Ricardo Calero es un autor que trabaja con una concepción abierta del arte, en función de los distintos proyectos a realizar interviene como escultor, dibujante, grabador o fotógrafo; A través de estas especialidades reflexiona sobre el arte y la sociedad actual; sus obras, acciones e intervenciones,
se desarrollan en torno a dos conceptos claves que unifican su trabajo: naturaleza exterior y naturaleza interior.
Sus realizaciones se acercan a la escultura, a los objetos tridimensionales, a la pieza construida, pero también sus trabajos con y en la naturaleza lo vinculan con una serie de acciones e intervenciones relacionadas con el grabado, donde el transcurso del tiempo y la interacción de los elementos y fenómenos naturales con la propia obra del autor forman un todo.
Buena parte de la práctica y la poética de Calero se resume en sus intervenciones en y sobre el territorio, lugares especialmente elegidos que pasan a formar parte de sus trabajos y que filtrados por la mente, el azar y la mano del artista, logran construir un lenguaje propio que le identifica.
Estos planteamientos le llevan a un compromiso de búsqueda, donde el proceso de investigación es constante y en el que los fenómenos de la naturaleza, la fugacidad de la existencia, o lo inaprensible de la memoria son parte consustancial de su quehacer, que alcanza a través de su experiencia estética los límites imprecisos de la introspección humana, de la identidad y de la vivencia. Aborda el territorio de la intimidad, aglutina emociones y presencias, encuentros posibles entre la construcción poética y el sentido ultimo de las cosas.

Interpretaciones. Un diálogo con Jorge Oteiza.

David Rodríguez Caballero interpreta a Jorge Oteiza
Presenta una pieza de aluminio curvo, inspirada en la poesía de Oteiza y
en su trabajo escultórico
“La pieza no pretende teorizar sobre la obra de Oteiza, sino complementarla a través del diálogo”, explica el autor David Rodríguez Caballero propone un particular diálogo con la escultura de Jorge Oteiza con su nuevo trabajo titulado Interpretaciones. Un diálogo con Jorge Oteiza, que ofrece un punto de encuentro entre la obra de ambos autores y que se ha presentado en el Museo Oteiza, dentro del contexto del Programa “Interpretaciones”, promovido en colaboración con la Mancomunidad Comarca de Pamplona.

La obra de David Rodríguez Caballero (un aluminio curvo de 117 x 137,5 x 77 cms.) se exhibirá en el Museo Oteiza de Alzuza desde el 18 de marzo hasta el 30 de mayo de 2010, y parte de su particular revisión de la obra y el pensamiento estético de Oteiza. “Para la realización de la pieza –explica David Rodríguez Caballero- hay dos vías de arranque: la poesía del autor y su trabajo escultórico”. Este trabajo se ha
recogido en una publicación que explica en imágenes el trabajo de gestación de la obra. “Desde el punto de vista de las formas, he jugado con dos elementos: el hueco (vacío), que está muy presente en la producción de Oteiza; y el metal de sus obras (uno de los hilos conductores de su trabajo), al que me he acercado a través de mis aluminios, la más cercana de mis líneas de trabajo”, señala el autor. “La pieza no
pretende teorizar sobre la obra de Oteiza, sino complementarla a través de un diálogo, estableciendo puntos comunes, formales y de contenido, con la producción artística de Jorge Oteiza”.
“Como artista, es importante para mí entrar en contacto creativo con la obra de Oteiza, porque forma parte de la memoria colectiva de los artistas del norte de España, y es indudable su condición de referente en el Arte”, ha concluido Rodríguez Caballero.
Esta propuesta de David Rodríguez Caballero continúa el Programa “Interpretaciones”, promovido por el centro de Alzuza y que cuenta con la colaboración de la Mancomunidad Comarca de Pamplona, que conforma, al finalizar el recorrido a través de la Colección del Museo, un espacio de diálogo entre la obra de Oteiza y las revisiones actuales de su obra promovidas por otros artistas. La intervención de
Rodríguez Caballero se realiza después de las de otros artistas como Iratxe Montero, Pedro Salaberri y José Miguel Corral y es la primera intervención en 2010, que incluirá después la participación en este programa de José Ignacio Agorreta, Manu Muniategiandikoetxea y Koldo Sebastián.

David Rodríguez Caballero (1970) licenciado en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco (1995), fue becario del Gobierno de Navarra para la ampliación de estudios artísticos en centros nacionales o extranjeros desde 1997 a 1999. Ha participado en numerosas exposiciones individuales y colectivas a nivel
nacional e internacional y en ferias como KIAF de Seúl, MACO de México, BALELATINA de Basilea y ARCO de Madrid. También ha resultado galardonado con el Primer Premio Internacional de Grabado Bodegas Dinastía Vivanco (La Rioja, 2008), Primer Premio de la IX Mostra Colección Unión Fenosa (Museo de Arte
Contemporáneo Unión Fenosa, 2006), Primer Premio de Artes Plásticas “Engloba” (Valencia, 2004), Primer Premio de Pintura Volksbank Paderborn (Paderborn, Alemania, 1996) y Primer Premio de Pintura Pamplona Jóvenes Artistas (Pamplona, 1995).
Su obra está presente en numerosas colecciones internacionales: Museo Würth (La Rioja), Fundación Coca-Cola, Biblioteca Nacional, Museo de la Cultura del Vino Dinastía Vivanco, Museo de Arte Contemporáneo Unión Fenosa (MACUF), Ayuntamiento de Pamplona, Palacio de los Papas (Viterbo, Italia), Fundación Volksbang (Paderborn, Alemania), Museo de Navarra, Instituto Nacional de Estadística
y la ISE Cultural Foundation (Nueva York / Tokio).
El artista ha publicado en los últimos años dos libros monográficos; el primero de ellos, escrito por Marta Arroyo, conservadora del IVAM de Valencia, es Cinco Maneras (editado por el Ayuntamiento de Pamplona con motivo de su exposición en la Ciudadela de Pamplona, junio de 2006), en el que presenta sus cinco líneas de trabajo realizadas entre 1998 y 2006: plexis, aluminios, origamis, vinilos y esmaltes. El segundo, Conversaciones con artistas navarros: David Rodríguez Caballero (a cargo del Gobierno de Navarra), es un compendio de la trayectoria artística del joven pintor, que articula, de manera comprensible a un público interesado, una amplia muestra gráfica de su obra enmarcada en la pauta argumental de unas conversaciones guiadas por Kosme de Barañano.

Museo Oteiza
C/de la Cuesta, 7
31486 ALZUZA (Navarra)
Tel.: +34 948 33 20 74
Fax.: +34 948 33 20 66
info@museooteiza.org

www.museooteiza.org

LUGAR: Sala 1. Centro de Cultura Antiguo Instituto
Jovellanos 21.
33201 Gijón

HORARIO:
Lunes a viernes, de 17 a 20 horas
Sábados, de 11 a 14 y de 17 a 20 horas
Domingos, de 11 a 14 horas

La Sala 1 del Centro de Cultura Antiguo Instituto, albergará, desde el jueves, día 4, y hasta el 4 de abril la exposición Cartografías ciudadanas, muestra que presenta al público la documentación en vídeo, textos e imágenes del I Encuentro Internacional sobre la temática que reunió en Gijón a un amplio grupo de investigadores y activistas de diferentes campos del conocimiento: arquitectura, periodismo, antropología, urbanismo, arte, geografía, biología, psicología, trabajo social y desarrollo de software.
Este encuentro se celebró el pasado verano en el LABcafé del Centro de Arte y Creación Industrial y tenía como objetivo afirmar y tejer red, combinar esfuerzos y recursos para el desarrollo de un proyecto convergente de software libre de cartografía ciudadana. A lo largo de tres jornadas, se desarrollaron presentaciones teóricas, mesas redondas y sesiones de trabajo abiertas al público. Durante el encuentro se produjo un archivo público en video e hipertexto de algunas de las experiencias y herramientas de cartografía ciudadana más relevantes como OpenStreetMap -un proyecto global de datos geográficos libres-, o Solidarity Maps, una iniciativa de base libanesa-palestina que produce mapas sobre el conflicto en Oriente Medio.
La actividad trataba también de servir de impulso al proyecto regional, ya en marcha, de cartografía ciudadana Mapeando Asturias y a su guía educativa relacionada. Cartografías Ciudadanas. El arte de la cartografía apropiado por los movimientos sociales e iniciativas ciudadanas ha sido producida por LABoral, con el apoyo del Ministerio de Industria, Turismo y Comercio en la línea de Contenidos Digitales y Centros del Conocimiento del Plan Avanza, y ha sido concebido por el artista asturiano Pablo de Soto (hackitectura.net), quien ha contado con la colaboración de David Pello para el desarrollo técnico.
Los mapas son herramientas no neutrales e imprescindibles para transformar la realidad: definen prioridades, objetivos y una visión particular del mundo. Históricamente han servido, por ejemplo, para planificar la conquista militar o para promover la explotación turística de ciudades y territorios. En un periodo más reciente el arte de la cartografía, en un proceso de abajo a arriba, ha sido apropiado por los movimientos sociales e iniciativas ciudadanas para la consecución de su propia agenda, a veces opuesta a los estamentos del poder.
Coincidiendo con esta exposición en el Antiguo Instituto, se presenta la consulta ciudadana Mapeando Asturias, consistente en un experimento de cartografía digital y participativa sobre Asturias en la que los visitantes a la sala pueden contribuir de manera directa con sus conocimientos y preocupaciones sobre la región en base a una taxonomía que incluye campos como oportunidades, deseos, conflictos o amenazas.

Más información en:
www.cartografiaciudadana.net
www.mapeandoasturias.info

Las charlas, en las que diversos expertos ofrecerán una perspectiva de la creación artística más reciente en nuestra región, se celebrarán hasta el 15 de abril en la Cátedra Jovellanos de Extensión Universitaria de Gijón (C/ Tomás y Valiente 1), con entrada gratuita.

Además del Conservador del Museo del Prado, Javier Barón Thaidigsmann, participarán en este ciclo, la catedrática de Historia del Arte de la Universidad de Oviedo, María Soledad Álvarez Martínez; el escritor y crítico de arte Juan Manuel Bonet; el profesor de Historia del Arte de la Universidad de Oviedo, Alfonso Palacio; la también profesora de Historia del Arte de la Universidad de Oviedo, María del Mar Díaz González; y el escritor y crítico de Arte, Jaime Luis Martín.

Programa del ciclo de conferencias

Viernes 5 de marzo. 19:30 – 21:00
“La pintura, del informalismo a la geometría”, por Javier Barón Thaidigsmann, Conservador del Museo del Prado.
Jueves 11 de marzo, 19:30 – 21:00
“La escultura y su campo expandido”, por María Soledad Álvarez Martínez, Catedrática de Historia del Arte de la Universidad de Oviedo.
Jueves 18 de marzo, 19:30 – 21:00
“Tres voces del Septentrión: Melquíades Álvarez, Galano y Pelayo Ortega”, por Juan Manuel Bonet, Escritor y Crítico de Arte.
Jueves 25 de marzo, 19:30 – 21:00
“Pintura y fotografía de los artistas jóvenes”, por Alfonso Palacio, Profesor de Historia del Arte de la Universidad de Oviedo.
Jueves 8 de abril, 19:30 – 21:00
“La obra gráfica. Del aguafuerte a la estampa digital”, por María del Mar Díaz González, Profesora de Historia del Arte de la Universidad de Oviedo.
Jueves 15 de abril, 19:30 – 21:00
“Nuevos medios”, por Jaime Luis Martín, Escritor y Crítico de Arte.

www.laboralcentrodearte.org

“Mi arte favorito es el que no entiendo”
Pae White.

La producción artística de Marion Thieme (Zeppellinheim, Alemania 1959) es una asombrosa interpretación de los espacios intermedios, entre las cosas, los colores, los objetos y el espacio. Rechaza la descripción, la narración de una historia o una interpretación, que tiene una importancia secundaria en su trabajo. Interesada por las preocupaciones formales y conceptuales, deudora de una vertiente alemana del arte, tiene en su background postulados de La Bauhaus a Beuys.
La exposición muestra una coreografía de formas,  superposición de colores y cuerpos traslúcidos de los elementos. Una serie de proyectos, ideas y concepciones que la artista ha ido realizando a lo largo de la última etapa y que se habían mantenido sin ver la luz hasta la fecha, ahora adquieren una nueva corporeidad.
Superficies transparentes, duras, industriales, que conservan a modo de contenedor la materia interior (óleo). Cuadros-urna donde se funde la escultura con la pintura, esculturas de pared. La materia oleosa es depositada dentro de los contenedores de metacrilato, a modo de vertido, de una manera aleatoria intentando controlar el azar. El magma graso encapsulado, al secarse compone oquedades y pliegues que dan mayor profundidad al resultado final. Componiendo la cara interna de la obra, en contraste con la superficie lisa que se revaloriza, ocasionalmente por brochazos de color superpuestos en su mayor parte en las aristas periféricas, componiendo el talante tridimesional de la obra, pero sin olvidar lo pictórico.
Las diferencias en su tratamiento de las distintas partes, mates o brillantes, ponen de relieve la percepción y el efecto, mientras que cualquier rastro de su factura personal o pincelada desaparece a favor de una superficie lisa.

Las elaboradas construcciones abstractas de Thieme, prescinden de los preceptos ideológicos y teóricos del minimalismo clásico. Su poder comunicativo reside en el efecto formal de sus impenetrables superficies. Invirtiendo los términos de interior y exterior, alcanza un lenguaje escultórico del cuerpo, una narrativa de expansión del trabajo. Estas obras se oponen a la bi-dimensionalidad de su trabajo sobre papel. Acrílicos acuosos de impronta lavada, asemejan acuarelas de tonos pálidos, donde la gestualidad manual adopta un rol de máxima importancia. Paisajes mentales que nos retrotraen al onírico romanticismo alemán.
La obra de Marion, es materialidad bruta y poesía efímera, carnalidad y espiritualidad, terreno fértil para la ilusión, ahí reside su fuerza.

Galería Casado Santapau
Conde de Xiquena 5_28004_Madrid_Spain
T. & F. [+34] 915 210 382

Más información:
www.casadosantapau.com

Kika

Inauguración: Jueves 18 a las 20.00 h.
Hasta el 22 de mayo de 2010.

Elke Boon (Gante, Bélgica, 1979) es una artista multidisciplinar que transita entre la instalación, el dibujo, el video y la fotografía. En su obra siempre se encuentra algo latente, inesperado, que de ninguna manera se ve a primera vista: un universo singular. Sus retratos están llenos de seres humanos vulnerables y frágiles, casi a punto de romperse en pedazos. Su composición, simple pero que recoge la tradición pictórica, convierte a sus personajes casi en iconos. Voyeurismo y exhibicionismo conviven milagrosamente en la misma estancia.

La exposición “Stitches and images” (literalmente “puntos de sutura e imágenes”) hace una referencia explícita a lo descarnado y físico de su acercamiento al retrato como género que sin embargo cuestiona y derrumba como un castillo de naipes. Sus personajes destilan ambigüedad y sexualidad a la vez que espontaneidad y frescura. Elke no toma partido ya que simplemente pone sobre la mesa la eterna batalla entre lo que la gente es y lo que quiere ser, y entre eso y lo que la sociedad espera o demanda de ellos.

La obra en video resulta muy desconcertante y sorprendente, siempre con una cámara fija que parece estar a la espera de un acontecimiento inaudito o una representación preparada especialmente para el espectador.

Por último, los dibujos de Elke están llenos de figuras con cuerpos de los que florecen rosas como por encantamiento, o extraños puntos rojos, ¿sangre quizá? Todos ellos de una corporeidad carnal y una simplicidad admirables.

Según el comisario Frederick de Preester, “el secreto reside en darse cuenta de que detrás de algo que nos resulta familiar, realmente se encuentra algo diferente”.

camara oscura galeria de arte
Alameda, 16, 1º B
28014 Madrid
T./F. 91 429 17 34

Más información:
www.camaraoscura.net

lugar: Centro de Arte La Regenta
León y Castillo 427
Las Palmas de Gran Canaria

artistas:
marta fernández calvo
dorothee kreutzveldt
juan linares y erika artz
óscar mora
james webb

influx/reflux/reflex es un proyecto de intercambio entre creadores sudafricanos y españoles. un puente construido durante dos años en tres espacios diferentes gracias al comisariado conjunto del español Nilo Casares y la sudafricana Bronwyn Lace. la idea parte de la realización de un taller en curso dirigido por los propios artistas seleccionados y desarrollado conforme lo facilite la reflexión de los implicados.

En 2008 se realizó un encuentro inicial entre los artistas integrantes del proyecto con una estancia de veinte días en Johannesburgo y Richmond, que sirvió tanto para la ejecución de las primeras obras como de contacto y primer vínculo. el proceso comprendió el encuentro de los artistas en la zona del Karoo, sus habitantes y su ubicación a lo largo de la carretera nacional n1.Los resultados de este encuentro fueron expuestos durante una presentación en la fundación nirox, con el apoyo de la embajada española.

En 2009 prosiguen los talleres en Valencia, con una duración de dos semanas. de manera cerrada y sólo entre los propios integrantes del proyecto, para avanzar en los pasos dados el año anterior y retomar el trabajo, siempre con la posibilidad de que la comunidad artística local participe en sus debates. de este segundo capítulo se ocupó el consorcio de museos de la Comunidad Valenciana en colaboración con la Sala Parpalló.

en 2010, el proyecto se ha desarrollado entre los días 1 y 12 de marzo con talleres en las palmas de gran canaria. en estos talleres los artistas comparten el conocimiento adquirido durante el desarrollo de sus proyectos teniendo muy presente el contexto local, haciendo del arte una experiencia abierta cuyo resultado objetual y procedimental será expuesto al público en la fase final del proyecto entre los años 2010 y 2011.

en las palmas de gran canaria habrá una jornada de exposición pública de la obra, el viernes 12 de marzo en el centro de arte la regenta, a las 20.30 horas, que se cerrará con una mesa redonda por parte de los artistas en la que satisfarán la curiosidad de todos los asistentes. de este tercer capítulo se hacen cargo casa áfrica y el centro de arte la regenta.

itinerario
/ sudáfrica: johannesburg art gallery, johannesburg y map zar richmond gallery, richmond
/ españa: casa áfrica, las palmas de gran canaria, sala parpalló, valencia.

Ante la dimisión de Román de la Calle como director del Museu Valencià de la Il·lustració i de la Modernitat (MUVIM), la Associació Valenciana de Crítics d’Art (AVCA) quiere expresar su apoyo total a la labor conceptual y gestión pública realizada por este miembro destacado de nuestra asociación durante los años que ha ejercido su función directiva. El respeto que merece la trayectoria de Román de la Calle como docente, catedrático universitario, académico y hombre de cultura está al más alto nivel y ha sido, durante décadas y en diferentes ámbitos, un ejemplo de erudición y conocimiento para varias generaciones.

Asimismo, AVCA quiere abundar en el comunicado enviado conjuntamente a la prensa por las asociaciones profesionales del sector de las artes visuales, el pasado sábado 6 de marzo, indicando que como asociación que reúne especialistas en materia de arte contemporáneo, no acepta la intromisión censora y partidista en la gestión de la cultura en la Comunitat Valenciana. Si hay un motivo por el cual AVCA existe y debe seguir existiendo, es por la defensa de la libertad de opinión y acción de sus asociados y afines en el contexto y bajo las leyes de un Estado de Derecho como es el actual. Y, aún más, por la defensa de estas libertades en el ámbito de lo público, atañan o no a sus miembros o asociados.

La política (incluyendo en ella su gestión y el uso partidista de su poder momentáneo) ha querido personificar en la cultura la parte débil de un binomio donde siempre gana la primera. Cuando se ponen de manifiesto actitudes censoras y de clara prepotencia política, saltándose todos los pasos y cargos intermedios, la cultura no debe callar. Nunca. Nuestra intención, por lo tanto, es denunciar actitudes como la cometida por los responsables de la Diputació de València el viernes 5 de marzo y exigir que se depuren responsabilidades en las más altas instancias de la Institución.

A una institución cultural pública se le presuponen las tres condiciones que implica su propia nomenclatura: que sea una institución que vele por el colectivo; que sea sensible y defienda las expresiones culturales de su época dentro de su margen de acción y, por supuesto, que entienda lo público como aquello que es de bien común y que, por supuesto, también refleja las opiniones adversas, las contrariedades y las miradas minoritarias lógicas y aceptadas en nuestras sociedades contemporáneas. Ninguna de estas tres obligaciones democráticas ha ejercido en este caso la Diputació de València. Exigimos, por lo tanto, que vuelva a plantearse su función intrínseca y actúe de acuerdo a estos principios de derecho, sin los cuales la institución puede verse gravemente desprestigiada.

Portada del libro

“Un autor sarcástico, culto y revolucionario,
…una obra que hay que leer despojados de prejuicios.” (Félix Grande)

Probablemente uno de los más perdurables logros del psicoanálisis lo constituya el haber establecido en el imaginario colectivo la representación del hombre como ser que se produce a sí mismo a base de metáforas, imágenes portadoras de vida y/o devastación. Ese es también el punto de partida de El ave fénix solo caga canela, una obra que, en palabras del poeta Félix Grande, “mantiene un divertidísimo diálogo con el psicoanálisis, /…/ un humor que, a veces, bajo la originalidad llena de broma se pone estrictamente serio”.
El autor se sitúa ante su obra revestido de un distanciamiento irónico que apenas alcanza para encubrir la abrumadora certeza de que es ahí, en ese territorio infestado de símbolos, donde -en términos de redención o condena- el propio yo se la juega.

Ángel Cerviño (Lugo, 1956) es artista visual y comisario de exposiciones. Ha publicado con anterioridad Kamasutra para Hansel Y Gretel (Ediciones Eventuales, Madrid, 2007), y numerosos textos críticos en torno a las nuevas prácticas artísticas y la creciente espectacularización de la industria cultural, en revistas, catálogos y publicaciones de arte contemporáneo. Ha sido miembro del consejo editorial de la revista SINAL (órgano de expresión de la Asociación Galega de Artistas Visuais) y ha participado en diversos proyectos editoriales, entre otros: Entrecruzar – Proxecto edición (CGAC, Santiago de Compostela, 2006), RETAL – Fragmentos de cultura contemporánea (Vigo, 2007 – 2008).

Página web de Ángel Cerviño: www.angelcervino.es

Del 12 de Marzo al 7 de Mayo de 2010
HORARIO: 16:30 a 20:30 h., de lunes a viernes. Sábados, cerrado.

David Cívico (Donostia 1974) es licenciado en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco en las especialidades de Pintura y Audiovisuales.

David Cívico viene a Espacio Marzana con su propuesta Diorama.

Se trata de Los insaciables, una narración en blanco y negro dividida en tres actos.

A partir de la visita que David Cívico realizó a la catedral que Justo Gallego lleva cuarenta años construyendo en Madrid, y de las imágenes de las palizas en la comisaría de Les Corts de Barcelona, desarrolló la iconografía cuya destilación fue pintada y posteriormente borrada de las paredes del Artium.

Esta primera parte trataba de definir un espacio para el epílogo de este proyecto.

El segundo acto se desarrollará en Espacio Marzana, la documentación ha sido redibujada marcha atrás y posteriormente borrada. Se han modelado objetos de plastilina que fotografían el instante en que fueron concebidos, y su vocación efímera se combate con el recuerdo presente de la primera materia escultórica.

Ambas representaciones conforman un diorama reversible que delimita un tiempo no lineal en este proyecto.

ESPACIO MARZANA
Muelle Marzana, 5
48003 Bilbao
T.: 94 416 75 80 / 653 724 940

www.espaciomarzana.com

S/T. 2009 Mixta sobre papel y lienzo. 60 x 62 x 25cms.

Hasta el 7 de Abril de 2010.

A través de estas piezas intento hablar del olvido, la pérdida de la información. El pasar de las páginas de un libro que se olvidan parcialmente a medida que se leen. Y uso el recorte, el collage, el ensamblaje de revistas de cine, de arte, libros y enciclopedias, entonces la lectura se transforma en otro tipo de lectura, la plástica, (o de poesía visual, si el espectador se acerca).

Sigo incorporando las formas incompletas de mis otros trabajos, que flotan en el aire del cuadro, por medio de la vibración de la luz y el color- luz (como en una pantalla de cine) dando latido y pulso a las obras.

En estas nuevas piezas que presento en La Caja China, las formas recortadas que salen materialmente del soporte del cuadro para acercarse a quien las mira, son fruto de un gran esfuerzo por destapar algo que estaba oculto en los territorios de la mente, en una cavidad, un compartimiento o un saliente. Un gesto borrado, una forma incompleta, un color olvidado. En algunas piezas, una ráfaga de viento bate todo el conjunto, como cuando el artista sale al campo y el viento mueve sus papeles para llevárselos.

Mientras realizo estas piezas brota el suelo del taller y la vida surge caótica. La pintura, los colores y las formas aparecen de forma inesperada, fragmentaria. Quedando mucho por descubrir.

Din Matamoro

La Caja China Galería de Arte
General Castaños, 30
41001 Sevilla. España
Telf.: +34 954219358

Más información:
www.lacajachina.net

Martes, 8 de marzo de 2010
Lugar: Sala Conferenze. Real Academia de Epaña en Roma
Piazza di San Pietro in Montorio, 3
00153 Roma

Intervienen:

Maria Rosa Sossai
José Luís Corazón Ardura
Avelino Sala

La voz remota, una conversación entre el artista Avelino Sala y el crítico José Luis Corazón Ardura publicado dentro del proyecto El enemigo está dentro disparad sobre nosotros que tuvo lugar en el 2009 en Laboral Ciudad de la Cultura, Gijón.

La Asociación de Mujeres en la Artes Visuales (MAV) se encarga del comisariado de la actividad y, bajo el título de Mujeres en el Sistema del Arte, plantea para el desarrollo del tema cuatro mesas consecutivas que se centrarán en el análisis de cuatro momentos concretos dentro del proceso del sistema del arte contemporáneo como industria creativa: “Producción”, “Gestión”, “Distribución” y “Difusión”.

Este ciclo de mesas redondas se propone reflexionar sobre la situación de las profesionales en el sistema del arte como un ámbito laboral con rasgos distintivos, pero encuadrado en la industria cultural.

A pesar de la impresión común de la integración normalizada de las mujeres en el sistema del arte occidental, tanto a nivel internacional como en España, los datos en cifras y la experiencia de las profesionales cuestionan ese optimismo. Nos interesa clarificar si en las últimas décadas hemos avanzado y, entonces, a qué coste; o bien, si estamos retrocediendo y cuáles son los defectos estructurales que condicionan el ingreso escaso y precario de las mujeres en el sistema del arte.

Nos preguntamos por qué, a diferencia de otros ámbitos profesionales que se han feminizado como consecuencia del elevado porcentaje en su formación (como sanidad o educación, por ejemplo), no ocurre lo mismo en el sistema laboral del arte, donde parace agudizarse la discriminación sexista que determina la estructura piramidal en toda la estructura laboral en España.

Queremos clarificar soluciones y estrategias que den respuesta a las expectativas de todas las profesionales y de las jóvenes que legítimamente desean incorporarse al sistema del arte en nuestro país.

Las cuatro mesas de debate recorren el proceso completo del sistema del arte contemporáneo como industria creativa: producción, gestión, distribución y difusión. Es decir, el planteamiento arranca desde el cuestionamiento de la situación de las artistas como productoras, a la gestión del producto mediante su selección e interpretación en exposiciones y su eventual incorporación a colecciones de museos, centros de arte y fundaciones. Para pasar después a debatir sobre dos filtros: los problemas con que artistas y galeristas se enfrentan en el mercado artístico; y cómo y por quiénes se difunde lo producido por las profesionales a través de los media: prensa general y especializada, radio y televisión.

Programa

Lunes, 8 de marzo, a las 19:00h
Mesa redonda “Producción”
Moderadora:
Marina Núñez, artista, profesora de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Pontevedra y Vocal de la Junta Directiva de MAV.

Participantes:
Marta de Gonzalo, artista y profesora de educación secundaria.
Concha Jerez, artista y profesora de la facultad de Bellas Artes en la Universidad de Salamanca.
Francesca Llopis, artista y presidenta de UAAV, Unión de Asociaciones de Artistas Visuales

Artistas destacadas debatirán sobre los problemas de orden creativo y de producción con los que se enfrentan: el objetivo será dar respuesta a: el grave contraste entre los porcentajes en formación y en inserción laboral; qué mecanismos son excluyentes en el sistema del arte; cómo afecta la precarización a las productoras en el sistema del arte; qué exigencias han de plantearse para que las artistas contribuyan a la excelencia en un marco de paridad.

Martes, 9 de marzo, a las 19:00 h
Mesa redonda “Gestión”
Moderadora:
Gloria Picazo, directora del centro de arte contemporáneo La Panera, Lleida y Vocal de la Junta Directiva de MAV

Participantes:
Margarita Aizpuru, comisaria de exposiciones.
Xavier Arakistain, director del Centro Montehermoso Kulturenea, Vitoria.
Yolanda Romero, directora del Centro José Guerrero, Granada y presidenta de ADACE, Asociación de Directores de Centro de Arte Contemporáneo.

Comisarios y directores de centros de arte contemporáneo debatirán sobre la estructura que parece relegar los proyectos de exposiciones individuales y colectivas de artistas mujeres. Se cuestionará el escaso porcentaje de obras de artistas mujeres en las colecciones de instituciones públicas y privadas. Así como la composición piramidal de los staff de las instituciones artísticas. Y se propondrán actuaciones para la mejora de presencia de obra de artistas mujeres en exposiciones y colecciones.

Miércoles, 10 de marzo, a las 19:00 h
Mesa redonda “Distribución”
Moderadora:
Petra Pérez, galería Vanguardia, Bilbao, y Vocal de la Junta Directiva de MAV

Participantes:
Pilar Citoler, directora del Patronato del MNCARS.
Rocío San Claudio, galerista y editora.
Carlos Urroz, director de UP Urroz Proyectos.

Gestores de ferias y galerías debatirán sobre la escasa penetración de obras de artistas mujeres en el mercado artístico, esclareciendo los motivos de su baja cotización económica. Se indagará por qué el “criterio de calidad” continúa afectando a la obra de artistas mujeres. Además, se abordará la situación de las galeristas, indagando si también su rol está condicionado por la discriminación sexista. Y se propondrán líneas de trabajo para corregir en conjunto los defectos en este sector.

Jueves, 11 de marzo, a las 19:00 h
Mesa redonda “Difusión”
Moderadora:
Susana Blas, comisaria, redactora de programas culturales TVE y Vocal de la Junta Directiva de MAV.

Participantes:
Javier Díaz-Guardiola, coordinador de la sección de arte, arquitectura y diseño de ABC.
Marta Rodríguez, coordinadora del “Contenedor de cultura de la 2″ TVE.
Elena Vozmediano, crítica de arte y presidenta de IAC, Instituto de Arte Contemporáneo.

Especialistas en prensa, edición y difusión mediática debatirán sobre la difusión del trabajo de las profesionales en artes visuales: artistas, comisarias, críticas, gestoras, investigadoras, etc… También se abordará la situación de las profesionales en comunicación en el ámbito de la cultura y, en concreto, de las artes visuales. Se indagará sobre la penetración de la información desde una perspectiva de género, y sobre las posibles soluciones para servir una información precisa y adecuada al público cultural, formado mayoritariamente por mujeres.

Lugar y fechas:
Auditorio del Ministerio de Cultura
C/ San Marcos, 40. Madrid
8, 9, 10 y 11 de marzo de 2010. De 19:00 a 22:00 h

Entrada libre hasta completar aforo

Persona de contacto:
Arantxa Chamorro Malagón
Subdirección General de Promoción de las Bellas Artes
Dirección General de Bellas Artes y Bienes Culturales
Ministerio de Cultura 91 701 62 05

Karen Schiff . Untitled (light Map) II Tinta sumi sobre papel 2008

Del 4 de marzo 2010 hasta el 10 de abril de 2010

Artistas:
María Aranguren / Rafael Canales / Tom Carr / Carlos Coronas / Roberto Díez /
José García Navas / Vicky Herreros / Rafael Reverón-Poján / Dominica Sánchez /
Karen Schiff
…………………………………………………………………………………………………………………..
PAPEL (ES), UN ENCUENTRO DIEZ
Amalia García Rubí
Desde la perspectiva guiada por la espontaneidad que da la libertad creativa cuando se trata de manipular el papel, el cartón o la cartulina, ha sido lanzada esta nueva iniciativa de la galería ASTARTÉ. Cita arriesgada por lo heterogéneo de su convocatoria y cuyo resultado es este encuentro armónico y fluido en sus múltiples discursos, procedentes de caminos distantes milagrosamente confluidos aquí. Un escenario común cuya calidez acogerá los próximos días algunos de los más altos vuelos de nuestro panorama artístico. En esta exposición colectiva bautizada PAPEL (ES), (otra vez el deseo de no enterrar la primera idea, el juego o la ocurrencia en apariencia pueril), la lista de participantes no tiene desperdicio, tanto por la amplia trayectoria de algunos cuanto por el feliz despegue de otros cuyos
nombres están ya sonando fuerte, gracias en parte, al ojo crítico de esta galería.
Empecemos el recorrido. En la primera sala las soberbias piezas de Carlos Coronas, tres bellísimas pinturas abstractas en óleo sobre papel, quizá un leve recuerdo a la tendencia hard edge del expresionismo abstracto aunque, como ocurre a muchos pintores de la abstracción pura en España y especialmente a
Coronas, esta pintura deja campo al gesto leve, a la huella, a la veladura, al surco del pincel, y en definitiva a esa emoción controlada que tanto acerca como aleja a Coronas de la abstracción postpictórica de un Still o de un Barnett Newman. Frente a la estática línea recta de este gran artista deudor en parte del minimalismo de Dan Flavin y autor de importantes instalaciones e intervenciones memorables como
la del Centro Barjola de Gijón en 2005, nos asalta, esta vez en forma de gruesos brochazos y manchas de color puro, el cuadro de José García Navas, arquitecto y pintor reconocido. Los trabajos de García Navas fluctúan entre el orden y el azar; su gesto contenido bascula de la calma a la agitación para crear espacios de acción que no renuncian del todo a la profundidad, a ese abismo que nos engulle si
miramos a una determinada distancia del cuadro, y que parece abrirse en la superficie bidemesional de su pintura all over. Acompaña a este gouache una obra independiente, más dibujo que pintura, cuyo formato apaisado nos dirige la mirada a través de una franja de papel repleta de caligrafías ingenuas e inconexas, donde juega importante papel la idea primera, un automatismo psíquico en rojo sobre blanco, cuyo resultado evoca en cierto modo los mundos imaginarios de Klee, sólo que en García Navas la verticalidad, la escalera, el avión, la cruz ascendente, la nube…parecen haber caído para encauzar su senda secuencial hacia una horizontal infinita.
Saltamos ahora a los suntuosos espacios de transición para detenernos en lo delicioso de la obra fabricada con lo encontrado, en una suerte de combinaciones povera o dadaístas a lo Schwitters en las que María Aranguren, siempre atraída por el material de desecho, de reciclaje, despliega un delicado efecto visual de
conjunto en sus “Cajas”; envases de cartón desplegados, pintados, pegados, cortados y al fin convertidos en cuadro, en obra de arte. Es, una vez más, la valentía y la virtud de hacer arte con lo mínimo, con esa economía de medios divulgada por Burri o Merz, y plagada de sugerencias tan sutiles como nostálgicas
en su fragilidad sobre las que María Aranguren no deja nunca de incidir. A su lado, otra artista madrileña, Vicky Herreros, ha querido en esta ocasión bucear en aguas profundas, rescatando del olvido aquellos breves pero suculentos cuadernos de apuntes, que son la prueba irrefutable de su calidad como artista. Los diarios de pintor, sus proyecciones más íntimas, salen ahora a la luz en esta sucesión de pequeñas imágenes fragmentarias, donde la frescura de los conceptos parecen fluir sin pausa, atropellándose unos a otros por la rapidez con la que surgen las visiones, manchas, frotados, borrones… y por fin la clarividencia, la luz de un boceto trabado de principio a fin.
No lejos encontramos a dos artistas que pudiéramos definir como los artífices de pequeñas grandes obras. Por un lado, la elegancia “oriental” de Karen Schiff y sus mínimos papeles pautados a base de rastros de trazos (como les llama la propia artista, quizá por lo truncado de sus trayectorias) y que a su vez le sirven de soporte para toda suerte de divagaciones reales paradójicamente traducidas en un lenguaje codificado de signos abstractos. Breves obras de arte únicas, con un trasfondo conceptual que no rehúsa el efecto estéticamente bello en la pulcritud y meticulosidad de la factura. Por otro lado, el trabajo plástico del venezolano Rafael Reverón, un artista que flirtea con el componente kisch de la obra de arte y cierta inclinación hacia el Op art.. En la base de estos curiosos efectos ópticos descansa la calidad plástica del proceso manual llevado a cabo por el artista y consistente en el vaciado a golpe de cúter, de monumentos emblemáticos madrileños previamente fotografiados y reducidos a leves estructuras o entramados
lineales apenas reconocibles.
Nuestro paseo continúa en la segunda gran sala de la galería. Comencemos por un artista de peso, asiduo en esta galería, en cuyos espacios hemos tenido el gusto de disfrutar y admirar sus prodigios tridimensionales. Tom Carr es uno de esos escasos ejemplos, si se me permite, de escultor con vocación arquitectónica, siempre que por ésta se entienda una arquitectura orgánica, hecha a la medida de la naturaleza y por lo tanto acorde con sus leyes de suaves geometrías, sencillas y complejas a la vez. Quizá tras ello esté la firme determinación de seguir buscando ese absoluto consistente en encontrar el equilibrio de contrarios en la forma leve e ingrávida, pero no por ello menos contundente. Entre el movimiento y la quietud, entre el lleno y el vacío, entre la línea curva y sus infinitas posibilidades rítmicas y lumínicas, fluctúa la obra de Carr. Poco o mucho, depende como se mire, tienen que ver estos desplegables en papel con su obra escultórica, pero en todo caso, coinciden con ella en el placer por dejar hablar al material, a los espacios ascendentes y descendentes creados por los angulosos pliegues que tan sencillamente construyen sus paisajes abstractos, sublimados ahora por la mínima expresión.
En una órbita muy distinta a la de Tom Carr gravita Dominica Sánchez, artista con andadura en diferentes espacios europeos, quien hace tiempo se decantó por el lenguaje neoconstructivista de la pintura. Los planos y la línea trazada al compás son sólo herramientas de un rico repertorio plástico que, despojado de la frialdad cartesiana del constructivismo histórico, convierte su dibujo analítico en una geometría amable y grata a los sentidos. El reduccionismo de Dominica Sánchez no renuncia del todo al color, el cual a pesar de su moderación, otorga una especial calidez a estos papeles.
De colores naturales, como provenientes de la tierra y en su claridad ocre, de una tierra en apariencia yerma, desértica, nos habla la única gran pieza colgada del sevillano Rafael Canales. Hay mucho de paisaje en estas manchas de una textura si se quiere lítica, que parecen brotar de la superficie rugosa del soporte, al igual que lo hacían las manchas de humedad sobre un muro en cuyas contracciones y expansiones descubría Leonardo todo un universo de matices cromáticos, luces y sombras… de enorme poder evocador.
Para terminar y como colofón de este nutricio recorrido, un auténtico regalo para la razón y los sentidos son los papeles de Roberto Díez con sus singulares letanías ortográficas, brillantes y agudas en sus inteligentes combinaciones conceptuales. La escritura automática de Roberto Díez posee una doble función: la semántica que hace referencia al contenido y por tanto al significado específico de la palabra, en este caso la letra impresa escogida al azar; y la visual, en cuya combinación u ordenación estética se estructura la obra. Una simbiosis perfecta que Roberto Díez ha sabido llevar a término en todos sus trabajos, y que ahora se extiende más allá de los límites bidimensionales con la aportación de una nueva propuesta en la que el artista incorpora a su discurso habitual, elementos más líricos, táctiles y plásticos, como son el color y el volumen… los cuales no entorpecen el misterio y la belleza última de sus poemas visuales.

Para ampliar información sobre los artistas y su trayectoria diríjanse a la galería.
Galería Astarté
Monte Esquinza, 8
28010. Madrid. SPAIN
(+34) 91 319 42 90
info@galeriaastarte.com

www.galeriaastarte.com

ENTRADA: Libre hasta completar aforo

La obra de Harun Farocki (1944) desborda el campo de la teoría pura del cine, refleja una temática propia y propone una reflexión constante y amplia acerca del papel de la imagen en la sociedad actual. Su trabajo es directo, formal e ideológicamente alejado de densas preocupaciones metafísicas, que afectaron a contemporáneos suyos como Herzog, Wenders o Fassbinder. Sus películas, desde el comienzo mismo de su carrera, son abiertamente políticas, contestatarias y subversivas. Farocki ha estudiado en profundidad la función de la imagen como instrumento de poder y su control por parte del estado, de lo cual es un buen reflejo la selección que se proyecta en el CAAC. Estas actitudes le valieron en más de una ocasión el apodo de “realizador guerrillero” y le convirtieron en un auténtico outsider dentro de la amplia producción
cinematográfica alemania.
El cineasta ha sabido crear una estética tan propia como ascética, desde la que elabora una reflexión que va más allá de la pura Teoría del Cine. Sus ensayos van en el mismo sentido, lo que busca es “lo que se esconde realmente detrás de las imágenes”. Deleuze, Foucault, Barthés y Virilio están detrás de sus propuestas bombardeos de la 2ª guerra mundial en las que se puede apreciar cómo la información se cambió o cómo no se quiso ver la evidencia. Farocki pone el dedo en la llaga al denunciar cómo se pueden alterar unos acontecimientos y cómo la televisión puede distorsionar la realidad.

PROGRAMA

MARTES 2 DE MARZO
Horario: 18:00 – 20:00 h.
Presentación del ciclo por su comisario Juan Ramón Barbancho
*NICHT LÖSCHBARES FEUER (Fuego inextinguible)
1969 | 25 min. | VOS
*WIE MAN SIEHT (Como se puede ver)
1986 | 72 min. | VOS

MIÉRCOLES 3 DE MARZO
Horario: 18:00 – 20:15 h.
*BILDER DER WELT UND INSCHRIFT DES KRIEGES (Imágenes del mundo y epígrafe de la guerra)
1988 | 75 min. | VOS
* STILLEBEN (Naturaleza muerta)
1997 | 56 min. | VOS

JUEVES 4 DE MARZO
Horario: 18:00 – 20:00 h.
*GEFÄNGNISBILDER (Imágenes de prisión)
2000 | 60 min. | VOS
*ERKENNEN UND VERFOLGEN (Reconocer y seguir)
2003 | 58 min. | VOS

VIERNES 5 DE MARZO
Horario: 18:00 – 19:30 h.
VIDEOGRAMME EINER REVOLUTION (Videograma de una revolución)
1992 | 106 min. | VOS

Más información:
www.juntadeandalucia.es/cultura/caac/actividades/proyectos/frame_farock10.htm