Los Museos, espacios de subjetivación disidente ¿es posible? Sí; probable incluso, tan probable como la solidez de sus cimientos reaccionarios: ¿paradoja o perversión?

Con estas palabras inicié una acción epistolar propiciada por la conferencia de Beatriz Preciado ¿La muerte de la clínica? ( MNACRS, marzo 2013). Las cartas, dirigidas a artistas y a profesionales de la gestión cultural y de la docencia vinculados al MACBA y al MNACRS, ponen en cuestión la consistencia ética de algunos usos institucionales de lo público; paradigma de lo que refiero es el curso que ha tenido el programa clínico, psicoanalítico, que durante 10 años ( 2002-2013 ) se ha desarrollado en el Macba trabajando con personas diagnosticadas de patologías mentales graves. Escribe Montserrat Rodríguez, Psicoanalista, responsable clínica de este programa y socia del IAC.

Esta iniciativa es una acción política en el sentido estricto del sintagma. El documento completo lo puedes consultar en: Brumaria

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Del 20 de Junio al 23 de Agosto del 2013.

EL INSTANTE

Una geometría de octógonos inscribiéndose los unos en los otros, los diferentes cantos que la habitan están representados por sonogramas, verdadera huella de sonidos emitidos por los pájaros, permitiendo visualizarlos, el octógono es una representación del pájaro, símbolo del alma, del renacimiento en el mundo occidental y oriental. *

La geometría proyecta el tiempo, el canto hace retroceder el espacio delante de mí, el canto del pájaro es el instante, solamente el instante, un lugar al cual nadie vuelve, no hay pasado ni futuro. Este instante es una plenitud, sabemos que existimos, nos da de comer y nos come al mismo tiempo, es la consciencia de nuestra soledad, es antes del lenguaje.

Más muerto que la muerte es el canto de pájaro que viene de desaparecer. La duración del canto del pájaro está hecha de instantes sin duración, su duración es la vida. El canto del pájaro inmoviliza el tiempo.

Exprime el éxtasis, nos devuelve la unidad perdida.

Este tiempo no transcurre, surge, surgir es salir del ser.

“ […] había captado el instante a partir del cual la luz habiendo tropezado con un acontecimiento verdadero,
iba a apresurarse hacia su fin, ya llega, me dije, el fin viene, algo sucede, el fin comienza. Estaba
embargado por la alegría”. **

Borges decía que la vida es la muerte que llega. Ni fidelidad ni infelicidad, un paso más allá. ¿El infinito
que se abre?

El instante es ese tiempo de la ausencia de tiempo, el tiempo de lo inaudito, de lo impensable, lo que ha
llegado llegará, volverá a llegar irreconocible, robará nuestra imagen dándonos otra.
El instante es un pasado más presente que el presente mismo, un futuro sin porvenir que pertenece al
pasado…

*Ver Ruqbihanbaku, Ibn Sina, los tapices de Anatolia Occidental de los siglos (XVI-XVII), los tapices llamados de Holbein y algunos tapices de plegarias.

** Maurice Blanchot, La locura de la luz.

José María Sicilia
gema LLAMAZARES GALERIA DE ARTE
Instituto 23.
33201 Gijón Asturias

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Karlos Gil Simulacion The Moon Museum1

Hasta el 22 septiembre de 2013.

LABoral inaugurará el próximo sábado The Moon Museum [El Museo de la Luna], del artista Karlos Gil (Toledo, 1984), proyecto ganador de la Beca de Producción DKV Seguros – Álvarez Margaride, convocada conjuntamente por la entidad aseguradora y el Centro de Arte y Creación Industrial de Gijón. Karlos Gil ha desarrollado su proyecto en una residencia artística de dos meses en Plataforma 0. Centro de Producción de LABoral. La exposición permanecerá abierta hasta el 22 de septiembre de este año.

El título de la exposición hace referencia a un pequeño chip cerámico diseñado por iniciativa del artista Forrest Myers, que colaboró en Experiments in Art and Tecnology (E.A.T.) en 1969, en el que se reprodujeron seis diagramas realizados ex profeso por otros tantos artistas norteamericanos de los años 60. Se trataba de John Chamberlain, Forrest Myers, David Novros, Claes Oldenburg, Robert Rauschenberg, y Andy Warhol y el propio Myers. La idea era crear el primer museo en la Luna ya que, supuestamente, la misión espacial Apolo 12 dejó una réplica de este chip en la superficie del satélite.

Sin posibilidad de verificar si finalmente se llevó a la práctica, Karlos Gil rescata la que habría de ser la primera obra de Space Art de la historia y la plasma en esta instalación. The Moon Museum presenta una construcción narrativa, a través de la superposición de relatos, fotografías y recuerdos que, junto a material audiovisual y tecnológico,
muestra ese museo secreto de la Luna, creando un museo dentro de LABoral. La instalación es un escenario en el que el espectador es el actor; un actor que estaría a cargo de establecer su propio hilo narrativo a base de ir ensamblando elementos a partir de su propia percepción.

De alguna manera, la obra representa un comentario del paradigma del arte: donde antes solía haber una narrativa de consenso a la que adherirse, hoy nos enfrentamos a múltiples realidades y verdades, haciéndose extraordinariamente complicado funcionar en un mundo en el que todo se ha vuelto relativo.

Karlos Gil (Toledo, 1984) estudió en la School of Visuals Arts de Nueva York y en las facultades de Bellas Artes de Madrid y Lisboa.
Desde 2008 ha mostrado su trabajo en exposiciones individuales y colectivas en numerosas galerías y centros de arte de España y del extranjero como el CA2M, Centro de Arte Dos de Mayo (Móstoles); La Casa Encendida y Matadero (Madrid); La Capella y CCCB (Barcelona); MMOMA, Museo de Arte Contemporáneo (Moscú), HKW (Berlín) o Centre Pompidou (París).

LABoral Centro de Arte y Creación Industrial
Los Prados, 121. 33394 Gijón – Asturias.

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Octubre 2013. Preinscripción abierta

Modelos innovadores para operar en el sector cultural. Esta es la propuesta del Máster en Diseño de Dispositivos Culturales, dirigido por Rosa Pera, de ELISAVA Escuela Superior de Diseño e Ingeniería de Barcelona.

El programa plantea un proceso de trabajo corporativo que culmina con una exposición final. Un trayecto a explorar por futuros profesionales o agentes de equipamientos e iniciativas culturales o educativas dispuestos a conocer nuevos formatos y propuestas.

Una suma de tecnología, ciencia, arte y diseño para la ejecución de proyectos expositivos rompedores.

CONSIGUE abordar todas y cada una de las fases implicadas en la ejecución de un proyecto expositivo integrado, desde la conceptualización a su comunicación, pasando por la espacialización y la producción.

TITULACIÓN
Máster en Diseño de Dispositivos Culturales, título expedido por la Universidad Pompeu Fabra (UPF) y ELISAVA Escuela Superior de Diseño e Ingeniería de Barcelona.

MÁS INFORMACIÓN

ELISAVA Escuela Superior de Diseño e Ingeniería de Barcelona
La Rambla 30-32
08002 Barcelona
Tel. + 34 93 317 47 15
postgrado@elisava.net

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Hasta el 26 de julio de 2013.

“Hay una barrera que limita nuestros derechos de mujer y, si la cruzas, te castigan…”. Son declaraciones de una mujer que está convencida de que, contestarle a su marido, es traspasar esa barrera.

La exposición que se presenta en la Galería Manuel Ojeda de Las Palmas de Gran Canaria, Calle Buenos Aires 3, es un proyecto de CoCai, Comunicadores de Canarias por la igualdad, que nació en 2012 con el propósito de apoyar la lucha contra la violencia de género en Canarias y contra sus muchas caras, como la prostitución, la mutilación genital, el mobbing maternal, el feticidio o la violencia psicológica, y reúne en un mismo espacio y tiempo a creadores involucrados en la defensa de los derechos humanos, buscando la interactuación de sus diversas formas de expresión con un único fin: recaudar fondos para las víctimas y concienciarnos, de forma que unamos nuestros esfuerzos para erradicarla.

Ocho artistas están implicados en este proyecto: Saro Acosta, Sara Acosta, Yani Delgado, Tato Gonçalvez, Marta Manzanares, Magda Medina, Carlos Schwartz y José Tándem, que presentan un total de 17 fotografías junto a sendos textos explicativos.

La exposición ha sido comisariada por el fotógrafo Tato Gonçalvez.

GALERÍA MANUEL OJEDA
Calle Buenos Aires, 3.
35002 Las Palmas de Gran Canaria

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Twin Studio & Gallery
San Hermenegildo 28
28015, Madrid-España

El próximo jueves 20 de junio, entre las 19.30 y las 21.30 horas, el historiador de arte y comisario de exposiciones Federico Castro dialogará con el artista Isidro López-Aparicio / ILA sobre el proyecto Invertidos, aprendiendo a relacionarse, inaugurado en Twin Gallery el pasado viernes 7 de junio y que se podrá visitar hasta el 5 de julio.

El encuentro, dirigido exclusivamente a profesionales del sector, hablará sobre la trayectoria del proyecto traído ahora a Twin Gallery, así como desarrollará el concepto abordado en esta ocasión por el artista andaluz, donde muestra la realidad de formas muy diversas, fragmentadas, móviles, estereoscópicas, caleidoscópicas, especulares y holográficas, creadas a partir de aparatos reciclados, que conviven con fotografías en gran formato y cajas de luz.

Se ruega confirmación de asistencia: info@twinstudio.es

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Hasta el 26 de julio de 2013

Cabeza borradora, la primera exposición individual de Pelayo Varela en la Galeria Sicart, es una reflexión en torno a el cuerpo / memoria y sus límites como material escultórico. Sigue la estela de anteriores trabajos ( Currículum Vítae, FAKE, Croce, Anarchia, F.E…), producidos durante la estancia como becario en la Real Academia de España en Roma, en los que se plantean conceptos como la autoría, la pérdida de identidad, el rol del artista o el aura.

Cabeza Borradora se formaliza en la creación de una réplica de la cabeza del autor, realizada en goma de borrar a escala 1.1. Este busto sirve como modelo para realizar una serie de dibujos a lápiz sobre papel que son redibujados/borrados utilizando dicho busto. Este proceso es registrado en vídeo para su posterior proyección durante la exposición.

Como residuo formal para su exposición quedan los bustos de goma de borrar desgastados por la acción de borrar así como la serie de dibujos enmarcados con las virutas de goma sobrantes de cada borrado y una proyección en vídeo de toda la acción.
Para la ejecución de los dibujos de esta exposición contamos con la colaboración de los alumnos de l’escola Municipal d’Art Arsenal de Vilafranca del Penedès.

CURRICULUM:

Pelayo Varela. Oviedo (1969).
Vive y trabaja entre Madrid y Xàbia.

Viene realizando exposiciones desde el año 1985. En 1995 crea el Centro de Arte Ego proyecto presentado, entre otros espacios, en el Blue Art Space de San Antonio (USA), Museo de Bellas Artes de Oviedo o Cruce, Madrid. Su obra se ha presentado en exposiciones en: España, Francia, Portugal, Reino Unido, Italia, México, Cuba, Ecuador o Australia. Premio Caja Madrid Generación 2003, Premio de Artes Plásticas Explora 01, Cajastur. Becado entre otros por MediaLab, Madrid, Centro de Escultura de Candás, Museo Antón, Cajastur, Fundación Municipal de Cultura de Gijón y Consejería de Cultura del Principado de Asturias. En el año 2011 ha sido becario de la Real Academia de España en Roma. Actualmente prepara exposiciones en la Galería Nacional de Arte Moderno de Roma, Academia de España en Roma, Fundación Tàpies, Barcelona o White Box, NY entre otras.

Galería Sicart
C/ de la Font, 44
Vilafranca del Penedès
08720 (Barcelona)

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Hasta el 14 de julio de 2013.

Galería Nuble tiene el placer de presentar la exposición ‘High Energy’ del fotógrafo Miguel Ángel García (Madrid, 1952), su segunda individual en la sala santanderina. La muestra se inaugura el 12 de junio a las 20.00h y permanecerá abierta al público hasta el 14 de julio.

La obra de este artista se caracteriza por un intenso trabajo de investigación que se resuelve en un juego de contraste entre lo que podríamos llamar aspecto documental de la fotografía y otro puramente plástico, dando lugar a una imagen de significado sintetizado que obliga a la reflexión.

En la serie High Energy (2011-2012), Miguel Ángel García toma como modelo y punto de partida el salar de Uyuni en Bolivia – el mayor desierto de sal del mundo y la principal reserva de litio del planeta, cuya explotación comercial comenzó en 2011- para plantear un análisis crítico acerca del empleo de las fuentes de energía y la generación de residuos que genera. Para ello, el artista utiliza la fotografía como fondo para diferentes intervenciones que realiza en una segunda capa de lectura, proponiendo una imagen final de fuertes contrastes tanto conceptuales como cromáticos: sobre el paisaje aparentemente virginal de Uyuni, García dibuja nubes, montículos o invasiones de pilas rojas. Como señala Rafael Doctor Roncero en la introducción del catálogo, el resultado “(..) es una serie de bellos paisajes en los que, como a modo de amenaza, pende el temor de ser destruidos definitivamente para la consecución de los instrumentos que el mundo necesita para continuar su incesante marcha consumista, en la que las materias primas son extraídas de la naturaleza sin la atención o el respeto necesario que esta requiere.”

Las obras – siete fotografías intervenidas y un vídeo – que podemos ver en la galería Nuble tienen una clara intención política y social, de concienciación, y si el singular paisaje de Uyuni se descubrió de alguna manera para el mundo a partir de la primera expedición a la Luna cuando los astronautas pudieron observar una potente luz que procedía de aquella zona terrestre, ahora es Miguel Ángel García quien lo redescubre para nosotros, invitándonos a contemplar su belleza y al mismo tiempo reflexionar sobre nuestro papel, como seres humanos y como consumidores, en la remodelación de los territorios y espacios naturales del siglo XXI.

Miguel Ángel García está actualmente exponiendo su trabajo In-dependencias en Laurence Miller Gallery de Nueva York y su obra también se pudo ver recientemente en la exposición Syngenta Photography Award “Rural-Urban” en Somerset House de Londres o en Paris Photo 2012. Ha participado en numerosas exposiciones tanto individuales como colectivas desde 2005. Ha sido incluido en “Manual de Arte Español Contemporáneo 1992-2013”, dirigido por Rafael Doctor y editado por La Fábrica con la colaboración de La Casa Encendida, el Museo Gas Natural Fenosa y la Fundación Helga de Alvear.

GALERIA NUBLE
Daoiz y Velarde, 26
39003-Santander, Cantabria-España
Tfno:+ 34 942 31 37 45

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Hasta el 29 de septiembre de 2013
Lugar: La Virreina Centre de la Imatge
Palau de la Virreina
La Rambla,99,08001 Barcelona

Comisario: Javier Panera

Cruce de caminos entre videocreación y música pop

This is not a love song intenta trazar una genealogía de las relaciones entre música, pop y videocreación desde los años sesenta del pasado siglo hasta la actualidad, poniendo énfasis en aquellos momentos en que ambas manifestaciones se retroalimentaron y se movieron en el territorio de la experimentación, la utopía o la incorrección política.

Desde los años sesenta del siglo XX son ya varias las generaciones de artistas de vanguardia que han integrado en sus procesos de producción elementos que se relacionan con las actitudes e imaginarios de la música pop. Artistas tan relevantes como Andy Warhol, Vito Acconci, Dan Graham, Nam June Paik, Joseph Beuys, John Baldessari, Rodney Graham, Tony Oursler, Christian Marclay, Mike Kelley, Douglas Gordon, Jeremy Deller o Damien Hirst, entre un largo etcétera que llega hasta hoy, se han aproximado a este género en algunos de sus trabajos más destacados, llegando en ocasiones a colaborar con diferentes bandas de rock o incluso a grabar sus propios discos. Del mismo modo, músicos tan significativos como John Lennon, David Bowie, Pete Townshend, Syd Barret, Brian Eno, Alan Vega, David Byrne, Laurie Anderson o miembros de bandas imprescindibles de las dos últimas décadas como Sonic Youth, REM, Blur o Franz Ferdinand se formaron en escuelas de arte antes de dedicarse profesionalmente a la música.

Bajo estas coordenadas, y teniendo en cuenta que los orígenes del videoarte son casi paralelos a los de la música pop, el proyecto se divide en dos secciones:

1- Pop y videocreación. Genealogías compartidas

Reúne más de treinta piezas significativas de la historia del videoarte y el cine experimental desde los años sesenta hasta 2013 que se relacionan formal o conceptualmente con las iconografías del pop y el rock, con obras de Andy Warhol, Nam June Paik, Yayoi Kusama, Dan Graham, Tony Oursler, Vito Acconci, John Baldessari, Christian Marclay, Douglas Gordon, Candice Breitz, Jeremy Deller, Mark Leckey, Jon Mikel Euba y Largen & Bread, entre otros.

2- Música para tus ojos. Artes visuales y estética del videoclip

Esta sección es un recorrido por la historia de videoclip musical en el que se revisan las trayectorias de algunos de los más significativos realizadores de los últimos cuarenta años y sus conexiones con las artes visuales y el cine contemporáneos, e incluye un programa vídeos musicales realizados por artistas como Andy Warhol, Tony Oursler, Judith Barry, Robert Longo, Joan Morey, Damien Hirst, Ana Laura Aláez, Carles Congost, Pipilotti Rist, Rodney Graham, Dara Birnbaum, Joseph Beuys, etc.

Artistas

Ronald Nameth / Andy Warhol’s Exploding Plastic Inevitable, 1967
Andy Warhol’s Screen Tests, 1964-66
Nam June Paik and Jud Yalkut / Beatles Electroniques, 1969
Yayoi Kusama / Self Oblteration (dir. Jud Yalkut), 1967
Yayoi Kusama / Love in Festival, 1968
Eric Siegel / Tomorrow Never knows, 1968
Dan Graham, Tony Oursler & Laurent P. Berger 7 Don’t Trust Anyone over Thirty: The Storyboard, 2004
Adel Abidin / Three Love songs, 2010
Dan Graham / Rock My Religion, 1982-84
Vito Acconci / Theme Song, 1973
John Baldessari / Baldessari Sings LeWitt, 1972
Tony Oursler / Sound Digressions in Seven Colors, 2006
Jean Mikel Euba / One per Minute. Seven Minutes in Istanbul, 2005
José Iges / Dylan in Between, 2001
Largen & Bread/ Crash!!!, 2008
Largen & Bread / This Is not a Love Song, 2013
Douglas Gordon / Bootleg (Bigmouth), 1996
Cristian Marclay / Guitar Drag, 2000
Tony Cokes / 1’, 2004
Tony Cokes & Scott Pagano / 5%, 2001
Tony Cokes / Ad Vice, 1998
Candice Breitz / Babel Series, 1997-2004
Jeremy Deller / The Faireys Band Acid Brass, 2005 – History of the World, 1997-200
Mark Leckey / Fiorucci Made me Hardcore, 1999
Charlie Case / Friday, June 18, 1999, City of London, 1999
James Clar / Dance Therapy, 2011
Adrian Piper / Funk Lessons, 1983
Assume Vivid Astro Focus / Walking on thin Ice, 2003
John Di Stefano / The Epistemology of Disco, 1990
Charles Atlas / Hail the New Puritan, 1985

This is not a music video

Dara Birnbaum / Acid Rock, 1982
Joseph Beuys / Sonne Statt Reagan (Música: Die Deserture) 1982
John Sanborn, Kit Fitzgerald (Antarctica) / Ear to the Ground, 1982
Pipilotti Rist / I’m a Victim of This Song, 1995
Bjørn Melhus / No Sunshine, 1997
Olaf Breuning / Ugly Yelp, 2000
Rodney Graham / A Little Thought, 2000
Cheryl Donegan / Channeling in 4 Versions, 2001
Ana Laura Aláez / Superficiality, 2003
Carles Congost / Un Mystique Determinado, 2003
Joan Morey / NUEVA OLA o Desencert (Short Version)”, 2004
Ana Laura Aláez / Horizon, 2005
Charles Atlas / You Are My Sister, 2006
Jorge Galindo y Santiago Sierra / Los Encargados, 2012
César Pesquera / An Army Of Crystallized Thoughts (2010)
Jesús Hernández (NYSUfilms) / Glez. Todo el tiempo (2010)
Marc Bijl / Good Things (Música: Götterdämmerung) 2003
Adel Abidin / Jihad, 2006
Hugo Alonso / Rec, 2006

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Inauguración: 4 de junio de 2013
Hasta el 13 de julio de 2013

La galería de arte Fernández-Braso presenta una selección de fotografías de Isabel Muñoz (Barcelona,
1951) pertenecientes a los últimos proyectos que ha desarrollado y que lleva por título Eros y Ritos. La
exposición se inaugurará el próximo martes 4 de junio y formará parte de la sección off de galerías de
PhotoEspaña 2013.

Atraída por la esencialidad del ser humano y siempre dispuesta a remover su alma en búsqueda de sus miedos y pasiones, Isabel Muñoz nos traslada en esta exposición a las ciudades de La Paz, en Bolivia, y de Bombay, en la India, donde ha trabajado largos periodos de tiempo durante 2012 y 2013.
En la ciudad de La Paz trató el tema de las ñatitas, que en la tradición boliviana se refiere al culto a la muerte y a la vida mediante la adoración de calaveras. Los devotos cuidan a las ñatitas en un lugar destacado de la casa y éstas se integran entre los miembros de la familia dándoles protección sobrenatural.

También en la ciudad de La Paz abordó el tema de los mitos, retratando a bailarinas que posan con máscaras indígenas precolombinas y con piezas de arte plumario. En palabras de Arturo Arnalte -quien ha escrito uno de los textos que se incluirán en el catálogo digital alojado en la web de la galería- esta serie de fotografías está presidida por “la idea del sincretismo religioso, la búsqueda de la dualidad entre dioses y hombres”. Para el autor “la selección de imágenes recuerda que Isabel Muñoz es fiel a sí misma y a su repertorio de fetiches iconográficos y temáticos: la danza, la geometría de los cuerpos en tensión, las zapatillas de ballet, casi como una firma…”

Para realizar el tercer proyecto de la exposición, Isabel Muñoz no sólo ha tenido que ir casi a la otra parte del mundo, a Bombay, sino además ganarse la confianza de un grupo marginado y denigrado en su propio país y que forma un colectivo muy reservado y de difícil acceso. Se trata de las Hijras, que constituyen el “tercer genero” – ni hombre ni mujer. Con su castración ritual, los miembros de esta comunidad hindú adquieren poderes divinos con los que bendicen en bodas y nacimientos. Isabel Muñoz las retratará resarciendo su dignidad, mostrando la belleza de sus rasgos ambiguos y la feminidad de sus poses y actitudes. En otro completo texto para el catálogo digital, Jose Antonio Arcila apunta que “la frecuente ambivalencia sexual de las deidades indias es caldo de cultivo para la cultura hijra. Con estos antecedentes y tras la práctica del ascetismo, las hijras se hacen presentes en dos acontecimientos clave en la vida del hombre: las bodas y los nacimientos en los que invocan y glorifican la fecundidad. En las primeras, la idea de fertilidad es inminente y en los segundos evidente. La combinación de abstinencia sexual y de prácticas ascéticas constituye un potente fenómeno creativo que no es privativo de la cultura hindú sino existe en otras culturas incluidas las occidentales”.

Entre los premios y menciones otorgados a Isabel Muñoz destacan el Premio de Cultura 2006 de la Comunidad de Madrid, Premio Bartolomé Ros a toda su carrera en PHotoEspaña 2009, la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes 2009 y la obtención en dos ocasiones del World Press Photo, el Premio Nacional UNICEF España 2010 a la Sensibilización y Movilización Social, y en 2012 el Premio de la Fundación DEARTE.

Entre sus trabajos más conocidos destacan las series sobre las maras de Guatemala, la esclavitud, la tribu de los surma de Etiopía y Sudán o los efectos del terremoto en Bam. Los niños han sido los últimos en tomar el testigo.

Un reconocimiento profesional igualmente materializado por la presencia de su obra en distintas colecciones tanto nacionales como internacionales, entre las cuales cabría señalar el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, Foto Colectania de Barcelona, Fundación Canal de Madrid, Maison Européenne de la Photographie de París, New Museum of Contemporary Art de Nueva York, Musée de Confluences , Lyon y Colección Baronne Ariane de Rothschild – Europa.

Galeria Fernández-Braso
Calle Villanueva, 30
28001, Madrid

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ESPEJISMOS
El uso que el ser humano ha hecho del papel lo ha convertido en un elemento estrechamente ligado a su historia. Desde poco después de su aparición se convirtió en prueba y testigo de osadías, secretos inconfesables, innombrables perversiones, portador de noticias y en el soporte de nuestra historia. El papel contiene una poesía esencial e intrínseca, que se rinde a merced del ejecutor y guarda una estrecha relación con la génesis, el origen, el comienzo: el papel es una posibilidad de invención, de cambio, de materializar el pensamiento, de proyectar una utopía.

Fuera del sentido literario tradicional, los artistas de esta muestra narran su historia con un lenguaje propio, elevando la planitud del papel a otras dimensiones más cercanas a lo escultórico y lo instalativo. El papel es la materia clave por la que se filtra la mirada para poner en contacto al objeto con la creación mental y así hallar y descifrar la intención artística, que se nos revela como un espejismo. Este espejismo es tan frágil como la materia de las propias obras, cualquier elemento externo que se interponga entre ésta y nuestra percepción modifica su comprensión, y por tanto el espejismo es otro, la idea es otra, la obra muta. La naturaleza efímera y de volatilidad del propio material alude al concepto de transcurso del tiempo, del paso de la historia a la que pertenecemos y a la relativa perdurabilidad de nuestra existencia, así como de nuestras ideas y sentimientos.

Aunque en la era digital su uso parece haber pasado más a un segundo plano, indiscutiblemente la esencia del artista concibe mejor su intención experimentando el contacto físico con el papel, de ahí que cada pieza en esta muestra está trabajando bajo un sentido íntimo y subjetivo. Dentro del juego perceptivo desarrolla su trabajo Roberto Coromina, son sus anamorfosis, en los que hace un claro homenaje a la historia del arte a la vez que realiza un cuestionamiento de la imagen, explorando la pintura hasta sus límites. Del mismo modo, Javier León, con un entramado de papel oriental pigmentado origina formas con cierta autonomía orgánica, que se desarrollan de manera natural y espontánea. El papel se eleva en volumetría y consigue una textura de “duna”, las formas de la naturaleza encuentran aquí una significativa
analogía, un nexo entre lo natural y artificial donde la mente se deja seducir entre estas configuraciones llegando a transformar la obra en cada mirada. Con el mismo trato de minuciosidad lleva a cabo su obra Paz Pérez Ramos, creando diseños cargados de lirismo donde el gesto queda patente en los recortes realizados a mano de cada uno de los elementos que se reiteran, dotando a cada fragmento de identidad propia. Reinventando el uso más propiamente tradicional del papel es como llevan a cabo su trabajo Javier Pividal y Elena García Jiménez, desarrollando el primero una obra donde la palabra se vuelve objeto, simbolizando la huella de lo que una vez existió, y destacando la importancia de la huella tipográfica como residuo de la memoria donde sólo importa lo esencial, mientras que Elena hace honor a la delicada naturaleza del papel construyendo un entramado a partir de un viejo diccionario alemán de términos políticos, del que parte con la definición de Kunst (arte) originando una geografía personal fruto de la mezcla cultural del país donde reside y del que procede, y cuya obra final pasa de ser libro de producción industrial a una obra puramente artesanal. María García Ibáñez analiza las cuestiones de la identidad a través de la elaboración de entramados creados por el recorte del papel con láser, dando lugar a espacios que aluden al cobijo, al ambiente donde nos desenvolvemos como reflexión de la migración física y psicológica, a la fugacidad de la existencia. Martín Vitaliti hace una reinterpretación del cómic donde el personaje se halla desubicado en medio de espacios vacíos anhelando la presencia del otro; sus historias le han sido arrebatadas, su contexto ha desaparecido, por lo que Vitaliti origina una estimulación en la imaginación del espectador, quien concluye la historia. Y finalmente, Nuno Henrique concibe su trabajo desde la arqueología y los tratados de botánica, elaborando el papel bajo un proceso artesanal para establecer una relación con el casi desaparecido bosque de la isla de Madeira, su tierra natal. El artista reflexiona así sobre el pasado y pone de manifiesto la nostalgia que deriva de la destrucción que sufren los bosques de la isla desde la neo-colonización, presentando una canoa como alusión a la isla y a los desaparecidos árboles con los que eran elaborados.
El recorrido por estos artistas y sus obras nos desvela cómo en ocasiones, al dar con un objeto detonante, llegamos a ser capaces de dilucidar las características de nuestra naturaleza humana, y es entonces cuando nos percatamos de nuestra individualidad, del aquí y ahora, del espejismo que somos para quienes nos rodean. Un objeto que nos haga conscientes de historias ajenas que se enlazan con la nuestra y terminan formando parte de ella, igual de efímeras y frágiles como todas y cada una de las que nos envuelven hoy, en este momento, en este espacio.
MARÍA ARREGUI.

AJG CONTEMPORARY ART GALLERY
PASAJE FRANCISCO MOLINA, 17 (PASAJE VILLASIS)
41003 SEVILLA.

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Inauguración viernes 7 de Junio de 19 a 21,30.
Hasta el 5 julio de 2013

Una metáfora que pretende que miremos/sintamos las cosas desde un ángulo distinto. La muestra, comisariada por Federico Castro, se podrá visitar hasta el 5 de julio en el horario especial de verano (de martes a viernes de 18 a 21h). Habrá maquinas que invierten la imagen, la multiplican y fragmenta… trabajos que unen espacios tan distantes y dispares como Finlandia y el Sahara, pasando por España.

Invertidos habla del cuerpo y de la propia consciencia que cada uno tiene de sí mismo y cómo se relaciona con su entorno. Según explica el actual presidente del Foro Europeo de Bellas Artes, con estas fotografías quiero poner el cuerpo en consciencia puesto que, al estar invertidas las personas se dan cuenta de su peso, del equilibrio, de la presión sobre sus tobillos, del contacto de los otros. Normalmente controlamos nuestro estado y no somos conscientes de nuestro cuerpo. Sin embargo, al colgarnos cabeza abajo nuestro cuerpo se nos muestra con sus cualidades físicas: peso, equilibrio, estímulos epidérmicos, etc., y volvemos a ser cuerpo con el que relacionarnos, en el que respiramos y desde donde nos posicionamos ante el mundo. Tanto en la soledad como en el conjunto, nos tocamos y buscamos nuestros cuerpos. Cuerpos en relación y, uno mismo, en relación con su cuerpo.

De esta manera, Invertidos versa sobre el individuo como ser que se relaciona, como centro subjetivo que ve y es visto. Analiza las relaciones entre las personas, las redes sociales y cómo el individuo y éstas reinterpretan el mundo. Es un diálogo de convivencia, de diferentes procedencias, entornos y edades. Se pretende ampliar y cambiar la mirada, entender el mundo desde otros puntos de vista y a las personas de forma holística; es por lo que el proyecto continúa en el espacio expositivo mostrando la realidad de formas sorprendentes y diversas, fragmentadas, móviles, estereoscópicas, caleidoscópicas, especulares y holográficas a partir de aparatos reciclados. Conviven con fotografías en gran formato, cajas de luz, collages que decostruyen las imágenes junto a siluetas contrastadas dentro y fuera del espacio aprovechando las comisuras de la sala.

Invertidos, aprendiendo a relacionarse es uno de los mejores ejemplos que se pueden citar como arte público, porque en ella hay relación, intercambio, conexiones de unos con otros y no se puede dar sin participación. Es la obra de arte como un intersticio social.

Federico Castro es historiador del arte, escritor, profesor y comisario de exposiciones.

Twin Gallery
San Hermenegildo 28,
28015 Madrid – España
info@twinstudio.es

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De la Ofelia del Sena y otras desconocidas de Lucía Pizzani (Venezuela)

Sic Transit de Manuel Saiz (España)

The only Evil de Zoé T. Vizcaíno (México)

Lucía Pizzani (Venezuela)
De la Ofelia del Sena y otras desconocidas muestra cuerpos de mujeres hundiéndose en el agua. La artista traslada el trágico caso de la desconocida del Sena al presente, para referirse a todas aquellas mujeres anónimas que siguieron su misma suerte.

Máster en Bellas por el Chelsea College of Arts and Design. London, UK. Ha realizado numerosas exposiciones en su país natal. En 2013 recibió el primer premio en el XII Premio Eugenio Mendoza, que otorga la Sala Mendoza de Caracas. En la actualidad reside en Londres y su trabajo se ha podido ver en Simon Oldfield Gallery, London, UK, Lambert Contemporary London, UK, Pinta London, Queens Museum de Nueva York y Molaa Museum of Latin American Art en Los Angeles, entre otros.

Manuel Saiz (España)
Sic Transit, rodado en la ribera del Tíber, recoge a un grupo de personas que corren secuencialmente hacia la cámara. A su llegada, en el momento de máxima extenuación, cada uno de los participantes lee un mensaje sobre la creación, el arte y la cultura antes de proseguir su carrera dejando paso al siguiente.

En la actualidad Manuel Saiz reside en Berlín. Desde mediados de los años 80 ha exhibido su trabajos en galerías de arte y museos de todo el mundo. Desde 1995 su trabajo se ha centrado en torno al vídeo y las vídeo-instalaciones. Sus trabajos han sido proyectados en numerosos festivales de cine y vídeo arte, tales como el Impakt (Utrecht), VideoLisboa (Lisboa), Videoex (Zurich), Int. Kurz Film Fest (Hamburgo), Transmediale (Berlin), etc. Entre sus muestras cabe destacar Specialized Technicians Required en la Galería Moriarty (Madrid), Nominal Politics en T1+2 (Londres) o las exposiciones colectivas East End Academy en Whitechapel (London) y Save the Day en Kuntsbuero (Viena).

Zoé T. Vizcaíno (México)
The only Evil es una obra en la que se muestra el proceso de ebullición del agua mientras se escucha un extracto del sonido de uno de los vídeo diarios de Jonas Mekas que forman parte de “365 Day Project”.

Máster en Historia del Arte Contemporáneo y Cultura Visual en el Museo Nacional de Arte Contemporáneo Reina Sofía, Madrid. En la actualidad reside en España y su trabajo ha podido verse en centros como La Casa de Velázquez, la Galería Eva Ruiz, Matadero y en el Círculo de Bellas Artes, entre otros.

Region 0. Festival de Vídeo Arte Latino de Nueva York está preparando sus itinerancias para esta edición. Interesados por favor contacten con Region 0 en info@regionzero.net

Organización: Laura Turégano, Directora Adjunta, Centro Rey Juan Carlos I de España (NYU)

Comisariado y selección: Eva Mendoza Chandas, comisaria independiente

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Inauguracion 4 de Junio, 20:00H
Del 5 de Junio al 15 de Julio 2013

Las impresiones fotográficas sobre arpilleras de gran formato y los objetos cargados de memoria de la exposición “Tejiendo los Restos del Naufragio” devienen presencia escultórica que habla de una ausencia. El poder narrativo de la ruina se mezcla en estas obras con un imaginario industrial, arquitectónico que construye sin cesar sobre los restos.

Estas esculturas de base fotográfica registran, a menudo, espacios hoy desaparecidos, pero su función no es únicamente documental ya que a partir de ellos se crean nuevos significados. Desde Longino se establece una tradición, como indica Tonia Raquejo, que “considera la imaginación como una actividad dependiente de la memoria y que continuarían Descartes y Locke. Este ultimo habla de los productos positivos (una sombra, por ejemplo), que tienen un origen negativo (la carencia de luz en este caso). Así la imaginación, de manera equivalente a la sombra, actuaria cuando el objeto esta ausente”. [1]

En las piezas Tejiendo los Restos del Naufragio las enormes arpilleras, de gran vibración pictórica, crean junto a los objetos una escenificación del dolor. Actúan como Plañideras, como Viudas de Vivos, por utilizar la magnifica expresión con la que Rosalía de Castro describió a las mujeres que esperaban el regreso de unos maridos que partieron en busca de un futuro mejor.

La preparación artesanal de las arpilleras convierten la fotografía en un material escultórico-pictórico mas. Mientras que el hilo o las medias actúan como expresión escultórica de la línea, con ellos Linarejos proyecta perspectivas, intersecciones todo un universo arquitectónico con el que construir sobre los “restos”, como en los Caprichos de Giovanni Piranesi o las escenografías de Ferdinando Galli Bibbiena. El hierro, en el que se apoyan estos frágiles elementos constructivos, nos remite a la memoria de un mundo industrial desaparecido.

En Tejiendo los Restos del Naufragio, el individuo consigue ejercer su derecho a ser, a manifestarse, “habitando” y “permaneciendo” en aquellos espacios que los ciclos económicos se empeñan en hacer desaparecer.

Galeria Pilar Serra

www.linarejos.com

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"PAVIA - CERTOSA DI PAVIA #01", 2012. C-Print. 110 x 145 cm. Edición de 5

Inauguración: Sábado 25 de Mayo de 2013 a las 12:00 h
Hasta el 26 de julio de 2013.

Sobre The Renaissance Series

Lo que más valoro de la fotografía es su carácter empírico/investigador/dubitativo. Es como si fuera una estrategia fascinante que te posibilita imaginar o vislumbrar el semblante de una realidad a menudo esquiva.

Sólo es firme la certeza de que la realidad en sí misma también implica un alto porcentaje de elementos invisibles.

No hay historias que contar sino, quizá, discursos que estructurar.

Por eso, la posición de mi cámara siempre es: normal, compartida, mediada, inclusiva y, con frecuencia, bien visible.

En este proyecto sobre el Renacimiento sacro en Italia, me he propuesto alcanzar un punto equidistante entre la escultura, la pintura y el polvo.

Vincenzo Castella
Milán, 28-01-2013

Galería Fúcares, Madrid
Doctor Fourquet 28

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