caso, objetivos, seguimiento, valoración crítica).
La documentación y publicitación derivada de la ejecución del proyecto o divulgación de la obra, en exhibiciones públicas o en cualquier publicación, deberá reflejar los logotipos de la Fundación Arte y Derecho y VEGAP, junto con la expresión: “Financiado por el Fondo Asistencial y Cultural de VEGAP”.
Todo ello se documentará mediante la suscripción de un Convenio entre el autor y la Fundación Arte y Derecho.

La participación en esta convocatoria supone la aceptación de estas Bases.

Más información:
www.arteyderecho.org

Contacto:
tlf: 915235647
info@arteyderecho.org

El Ministerio de Economía está dispuesto a hacer honor a su nombre y ha decidido economizar recursos. El ajuste llega a la dirección general del Patrimonio del Estado y, a través de ésta , a las tres sociedades estatales que se encargan de la proyección de la imagen de España en el mundo y de la cultura española, SEEI, SEACEX y SECC, que van a ser fusionadas en una en los próximos meses.
El entramado institucional del Estado para la imagen española en el exterior y la promoción cultural se asienta en tres sociedades anónimas. Por un lado, la Sociedad Estatal de Exposiciones Internacionales, que ha estado de actualidad en los últimos días, no sólo por la presentación del pabellón de España en la Exposición de Shanghai, sino también por el cese poco explicable de su presidente en vísperas de la Exposición Internacional y que ha provocado un relevo azaroso en la presidencia estatutaria de la Sociedad, que ha recaído en el diplomático José Antonio Salarich Fernández Valderrama, que desempeña la Dirección General de Política Exterior para Asia y Pacífico.
Por otro lado, la Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior, presidida por Charo Otegui Pascual y que tiene como objetivo la difusión de la cultura española en el exterior y participa, por ejemplo, con muestras en las ciudades europeas de la cultura, festivales, etc. Por último, la Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales, presidida por Soledad López, se encarga de actuaciones relacionadas con efemérides históricas, culturales y aniversarios de personajes españoles de proyección internacional.
El proyecto de fusión de las tres sociedades, que se maneja desde la anterior legislatura en el Ministerio de Economía y Hacienda, no sólo tiene el objetivo del ahorro o la mayor eficiencia de los recursos, mediante la actuación frente a proveedores o suministradores, sino que es coherente con una gestión global, aunque especializada, de la imagen exterior de España.
Se trata también de una integración en la gestión ya que, hasta ahora, el funcionamiento de las sociedades es autónomo y sólo existe una coordinación de facto a través de mecanismos informales trabados por los propios responsables de la gestión.
Las sociedades estatales que se van a fusionar manejan presupuestos variables que, en parte, dependen de la agenda de actividades asignadas. En el caso de la SEEI, se consideran que el periodo de exposiciones internacionales requiere en conjunto unos 40/ 60 millones de euros, cuya cadencia de gasto está vinculada al progreso del proyecto representativo español. En esta sociedad trabajan actualmente medio centenar de personas.
Las otras dos sociedades de proyección cultural SEACEX y SECC cuentan con unos presupuestos de entre 20 y 30 millones de euros y cada una de ellas tiene una plantilla de entre 30 y 35 personas.
Con la llegada a la presidencia de la SEEI hace unos días de José Eugenio Salarich Fernández de Valderrama el proyecto de fusión no se interrumpe aunque la inmediatez de la Exposición Internacional de Shanghai puede producir un frenazo la actividad administrativa.
Según fuentes consultadas por elEconomista, el proceso societario mercantil no reviste dificultad alguna, entre otras razones, porque estas sociedades carecen de activos.
Sin embargo, y a pesar de lo reducido de las plantillas respectivas, sí puede retrasar el proceso la negociación de la salida de trabajadores que la fusión lleva implícita. Se trata de personal laboral (aunque hay algunos funcionarios en excedencia) contratados.
Una vez concluidos los trabajos en Shanghai y celebrada la inauguración de la exposición internacional, la fusión de las tres sociedades será una realidad.

Intervenciones
Lara Almarcegui, Laurence Bonvin, Lisa Cheung, Teddy Cruz, Iñaki Larrimbe, Josep-Maria Martín, Gustavo Romano, Adaptive Actions, Susanne Bosch y Pablo Valbuena.

Presentación de los proyectos por parte de cada artista los días 4 y 5 de febrero de 18.00 a 21.00 en La Casa Encendida.
Proyección y presentación por Fito Rodríguez de los trabajos audiovisuales de intervenciones.tv el día 6 de febrero a las 18.00 en La Casa Encendida. Del 4 al 28 de febrero puedes ver los vídeos en La Casa Encendida.
Emisión de los trabajos sonoros los días 4, 5, 11, 12, 18, 19, 24, 25 y 26 en el Programa la Libélula de RNE-Radio 3. Del 4 al 28 de febrero puedes escuchar los trabajos en La Casa
Encendida.

Visita su web para consultar horarios, ubicaciones y para participar en proyectos

www.madridabierto.com

La feria se celebrará entre los días 18 y 22 de febrero de 2010 en la Lonja y la Nave de Terneras de la Junta Municipal del Distrito de Arganzuela, próximo al Matadero, Paseo de la Chopera, 10.

Contará con 32 expositores, 25 galerías de arte contemporáneo y 7 proyectos comisariales.

Sobre la feria podrán obtener más información accediendo a su página web
www.justmad.es

Tate Trustee Appointment
Tate’s Board of fourteen Trustees governs Tate’s four galleries, its programmes and the Tate Collection.

Tate Trustee Position (Closing 8 February 2010)

In the light of Tate’s increasing proportion of self-generated funds and growing commercial activities through Tate Enterprises, we are seeking an individual with senior leadership and management experience in a commercial business environment. Specifically, we seek applicants with experience in the retail, publishing, catering or media sectors. The ideal candidate will have experience of sitting at Board level in a large scale organisation.
Applicants for the role should also have a strong interest in the visual arts, and be willing to advocate on Tate’s behalf.
Board members are expected to dedicate at least two days per month (on a voluntary basis) providing fresh, independent thinking and strategic expertise and advice.
The appointments will be made by the Prime Minister, in consultation with the Department for Culture, Media and Sport.
Please read the information provided by Tate and the Department for Culture, Media and Sport which sets out key information relating to the role.
Closing date: 17.00 on 8 February 2010. Interviews to take place from w/c 22 February 2010.

• Applicant Briefing Pack (PDF format, 495KB)
• Application form (Rich Text format)
• DCMS Public Appointments Guidance (PDF format, 59KB)
• Charitable Museums and Galleries: A guide to conflicts of interest policies (PDF format, 208KB)
• OCPA Complaints Leaflet (PDF format, 54.5KB)

Tate Trustee Position (Closing 15 February 2010)

We are seeking an individual with extensive experience in the visual arts field, gained through collecting, as an academic, or in a professional capacity. The ideal candidate will also have extensive knowledge of the international art world.
Applicants for the role should also be willing to advocate on Tate’s behalf.
Board members are expected to dedicate at least two days per month (on a voluntary basis) providing fresh, independent thinking and strategic expertise and advice.
The appointment will be made by the Prime Minister, in consultation with the Department for Culture, Media and Sport.
Please read the information provided by Tate and the Department for Culture, Media and Sport which sets out key information relating to the role.
Closing date: 17.00 on 15 February 2010. Interviews to take place in w/c 1 March 2010.

• Applicant Briefing Pack (PDF format, 495KB)
• Application form (Rich Text format)
• DCMS Public Appointments Guidance (PDF format, 59KB)
• Charitable Museums and Galleries: A guide to conflicts of interest policies (PDF format, 208KB)
• OCPA Complaints Leaflet (PDF format, 54.5KB)

Vicente Verdú: “Pintar sin pintura”, El País, 29 de enero de 2010

Un uso corriente que llama mucho la atención es el hecho de que las galerías de arte no cobren un céntimo por entrar en ellas y recrearse ante los cuadros. Pero también es llamativo que apenas se vea a alguna persona visitando una galería en Barcelona o Madrid y ésta debe de ser la razón de que sea completamente gratis. Si no pagando nada están desiertas, ¿cómo iban a esperar que se llenaran requiriendo un estipendio?
Pero otra importante razón de fondo para explicar la ausencia de público es tanto la arbitrariedad del valor que rige en el mercado del arte como los precios desaforados y ridículamente altos que se piden por un cuadro. Un doble asunto de hace varias décadas pero que sigue en pie como si no bastaran los espectaculares fraudes a lo Damien Hirst o las grotescas especulaciones en galerías, exposiciones y subastas.
El público no especulativo ni conspirativo, el mundo ajeno a la complicidad de críticos, galeristas y curators da justificadamente la espalda a este mercado que crece tanto en la mendacidad como en la banalidad y el desconcierto.
Hay críticas de especialistas que debieran orientar el gusto y fijar la importancia de un pintor pero si hay algo inextricable en todos los géneros posibles de escritura es (con excepciones) esta clase de textos donde raramente se adivina si el juicio es positivo o negativo porque viene a ser contemplativo. Faltos de instrucción, huérfanos de críticos inteligibles y náufragos en un mercado sustantivamente intrigante y especulador, el cliente potencial pierde interés por ir de galerías.
Un ejemplo que puede constatarse estos días en una céntrica calle de Madrid es la astronómica diferencia de precios entre las muestras de dos galerías vecinas y sin que medie nada demasiado cabal que lo justifique.
En la galería Orfila (fuera del prestigioso grupo galerista del Consorcio) expone un pintor, Martín Viveros, sin fama pero no sin talento, cuyas obras de “expresionismo abstracto” tienen fijados unos precios entre los 400 y los 1.200 euros. Diez metros más abajo, sin embargo, en la Marlborough los cuadros de David Rodríguez Caballero, cuya máxima característica consiste en pegar tiritas de vinilo sobre superficies de fieltro o papel vegetal, cuestan más de 12.000 euros. ¿Por qué? La pregunta, se dirá, es impertinente refiriéndose al arte. Pero la estupidez también.
Una galerista de estilo, perteneciente al Consorcio, confesaba que no expondría ninguna obra que supusiera un retroceso en su trayectoria vanguardista. Y el vanguardismo, una vez experimentadas todas las opciones provocadoras, viene a recaer hoy, especialmente, sobre la originalidad de los materiales que se utilicen. De ahí que se llegara a emplear excremento de elefante (Chris Ofili) como una elección todavía inédita en 1999 y que logró, junto a otras sensations de los jóvenes artistas británicos, la cola más larga de turistas en la historia del Brooklyn Museum.
El secreto se encuentra en “la propuesta” nueva, y la nueva propuesta lo será en estrecha relación con la novedad de los materiales. ¿La mano del artista? El artista de gran éxito hace tiempo que no mueve un dedo. Basta con constatar los resultados de los premios de pintura: los galardones recaen sobre obras que son una conjunción de soportes no convencionales, máquinas digitales y pueriles sortilegios tales como “pintar sin pintura” (Rodríguez Caballero).
¿La deshumanización del arte? Esto fue el tema de hace un siglo. De lo que se trata ahora es de la sublime institucionalización del camelo. Tampoco esto es de ayer ni siquiera de anteayer pero, a estas alturas, no debiera continuar ni mañana por la mañana. ¿Galerías vacías? La presente calamidad de la crisis compite con el insufrible nivel de la impostura.

BERLIN — Last week the shadow culture secretary for Britain’s Conservative Party, Jeremy Hunt, promised to introduce “a U.S.-style culture of philanthropy” if the Tories come to power in the coming election. Speaking before the State of the Arts conference in London, Mr. Hunt foresaw a “golden age” of tax breaks to encourage private donations and help cut back on government spending.

“I do believe in state funding,” he reassured his no doubt partly skeptical audience, “but we are committed to a mixed-economy funding model for the arts.” He added that the party’s shadow chancellor, George Osborne, agreed with him.

And in Paris last month the Pompidou museum was shut down by a strike for more than two weeks, and other museums for several days, because France’s president, Nicolas Sarkozy, also wants to reduce arts support. He has proposed making cuts in the whole state workforce, with its jobs for life and generous pensions, including at cultural institutions like the Louvre, the palace of Versailles and the National Library. The plan is for only one worker to replace every two who retire. The Pompidou Center’s labor union estimates that the museum would lose some 200 jobs in the next decade as a result.

French museums are supposed to raise money if they want more workers. In short, to Americanize the system, as Mr. Hunt is proposing in Britain.

Didier Alaime, who represents the Confédération Générale du Travail, the country’s biggest union, in its dealings with the Culture Ministry, said the other day that “the more public policies are dependent on private financing, the more they risk feeling the ups and downs of the market.” He added, “The more we’re dependent on outside financing, the less we”— he was speaking about the people of France —“control the policies that are financed.”

Mr. Alaime recalled how a few years ago the Louvre relied not on public money but on a gift from Total, the oil company, to pay for the restoration of its Apollo Gallery, where now “the name of the sponsor is more visible than the name of the gallery itself.”

“It gives the impression that culture is merchandise,” he said.

Franck Guillaumet, secretary of the union for Pompidou employees, echoed that thought. He lamented how “we have to struggle against this unfortunate trend in order to preserve the French cultural exception,” as many in France proudly call the country’s brand of cultural protectionism. Increasingly, he added, “we live under a Thatcherian system in which public service and civil servants are demonized.”

The only thing worse for the French than becoming more like America, apparently, is becoming more like Britain.

But Britain and France may not be so far apart when it comes to public versus private financing. For years Americanization has been creeping in in both countries and in others in Europe, like Italy and Germany. American culturati tend to idolize the Old World approach whereby governments pick up the tab for culture. (In the Pompidou’s case more than 70 percent of the cost of running the museum is paid by the French government.) But a consequence is that European cultural institutions have, compared with those in the United States, next to no tradition of private giving. There are few, if any, tax incentives to entice private donations in many countries. Even volunteer work tends to be frowned upon: paid employees seem to consider it a threat, not a boon to public service.

Here in Berlin I often escape for an hour or two to the Gemäldegalerie, this city’s museum of old master paintings, one of the best in the world. But because it’s off the beaten tourist path, and because this is Germany and not France, it is nearly always empty. In room after room of Giotto and Raphael, Titian and Rembrandt, Dürer and Holbein I find myself alone, save for the sandal-clad guards spending quiet days of monkish solitude, sharing what I have come over the years to think of as my private Filippo Lippi, my personal Vermeer, my own Chardins and Watteaus.

It is a glorious gift, and I am grateful to a public financing system that in this particular case is not yet in thrall to, or is proudly resisting, the marketing strategies that have turned the Musée d’Orsay in Paris and the Museum of Modern Art in New York and the Tate Modern in London into the equivalents of Wal-Marts on Black Friday. Bureaucratic benign neglect likewise sustains dozens of German opera companies, whose proliferation is a point of national pride. At the same time, by freeing these companies from market forces, it allows them to answer to pretty much no one except themselves. The abundance of mediocre opera productions in Germany is a consequence.

Even when government-sponsored culture begins with grand ambitions, the machinery of state can grind it down. Just as Georges Pompidou, France’s president, devised the Pompidou museum, his successor François Mitterrand opened the Orsay as part of an attempt to guarantee his own cultural legacy, and then Jacques Chirac did the same with the Branly museum for non-Western cultures. (In France presidents are aspiring Medicis, with public money.) In those cases — politics twisted how objects are displayed, as artifacts of a dubious revisionist history at Orsay and, even if unwittingly, as exhibits in a colonialist zoo at Branly — they also produced shopping-mall-style museums.

The point? Government patronage is no panacea in Europe, admirable and beautiful though it may be in principle and sometimes in reality. Private patronage, meanwhile, can have its distinct advantages. True, strings are usually attached. But a variety of donors tend to allow an institution more independence and flexibility, more lightness on its feet.

In Italy, where government-run museums struggle under sclerotic bureaucracies, private collectors and companies have set up foundations and exhibition spaces like the Fondazione Prada in Milan and the Fondazione Sandretto Re Rebaudengo in Turin that set a standard for contemporary art there. In Germany the Festspielhaus Baden-Baden, an opera house and concert hall criticized by many here for eschewing government money and relying on private patronage, though it has a mixed record, has given the Bayreuth and Salzburg festivals runs for their money.

American museum directors these days must spend their careers passing the tin cup, but by now government grants in the United States, which were always small, are beholden to special interests and awarded to recipients who will offend neither left nor right — so they offer no real alternative.

In an ideal world America would be more like Europe, and vice versa. In America’s case it’s probably too late. For the moment European museums are stuck between privatization and the lack of private donors.

You don’t have to be a Tory to believe that sweetening the pot, tax-wise, would help spur charitable giving. Despite what the French unionist Mr. Alaime said, public support doesn’t spare cultural institutions from cutbacks when the global economy tanks. And rich donors might even help compensate in bad times. In any case they’re necessary. Like it or not, Europe is, in this respect anyway, lurching toward America.

Maia de la Baume contributed reporting from Paris.