Hasta el 12 de marzo de 2012.

“Comencé en Madrid en los años ochenta. Era muy joven. Recuerdo la necesidad de expresarme, de traducir la realidad haciendo un alto para sorprenderme con las cosas mínimas como la luz al mover el verde de las hojas o la monumentalidad de las nubes… los dibujos de las formas, lo imaginado, lo grandioso…”

“Conocí la pintura mirando a los maestros y me enganchó de tal manera que todavía me retiene en un estado de hipnosis, sin poder salir del taller. Pintar para seguir lentamente pintando, sorpresivamente acelerando el tiempo, un cuadro tras otro y, con el último, un descubrimiento. Un día cerraré el taller por un tiempo y lanzaré la llave al mar.”

“Creo en la individualidad y peculiaridad del artista. Me gusta que mi trabajo sea un reto siendo consciente de que algunos cambios pueden ser peligrosos aunque también valientes. Sabiendo que en esencia seguirás siendo el mismo aunque los días pasen, el cuerpo cambie y la mente evolucione.”

“De las piezas en las que trabajo actualmente el color surge tímido de las entrañas del blanco para descubrir lentamente sus secretos. En algún caso puede parecer luz proyectada sobre la superficie pictórica. De alguna manera es como perderse en una niebla espesa de color donde la mirada encuentra otros matices: la luz desnuda que borra la forma y muestra lo difuso, el color que late y que se expande.”

“Me gusta que mi mirada traspase la obra y no rebote en ella. Del mismo modo me encantaría que el espectador descubriese el ruido interno que está detrás del aparente silencio externo de los cuadros que conforman mi exposición.”

TRINTA arte contemporánea
Virxe da Cerca, 24
15703 Santiago de Compostela

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La personalidad no se hace, no se forma, no se cambia, solo permanece, desde que sentimos hasta que ya no estamos o no somos conscientes. La personalidad a la que ahora me refiero, es un ser que tiende a crear algo muy particular de su persona y de sus sentimientos, que nunca cambia y si cambia es temporal o circunstancial, es bien definido con todo lo que quiere hacer o enseñar y lo hace con agrado y simpatía cuando la recepción es positiva, de lo contrario lo deja sin vacilar y con todas las consecuencias. Es una personalidad serena estable para con los demás y Él es inestable en ocasiones y obsesivo en la mayoría de lo que cree que no esta bien, siempre fijándose en los demás para crear sus propias conclusiones y hace criba de los que le rodean dejándolos sin mayor aprecio y a veces con desprecio, pero nunca le notaremos estos efectos pues su reserva es el gran don, la gran biblioteca de conocimientos que retiene y que comparte solo cuando muestra una empatía razonable.

Tiene una cualidad importante referente al sentimiento profundo y sincero, pero que a veces es imposible verlo, pues como he dicho antes, está más dentro que fuera, firmeza y tesón, no con descalabros. Piensan más en el refrán que dice “Es mejor decir, de aquí huyo un cobarde que aquí murió un valiente”. Se disgustan mucho con las personas lentas o personas que creen inútiles o incompetentes. En el hacer diario se muestran orgullosos y con firmeza siempre en comparación de los demás. Están actuando constantemente y reaccionan bien ante las adversidades y contratiempos, pues su serenidad es estable y actúan sin vacilar con resultados importantes por su acción y resolución de todo lo que se proponen, gran consejero y amigo.

Sus efectos de soledad están por encima de todo, pues son personas que les gusta estar solos, por un tiempo prudencial, si esta soledad se le impone se desequilibran con facilidad y en este estado es una persona problemática, en ocasiones les produce mal humor o enfados repentinos, no hablan de ello, pues para él es algo de su reserva y así no suelen estar receptivos de conversaciones o contactos con nadie. Siguen su propio camino dejando a todas las personas de lado que no les importan y así se sienten como liberados de algo que en realidad es abstracto.

Si alguien se siente identificado con todo esto, esta ante una personalidad tipo y esta personalidad es digna de tenerla en cuenta, pues su reflejo es para aprender de ella y llevar la vida con sabiduría y rectificación hasta el final.

Jesús Casado
Naturópata Iridiólogo

Galería Adora Clavo
San Pablo, 66
37008 Salamanca

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Estos premios, que desde 2008 representan una cita anual con todos los sectores de la vida cultural catalana vinculados al arte y al galerismo, se dividen en siete categorías entre las que se encuantra el Premio a la crítica de arte, que este año en su quinta edición ha sido otorgado a Elena Vozmediano.

Para ampliar la información consultar la entrevista que le realiza Paula Achiaga en el cultural:

http://www.elcultural.es/noticias/BUENOS_DIAS/2700/Elena_Vozmediano

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Coincidiendo con el inicio de su relación con la galería, el próximo sábado 4 de febrero, a las 12 horas, el artista hablará sobre su trabajo en la conferencia: (1960-2012) la primera mitad

Sábado 4 de febrero a las 12 del mediodía en el ANEXO de la galería Espacio Mínimo (Calle Doctor Fourquet)

(Entrada libre hasta completar aforo, SRC)

Galería Espacio Mínimo
Doctor Fourquet, 17
28012 Madrid

Tf: 34 91 467 6156
E-mail: galeria@espaciominimo.es

http://www.espaciominimo.es

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En defensa del derecho ciudadano de acceso a la cultura y a la educación, debería tenerse también en cuenta el perjuicio que generan los recortes para el modélico club infantil del CDAN, formado por 440 niños de 4 a 12 años que participan de las actividades semanales del CDAN. Insustituible sería también el servicio que presta el CDAN a la investigación a través de INDOC, con 6.279 documentos y más de 1.777 socios. Por todo ello confiamos en el buen criterio del patronato del CDAN para seguir potenciando este excepcional proyecto.

El IAC apoya a +cultura.org en su defensa de la comunidad artística de Aragón y le desea el mayor de los éxitos. http://mascultura.org/web/

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SÓLO VÍDEO es un proyecto que funciona a un doble nivel. Por un lado, como presentación pública en diferentes instituciones del estado español; por el otro, como consumo privado a partir de su edición en DVD.

Artistas participantes: Inés García, Ricardo Trigo, María Pérez, Daniel Silvo, Iván Gómez, Jesús Monteagudo, Oriol Nogues, Esther Achaerandio, Enric Montejano, Lidia González, Beatriz Sánchez, Xavier Ristol, Mercedes Mangrané, Tamara Kuselman, Miquel García, Antonio Gagliano, Ana Moreno, Gerard Ortín.

SÓLO VÍDEO
Un proyecto de David Arlandis y Javier Marroquí
Producido por San Andreu Contemporani

Miércoles 1 de febrero: inauguración exposición y actividad, 20:00 horas.
Martes 7 de febrero: presentación del proyecto Sólo Vídeo con David Arlandis y Javier Marroquí, 20:00 horas
Imagen (portada del DVD)
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work in

Ante el contexto actual de cambio, de iniciativas de creación conjunta, de trasvase de disciplinas y de generación de nuevas inercias productivas. espacio trapézio propone un lugar donde la colaboración se ve favorecida por un entorno de trabajo abierto. work in es un punto de encuentro profesional de carácter temporal, un espacio agradable para trabajar conectado mientras degustas un té o un café en un ambiente productivo.

Un lugar dedicado a todos aquellos colectivos, profesionales y personas, que en su día a día, desarrollan un trabajo creativo y colaborativo y que necesitan de espacios puntuales de encuentro para la elaboración de proyectos realizados desde el disfrute.

Con la colaboración de:
IED
Nolens Volens
A*Magazine
e-Flux

Horario provisional:
De lunes a domingo de 11 a 20h
Conexión WI-FI gratuita

espacio trapézio
Mercado de San Antón, 2ª planta,
Calle Augusto Figueroa, 24. Madrid

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Hasta el 6 de marzo de 2012.

El proceso creativo de Ignacio Fortún (Zaragoza, 1959) empieza ante una plancha metálica, con su resplandor mate intacto. Aluminio o zinc. Sobre su opacidad se pueden proyectar imágenes para comprobar cómo el metal degrada los colores, los absorbe, como si raspara los brillos de la realidad para transformarla en pasado. Recuerdan las sombras bajo los vasos que nadie contempla en los viejos mostradores de zinc de las tabernas. El metal digiere mal las imágenes, las refleja en otro tiempo que no siempre se comprende. La plancha sujeta al bastidor sufre pequeñas ondulaciones en los bordes que muestran su rigidez. Donde la luz la alcanza, se abre un boquete ciego, informe. Nada hay en el metal sobre el caballete que signifique. Y sin embargo, qué inquietud por destapar las formas que su tiniebla oculta.
Con un buril el pintor realiza incisiones y rayados sin ninguna orientación previa sobre toda la plancha. Se diría, desde fuera, que estropea su prestigio de acabado industrial. Con este gesto adecúa el modo anodino de expresar que tiene el metal a las necesidades del arte, empieza a darle expresión. Reproduce, a continuación, un pequeño boceto, figurativo, realizado en papel mucho antes de seleccionar la plancha, y en otro lugar, lejos del taller. En el bosquejo objetos y figuras eligen un volumen, una situación, un campo. Son poco más que un trazo. A partir de este momento se inicia el arduo trabajo pictórico. Ignacio Fortún reelabora las formas hasta conseguir la perfecta integración de las incisiones expresionistas con el dibujo figurativo. Ha de poner de acuerdo también, en los colores del cuadro, la drástica absorción de la luz que realiza el metal con las exigencias cromáticas de la imagen. Se diría que la composición no renuncia a ninguna tradición artística.

A este intenso proceso plástico Fortún le añade otra secuencia paralela. Escritor de texturas, cada pieza implica una reflexión lírica sobre lo que el metal refleja, una indagación biográfica y geográfica, en la que no se reconocen citas, ni nombradías; la auténtica notoriedad del lugar la otorga el sujeto, su memoria. Como pintor memorialista, huye de la costumbre y aspira a la representación simbólica del destino. Muchos de sus cuadros enuncian una frontera, un tránsito, un interregno quizá. Se ven las últimas construcciones de un suburbio junto los primeros arrebatos de un terreno agreste. Son suturas a la vista, cicatrices. Imágenes que evocan, que narran. Que encarnan. Sin esta escritura de las formas, el cuadro no se consideraría acabado, y al mismo tiempo, como un poema clásico, se reabre ante quien lo contempla para recibir otros recuerdos, nuevos significados.

La chapa de aluminio o de zinc carece de hondura, es solo una superficie átona en la que el pintor ha desembozado la perspectiva con trazos en conflicto que las manchas van suturando. También es quien dota de memoria a la imagen que, sin ella, no sería nada. Y cuando el cuadro parece concluido sobre una pared, aún queda todo por decidir; lo que los ojos contemplen se conjugará con la luz. Hay luces que oscurecen zonas de la plancha o que las resaltan; unas veces subrayan líneas que parecen no estar, otras las modifican como si el cuadro, según la claridad, alterara su respiración.

JOSÉ ÁNGEL CILLERUELO

Galería Antonio de Suñer.
Barquillo 43
Madrid.

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Desde el próximo 12 de Enero y hasta principios del mes de Marzo, la Galeria Carles Taché presentará la exposición “Campano”, novena muestra del artista Miguel Ángel Campano (Madrid, 1948) en la galería.

La muestra consta de una docena de obras y traza, mediante una selección de pinturas de diferentes épocas y formatos, un recorrido por algunos de los momentos artísticos más destacados del artista desde la década de los ochenta, años en que Campano fue reconocido como uno de los grandes exponentes de la renovación de la pintura española.

Pintor profundamente heterogéneo, Campano ha afirmado en alguna ocasión hallarse en un permanente no estilo que ha hecho de su trayectoria algo muy alejado de la cualquier idea de linealidad. En esta muestra se reconoce a un artista poliédrico que rehúye de toda pertenencia a alguna escuela, sistema o método.

Tratando de mostrar la diferencia entre los distintos momentos de la extensa y prolífica trayectoria de Campano, la galería ha seleccionado una sola pintura representativa por cada etapa, proponiendo así “saltar” de un periodo a otro sin la necesidad de articular suavemente los momentos de cambio o transición que anuncian las diferentes fracturas que se irán produciendo en su pintura.

Mediante una relación de contraste entre las diferentes pinturas que integran la muestra, se hace patente la maestría de un pintor lleno de matices, modulaciones, giros y, sobretodo, una profunda libertad, conseguida por el hecho de trabajar atendiendo solamente a la coherencia interna de la propia pintura y dejando de lado otros factores ajenos a ella como pudieran ser, por ejemplo, la fidelidad a un estilo. Campano se caracteriza por moverse, ante todo, por un profundo interés en la propia esencia pictórica.

Miguel Ángel Campano obtuvo el Premio Nacional de Artes Plásticas en 1996 y su gran retrospectiva en El Palacio Velázquez de Madrid en 1999 fue la confirmación de su relevancia dentro del panorama del arte contemporáneo español.

Galeria Carles Taché
Consell de Cent 290
08007 Barcelona
T +34 93 487 88 36
galeria@carlestache.com

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Galería Arte21
Manuel María de Arjona, 4
14001. Córdoba. España

El interés por los sistemas de representación no es nuevo en la obra de Tete Álvarez, la asunción del espacio público como territorio de negociación le ha llevado a desarrollar un trabajo que investiga sobre las tramas urbanas y las derivas, la representación del territorio a través del mapa y de dispositivos de geolocalización. En Topografías, la muestra que presentamos en Arte21 a partir del 20 de enero, Tete Álvarez (Cádiz,1964) ofrece tres series fotográficas Transurbancias, Ciudades Líquidas y Vértices que responden a estos intereses.

La transurbancia es el método que propone el colectivo de investigación urbana Stalker para atravesar, recorrer y mapear los terrain vague. En Transurbancias, Tete Álvarez propone cartografiar una configuración urbana construida a partir de lo que Castells denomina “una nueva lógica espacial basada en flujos de información, frente a la lógica de la organización social arraigada en la historia de los lugares y territorios locales inmediatos”. Otra cartografía que permita realizar una deriva que gracias a los flujos nos desplace, por ejemplo, desde el barrio porteño de Mataderos hasta el sevillano del Tiro de Línea. Sobre un collage formado por numerosos fragmentos de imágenes satelitales – de tramas urbanas de diferentes lugares del mundo como paradigma de la calidad heterotópica del espacio urbano moderno – se superponen mapas de distintas épocas y procedencias, en alusión al tiempo de la historia, y planos sobreimpresionados de sistemas de comunicaciones, flujos de transportes, líneas de metro, etc. que tienen que ver con la nueva espacialidad de los flujos. Estos flujos forman parte de un sistema global y determinan un tiempo distinto, el de la atemporalidad, el de la aceleración y la simultaneidad, frente al tiempo de las estaciones o de la historia. Los espacios de conexión, vías de transporte o puntos de intercambio telemático son los verdaderos soportes de la identidad metropolitana. Mapas ácronos y heterotópicos y al igual que los de los situacionistas, ajenos a las fronteras administrativas de las ciudades que homogeneizan el espacio.

La metáfora de lo líquido y del fluir define la experiencia urbana actual. Tanto es así que está minando todos los resortes de la ciudad haciendo que la propia idea de urbe se desmorone y sea sustituida por núcleos de población más o menos informes. Lo más interesante de este proceso hacia lo líquido es que está afectando incluso a las viejas ciudades. Mientras la memoria de los lugares se fija cada vez más gracias al fenómeno turístico, la realidad de estos lugares se diluye cada vez más rápido. Ciudades líquidas toma como punto de partida imágenes satelitales de cascos urbanos de ciudades históricas para metamorfosear su trazado y convertirlo en un líquido denso pero a la vez fluido. Como apunta Pérez Villén en el texto editado con motivo de la muestra, “el proceso comienza con la elección de una determinada ciudad histórica – Estambul, Córdoba, Jerusalén- para centrarse en la herida que representa su trama. El tiempo se cobra la recompensa de su lento discurrir y facilita la emergencia de un tatuaje, siempre luctuoso. A la vez que se objetiva una imagen del caos –ese retrato a contraluz que representa la cicatriz de la historia- de forma paulatina fermenta la impresión de que los lugares ya no importan y que los límites no marcan pues todo se desborda. La ciudad se extralimita y sólo consigue transpirar la imagen líquida de lo que fue su pulso.

Las redes geodésicas están formadas por un conjunto de puntos materializados sobre el terreno, los vértices geodésicos, de los cuales se ha medido su posición con una gran precisión y que se han materializado sobre el terreno con hitos o señales. Esta materialización se hizo, por lo general, con cilindros de 1,20 metros de altura sobre un dado de hormigón cilíndrico o cuadrangular. Encima de la señal se instalaba el instrumento topográfico para hacer las mediciones necesarias, y desde cada una se deben ver varias, por lo que están situados en los lugares más altos y despejados. Vertices trabaja en el orden de interrogar acerca de la percepción del espacio, del territorio que permanece en la época del fin de la geografía, cuando las distancias han quedado reducidas por la instantaneidad de los flujos de comunicación en tiempo real. Para Pérez Villén estos Vértices conforman “una suerte de paisajes involuntarios. Y lo son porque cada fotografía de la serie –las imágenes incorporan las coordenadas exactas de su localización- además de señalar la aleatoriedad de la elección y el caprichoso artificio que otorga a cada lugar la singularidad y la virtualidad de la naturaleza, se debe en exclusiva al precepto de informar sobre la contingencia de un dispositivo determinado de la trama topográfica”.

Tete Álvarez realiza desde principios de los noventa obras en las que toma como soporte la instalación, el vídeo y la fotografía. Desde entonces ha realizado exposiciones individuales en las galerías Cavecanem (Sevilla), Trama (Barcelona y Madrid), Valle Ortí (Valencia) y T20 (Murcia), además de instituciones como el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (Sevilla) y el Centro de Fotografía de la Universidad de Salamanca. Desde 1998 sus trabajos han estado presente en la Feria Internacional de Arte Contemporáneo de Madrid, así como en exposiciones colectivas en distintos países de Europa y América. Seleccionado por Okwui Enwezor para participar en la II Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de Sevilla, sus trabajos han podido verse entre otros en el Salón Internacional de Fotografía, Paris Photo de la mano de la galería T20. Cuenta con obra en museos y colecciones como la Ordóñez-Falcón, la colección Testimoni de La Caixa, el Centro de Fotografía de la Universidad de Salamanca o el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo. La exposición en la galería Arte21 supone la primera ocasión en la que se pueden contemplar los trabajos de Tete Álvarez en una galería privada de Córdoba, ciudad en la que habitualmente reside. Con motivo de la muestra se ha publicado un catálogo con una edición limitada de cincuenta ejemplares con texto a cargo del crítico de arte y comisario de exposiciones, Ángel Luis Pérez Villén.

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• Las galardonadas en los Premios Arte y Mecenazgo 2012 en sus tres categorías han sido la artista Elena Asins, la galerista Soledad Lorenzo y la coleccionista Helga de Alvear, destacando todas ellas por su dilatada trayectoria y el papel destacado que llevan a cabo como innovadoras en su respectivo sector.

Barcelona, 26 de enero de 2012.- La Fundación Arte y Mecenazgo, impulsada por “la Caixa” y presidida por Leopoldo Rodés, ha dado a conocer hoy los galardonados en la segunda edición de los Premios Arte y Mecenazgo, que reconocen a los principales referentes en el estímulo de la escena artística española.

La Fundación Arte y Mecenazgo instituyó el año pasado estos galardones como muestra del apoyo de la entidad al sector del arte español. Los premios introducen un elemento innovador al reconocer el trabajo no sólo de artistas, como la mayoría de los premios existentes, sino también el de galeristas y coleccionistas, figuras fundamentales para el desarrollo de la creación artística.

Elena Asins ha sido galardonada en la categoría Artista por un jurado constituido por Lynne Cooke, Francisco Calvo Serraller y Vicente Todolí. Asins ha recibido este reconocimiento, según el jurado, porque “en el transcurso de su carrera, que abarca más de cuatro décadas, su obra ha incluido un extraordinariamente amplio registro de formatos y medios tales como: dibujo, edición, escultura, vídeo y poesía concreta, caracterizados siempre por el rigor compositivo y la depuración formal. Su creación artística continúa su proceso marcado por la experimentación y radicalidad”. El premio está dotado con 50.000 euros, 20.000 de los cuales se destinarán a la financiación de un libro de artista.

El reconocimiento de la Fundación Arte y Mecenazgo en la categoría Galería ha recaído en Soledad Lorenzo. El jurado –formado por Rosina Gómez Baeza, Mario Rotllant y Juan Ignacio Vidarte- destaca “su lealtad, exigencia y compromiso con el artista; su participación activa en la construcción de una nueva visión del galerismo; y su labor para lograr una mayor promoción del arte español, no solamente desde su trabajo con los artistas que representa, sino participando activamente en foros de arte contemporáneo”. Lorenzo recibirá un premio dotado con 40.000 euros para la financiación de un proyecto –exposición, publicación o producción de una obra- que contribuya al reconocimiento de su galería.

Por último, en la categoría Coleccionista se ha reconocido la trayectoria profesional de Helga de Alvear. En este caso, el jurado formado por Carlos Fitz-James Stuart. Duque de Huéscar; Felipa Jove y Joan Uriach ha resaltado de De Alvear que “ha conseguido reunir una de las colecciones españoles de arte contemporáneo internacional más destacadas, integrada por unas 2.500 piezas de los principales movimientos de vanguardia de la segunda mitad del siglo XX hasta la actualidad”. También reconoce “la inestimable aportación que ha realizado a nuestro país donando las obras a la Fundación Helga de Alvear con sede en Cáceres”.

La Fundación Arte y Mecenazgo ha sido creada a iniciativa de “la Caixa”
con la misión de estimular y divulgar el coleccionismo de arte como fuente de mecenazgo de la cultura con el objetivo de promover el mercado del arte y enriquecer el patrimonio artístico del país. La Fundación tiene por objeto destacar el papel del coleccionismo en la promoción de la cultura, difundir la tarea de los coleccionistas y motivar a nuevos coleccionistas en España.

BIOGRAFÍAS GALARDONADOS

PREMIO ARTISTA
Elena Asins (Madrid, 1940) se formó en distintas universidades como la Escuela de Bellas Artes de París, la Universidad de Stuttgart, la Universidad Complutense de Madrid, The New School for Social Research en Nueva York, o la Columbia University entre otras. Ha realizado más de 40 exposiciones individuales en distintos países, destaca su última exposición Fragmentos de la Memoria, presentada recientemente en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Ha recibido becas y premios como la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes en 2006 y el Premio Nacional de Artes Plásticas 2011.

PREMIO GALERÍA
Soledad Lorenzo comenzó su andadura en el mundo de las galerías con Fernando Guereta en 1974. Al cabo de dos años se vinculó a la Galería Theo de Madrid, donde trabajó durante siete años. En 1985 fue comisaria de Europalia y un año más tarde, en 1986, abrió su propia sala diseñada por el artista Gustavo Torner. Ha trabajado, entre muchos otros, con Pablo Palazuelo, Antoni Tàpies, Joan Hernández Pijoan, Soledad Sevilla, Miquel Barceló, Juan Uslé, Txomin Badiola y en el ámbito internacional con Ross Bleckner, Louise Bourgeois, Jonathan Lasker, Robert Longo, Iñigo Manglano-Ovalle, Paul McCarthy, Tony Oursler, David Salle o Julian Schnabel. Ha recibido la Medalla de Oro de las Bellas Artes (2006), Mejor Galería de ARCO (2008 y 2009) y el F.E.G.A. European Award (2009), en Basilea, a toda una carrera.

PREMIO COLECCIONISTA
Helga de Alvear nació en Kirn (Alemania), en 1936. A España llegó con 21 años, país en el que inició su pasión por el coleccionismo, primero junto a Juana Mordó y luego en solitario. Es considerada una de las mujeres más notables dentro del mundo del arte contemporáneo siendo la única española que figura en la lista “top 100” de las personas más influyentes del mundo del arte internacional publicada Art Review. En 1995 abre la Galería Helga de Alvear. Ha recibido, entre otras distinciones, la medalla de Extremadura en 2007 y la medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes, concedido por el Ministerio de Cultura en 2008 y recientemente la Medalla de la Ciudad de Cáceres.

Fundación Arte y Mecenazgo : www.fundacionarteymecenazgo.org

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Fechas de la exposición: Del 27 de enero al 18 de marzo de 2012.
De lunes a sábado de 11:00h a 20:00h.
Domingos y festivos de 11:00h a 15:00h.
Salas Frida Khalo y Diego Rivera.

El pintor cubano José Bedia presenta en Casa de América su última muestra con más de 30 dibujos en los que las tradiciones afrocubanas, la influencia indígena y los choques culturales son los protagonistas.

Considerado como uno de los artistas contemporáneos más importantes de Latinoamérica, Bedia trae por primera vez a Madrid un sugerente viaje plástico entre culturas.

Como los grandes artistas, José Bedia (La Habana, 1958) construye espejos en los que nos podemos ver con muy diferentes aspectos y así aprender un poco más de nosotros mismos. No es aventurado llegar a decir que su objetivo se sitúa en enriquecer a las personas ayudándolas a comprender que hay muchas formas de vida diferentes y que de todas se aprende a construir seres humanos en plenitud.

Bedia basa su trabajo en un tratamiento crítico y antropológico de pueblos y culturas con orígenes ancestrales en su mayoría. Muchas de sus obras están inspiradas en tradiciones afrocubanas vivas actualmente en su país, pero también estudia y trabaja sobre culturas de origen amerindio como los siux, yakis, cheroquis u originarias de América Latina, Australia u Oceanía. Esto es, sobre culturas no occidentales.

En muchísimas ocasiones Bedia convive con estas personas tratando de empaparse verdaderamente de todo tipo de detalles que conforman su ‘manera de vivir’. Es una suerte de trabajo de campo, con el rigor que establece la ciencia antropológica, pero que no busca ningún orden científico posterior. Su finalidad es la creación de una estructura de reflexión artística.

Lo que Bedia quiere sacar ‘de ellos’ es el conocimiento profundo del por qué de sus costumbres y creencias, comprender los procesos de desarrollo de otras formas de vivir. Es una especie de “estar y ‘vivir’ allí” con ellos, para luego terminar en un “vivir aquí”, entre nosotros, parafraseando al antropólogo estadounidense Clifford Geertz.

El atractivo formal del trazo de su dibujo fortalece intensamente la eficacia de esa reflexión. La forma plástica escogida por Bedia es particularmente eficaz. En el caso concreto de esta exposición, la mayoría de las piezas tienen como soporte un papel que remite a lo originario por estar hecho a mano o tener un carácter muy poco industrial. Sobre este ‘sencillo’ soporte se plasman las ideas. Él dice: “Los materiales deben ser sencillos como las ideas. No me gustan las decoraciones innecesarias ni los barroquismos”. Pues bien, con esa incisiva sencillez usa el carbón, el óleo, el acrílico… aplicado muchas veces directamente con las manos como en una especie de transmisión directa de la voluntad de estar verdaderamente dentro de la obra.

Así, sencillamente Bedia nos interpela. Nos llama. Y, ¿qué pasa? Que nos enseña lo que hay de verdad, sin ruido, sin el trastorno de lo que no vale la pena. Así es su obra: un terreno despejado que nos deja ver los dos mundos entre los que él dibuja y nosotros vivimos.

Comisaria: Isabel Durán.

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La Galería Fúcares presenta en su espacio de Madrid la segunda exposición individual de Rubén Ramos Balsa (Santiago de Compostela, 1978).

Discusión entorno a La estructura ausente de la apariencia desnuda.
El lago vertical
Notas para una introducción al problema.

Umberto Eco abre la discusión entorno al problema. Cuatro contertulios atemporales discuten alguno aspectos del asunto:

- comunicar dos aparatos mecánicos-

(Eco) Si todo fenómeno cultural es un acto de comunicación y puede ser explicado mediante los esquemas propios de cualquier acto de comunicación, será conveniente individualizar la estructura elemental de la comunicación donde ésta se produzca -o, mejor dicho- en sus términos mínimos. Es decir, al nivel en que se produce un paso de información entre dos aparatos mecánicos.

(Arnheim) Si no se sitúan simétricamente uno del otro, se favorecería su fusión y potenciaría el todo, y de tal manera invertidos. Esta coincidencia de ser simultáneamente todo y parte es otro aspecto de la interacción no representable en una formulación discursiva.

(Derrida) Sería fácil mostrar que el concepto de estructura e incluso la palabra estructura tienen la edad de la episteme, es decir, al mismo tiempo de la ciencia y de la filosofía occidentales, y que hunden sus raíces en el suelo del lenguaje ordinario, al fondo del cual va la episteme a recogerlas para traerlas hacia sí en un desplazamiento metafórico.

(Paz) En el arte lo único que cuenta es la forma. O más exactamente: las formas son las emisoras de significados. La forma proyecta sentido, es un aparato de significar.

- estructura y centro-

(Arnheim) Percibir un objeto o suceso cualquiera significa verlo como configuración de fuerzas, y el tener conciencia de la universalidad de tales configuraciones es parte integrante de toda experiencia perceptual.

(Derrida) la estructura, o más bien la estructuralidad de la estructura, aunque siempre haya estado funcionando, se ha encontrado siempre neutralizada, reducida: mediante un gesto consistente en darle un centro, en referirla a un punto de presencia, a un origen fijo. Este centro tenía como función no sólo la de orientar y equilibrar, organizar la estructura -efectivamente, no se puede pensar una estructura desorganizada- sino, sobre todo, la de hacer que el principio de organización de la estructura limitase lo que podríamos llamar el juego de la estructura. Indudablemente el centro de una estructura, al orientar y organizar la coherencia del sistema, permite el juego de los elementos en el interior de la forma total. Y todavía hoy una estructura privada de todo centro representa lo impensable mismo.

(Arnheim) La mente no puede sustentar dos organizaciones estructurales diferentes del mismo esquema a la vez: no puede hacer otra cosa que subordinar la una a la otra. En consecuencia, la mente aporta la jerarquía necesaria concediendo alternativamente el predomino a cada una de las estructuras. En un instante dado prevalece el todo, al siguiente las partes. Tal oscilación hace que sea posible presentar la identidad sin mengua de la dualidad.

- Fuerza y movimiento -

(Da Vinci) Observa cómo el movimiento de la superficie del agua se asemeja a la de los cabellos, los cuales tienen dos movimientos; de ellos, uno depende del peso del pelo; el otro, de la dirección de los bucles. Así también forma el agua sus torbellinos, de los cuales una parte atiende al ímpetu del curso principal; la otra, al movimiento incidente o reflejo.

(Arnheim) Un borde circular siempre está en tensión, como la piel de un globo, que soporta la presión centrífuga del interior y genera una contrapresión centrípeta por su resistencia a la expansión

(Paz) El cuerpo de la realidad, su apariencia, es el resultado de dos fuerzas: atracción en el espacio y distracción en la extensión. La apariencia se extiende y se aleja de su punto de atracción: nosotros, espejos que la reflejamos. El mismo movimiento se despliega en el tiempo: su cuerpo goza de una libertad alternativa con respecto al centro de gravedad. Durante ciertos intervalos, el cuerpo es libre y no obedece a la atracción; durante otros está determinado por ésta. Mientras duran eso intervalos, el cuerpo está fuera del tiempo. Al menos fuera del tiempo lineal. La apariencia se fuga entre las manecillas del reloj: es un péndulo visto de perfil.

(Arnheim) Los dos elementos se complementan mutuamente a todos los niveles del circulo. Allí donde uno es estrecho el otro es ancho, y así a lo largo de toda la gama de proporciones.

(Da Vinci) Así como la piedra que al agua fue arrojada se hace centro y motivo de numerosos círculos y así como el sonido se difunde en círculos a través del aire, así también un cuerpo dispuesto en el aire luminosos se expande circularmente y colma a las partes circundantes de sus infinitas imágenes, pareciendo completo en el todo y completo en la menor de sus partes.

(Arnheim) El todo no es una entidad que exista separadamente de las partes y sea anterior ellas, ni tampoco las partes existen separadamente del todo ni son anteriores a él. Las dos familias de vectores, la que desciende desde el todo y la que asciende desde las partes, se constituyen en relaciones lineales artificialmente aisladas entre entidades separadas, estáticas.

(Da Vinci) Si un solo punto situado en un círculo puede ser origen de infinitas líneas, y el límite de las infinitas línea que divergen de tal punto lo constituyen infinitos puntos que, sumados, vuelven a ser uno, concluiremos que la parte es igual al todo.

(Paz) la persecución de un objeto que se aleja infinitamente implica un movimiento igualmente sin fin. Este movimiento metafísico, a diferencia del material, no puede ser sino perpetuo y, por tanto, circular. Una carrera en la que el sujeto alcanza a su objeto sólo para desprenderse de él y correr de nuevo en su busca.

(Da Vinci) 1. La superficie es el límite del cuerpo. 2. El límite del cuerpo no es parte de ese mismo cuerpo.4.el límite de un cuerpo es principio de otro cuerpo. 3. Lo que no es parte de cosa alguna nada es. Nada es lo que nada ocupa.
(Paz) la condenación de ver se convierte en la libertad de la contemplación.

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(Eco) ECO,Umberto. La estructura Ausente. Introducción a la semiótica. Pág 36. Arranque del primer capitulo El universo de señales de la sección A La señal y el sentido.
(Arnheim) ARNHEIM, Rudolf. Hacia una psicología del Arte., Capítulo Un análisis perceptual de un símbolo de la interacción. Pág. 208-226. 1996.
(Derrida)  DERRIDA, Jaques. la Estructura, el signo y el juego en el discurso de las ciencias humanas. 1966. Pag. 2, 3.
(Paz)  PAZ, Octavio. La apariencia desnuda. La obra de Marcel Duchamp. 1973. Comentarios sobre el gran Vidrio.
(Da Vinci) Leonardo Da Vinci. Tratado de Pintura.

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El taller está dirigido a curadores, gestores culturales, arquitectos, creadores diversos así como a los profesionales de la Consejería de Cooperación Cultural de la Embajada de España en La Habana (AECID)

Durante las jornadas se otorgarán diversas herramientas de trabajo específico en el campo de la curadoría teniendo por objetivo profesionalizar las funciones del curador y analizar cómo estas evolucionan en consonancia según el devenir de la creación contemporánea., la sociedad y los contextos locales específico para ponerlos en relación con los circuitos internacionales y la evolución de la creación contemporánea. Se debatirán diversos conceptos teóricos sobre curadoría y desarrollaran prácticas de coaching específicas.

Organizado por: Proyecto Circo con el auspicio de la Consejería de Cooperación Cultural de la Embajada de España en La Habana (AECID)

Duración: 6 al 10 de febrero 2012

Lugar: Casa Victor Hugo ( La Habana)

Fecha límite de inscripciones: 25 de enero

Cupo limitado & Gratuito

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A partir de la Declaración de la Ciudad de Salvador de 2007 -documento fundacional del Programa Ibermuseos-, que recomienda el impulso de la cooperación internacional iberoamericana, Ibermuseos creó la convocatoria Conversaciones para fomentar el intercambio de acervos y exposiciones entre los países iberoamericanos y estimular la creación de proyectos multilaterales de curaduría.

El objetivo de la convocatoria es apoyar la conceptualización y la pre-producción de proyectos expositivos entre instituciones de dos o más países (carácter bilateral o multilateral), sobre temas de interés para Iberoamérica que atiendan a la identidad y la diversidad cultural y natural que le son propias.

La convocatoria estará abierta, del 20 de diciembre de 2011 al 20 de abril de 2012, a museos de la Comunidad Iberoamericana, sin fines lucrativos y de cualquier temática, siendo posible concurrir en asociación con instituciones de países no iberoamericanos. El formulario de inscripción y la convocatoria oficial estarán disponibles próximamente en el Portal Ibermuseos.

Ibermuseos es un programa intergubernamental de cooperación cultural para el fomento de la creación y el fortalecimiento de políticas públicas en el área de la museología y el patrimonio en Iberoamérica.

Está vinculado a la Secretaría General Iberoamericana (SEGIB), cuenta con el apoyo técnico de la OEI y del IBRAM, y tiene el apoyo financiero de la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID).

Fecha límite de presentación de proyectos: 20 de abril de 2012.

Para más información: www.ibermuseus.org

Responsable de comunicación de la Unidad Técnica de Ibermuseos:
Eduardo Pinillos
Tlf +55 (61) 2024-4038 / 9619-6998
eduardo.pinillos@ibermuseus.org. Twitter: @ibermuseos

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Gabriel Truan

Hasta el 16 de febrero de 2012.

He olvidado aquella palabra que significa las posibilidades de una figura geométrica inscrita en
el mundo. Un vistazo a mi alrededor me confirma la existencia de una extensa variedad de estilos; el
aislamiento es forma tan estática como estética; la pintura registra el instante por el que se filtran las
ideas, no siempre certeras, la mayoría de las veces con la única vocación de relacionarse entre sí.
Una nota de Scelsi, un cuervo, nubes, encuentros y desencuentros, un perro veneciano, la costa
bretona, montañas de Asturias, landas y tramas, un escudo, la llamada atenta del contrasentido, una silla
de ruedas, un dibujo de Holbein, polaroids, la pared, muerte y pesadillas, la vigilancia de aquello con lo
que hemos de vivir.
Esta serie comenzó tal vez en la plaza de San Giacomo dall’Orio, en Burdeos o en Basilea, se desarrolló
en capítulos, con la necesidad del homenaje que implica hoy toda pintura; luz y sombra de frágiles
límites, territorio acuciado por el error y la verdad, por el gesto que se acerca y se aleja de la superficie.
Valores conceptuales en el tiempo, ilusión cinematográfica, toxicidad, terreno de juego, carne,
peligro, ironía, dignidad, lo anhelado y lo imposible, ganancia de la naturaleza, humanismo, paisaje.
Ocupar un espacio. Desde la primera tela escrita a máquina hasta la saturación de la materia
negra y oleosa que sale del tubo, negro humo que se adhiere y se evade y se oculta ya sin la sucesión
arbitraria de las horas. Extraños elementos remiten a una ficción. Y el espejo se hace a veces necesario
para mostrar lo que dejamos atrás.

diciembre 2011

Gema Llamazares Galería de Arte
Instituto 23
Gijón
Asturias

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