ORGANIZADO POR:
Centro de Formación Permanente de la Universidad de Sevilla, en colaboración con el
Instituto Internacional de Investigación, Estudios Técnicos y Emocionales, SL. (IIIETE.)

Objetivos:
> Invertir en personas creativas y libres.
> Búsqueda de la excelencia internacional, basada en la imaginación y la innovación destinadas a la creación actual a través de un novedoso enfoque pedagógico con un evidente desarrollo emocional y humano, con proyectos de investigación en la producción de arte.
> Estimular distintos campos de acción en el marco comunitario y cooperativo de trabajo. Para ello el alumno debe liberarse de los convencionalismos que obstaculizan los procesos creativos para llegar hasta territorios sin límites, con vocación plural, con solidaridad y compromiso hacia el entorno al que pertenece. Un arte total para el hombre y desde el hombre.

Consta de 2 módulos troncales, con 11 áreas de desarrollo y 6 líneas transversales:

Módulo 1: CREACIÓN Y ACCIÓN
Áreas de Desarrollo
1. Dibujo Contemporáneo
2. Csonora
3. El cuerpo como instrumento
4. Espacio Total
5. Formas
6. Gestión de ideas
Líneas transversales
1. Acciones de guerrilla
2. LEM (Laboratorio Espacial Museográfico).
3. Colorcube

Módulo 2: ARTE Y COMPRESIÓN
Áreas de Desarrollo
1. Crítica
2. Gran Cinema
3. Historia Crítica del Coleccionismo
4. Utopías de proyectos
5. Percepción
Líneas transversales
1. Arte (Actual)
2. Comisariado de Ideas
3. Daños Colaterales

Directores:
Don Fernando Martín Martín, Doctor y Profesor Titular de la Universidad de Sevilla (Departamento de Historia del Arte),
Don Francisco José Pérez Valencia, Doctor y Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla, Pintor, Museógrafo y Presidente- Consejero Delegado del IIIETE.

Profesorado:
Don Fernando Martín Martín. Doctor y profesor titular de la Universidad de Sevilla (Departamento de Historia del Arte).
Don Francisco José Pérez Valencia. Doctor y Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla. Pintor y Museógrafo. Codirector del Master Espacio Expositivo y Museografía Creativa en la Fundación Cajasol (Sevilla), con Título Propio de la UPC, y Codirector del Curso de Postgrado de Espacio Expositivo en la CCCB.
Don Enrique Acosta. Diseñador. Doctor y Profesor de Bellas Artes en la Universidad de Sevilla.
Don Juan Ramón Barbancho Rodríguez. Doctor, Crítico y Comisario independiente.
Don Arnaldo Basadonna Andújar. Arquitecto. Director del Md-I FPC-ETSAV, Fundación Cajasol, CCCB.
Don Eneas Bernal Matas. Comisario independiente. Coordinador de Exposiciones MUSAC
Don Miguel Castillón Torre. Diseñador gráfico y Museógrafo.
Don Mario Corea Dellepiane. Ingeniero Técnico Químico Industrial. CCCB.
Don Iván De la Torre Amerighi. Crítico de Arte y Comisario Independiente. Doctor y profesor en la Facultad de Geografía e Historia de la Universidad de Málaga.
Don Manuel Domínguez Macías. Músico.
Don Héctor Fernández Martín. Arquitecto. Profesor de la Escuela Massana de Barcelona (Universitat Autónoma de Barcelona).
Don Raúl Herrera Trujillo. Instituto del Cine de Madrid (NIC)
Doña. Magdalena Illán Martín. Doctora. Profesora Titular de Historia del Arte de la Universidad de Sevilla.
Doña María Jiménez Sequeiros. Interiorista. Profesora de la Escuela Massana (UAB) de Barcelona. Coordinadora de cultura de la escuela Massana (UAB) de Barcelona. Profesora en el grado superior de arte y diseño.
Don Francisco Lara-Barranco. Pintor y Profesor Titular de la Universidad de Sevilla. Departamento de Pintura de la Facultad de Bellas Artes.
Doña. Inmaculada Lobato Díaz. Bailaora. Flamencóloga.
Don Manuel Moreno Morales. Artista.
Doña. Rocío Pérez Espinosa de los Monteros. Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla, especialidad Pintura.
Don Miguel Ángel Robles Gómez. Licenciado en Ciencias de la Información. Especialidad de Periodismo, por la Universidad de Sevilla. Director General de EUROMEDIA COMUNICACIÓN.
Doña Gloria Rodríguez García. Diseñadora Gráfica.
Don Juan Ramón Rodríguez Mateo. Gestor Cultural y Comisario Independiente
Don José Carlos Roldán Saborido. Conservador-Restaurador de Patrimonio Cultural. (CAAC). Sevilla
Don Miguel Soler Núñez. Artista. Doctor en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla, especialidad Diseño y Grabado.
Doña. María Varona Gandulfo. Arquitecta y Museógrafa. Comisaria Independiente
Don Alejandro Wang Romero. Historiador del Arte. Museógrafo.
Charlas Magistrales:
Don Guillermo Vázquez Consuegra, arquitecto.
Don Francisco Rubiales, periodista.

Duración, día de la semana y horario del Curso:
7 meses. Todos los jueves laborables, de 10’00 a 19’00 horas.
Fecha de inicio:
10 de Noviembre de 2010.
Fecha de finalización:
29 de junio de 2011.
Fecha de preinscripción:
Del 1 de junio al 30 de septiembre de 2010.

Plazo de matrícula:
Del 1 al 20 de octubre de 2010.
Precio del Curso:
4.200 €
Plazas ofrecidas:
25. El inicio del curso queda condicionado al número mínimo de alumnos matriculados.
Número mínimo de alumnos para la realización del Curso:
20.
Criterios de selección:
Análisis curriculares y entrevista previa a realizar con los Directores del Curso.
Lugar de realización del Curso:
Sede del Instituto Internacional de Investigación, Estudios Técnicos y Emocionales, SL.
Calle Leonardo da Vinci nº 18. Edificio Marie Curie, Planta 4ª módulo 1. Parque Científico y Tecnológico Cartuja. 41092-Sevilla.
*Este curso cuenta con 30 créditos ECTS y consta de 750 horas, de las que 270 son presenciales.

Información e inscripciones:
Centro de Formación Permanente – Universidad de Sevilla
Pabellón de México
Avda. de las Delicias, s/n
41013 SEVILLA
Teléfono: 954 486 065
Web: www.cfp.us.es

Otra información relacionada con el Curso:
Secretaría del Instituto Internacional de Investigación, Estudios Técnicos y Emocionales SL.
Calle Leonardo da Vinci nº 18. Edificio Marie Curie,
Planta 4ª, módulo 1
Parque Científico y Tecnológico Cartuja. 41092-SEVILLA.
Teléfono: 954 46 13 66
E-mail: administracion@launiversidademocional.com
www.launiversidademocional.com

Comisario
Ignacio Pérez-Jofre

Del 25 de junio al 26 de septiembre de 2010.

Introducción
Esta exposición surge como resultado del proyecto de investigación Estudio psicogeográfico del Campus de Pontevedra, cuyo investigador principal es el profesor y artista Ignacio Pérez-Jofre, y ha sido financiado por la Cátedra Filgueira Valverde de la Universidad de Vigo; en él participan miembros del Grupo de Investigación Según (PE-1), dirigido por el Catedrático de Escultura Juan Fernando de Laiglesia. En este proyecto se plantea una identificación absoluta de la investigación artística con la creación; por lo tanto, los resultados del mismo son una serie de obras de arte producidas por los artistas/investigadores que han participado en él. El aspecto diferenciador es que estas obras han sido hechas a partir de unas premisas específicas:
el recorrido y observación de los espacios del Campus de Pontevedra de la Universidad de Vigo como punto de partida del trabajo creativo.

Contenidos
Esta experiencia inicial ha disparado diversas maneras de interpretar y recrear los espacios universitarios y el efecto que sobre la psique del individuo ejercen. Pero algo en común tienen las series de obras producidas: una cierta impresión de melancolía, de desorientación, de ausencia. En general, los artistas participantes se han fijado en los aspectos negativos del espacio y el tiempo universitarios; así, por ejemplo, se representan tablones de anuncios de los que se ha eliminado todo signo de la palabra, o se documenta mediante el dibujo la acción de pasar un día de vagancia, deambulando por el Campus como un alumno que “cuelga” clase sin motivo ni objetivo precisos. También nos fijamos en las aulas vacías y lo que se ve a través de sus ventanas, o en los tableros y restos de obras acumulados en los pasillos de la Facultad de Bellas Artes.

¿Implica esto una crítica hacia la institución universitaria? No es así. Más bien estamos hablando de aquello que excede la planificación y la eficacia, lo que se resiste a la norma, lo que rehúye la utilidad; y lo hacemos impulsados por el convencimiento de que es tan necesaria esta experiencia de indefinición, de dispersión y confusión como la estructuración inherente a un proceso de aprendizaje efectivo. Y que el orden, la eficacia y lo constructivo no pueden existir sin sus necesarios opuestos: el caos, la inutilidad, la erosión.

Exposición
La exposición, que se puede ver en la Fundación Laxeiro hasta el mes de septiembre, hace visible todo este proceso, proponiendo una reflexión sobre estas cuestiones, mediante la exhibición de las obras resultantes.

La muestra se enmarca dentro de ese programa de continuidad, comenzado con la exposición Hacer y dejar de hacer, producto de un acuerdo de colaboración entre la Fundación Laxeiro y la Universidad de Vigo, por medio del que se pretende hacer visible el trabajo artístico de los alumnos y alumnas que forman parte de diversos proyectos de investigación, brindándoles la posibilidad de participar no sólo en la gestación de un proyecto (no seno de la Universidad) sino también de llevarlo a la práctica mediante el montaje expositivo en la Fundación Laxeiro y tener así a experiencia de esta faceta de la tarea artística, del paso de la teoría a la práctica, y, por lo tanto del conocimiento in situ de los procesos internos del montaje de una exposición colectiva para su exhibición pública.

Artistas
Los artistas participantes son los que figuran en el proyecto de investigación, a los que se añade una artista, Ronda Bautista (Premio Adquisición Feima-Fundación Laxeiro en 2007), quien, por la afinidad de su trabajo con el proyecto, ha sido invitada participar.

. Begoña Ante
. Ronda Bautista
. Miguel Cuba
. Patricia Duarte
. Elena Fernández Prada
. Juan Loeck
. Ignacio Pérez-Jofre

OBRA
Caminos de la ciudad. Patricia Duarte
La idea de esta obra nace en el grupo de investigación sobre psicogeografía del Campus de Pontevedra. Fue entonces cuando se me ocurrió investigar cómo fluían por la ciudad aquellos que día a día se dirigían a la Universidad.
Caminos de Ciudad, es una obra que se confecciona a partir de dibujar los recorridos que dichas personas realizan, ya sean rutas en solitario, condicionadas por la compañía, a pié o en bicicleta, diferentes a la ida que a la vuelta; éstas resultan numerosas y variadas. Y resulta curioso observar, cómo los diferentes trazados confeccionan una trama que poco a poco va formando una malla que recuerda a un sistema circulatorio en el cual las venas principales destacan sobre las pequeñas terminaciones.
Junto con Caminos de Ciudad, he realizado otra pieza de igual técnica titulada Caminos de Universidad. En este caso, se trata de los recorridos realizados únicamente entre los cuatro edificios del campus que se sitúan próximos entre sí. Cuatro edificios que funcionan como las cuatro válvulas del corazón. El objetivo es el mismo, estudiar a través de la obra cómo discurren los distintos recorridos de los integrantes de la universidad a través de su dibujo.
Ambas piezas se realizan en color azul, rememorando a los dibujos que los estudiantes realizan con bolígrafo sobre sus carpetas, libretas, etc. Además, en ellos, se puede observar las diferentes superposiciones de los trazados, haciendo visibles las huellas comunes de las diversas personas que han coincidido en su recorrido.
A partir de esta obra se abren varias posibilidades de investigación y expresión, que espero en breve, deparen nuevas obras y originales métodos de creación.

El patio. Ronda Bautista
He trabajado sobre el patio de la Facultad de Bellas Artes y el edificio de la Escuela de Moda que está dentro de este patio. El patio debería ser un espacio de encuentro para socializar con otros compañeros, descansar o divertirse pero no parece tener esa atmósfera de lugar de recreo, o al menos no del todo. En el patio tiene mucha presencia el edificio de Moda, parece como si una grúa gigante lo hubiese depositado allí ya prefabricado, en el único espacio abierto de la Facultad.
El patio se ha convertido más bien en un lugar de paso que en un lugar para estar, existe en él un vacío, tiempos detenidos, signos de lo inacabado… resulta un lugar frío y melancólico.
He pintado dos cuadros de vistas de este patio, en uno se aprecia el vacío (espacio aprovechable) y en otro la fachada del edificio de Moda que aparece en primer plano como algo con lo que chocamos directamente.

Miguel Cuba
La obra plantea el absurdo de cómo una actividad ociosa (“hacer pellas”), puede llegar a convertirse en algo tedioso. La idea es gastar tiempo en el campus, sin sobrepasar sus límites, pero obligándose a faltar a clase durante toda una jornada (de 8.30 a 21.30). Ocioso a la fuerza, esa decisión se convierte más en castigo que en disfrute.
No sólo dibujos del natural, sino también los pensamientos, estados de ánimo y sensaciones físicas experimentados, son recogidos en un cuaderno, que constituye simultáneamente la obra y el registro de esta pieza procesual.

Seis piezas sin título. Elena Fernández Prada.
Llegué al campus de Pontevedra un día soleado. Eran las dos de la tarde y había mucho movimiento de estudiantes y coches que lo abandonaban, probablemente acababan de terminar las clases para muchos y se iban a sus casas o a comer a algún sitio, lo cierto es que me pareció un lugar lleno de vida. Aparqué el coche y me di un paseo entre las facultades, todas ellas están rodeadas de zonas verdes y de árboles. Al cabo de unos minutos, todo el mundo había desaparecido, los vehículos y los estudiantes, el campus estaba desierto. Me metí en la primera facultad que vi con la intención de fotografiar cualquier cosa que me llamase la atención, sobre todo signos del uso o de la actividad que allí se realiza todos los días; no vi nada, ni muebles desgastados, ni pintadas, ni objetos descolocados.
Todos los papelitos escritos estaban en los corchos, las paredes limpias, las taquillas impecables, ni una pegatina, ni una palabra grabada. Viniendo de una facultad como la de Bellas Artes todo esto me sorprendió y, en el fondo, me decepcionó. Recorrí los pasillos en busca de algún aula abierta pero todas estaban cerradas con llave.
Únicamente podía ver parte del interior a través de unos ventanucos abiertos en las puertas, pero sólo percibía un espacio oscuro y paisajes fragmentados del exterior del campus a través de los huecos que dejaban libres las persianas sobre las ventanas. Muchas de estas persianas estaban torcidas formando cuadros irregulares que me llamaron la atención, como si fueran una de las pocas cosas inestables que pudiera encontrar allí dentro.
Me puse a hacer fotografías con una pequeña cámara de bolsillo, fui de clase en clase buscando esas vistas entre las persianas. A veces lo que se veía carecía de movimiento, como cuadros, pero otras veces pasaba un coche o un estudiante rezagado cruzaba una calle; todo se producía con lentitud, o al menos así lo percibía yo, quizá fuera el sol de mediodía que quemaba la escena y que se contraponía a la difícil visión del aula vacía y oscura, o quizá fuera el silencio del interior del edificio, probablemente la unión de todo ello era lo que causaba esa sensación. Fui de una facultad a otra como un cazador furtivo, intentando capturar esas imágenes rápidamente, sin que las pocas personas que había se dieran cuenta, no quería que me vieran ni que me dijeran nada. No sabía muy bien qué era lo que iba a hacer con ellas pero poco a poco las fui viendo como pequeñas películas o como los fragmentos de una grande que transcurría en el exterior todos los días con los mismos ritmos, los mismos sonidos y los mismos cambios de luz pero que, vista a través de esas ventanas, adquiría un carácter extraño, distanciado, se transformaba en otra cosa, en una escenificación.
Intenté recoger en vídeo esa sensación, pero no dio resultado, la imagen era vulgar. Regresé a los mismos lugares varias veces pero todo fue diferente, ni siquiera conseguía tener esa misma percepción que únicamente volvía al ver de nuevo las primeras fotografías que había hecho. Me di cuenta, entonces, de algo que ya me había pasado otras veces y es que me resultaba imposible representar lo que había vivido de cualquier otro modo y que aunque volviera a hacer las mismas imágenes ya no serían lo mismo.

Juan Loeck
su aportación es una serie de reflexiones a partir de la observación de un fenómeno muy común en las zonas verdes urbanizadas, que consiste en la aparición de senderos fantasmas,  senderos que no fueron diseñados por el paisajista, sino que son generados por el transcurrir diario de la gente que traza de forma natural sus caminos, normalmente atajando por lugares en principio no proyectados para ello.  Ante éste fenómeno, el paisajista a veces se revela imponiendo al transeúnte barreras para evitar el paso.  Otras veces trata de repoblar la hierba. Otras veces construyendo caminos estables.
Loeck documenta  gráficamente algunos ejemplos de la evolución espacio-temporal de estos caminos singulares, localizados en paseos del Campus a casa por la Ciudad de Pontevedra, en tres momentos diferentes; hace unos años, hace unos meses, hace unos días. Finalmente propone posible solución para dos de estos caminos forzados que localizó en el Campus.

Apilaciones. Ignacio Pérez-Jofre
La serie “Apilaciones” nace de unos recorridos creativos por los espacios del Campus, que poco a poco se fueron centrando en un procedimiento, el dibujo del natural, y un lugar, la Facultad de Bellas Artes. Hay detrás de estas decisiones una voluntad de referirme a ámbitos que me son cercanos, familiares. De lo que iba encontrando por los pasillos y aulas de la Facultad, me llamó especialmente la atención las acumulaciones de tablas, listones, bastidores, telas y demás materiales que se pueden encontrar apoyadas en las paredes de un pasillo de la planta baja, cerca de las puertas de los diversos talleres. Estas apilaciones presentan una configuración que es a la vez inintencionada, casual, y fruto de una lógica interna, de una necesidad morfológica.
Además, como acción no planificada por la institución, sino realizada espontáneamente por los individuos que la habitan, el uso de estos espacios de tránsito como improvisados almacenes es también emblema de la distancia entre los esquemas ideales y su materialización real. La organización eficiente, en la que cada cosa está en su sitio y tiene una función precisa,
se ve desbordada y desestabilizada por estas situaciones en las que los objetos y materiales se nos presentan de manera confusa, ambigua, colocados a medio camino entre lo útil y lo desechable, lo ordenado y lo caótico. 

Begoña Ante
Begoña Ante fotografía lugares de paso de las facultades, espacios comunes que habitualmente están saturados de mensajes escritos.
Son lugares recurrentes para colgar anuncios y además suele haber gran cantidad de mensajes de la propia señalética del edificio. La artista elimina toda referencia textual en estas imágenes, componiendo una image nueva que, a pesar de la familiaridad de lo fotografiado, ofrecen una visión extraña de esos lugares de paso tan familiares.

Fundación Laxeiro.
Policarpo Sanz, nº 15, 3º
36202 Vigo
Tlf/Fax: +34 986-43 84 75
fundacion@laxeiro.es
www.laxeiro.es

El artista asturiano Avelino Sala presentará dos libros sobre su obra el próximo viernes, día 29 de julio, en la Mediateca de LABoral Centro de Arte y Creación Industrial. El acto contará además con la presencia de Rosina Gómez-Baeza, Directora de LABoral, y del Comisario Jefe del Centro, Benjamin Weil.

Avelino Sala, documenta la obra El enemigo está dentro, una instalación site-specific, realizada por el artista para el patio central de Laboral Ciudad de la Cultura en 2008. Incluye imágenes del trabajo y textos del propio artista y de los críticos de arte Fernando Castro Florez, José Luis Corazón Ardura y José Manuel Cuesta Abad. La frase procede de uno de los episodios de la guerra civil en el asedio a la ciudad, y es aprovechada por el artista no sólo establecer un diálogo evidente con el significado de la arquitectura que lo acoge, sino también para realizar una doble lectura acerca del estado de la cultura en nuestros días.

Por su parte, La Voz remota recoge una conversación entre el crítico José Luis Corazón Ardura y el propio Avelino Sala y ha sido editado con motivo de la realización de dicho proyecto Según Fernando Castro Florez , que realiza la introducción, este diálogo “sin guión pero de una coherencia significativa demuestra que se puede hacer de una conversación una pieza. Así lo que ha terminado por sedimentar en este libro es una suerte de escultura textual es una suerte de escultura textual”.

Avelino Sala es probablemente uno de los artistas asturianos más fecundos y cuyo trabajo ha logrado más proyección en diferentes convocatorias y espacios expositivos. Su obra se ancla en la más absoluta contemporaneidad, alimentándose en sus inicios de una realidad cercana, casi autobiográfica, con trabajos en los que aparece como protagonista, tatuándose su propio cuerpo de forma digital, recreando sus aficiones, caso de La espera, donde aborda el deporte del surf, o el proyecto Ícaro, en el que sus personajes vacíos literalmente visitaban los muelles de carga del puerto, las construcciones industriales abandonadas a su suerte, o el carbón tan identificado a Asturias. Sin abandonar el dibujo, disciplina siempre atendida en su obra, la escultura en sus más variadas formas, o la fotografía, en su trayectoria cada vez ha ido tomando más relevancia el vídeo como soporte, erigiéndose en protagonista de su producción. En sus últimos trabajos Avelino Sala ha tomado posiciones mucho más comprometidos, adentrándose en temáticas sociales y de lectura política, como es el caso de la instalación presentada Disparad sobre nosotros.

LABoral Centro de Arte y Creación Industrial
Los Prados, 121
33394 Gijón
Asturias.
T. +34 985 185 577
F. +34 985 337 355
info@laboralcentrodearte.org
www.laboralcentrodearte.org

Enrique Larroy, nacido en Zaragoza en 1954 es un pintor que ha hecho de la pintura su profesión, desde 1973 cuando realizó, con 19 años, su primera exposición. Es, en palabras suyas, un pintor pausado y silencioso en su trayectoria y violento y agresivo en sus cuadros llenos de color. Ha expuesto sus obras individualmente en más de 30 ocasiones y en muchísimas colectivas. Ha recibido premios importantes y ha estado becado con estancias en la Academia de España de Roma y en la Casa de Velásquez de Madrid. Sus obras forman parte
de numerosas colecciones públicas y privadas.
El artista ha evolucionado desde posiciones próximas al dadaísmo, el constructivismo, el popart, los movimientos cinéticos y el posminimalismo, sin olvidar algunos planteamientos próximos al inquietante surrealismo. Cuando empezó a dedicarse a la pintura en los años 70, estaba en auge el conceptualismo y sin embargo revalorizó insistentemente la pintura, la práctica atávica de la pintura. Sus influencias de las vanguardias las ha transformado en lenguajes posmodernos. Así, con pintura, resuelve lo que otros solucionarían con objetos, con pintura construye estructuras aparentemente geométricas inestables, con pintura recurre a utilizar colores que nada tienen que ver con la naturaleza y sí con el mundo industrial, globalizado y consumista. Como ha dicho algún crítico sus colores naranja nada tienen que ver con las naranjas de Valencia pero sí con los colores de las golosinas. De la misma manera que Andy Warhol elevó a arte las sopas enlatadas o la Coca-cola, Larroy nos introduce en esos conceptos de consumo a través de sus colores artificiales.
MUESTRARIO se llama esta exposición de 19 pinturas recientes y la mayoría de gran formato. Sin duda el título alude a un aspecto comercial, el muestrario de productos a través de los que los comerciantes eligen los productos para vender. La pintura como un producto de mercado, que aunque es portadora de otros valores, la compraventa forma parte de su esencia. Los títulos de las obras y las exposiciones de Larroy siempre tienen un aspecto irónico y ambiguo. Una mirada oblicua resume mi comentario en el catálogo de la exposición. Larroy siempre mira de soslayo la realidad y sus dudas las plasma en sus pinturas, dando lugar a un arte atrayente e inquietante.
La Sala de La Villa forma parte del edificio gótico del ayuntamiento. El edificio ha sido rehabilitado recientemente por el Gobierno de Aragón y otras insituciones como Ibercaja, el Museo de Teruel, la Comarca de Gúdar- Javalambre y AGUJA han contribuido al acondicionamiento de la sala como lugar expositivo y a que esta exposición con la que se inaugura el espacio haya llegado a buen término. Sirve pues esta exposición de Enrique Larroy como inauguración y celebración de todos estos aspectos. La Sala de La Villa será a partir de ahora una sala de exposiciones temporales compatible con otros usos culturales.

Ricardo García Prats

LUGAR
Palacio de Exposiciones y Congresos de Santander (Avda. del Stadium, s/n. 39005 Santander).

FECHAS
Del 21 al 25 de julio de 2010.

CONTENIDOS
32 galerías de Arte Moderno y Contemporáneo
En la edición 2010, se mantienen también contenidos que por otra parte ya son habituales y destacan por su indudable éxito y aceptación en ediciones pasadas. Este año, gracias al acuerdo que se mantiene entre URCASA y Aparcamientos Santander, se desarrollará de nuevo el programa “Visiones Urbanas”, un proyecto que saca la Feria a la calle y la acerca a todos. El valor añadido en esta edición radica en la posibilidad que tendrán las galerías polacas de utilizar igualmente los espacios urbanos elegidos. De esta manera, el espectáculo visual que supone el proyecto en las calles de la ciudad ganará en diversidad.
En definitiva y como resumen, ARTESANTANDER avanza, crece y se consolida ya como referente del arte contemporáneo del norte de España y, cada vez más, con más nombre y prestigio en el panorama internacional. Mientras el sector se encuentra en un periodo delicado, la Muestra cántabra, aún siendo una Feria de pequeño tamaño, aumentará la participación – alcanzará este año la muy destacada cifra de 54 galerías-. Un crecimiento que se sustenta en su apuesta decida por una oferta expositiva de calidad y por la universalidad de un arte, el contemporáneo, cada día más atractivo y cercano para todos.

MIEMBROS DEL COMITÉ DE SELECCIÓN ARTESANTANDER
Son miembros del Comité de Selección:
D. Miguel Cereceda, profesor titular de Estética y Teoría de las Artes en el Departamento de Filosofía de la Universidad Autónoma de Madrid y miembro de la Junta directiva del Círculo de Bellas Artes de Madrid, crítico de arte en el diario ABC de Madrid.
D. José Guirao, administrador cultural, licenciado en Filología Hispánica, ex director del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y actual director de La Casa Encendida, la fundación cultural de Caja Madrid.
D. Rafael Doctor, ex director del Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (MUSAC), gestor cultural y actual director de la Fundación Santander 2016.
Como secretario del Comité, con voz y sin voto, actuará Juan González de Riancho.

PROYECTO PROJECTS FUNDACION SANTANDER 2016
COMISARIO: Óscar Alonso Molina
Participan:
SANTIAGO ALCOCER (Madrid, 1983)
Galería Espacio Mínimo, Madrid.

· KRISTOFFER ARDEÑA (Dumaguete, Filipinas, 1976)
Galería Oliva Arauna, Madrid.

· JUAN CARLOS BRACHO (La Línea de la Concepción, Cádiz, 1970)
Galería Carles Taché, Barcelona.

· PHILIPP FRÖHLICH (Schweinfurt, Alemania, 1975)
Galería Soledad Lorenzo, Madrid.

· ANNE-LINE COSTE (Marsella, Francia, 1973)
Galería Nogueras Blanchard, Barcelona.

· REGINA DE MIGUEL (Málaga, 1977)
Galería Maisterravalbuena, Madrid.

· NATIVIDAD BERMEJO (Logroño, 1961)
Galería Estrany de la Mota, Barcelona.

· JESÚS ZURITA (Ceuta, 1974)
Galería Sandunga, Granada.

PANORAMA POLONIA
Tras la presencia en la edición 2009 de Bélgica como país invitado y confirmado el éxito que supuso la participación en la Feria de cuatro de sus galerías más destacadas, Polonia toma el relevo exterior en
ARTESANTANDER para dar continuidad al impulso internacional. Los buenos resultados que los galeristas belgas obtuvieron y el interés que despertó PANORAMA BÉLGICA entre los asistentes a la Muestra el verano pasado, anima a redoblar este año los esfuerzos para dar continuidad a una fórmula aperturista y global que, a buen seguro, es el futuro de la Feria.
ARTESANTANDER tiene claro que solamente con la referida internacionalización de parte de sus contenidos, con el apoyo constante a la producción artística más cercana y, singularmente, con la participación en el dinámico proceso cultural que la Comunidad experimentan con motivo de la candidatura de Santander 2016, es posible el crecimiento. La mejora permanente del discurso de vanguardia presentado, traducido en unos contenidos, propuestas y actuaciones cada vez más elaborados y de calidad, es el camino a una excelencia que permitirá competir en próximos años en un mundo, el expositivo, con una gran competencia. Fiel a la política de mostrar en la Feria solamente lo mejor y de ahondar especialmente en aquellas propuestas capaces de sorprender, despertar la curiosidad de visitantes y compradores y ser rentables para todos, la
elección de Polonia no se deja al azar. Tal hecho responde a una conjunción de valores, filosofía de la propia organización y base de su modus operandi, que el país del Este de Europa cumple a la perfección. El arte polaco actual tiene la capacidad de aportar, además de una producción de vanguardia que al pertenecer a una cultura tan diferente a la nuestra sumará frescura y novedades atractivas, unos planteamientos creativos avanzados, cada vez más de moda en Europa, que no defraudarán a nadie.
Como país, Polonia es por su potencial social, artístico y cultural y por sus dimensiones y población, una de las naciones más interesantes por su proyección de futuro. La relevancia y el peso específico que el antiguo país comunista está tomando en el panorama internacional, su marcada personalidad y su carácter creativo, unido a su liderazgo
entre los antiguamente llamados países del Bloque del Este, hace necesario tenerlo cada vez más en consideración y confirma como un acierto su presencia en la Feria.
Polonia y los polacos, incluidos sus artistas, han tratado siempre de encontrar una explicación racional a su convulso devenir histórico y esa búsqueda por dar un sentido a las cosas ha marcado, metafísicamente, toda su trayectoria creativa. Esos acontecimientos, algunos extremadamente recientes, han sido en realidad auténticas pruebas capaces de demostrar que el arte polaco era capaz de sobrevivir a todo y que la cultura era la forma más solvente de conservar la propia identidad, utilizado la expresión artística, incluida la más reciente, como bandera de supervivencia. Hoy Polonia, al fin, ya dentro de la Unión Europea, es un país moderno, de excelentes espacios museísticos y galerías de vanguardia, lugar de celebración de cada vez mejores ferias de arte y propuestas culturales alternativas, un país, en definitiva, lleno de atractivos artísticos y culturales.
El hecho de que una ciudad polaca, junto con una española entre las que puede estar Santander, vaya a ser Capital Europea de la Cultura en 2016 es, por otra parte, una razón más para que en esta edición
de ARTESANTANDER la Fundación 2016 se implique con decisión en el proyecto aprovechando la importancia y relevancia de la Feria dentro y fuera de nuestras fronteras. De este modo se elige a Polonia como país invitado en la Feria y, con PANORAMA POLONIA, tendremos la oportunidad de estrechar lazos con este país
disfrutando de la presencia de cuatro excelentes galerías minuciosamente seleccionadas por la Organización en base a la calidad y frescura del arte polaco emergente.

INFORMACIÓN
Dirección de la feria: Juan González de Riancho Bezanilla
Ayudantes técnicos a la dirección:
Ruth Méndez Pinillos (Consejería de Cultura Gobierno de Cantabria)
Belén Poole Quintana (Ayuntamiento de Santander)
Administración y responsable de prensa: Elena Casquero Nava
Asistencia a la dirección: Mª Jesús Gómez Fernández
Fotografía: Belén Pereda
Oficina Técnica: C/ San Fernando, 58. Escalera Derecha Puerta 7.
39010 Santander.
Tel. +34 942 237 672
e-mail: info@artesantander.com
Página web: www.artesantander.com

Eduardo Gruber. La última cena. Óleo sobre papel/tabla.

Del 2 de julio al 4 de agosto de 2010

EL DESEO DE LA PINTURA

Hay en esta exposición de Eduardo Gruber un pequeño cuadrito que se titula “El deseo”. Se trata de un trampantojo. En él aparece una postal o una foto recortada y pegada con papel adhesivo sobre una tabla de madera. ¿Qué es lo pintado y qué es lo real? Cuando el espectador se acerca a contemplar el cuadro, la perplejidad aumenta. Pues la apariencia es sin duda la de un recorte de una revista adherido sobre una tabla de madera. Sin embargo, el engaño consiste en que el recorte es real y está realmente pegado, pero lo pintado es precisamente la tabla. Lo menos aparente para el espectador, allí donde uno menos fija su atención, allí es precisamente donde el pintor ejecuta su engaño. Se trata sin duda de un engaño con respecto al principio de realidad. “El deseo” lo titula el artista. La imagen escogida procede de un anuncio de cigarrillos marca Chesterfield. Unos jóvenes subidos a un tren que lleva un descapotable. Parecen polizones camino de la playa, haciendo una travesura. La imagen sugiere la idea placentera de “dejarse llevar”. ¿Es esa la imagen del deseo? Viajar, escapar de la rutina, hacer una travesura, irse de vacaciones… La imagen placentera choca sin embargo con una extraña realidad. Está fijada con cinta adhesiva sobre una tabla de madera. ¿Cuál es entonces aquí la idea del deseo?

Pero tal vez el deseo que aquí actúa o con el que aquí se juega no sea tanto el deseo de viajar o de dejarse llevar, como con la idea del deseo de pintura. Pues en realidad, cuando uno asiste a contemplar los cuadros, eso es lo que se busca y desea. Pero el recorte es un papel “real” y eso defrauda un poco nuestras expectativas con respecto a nuestro deseo de pintura. Sin embargo, nuestro deseo defraudado es por el contrario el único realmente satisfecho. La pintura estaba oculta, bajo la apariencia de una madera pintada.
De modo que la realidad “real” se confabula con la realidad “virtual” para generar un objeto que nos pone en cuestión la idea misma de lo real. Así se introduce un principio de sobre-realidad o de súper-realidad que es el que efectivamente actúa en esta exposición de Eduardo Gruber. “En el fondo –me escribe el artista–, todo el trabajo en el que ahora estoy inmerso, de algún modo lo que hace es cuestionar el concepto de realidad”.
Se trata de un principio formulado por un movimiento estético y artístico que goza ya de una notable tradición. Pues su trabajo consistió precisamente en confundir deliberadamente los límites entre la realidad y el deseo o también entre lo onírico y lo real o, de un modo más preciso, los límites entre lo consciente y lo inconsciente, para generar de este modo fascinantes objetos poéticos. Unas tijeras con sombrero o un muro que descansa cómodamente sobre un sofá son objetos de este tipo. Esta tradición dio en llamarse en español “surrealista” por una traducción directa del francés mimética y fonética, aunque su nombre correcto hubiera sido “sobrerrealismo” o “superrealismo”. La vocación surrealista de esta exposición es evidente. La aparición fantasmal del rostro de Luis Buñuel flotando sobre un sofá nos lo confirma.

Buñuel, o tan sólo su cabeza, flotando mágicamente sobre un sofá, en una aparición que nos recuerda otro cuadro de Dalí, las “Seis apariciones de Lenin sobre un piano”, Buñuel, uno de los grandes padres del surrealismo, nos lo confirma: en esta exposición Eduardo Gruber viene a ponerse bajo la advocación del Surrealismo. No hacía falta ser muy avezado para verlo. Algunos de los pequeños óleos de esta exposición lo evocan con rotundidad: un muro que reposa sobre un sofá puede recordar acaso esos encuentros sorprendentes de los emblemas de Alciato que reúnen cosas arbitrarias para crear imágenes alegóricas. Sin embargo, qué duda cabe, que el procedimiento es el invocado deliberadamente por Breton, citando a Max Ernst, citando a su vez a Lautréamont: «consiste en la explotación del encuentro fortuito en un plano adecuado de dos realidades distantes (lo cual no es más que paráfrasis y generalización de la célebre frase de Lautremont: “bello como el encuentro fortuito entre un paraguas y una máquina de coser sobre una mesa de disección”)»[1]. Lo mismo nos pasa cuando vemos unas tijeras con sombrero, que nos recuerdan a Magritte o un maniquí de los pintados por De Chirico, emergiendo de la espuma de un mar de estampados textiles, alimentado por un grifo. Qué duda cabe entonces de que lo que aquí tenemos es una especie de homenaje explícito a los maestros y a la tradición del Surrealismo.
Sin embargo Eduardo Gruber no es un pintor surrealista. A lo largo de su vida de pintor ha sido muchas cosas o, mejor dicho, ha desarrollado muchos lenguajes y muchas tradiciones artísticas, pero desde luego no precisamente la surrealista. Ha podido ser informalista, expresionista abstracto o incluso militante de la abstracción geométrica, pero el Surrealismo constituye una sorprendente novedad en su lenguaje. Sin embargo, el artista me lo explicita claramente en su carta: su coqueteo tangencial con el Surrealismo no es más que parte de esa deliberada exploración del principio de realidad: “Aquí –me escribe– puedo hacer un cóctel con conceptos como simulación, representado cosas, fingiendo lo que no son, el trampantojo, haciendo ver a uno lo que no es, la realidad del cuadro como objeto, la realidad que “describe” el cuadro, la realidad objetiva del autor o la subjetiva del espectador, esa aparición, aunque sea tangencial, del mundo surrealista, la exaltación de los procesos oníricos, la ironía en la representación, el proceso creativo que empieza por la elección y rescate de imágenes que pasan por delante de mí y que temporalmente archivo hasta que pierden su oportunidad…”

Toda la historia de la pintura no ha evolucionado sino de un modo semejante. En rigor, dándole vueltas al principio de realidad. El simbolismo de la representación medieval no ambicionaba otra cosa y por eso precisamente fue criticado por los pintores del Renacimiento: por alejarse de la representación de la realidad. Pero el Barroco criticó al Renacimiento por su excesiva idealización de la representación y condujo a la pintura hacia un naturalismo descarnado, más realista. Diderot criticó por su parte a los pintores del Barroco por pintar una realidad en la que uno ya no podía reconocerse y exigió al naturalismo un entorno más real, más doméstico. El Romanticismo se sublevó contra esa pacata realidad y exigió del arte la representación de una realidad más verdadera y más sublime. Delacroix y Turner y Friedrich no quisieron otra cosa con su arte. Pero, con aquella romantización, se alejaron sin embargo idealmente de la realidad y por eso la reacción anti-romántica apuntó en dos direcciones: por un lado, hacia el naturalismo de Courbet y, por otro, hacia el objetivismo impresionista en la representación de los colores. En cuanto heredero del impresionismo, el cubismo no quiso sino representar la realidad de un modo más perspectivista. Y ya hemos visto cómo el Surrealismo no pretendía sino un principio de sobrerrealidad. Que según esto la gran polémica artística del s. XX, formulada por la tradición marxista, haya sido una polémica sobre el realismo, a nadie debería sorprender. El problema del realismo socialista no era entonces un problema ajeno o marginal con respecto a esta tradición. Si una de las grandes obras de la crítica contemporánea, El retorno de lo real de Hal Foster, se formula explícitamente tratando de considerar este retorno, ello evidencia con toda claridad que éste es el problema general de la pintura.

En una conversación con Miguel Fernández-Cid, Eduardo Gruber hablaba de algo que descubrió el día que decidió dedicarse verdaderamente a la pintura: “Ese día hice también un descubrimiento: supe que la incertidumbre, la duda, es la base de la creación, y que se debe caminar hacia lo desconocido”[2].
Ese era precisamente el método del que alardeaba Georges Bataille, uno de los surrealistas más heterodoxos, en La experiencia interior: el proceder hacia el no saber. “El no-saber es el fin y el saber es el medio”[3] –afirmaba allí. Sobre el no-saber desarrolló Bataille todo un ciclo de conferencias, impartidas en el Collège Philosophique, entre 1951 y 1953[4], y con ellas deseaba publicar El sistema inacabado del no-saber, volumen quinto de su Summa Ateológica[5].
“En el arte siempre debes orientarte hacia lo desconocido –le decía Eduardo Gruber a Luis Eduardo Salcines–. Tiene que haber una tensión que produce lo desconocido, el deseo de ver qué pasa”[6].
Siguiendo sin duda ese “deseo” de ver qué pasa Eduardo Gruber se aproxima ahora al surrealismo por aquello que tenía precisamente de “cuestionamiento del principio de realidad”. Éste era entonces el extraño “deseo” que aquel cuadrito de título enigmático expresaba: el deseo de cuestionar la realidad, a ver qué pasa. Sobre esa experiencia se construye la verdadera pintura.

[1] André Breton, “Situación surrealista del objeto. Situación del objeto surrealista” (1935), en Manifiestos del surrealismo, Labor, Barcelona, 1992, p. 303.
[2] Eduardo Gruber, “1985, los orígenes, la ópera, la escala”, correo electrónico remitido a Miguel Fernández-Cid desde Santander, 12 de agosto de 2006; en Miguel Fernández-Cid, Eduardo Gruber. Del dibujo como pensamiento solitario, Colegio Oficial de Aparejadores y Arquitectos técnicos de Cantabria, Santander, 2007; p. 35.
[3] Georges Bataille, La experiencia interior,en El aleluya y otros textos, ed. de Fernando Savater, Alianza Ed. Madrid, 1981, p. 38.
[4] Publicadas en castellano en Georges Bataille, La oscuridad no miente. Textos y apuntes para la continuación de la Summa Ateológica, Ed. de Ignacio Díez de la Serna, Taurus, Madrid, 2002.
[5] Id. “Planes y proyectos de la Summa Ateológica”, p. 205.
[6] Luis Alberto Salcines, “Eduardo Gruber: en el arte siempre debes orientarte hacia lo desconocido”, entrevista, Cantabria infinita, nº 1, Santander, 2004, p. 54

MIGUEL CERECEDA

Galería Siboney
C/ Castelar, 7
39004 Santander
www.galeriasiboney.com

Lugar:
Teatro Municipal de Almada
Lisboa

Comisariado por: Marta Mestre/ Pedro Calapez

O dia mais longo do ano
Diez artistas contemporáneos exhiben las obras en el Teatro Municipal de Almada.
Belén Uriel, Carlos Rial, Diogo Pimentão, João Maria Gusmão | Pedro Paiva, Margarida Paiva, Rodrigo Oliveira, Tiago Mestre, Rui Moreira, Sérgio Dias , Susanne S.D. Themlitz

El día más largo del año es un juego de lenguaje sobre los procesos de inducción que transmiten imágenes contemporáneas. La fijación y la repetición visual o verbal. La puesta en escena y la teatralidad. La alternancia y la ilusión. El juego y la hipersensibilidad. Aspectos distintivos de las imágenes, y que también caracterizan el papel del actor y el radicalismo del teatro.

Juan-Ramón Barbancho comisaría esta sección del Festival de video de Berlín.

La ciudad es el lugar en el cual se entrecruzan las historias, las vidas y las culturas de muchos seres y grupos sociales. De ahí que a través del tiempo se haya constituido la ciudad como legítima hibridación de lo heterogéneo. En ella conviven las más disímiles expresiones de vida y cultura, desde el glamur de lo llamado culto hasta lo vernáculo.

Hay en la ciudad actual múltiples espacios habitados y habitables. Unos espacios urbanos que a menudo configuran la forma de ser de los habitantes de una determinada manera, en la misma medida que los habitantes definen el espacio, tanto el doméstico como en urbano, como ocurre en la obra de Nicolás Dumit Estévez (Love is blind, 4’. 2003), donde, a través del recorrido por la ciudad de Nueva York vamos descubriendo los personajes y los “peligros” de la urbe contemporánea. Dentro de cada espacio se desarrollan prácticas urbanas que determinan en buena medida el ser individual y colectivo. Más que un espacio habitado, la ciudad es hoy símbolo, símbolo de su propia historia, así la retrata Enrique Ramírez (Brises 2008. 12’ 40’’), y de sus habitantes y Jean-Gabriel Periot (Nijuman No Borei (200.000 Fantômes) 2007. 10’), presencia viva de una estética que prefigura en la ficción, en el arte narrativo, la complejidad de la
vida contemporánea.

Planta 23, 03:45, de Félix Fernández, es una reflexión que pone al hombre frente a su propia creación, un mundo ultracivilizado que multiplica la desconexión del hombre con su esencia. Este vídeo está inspirado en las películas “Solaris” (1972) de Andrei Tarkovsky y “Lost in translation” (2003) de Sofía Coppola, que como ésta última, ha sido grabado en un hotel de Tokio ubicado en un rascacielos donde es posible contemplar toda la ciudad desde la ventana.
Las características de la localización hacen que la formalización del vídeo recalque el carácter encapsulado de la vida en dichas condiciones; la incomunicación y el aislamiento son los conceptos a los que nos remite.

Publica: CA2M Centro de Arte Dos de Mayo. Comunidad de Madrid
Editores: Aimar Arriola y Manuela Moscoso
Textos: Regine Basha, Guillaume Désanges, Isabelle Graw, Iván López Munuera, Manuel Segade, Isidoro Valcárcel Medina y Leire Vergara
Diseño ferran ElOtro Studio
Nº páginas 232

CA2M Centro de Arte Dos de Mayo
Av. Constitución 23
28931 Móstoles, Madrid
www.ca2m.org

El CA2M Centro de Arte Dos de Mayo de la Comunidad de Madrid presenta el proyecto Antes que todo. Una exposición que se propone penetrar en el presente de la producción del arte en el Estado Español en el recién inaugurado cambio de década. La muestra ocupará la totalidad de los espacios del Centro y en ella participarán 56 artistas. La selección, realizada por los comisarios Aimar Arriola y Manuela Moscoso, no aspira a arrojar una mirada totalizadora sobre el aquí y ahora, sino que dará una mayor visibilidad, y por vez primera de manera concentrada, a formas de trabajo que se han desarrollado en focos específicos del Estado Español, apoyándose en la diversidad de lenguajes y modos de hacer del arte de los últimos 20 años.

Los artistas participantes en la exposición son Ignasi Aballí, Lorea Alfaro; Txomin Badiola; Antonio Ballester; Erick Beltran; Bestué / Vives; Rafel G. Bianchi; Red Caballo (María Cavaller y Marc Roig Blesa); Carles Congost; June Crespo; Jon Mikel Euba; Patricia Esquivias; Esther Ferrer; Discoteca Flaming Star; Nuria Fuster; Dora García; Fernando García; Rubén Grilo; Lilli Hartmann; Daniel Jacoby; Jeleton; Adrià Julià; Dai Kato S.; Tamara Kuselman; Fermín Jiménez Landa; Daniel Llaria; Erlea Maneros; Pablo Marte; Fran Meana; Carlos Rodríguez-Méndez; Asier Mendizabal; Jordi Mitjà; Julia Montilla; Momu & No Es; Itziar Okariz; Antonio Ortega; Sra Polaroiska (Alaitz Arenzana y María Ibarretxe); Kiko Pérez; Juan Pérez Agirregoikoa; Gabriel Pericàs; Paloma Polo; Sergio Prego; Wilfredo Prieto; WeareQQ (Usue Arrieta y Vicente Vázquez); Tere Recarens; Alex Reynolds; Xavier Ribas; Francesc Ruiz; Xabier Salaberria; Jorge Satorre; Javi Soto; Julia Spinola; Alain Urrutia; Isidoro Valcárcel Medina; Azucena Vieites; Oriol Vilanova.

El proyecto cuenta con dos publicaciones relacionadas: el catálogo de la muestra, que se editará en septiembre de 2010, y el reader titulado Lecturas de Verano, que ahora se presenta, en el que han colaborado Regine Basha, Guillaume Désanges, Isabelle Graw, Iván López Munuera, Manuel Segade, Isidoro Valcárcel Medina y Leire Vergara. Ambas publicaciones cuentan con el diseño de ferranElOtro Studio (Barcelona) y fueron precedidas por la edición en febrero de 2010 de cuatro intervenciones en formato póster realizadas ex profeso por los artistas participantes en la exposición Patricia Esquivias, Esther Ferrer, Daniel Jacoby y Azucena Vieites.

El reader Lecturas de verano recoge siete textos en torno a los paradigmas de lo nuevo, el gusto, el fracaso y la convención. Todos ellos participan de un modo u otro de la noción de “expectativa”, paraguas conceptual de la exposición. Los textos, en su mayoría escritos de forma específica para la ocasión, no tienen una función ilustrativa, sino que son espacios de problematización de los paradigmas arriba propuestos. La publicación, editada con anterioridad a la inauguración de la muestra, sirve como una posible “rejilla de lectura” de la exposición, una suerte de posibles vías de entrada a las prácticas y obras allí reunidas. Y pese al carácter funcional del libro, y a su inevitable dependencia con respecto a la exposición a la que antecede, aspira a convertirse en lugar de referencia futura y en catalizador de nuevas reflexiones y elaboraciones textuales en manos de quien lo lea.

Fechas: del 6 de julio al 27 de agosto

Grupos: Máximo 15 niños/as

El Museo Patio Herreriano inaugurará el próximo 6 de julio la “Escuela de Verano 2010”. Como cada año el público infantil podrá disfrutar el arte contemporáneo en el Museo a través de talleres dirigidos a niños y niñas de entre 6 y 10 años. Este año el tema central del taller será el coleccionismo como una práctica habitual en nuestra vida diaria, que en un museo toma un especial significado. Los talleres tendrán una duración de dos días a elegir entre martes y miércoles o entre jueves y viernes.

Aquellas personas interesadas en participar pueden ponerse en contacto con el Departamento de Investigación y Educación en el 983362908 o en educacion@museoph.org.

www.museopatioherreriano.org

Para-Sites, exposición que reúne una serie de intervenciones concebidas por el arquitecto y artista Pablo Valbuena para espacios intersticiales del Centro de Arte, localizaciones y elementos arquitectónicos de escala humana. Mediante el uso de proyecciones, estas intervenciones superponen una realidad paralela a la del propio espacio, funcionado como parásitos que perturban y alteran la percepción que tenemos de un lugar ya conocido.
Este proyecto se inscribe dentro de la línea de investigación y creación desarrollada en instalaciones recientes por Pablo Valbuena, en las que explora la relación de nuestro cuerpo como interfaz con el espacio circundante, la generación de espacios mentales, el espacio/tiempo, la manipulación de la percepción mediante el uso de la luz/sombra, la perspectiva, el trampantojo. Las instalaciones resultantes siempre tienen un carácter específico, vinculado intrínsecamente con la arquitectura, e interactúan con el propio espacio para el cual están concebidas.

Para-Sites se exhibirá en LABoral hasta el 27 de septiembre.

Pablo Valbuena (Madrid, 1978), se ha formado como arquitecto y desarrolla proyectos artísticos relacionados con el espacio, el tiempo y la percepción, que se materializan en instalaciones en las que hace uso de la
luz y la proyección. Ha expuesto y presentado su trabajo recientemente en la 5ª Bienal Internacional de Seúl, OK Center for Contemporary Art (Austria), Matadero Madrid, Museo Universitario de Arte Contemporáneo (México D.F.), Netherlands Media Arts Institute (Ámsterdam), BankArts (Yokohama), Medialab-Prado, Museum of Contemporary Art Taipei y en otras exposiciones e intervenciones de arte público en Singapur, Canadá, Francia, Holanda y España. En LABoral ha mostrado su obra Augmented Sculptures, en el marco de la exposición sobre diseño experimental Nowhere/Now/Here.

LABoral Centro de Arte y Creación Industrial
Los Prados, 121.
33394 Gijón – Asturias.
T. +34 985 185 577. F. +34 985 337 355
info@laboralcentrodearte.org.

www.laboralcentrodearte.org

Juan José Martín en los dos últimos años. Éste se centra en la apropiación y copia mimética de titulares de periódicos, portadas de cómics, libros, revistas, anuncios y elementos gráficos de comunicación impresa, que tienen como nexo enunciados en torno a temas de contenido político y bélico.
La exposición se divide en dos partes: en la planta principal se encuentra la serie “Fiasco” formada por una intervención mural y varios dibujos a lápiz, copias, casi réplicas a mayor escala, de los títulos de libros, ensayos y publicaciones en torno al contexto internacional de la primera década del s.XXI. Esta alteración de escala en el enunciado, acompañado de la omisión de cualquier referencia al medio del que proviene, provoca en el espectador un cambio en la manera de recibir, percibir y conceptualizar el mensaje, eliminando de modo natural la carga de reflexión propia del canal gráfico del que proviene originariamente.
En la planta inferior de la galería, la serie “Ruler of Darkness”, muestra portadas de cómics y libros norteamericanos de los años 60 y 70, en los que se hace un claro alegato al anticomunismo y a la guerra fría por parte del estado y grupos de poder, dirigidos a ciertos sectores de población.
Las dos series reflexionan acerca de la cantidad de información, mensajes y gráficos producida por la sociedad actual, a su rápida caducidad en un breve espacio de tiempo, como fórmula generada para cambiar de traje al mismo discurso y sus intenciones, así como las consecuencias que estos pueden generar en el futuro colectivo.

Galería Aural
Labradores 17 / 03002 / Alicante
+34 965218024 / +34 617050603
galeriaural@gmail.com

www.auralgaleria.com

Del 2 de Julio al 15 de Septiembre de 2010

Las obras que se presentan en la muestra fundamentan su base formal en el dibujo, aunque algunas de ellas estén resueltas en otros materiales como los murales en vinilo, los dibujos escultóricos en metacrilato o la trilogía de animación en video compuesta por más de 3000 dibujos. El tema central del que parte este trabajo es una revisión de los roles de poder en la infancia, de la búsqueda del poder atávico de dominación. El interés por reflexionar sobre el origen de ese poder, por qué se pierde y lo que es más importante, cómo se recupera, nos revela una visión oscura y ambigua sobre la supuesta inocencia de los infantes. El proceso de recuperación conlleva un feedback ritual que hace escala en temas como infancia, herencia, familia, sacrifício, apropiación, mutación, identidad, vida, muerte…sangre. Los dibujos son sencillos, habitados por personajes disfuncionales que carecen de escenario, acentuando así su soledad e individualismo, con un cierto toque de humor negro. Su carácter narrativo da lugar a la creación de una trilogía de animación en vídeo sobre la transferencia de poder. Está compuesta por Bloody Boots(2008), donde unas botas desprovistas de singularidad se convierten por el efecto vitalizante y regenerador de la sangre en un auténtico objeto mágico de poder. El segundo, Cat Power (2009), hace referencia a la recuperación del poder salvaje, y BlackWings (2010) que se centra en uno de los deseos más antiguos del ser humano: la posibilidad de volar.

ESPACIO MARZANA
Muelle Marzana 5. 48003 Bilbao
94 416 75 80 – 690 181 391 – 653 724 940
espaciomarzana@yahoo.es

www.espaciomarzana.com

www.psychoeconomy.org
www.madridabierto.com

Calendario de actividades :
Viernes 2 de julio, 19 h.
El Taller. Presentación de la cumbre y de los participantes

Sábado 3 de julio, 19 h.
Presentación de conclusiones y mesa redonda con los participantes.

Para la primera edición de Psychoeconomy se propone la realización de un encuentro de discusión acerca de la crisis financiera internacional y los sistemas imperantes de intercambio monetario, entre artistas que trabajan el tema de la economía mediante un uso táctico de los medios, la apropiación de estrategias corporativas o la ironía. Bancos, empresas de tecnología, e incluso micro naciones, son algunos ejemplos de las corporaciones (algunas ficticias y otras no), creadas por los artistas convocados.
El objetivo principal de este encuentro será el de elaborar un documento a modo de declaración sobre el estado actual de la crisis, que incluirá la posición que, ante ella, adoptan estas “corporaciones”, junto a una serie de propuestas y acciones alternativas acordadas entre sus representantes. Esta declaración, junto a las propuestas de cada “corporación”, serán compiladas en una publicación.
Aprovechando las particularidades del espacio de reflexión y difusión que genera el campo del arte, el encuentro intentará poner en diálogo los proyectos de los artistas participantes: Gustavo Romano, Fran Ilich, Georg Zoche y Daniel García Andujar.
Un cuestionamiento a las promesas democráticas e igualitarias de los medios tecnológicos y una crítica a la voluntad de control que esconden detrás de su aparente transparencia.
1. Daniel García Andujar (Barcelona)
Proyecto: Technologies To The People.
Daniel G. Andújar crea una ficción (Technologies To The People, 1996) con el objetivo de hacernos tomar
conciencia de la realidad que nos rodea y del engaño de unas promesas de libre elección que se convierten,
irremisiblemente, en nuevas formas de control y desigualdad.

2. Fran Ilich (Tijuana)
Proyecto: Space Bank.
Fiel a su lema, “purifica tu dinero”, el Space Bank ofrece una serie de ideas innovadoras y revolucionarias aplicadas a la banca, la especulación y las inversiones, de acuerdo con la consigna de ayudar a alcanzar sus objetivos sin perjudicar a los demás.

3. Gustavo Romano (Buenos Aires – Madrid)
Proyecto: Time Notes.
El proyecto Time Notes comprende una serie de acciones en espacios públicos utilizando un sistema de dinero basado en unidades temporales (billetes de 1 año, 60 minutos, etc.). Uno de los servicios que presta es el de Reintegro del Tiempo Perdido, que se ofrece como lugar de recepción y clasificación del tiempo cedido involuntariamente, bajo presión o por razones arbitrarias. Gustavo Romano es el promotor de la Corporate Summit 2010.

4. Georg Zoche (Munich)
Proyecto: Transnational Republic.
La Transnational Republic es un proyecto generado por un grupo de artistas alemanes que impulsan la construcción de la primera república transnacional, en la que los ciudadanos son definidos por la afinidad de sus ideas y sentimientos. La nueva república representa a sus ciudadanos en el terreno de lo civil, por primera vez sin sucumbir a intereses nacionales sino concentrándose en problemáticas globales.

Del 29 de junio hasta el 4 de julio de 2010

Lugar:
Instituto Cervantes – Salón de Actos
Alcalá, 49
28014 Madrid

Instituto Cervantes – Vestíbulo
Alcalá, 49
28014 Madrid

Dentro de la programación de PhotoEspaña 2010, el lunes 28 a las 19:30 en la sede del Cervantes (Calle Alcalá 49, Madrid) se presenta “Todo cuanto amé formaba parte de ti. Epílogo.

Durante la sesión se dará a conocer el libro que concluye la itinerancia internacional (Damasco, Dublín y Bruselas) de este proyecto sobre videocreación española entorno al amor y el desamor comisariado por Nekane Aramburu y producido por el Instituto Cervantes. Un desarrollo de la historia del videoarte español a partir de creadores que abordan cuestiones vinculadas a los sentimientos encontrados y/o fracturas de los cuerpos y las almas. Participarán: Nekane Aramburu e Hilario J. Rodríguez.

Además se visionarán seis nuevos trabajos inéditos que colmarán el programa inicial como Epilogo, uno de ellos el de Juan Aizpitarte, como instalación especial en la Caja de las Letras sólo durante su presentación esa noche Posteriormente “Todo cuanto amé formaba parte de ti. Epílogo, y la documentación de los trabajos itinerados de los más de 30 artistas, podrán verse en exposición hasta el 4 de julio.

Obras: María Cañas. Kiss the murder, Rosalía Banet. Comestible, Isaki Lacuesta. Teoría de los cuerpos., Juan Aizpitarte. Surface, Amparo Garrido. No me digas nada, Begoña Egurbide. Macrocaricias.