Portada del libro

“Un autor sarcástico, culto y revolucionario,
…una obra que hay que leer despojados de prejuicios.” (Félix Grande)

Probablemente uno de los más perdurables logros del psicoanálisis lo constituya el haber establecido en el imaginario colectivo la representación del hombre como ser que se produce a sí mismo a base de metáforas, imágenes portadoras de vida y/o devastación. Ese es también el punto de partida de El ave fénix solo caga canela, una obra que, en palabras del poeta Félix Grande, “mantiene un divertidísimo diálogo con el psicoanálisis, /…/ un humor que, a veces, bajo la originalidad llena de broma se pone estrictamente serio”.
El autor se sitúa ante su obra revestido de un distanciamiento irónico que apenas alcanza para encubrir la abrumadora certeza de que es ahí, en ese territorio infestado de símbolos, donde -en términos de redención o condena- el propio yo se la juega.

Ángel Cerviño (Lugo, 1956) es artista visual y comisario de exposiciones. Ha publicado con anterioridad Kamasutra para Hansel Y Gretel (Ediciones Eventuales, Madrid, 2007), y numerosos textos críticos en torno a las nuevas prácticas artísticas y la creciente espectacularización de la industria cultural, en revistas, catálogos y publicaciones de arte contemporáneo. Ha sido miembro del consejo editorial de la revista SINAL (órgano de expresión de la Asociación Galega de Artistas Visuais) y ha participado en diversos proyectos editoriales, entre otros: Entrecruzar – Proxecto edición (CGAC, Santiago de Compostela, 2006), RETAL – Fragmentos de cultura contemporánea (Vigo, 2007 – 2008).

Página web de Ángel Cerviño: www.angelcervino.es

El Instituto de Arte Contemporáneo y el Consejo de Críticos de Artes Visuales quieren expresar su indignación ante los hechos que han provocado la dimisión de Román de la Calle como director del MuVIM. Es intolerable que en una sociedad democrática se ejerza la censura en los ámbitos informativo y cultural, y se vulnere el derecho a la libertad de expresión de una manera tan evidente. Un director de museo o centro de arte debe gozar de libertad para, guiado por su criterio profesional y por su compromiso con el arte, con la pluralidad de la cultura contemporánea y con el público, programar las exposiciones y actividades que considere más adecuadas para la misión del museo. Nunca un responsable político debería imponer sus intereses partidistas o personales en una programación, pero cuando esa imposición toma forma de censura la respuesta ha de ser terminante. Apoyamos a Román de la Calle -que se ha ganado con su altura intelectual y su buena gestión el respeto y el aprecio de todos nosotros- en su decisión de no tolerar una situación humillante para él como director del MuVIM y lamentamos profundamente que la comunidad artística valenciana pierda, para el ámbito de la gestión cultural, otro profesional independiente. Reclamamos junto a los profesionales valencianos del arte que la Comunidad Valenciana, y la Diputación de Valencia, asuman de una vez las “buenas prácticas” que el sector del arte actual defiende.

Del 12 de Marzo al 7 de Mayo de 2010
HORARIO: 16:30 a 20:30 h., de lunes a viernes. Sábados, cerrado.

David Cívico realizó a la catedral que Justo Gallego lleva cuarenta años construyendo en Madrid, y de las imágenes de las palizas en la comisaría de Les Corts de Barcelona, desarrolló la iconografía cuya destilación fue pintada y posteriormente borrada de las paredes del Artium.

La documentación ha sido redibujada marcha atrás y posteriormente borrada. Se han modelado objetos de plastilina que fotografían el instante en que fueron concebidos, y su vocación efímera se combate con el recuerdo presente de la primera materia escultórica.

ESPACIO MARZANA
Muelle Marzana, 5
48003 Bilbao
T.: 94 416 75 80 / 653 724 940

www.espaciomarzana.com

S/T. 2009 Mixta sobre papel y lienzo. 60 x 62 x 25cms.

Hasta el 7 de Abril de 2010.

A través de estas piezas intento hablar del olvido, la pérdida de la información. El pasar de las páginas de un libro que se olvidan parcialmente a medida que se leen. Y uso el recorte, el collage, el ensamblaje de revistas de cine, de arte, libros y enciclopedias, entonces la lectura se transforma en otro tipo de lectura, la plástica, (o de poesía visual, si el espectador se acerca).

Sigo incorporando las formas incompletas de mis otros trabajos, que flotan en el aire del cuadro, por medio de la vibración de la luz y el color- luz (como en una pantalla de cine) dando latido y pulso a las obras.

En estas nuevas piezas que presento en La Caja China, las formas recortadas que salen materialmente del soporte del cuadro para acercarse a quien las mira, son fruto de un gran esfuerzo por destapar algo que estaba oculto en los territorios de la mente, en una cavidad, un compartimiento o un saliente. Un gesto borrado, una forma incompleta, un color olvidado. En algunas piezas, una ráfaga de viento bate todo el conjunto, como cuando el artista sale al campo y el viento mueve sus papeles para llevárselos.

Mientras realizo estas piezas brota el suelo del taller y la vida surge caótica. La pintura, los colores y las formas aparecen de forma inesperada, fragmentaria. Quedando mucho por descubrir.

Din Matamoro

La Caja China Galería de Arte
General Castaños, 30
41001 Sevilla. España
Telf.: +34 954219358

Más información:
www.lacajachina.net

Martes, 8 de marzo de 2010
Lugar: Sala Conferenze. Real Academia de Epaña en Roma
Piazza di San Pietro in Montorio, 3
00153 Roma

Intervienen:

Maria Rosa Sossai
José Luís Corazón Ardura
Avelino Sala

La voz remota, una conversación entre el artista Avelino Sala y el crítico José Luis Corazón Ardura publicado dentro del proyecto El enemigo está dentro disparad sobre nosotros que tuvo lugar en el 2009 en Laboral Ciudad de la Cultura, Gijón.

Nuestro agradecimiento al portal sevillano Los Claveles, dirigido por Alejandro Durán, socio del IAC, que está facilitando la promoción de la asociación.
www.losclaveles.info

Presentación:

Desde el año 2000 han actuando en Sevilla grupos de jovenes creadores como The Richard Channin Foundation, Blitz, Sala de Star, The Blind Man, Zemos98, Centro de Arte de Acción, Signos del Mediodía, Vulgarisarte … entre otros. La actividades de estos grupos y otras iniciativas han generado una suerte de panorama artístico en la ciudad estableciendo una floreciente comunicación entre los jovenes artístas. “Algo sucede e inevitablemente dejará su huella”, en este sentido, se quiere hacer constancia de ello a través de la documentación y el archivo del material generado en este singular contexto. Bajo esta inquietud, surge a principios de 2006 el proyecto LOS CLAVELES, que tiene como resultado la publicación del portal web del proyecto a finales de ese mismo año. Conjuntamente se desarrolla la gestión de la muestra “Los Claveles, una aproximación a los jóvenes pintores de Sevilla”, que tienesu materialización en abril-septiembre de 2008 en la Fundación Chirivella Soriano de Valencia.

www.losclaveles.info como propuesta de “investigación y difusión” orientado a aquellos jóvenes artistas y colectivos que han contribuido al actual panorama artístico de la ciudad. El portal web se centra como punto de partida en la parcela de la PINTURA joven, desarrollando labores de investigación, documentación y archivo. El objeto final del actual proyecto es hacer una aproximación al entorno de la PINTURA JOVEN EN SEVILLA ENTRE LOS AÑOS 2000 / 2007 y en adelante. Con el fín de unificar en un mismo lugar este material de interés para facilitar su posible análisis y estudio por parte de los interesados.

Los Claveles no es un grupo de pintores, es una HERRAMIENTA DE ARCHIVO Y DOCUMENTACION. Al ser un proyecto dedicado a la investigación y al archivo se trabaja en función del factor “tiempo”.

Actualmente el proyecto se ha propuesto ampliar el reto abordando otras secciones de trabajo como los acontecimientos acaecidos durante los años 70, 80 y 90, al igual que la dedicación por recoger información sobre el arte joven contemporáneo andaluz.

La Asociación de Mujeres en la Artes Visuales (MAV) se encarga del comisariado de la actividad y, bajo el título de Mujeres en el Sistema del Arte, plantea para el desarrollo del tema cuatro mesas consecutivas que se centrarán en el análisis de cuatro momentos concretos dentro del proceso del sistema del arte contemporáneo como industria creativa: “Producción”, “Gestión”, “Distribución” y “Difusión”.

Este ciclo de mesas redondas se propone reflexionar sobre la situación de las profesionales en el sistema del arte como un ámbito laboral con rasgos distintivos, pero encuadrado en la industria cultural.

A pesar de la impresión común de la integración normalizada de las mujeres en el sistema del arte occidental, tanto a nivel internacional como en España, los datos en cifras y la experiencia de las profesionales cuestionan ese optimismo. Nos interesa clarificar si en las últimas décadas hemos avanzado y, entonces, a qué coste; o bien, si estamos retrocediendo y cuáles son los defectos estructurales que condicionan el ingreso escaso y precario de las mujeres en el sistema del arte.

Nos preguntamos por qué, a diferencia de otros ámbitos profesionales que se han feminizado como consecuencia del elevado porcentaje en su formación (como sanidad o educación, por ejemplo), no ocurre lo mismo en el sistema laboral del arte, donde parace agudizarse la discriminación sexista que determina la estructura piramidal en toda la estructura laboral en España.

Queremos clarificar soluciones y estrategias que den respuesta a las expectativas de todas las profesionales y de las jóvenes que legítimamente desean incorporarse al sistema del arte en nuestro país.

Las cuatro mesas de debate recorren el proceso completo del sistema del arte contemporáneo como industria creativa: producción, gestión, distribución y difusión. Es decir, el planteamiento arranca desde el cuestionamiento de la situación de las artistas como productoras, a la gestión del producto mediante su selección e interpretación en exposiciones y su eventual incorporación a colecciones de museos, centros de arte y fundaciones. Para pasar después a debatir sobre dos filtros: los problemas con que artistas y galeristas se enfrentan en el mercado artístico; y cómo y por quiénes se difunde lo producido por las profesionales a través de los media: prensa general y especializada, radio y televisión.

Programa

Lunes, 8 de marzo, a las 19:00h
Mesa redonda “Producción”
Moderadora:
Marina Núñez, artista, profesora de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Pontevedra y Vocal de la Junta Directiva de MAV.

Participantes:
Marta de Gonzalo, artista y profesora de educación secundaria.
Concha Jerez, artista y profesora de la facultad de Bellas Artes en la Universidad de Salamanca.
Francesca Llopis, artista y presidenta de UAAV, Unión de Asociaciones de Artistas Visuales

Artistas destacadas debatirán sobre los problemas de orden creativo y de producción con los que se enfrentan: el objetivo será dar respuesta a: el grave contraste entre los porcentajes en formación y en inserción laboral; qué mecanismos son excluyentes en el sistema del arte; cómo afecta la precarización a las productoras en el sistema del arte; qué exigencias han de plantearse para que las artistas contribuyan a la excelencia en un marco de paridad.

Martes, 9 de marzo, a las 19:00 h
Mesa redonda “Gestión”
Moderadora:
Gloria Picazo, directora del centro de arte contemporáneo La Panera, Lleida y Vocal de la Junta Directiva de MAV

Participantes:
Margarita Aizpuru, comisaria de exposiciones.
Xavier Arakistain, director del Centro Montehermoso Kulturenea, Vitoria.
Yolanda Romero, directora del Centro José Guerrero, Granada y presidenta de ADACE, Asociación de Directores de Centro de Arte Contemporáneo.

Comisarios y directores de centros de arte contemporáneo debatirán sobre la estructura que parece relegar los proyectos de exposiciones individuales y colectivas de artistas mujeres. Se cuestionará el escaso porcentaje de obras de artistas mujeres en las colecciones de instituciones públicas y privadas. Así como la composición piramidal de los staff de las instituciones artísticas. Y se propondrán actuaciones para la mejora de presencia de obra de artistas mujeres en exposiciones y colecciones.

Miércoles, 10 de marzo, a las 19:00 h
Mesa redonda “Distribución”
Moderadora:
Petra Pérez, galería Vanguardia, Bilbao, y Vocal de la Junta Directiva de MAV

Participantes:
Pilar Citoler, directora del Patronato del MNCARS.
Rocío San Claudio, galerista y editora.
Carlos Urroz, director de UP Urroz Proyectos.

Gestores de ferias y galerías debatirán sobre la escasa penetración de obras de artistas mujeres en el mercado artístico, esclareciendo los motivos de su baja cotización económica. Se indagará por qué el “criterio de calidad” continúa afectando a la obra de artistas mujeres. Además, se abordará la situación de las galeristas, indagando si también su rol está condicionado por la discriminación sexista. Y se propondrán líneas de trabajo para corregir en conjunto los defectos en este sector.

Jueves, 11 de marzo, a las 19:00 h
Mesa redonda “Difusión”
Moderadora:
Susana Blas, comisaria, redactora de programas culturales TVE y Vocal de la Junta Directiva de MAV.

Participantes:
Javier Díaz-Guardiola, coordinador de la sección de arte, arquitectura y diseño de ABC.
Marta Rodríguez, coordinadora del “Contenedor de cultura de la 2″ TVE.
Elena Vozmediano, crítica de arte y presidenta de IAC, Instituto de Arte Contemporáneo.

Especialistas en prensa, edición y difusión mediática debatirán sobre la difusión del trabajo de las profesionales en artes visuales: artistas, comisarias, críticas, gestoras, investigadoras, etc… También se abordará la situación de las profesionales en comunicación en el ámbito de la cultura y, en concreto, de las artes visuales. Se indagará sobre la penetración de la información desde una perspectiva de género, y sobre las posibles soluciones para servir una información precisa y adecuada al público cultural, formado mayoritariamente por mujeres.

Lugar y fechas:
Auditorio del Ministerio de Cultura
C/ San Marcos, 40. Madrid
8, 9, 10 y 11 de marzo de 2010. De 19:00 a 22:00 h

Entrada libre hasta completar aforo

Persona de contacto:
Arantxa Chamorro Malagón
Subdirección General de Promoción de las Bellas Artes
Dirección General de Bellas Artes y Bienes Culturales
Ministerio de Cultura 91 701 62 05

Karen Schiff . Untitled (light Map) II Tinta sumi sobre papel 2008

Del 4 de marzo 2010 hasta el 10 de abril de 2010

Artistas:
María Aranguren / Rafael Canales / Tom Carr / Carlos Coronas / Roberto Díez /
José García Navas / Vicky Herreros / Rafael Reverón-Poján / Dominica Sánchez /
Karen Schiff
…………………………………………………………………………………………………………………..
PAPEL (ES), UN ENCUENTRO DIEZ
Amalia García Rubí
Desde la perspectiva guiada por la espontaneidad que da la libertad creativa cuando se trata de manipular el papel, el cartón o la cartulina, ha sido lanzada esta nueva iniciativa de la galería ASTARTÉ. Cita arriesgada por lo heterogéneo de su convocatoria y cuyo resultado es este encuentro armónico y fluido en sus múltiples discursos, procedentes de caminos distantes milagrosamente confluidos aquí. Un escenario común cuya calidez acogerá los próximos días algunos de los más altos vuelos de nuestro panorama artístico. En esta exposición colectiva bautizada PAPEL (ES), (otra vez el deseo de no enterrar la primera idea, el juego o la ocurrencia en apariencia pueril), la lista de participantes no tiene desperdicio, tanto por la amplia trayectoria de algunos cuanto por el feliz despegue de otros cuyos
nombres están ya sonando fuerte, gracias en parte, al ojo crítico de esta galería.
Empecemos el recorrido. En la primera sala las soberbias piezas de Carlos Coronas, tres bellísimas pinturas abstractas en óleo sobre papel, quizá un leve recuerdo a la tendencia hard edge del expresionismo abstracto aunque, como ocurre a muchos pintores de la abstracción pura en España y especialmente a
Coronas, esta pintura deja campo al gesto leve, a la huella, a la veladura, al surco del pincel, y en definitiva a esa emoción controlada que tanto acerca como aleja a Coronas de la abstracción postpictórica de un Still o de un Barnett Newman. Frente a la estática línea recta de este gran artista deudor en parte del minimalismo de Dan Flavin y autor de importantes instalaciones e intervenciones memorables como
la del Centro Barjola de Gijón en 2005, nos asalta, esta vez en forma de gruesos brochazos y manchas de color puro, el cuadro de José García Navas, arquitecto y pintor reconocido. Los trabajos de García Navas fluctúan entre el orden y el azar; su gesto contenido bascula de la calma a la agitación para crear espacios de acción que no renuncian del todo a la profundidad, a ese abismo que nos engulle si
miramos a una determinada distancia del cuadro, y que parece abrirse en la superficie bidemesional de su pintura all over. Acompaña a este gouache una obra independiente, más dibujo que pintura, cuyo formato apaisado nos dirige la mirada a través de una franja de papel repleta de caligrafías ingenuas e inconexas, donde juega importante papel la idea primera, un automatismo psíquico en rojo sobre blanco, cuyo resultado evoca en cierto modo los mundos imaginarios de Klee, sólo que en García Navas la verticalidad, la escalera, el avión, la cruz ascendente, la nube…parecen haber caído para encauzar su senda secuencial hacia una horizontal infinita.
Saltamos ahora a los suntuosos espacios de transición para detenernos en lo delicioso de la obra fabricada con lo encontrado, en una suerte de combinaciones povera o dadaístas a lo Schwitters en las que María Aranguren, siempre atraída por el material de desecho, de reciclaje, despliega un delicado efecto visual de
conjunto en sus “Cajas”; envases de cartón desplegados, pintados, pegados, cortados y al fin convertidos en cuadro, en obra de arte. Es, una vez más, la valentía y la virtud de hacer arte con lo mínimo, con esa economía de medios divulgada por Burri o Merz, y plagada de sugerencias tan sutiles como nostálgicas
en su fragilidad sobre las que María Aranguren no deja nunca de incidir. A su lado, otra artista madrileña, Vicky Herreros, ha querido en esta ocasión bucear en aguas profundas, rescatando del olvido aquellos breves pero suculentos cuadernos de apuntes, que son la prueba irrefutable de su calidad como artista. Los diarios de pintor, sus proyecciones más íntimas, salen ahora a la luz en esta sucesión de pequeñas imágenes fragmentarias, donde la frescura de los conceptos parecen fluir sin pausa, atropellándose unos a otros por la rapidez con la que surgen las visiones, manchas, frotados, borrones… y por fin la clarividencia, la luz de un boceto trabado de principio a fin.
No lejos encontramos a dos artistas que pudiéramos definir como los artífices de pequeñas grandes obras. Por un lado, la elegancia “oriental” de Karen Schiff y sus mínimos papeles pautados a base de rastros de trazos (como les llama la propia artista, quizá por lo truncado de sus trayectorias) y que a su vez le sirven de soporte para toda suerte de divagaciones reales paradójicamente traducidas en un lenguaje codificado de signos abstractos. Breves obras de arte únicas, con un trasfondo conceptual que no rehúsa el efecto estéticamente bello en la pulcritud y meticulosidad de la factura. Por otro lado, el trabajo plástico del venezolano Rafael Reverón, un artista que flirtea con el componente kisch de la obra de arte y cierta inclinación hacia el Op art.. En la base de estos curiosos efectos ópticos descansa la calidad plástica del proceso manual llevado a cabo por el artista y consistente en el vaciado a golpe de cúter, de monumentos emblemáticos madrileños previamente fotografiados y reducidos a leves estructuras o entramados
lineales apenas reconocibles.
Nuestro paseo continúa en la segunda gran sala de la galería. Comencemos por un artista de peso, asiduo en esta galería, en cuyos espacios hemos tenido el gusto de disfrutar y admirar sus prodigios tridimensionales. Tom Carr es uno de esos escasos ejemplos, si se me permite, de escultor con vocación arquitectónica, siempre que por ésta se entienda una arquitectura orgánica, hecha a la medida de la naturaleza y por lo tanto acorde con sus leyes de suaves geometrías, sencillas y complejas a la vez. Quizá tras ello esté la firme determinación de seguir buscando ese absoluto consistente en encontrar el equilibrio de contrarios en la forma leve e ingrávida, pero no por ello menos contundente. Entre el movimiento y la quietud, entre el lleno y el vacío, entre la línea curva y sus infinitas posibilidades rítmicas y lumínicas, fluctúa la obra de Carr. Poco o mucho, depende como se mire, tienen que ver estos desplegables en papel con su obra escultórica, pero en todo caso, coinciden con ella en el placer por dejar hablar al material, a los espacios ascendentes y descendentes creados por los angulosos pliegues que tan sencillamente construyen sus paisajes abstractos, sublimados ahora por la mínima expresión.
En una órbita muy distinta a la de Tom Carr gravita Dominica Sánchez, artista con andadura en diferentes espacios europeos, quien hace tiempo se decantó por el lenguaje neoconstructivista de la pintura. Los planos y la línea trazada al compás son sólo herramientas de un rico repertorio plástico que, despojado de la frialdad cartesiana del constructivismo histórico, convierte su dibujo analítico en una geometría amable y grata a los sentidos. El reduccionismo de Dominica Sánchez no renuncia del todo al color, el cual a pesar de su moderación, otorga una especial calidez a estos papeles.
De colores naturales, como provenientes de la tierra y en su claridad ocre, de una tierra en apariencia yerma, desértica, nos habla la única gran pieza colgada del sevillano Rafael Canales. Hay mucho de paisaje en estas manchas de una textura si se quiere lítica, que parecen brotar de la superficie rugosa del soporte, al igual que lo hacían las manchas de humedad sobre un muro en cuyas contracciones y expansiones descubría Leonardo todo un universo de matices cromáticos, luces y sombras… de enorme poder evocador.
Para terminar y como colofón de este nutricio recorrido, un auténtico regalo para la razón y los sentidos son los papeles de Roberto Díez con sus singulares letanías ortográficas, brillantes y agudas en sus inteligentes combinaciones conceptuales. La escritura automática de Roberto Díez posee una doble función: la semántica que hace referencia al contenido y por tanto al significado específico de la palabra, en este caso la letra impresa escogida al azar; y la visual, en cuya combinación u ordenación estética se estructura la obra. Una simbiosis perfecta que Roberto Díez ha sabido llevar a término en todos sus trabajos, y que ahora se extiende más allá de los límites bidimensionales con la aportación de una nueva propuesta en la que el artista incorpora a su discurso habitual, elementos más líricos, táctiles y plásticos, como son el color y el volumen… los cuales no entorpecen el misterio y la belleza última de sus poemas visuales.

Para ampliar información sobre los artistas y su trayectoria diríjanse a la galería.
Galería Astarté
Monte Esquinza, 8
28010. Madrid. SPAIN
(+34) 91 319 42 90
info@galeriaastarte.com

www.galeriaastarte.com

ENTRADA: Libre hasta completar aforo

La obra de Harun Farocki (1944) desborda el campo de la teoría pura del cine, refleja una temática propia y propone una reflexión constante y amplia acerca del papel de la imagen en la sociedad actual. Su trabajo es directo, formal e ideológicamente alejado de densas preocupaciones metafísicas, que afectaron a contemporáneos suyos como Herzog, Wenders o Fassbinder. Sus películas, desde el comienzo mismo de su carrera, son abiertamente políticas, contestatarias y subversivas. Farocki ha estudiado en profundidad la función de la imagen como instrumento de poder y su control por parte del estado, de lo cual es un buen reflejo la selección que se proyecta en el CAAC. Estas actitudes le valieron en más de una ocasión el apodo de “realizador guerrillero” y le convirtieron en un auténtico outsider dentro de la amplia producción
cinematográfica alemania.
El cineasta ha sabido crear una estética tan propia como ascética, desde la que elabora una reflexión que va más allá de la pura Teoría del Cine. Sus ensayos van en el mismo sentido, lo que busca es “lo que se esconde realmente detrás de las imágenes”. Deleuze, Foucault, Barthés y Virilio están detrás de sus propuestas bombardeos de la 2ª guerra mundial en las que se puede apreciar cómo la información se cambió o cómo no se quiso ver la evidencia. Farocki pone el dedo en la llaga al denunciar cómo se pueden alterar unos acontecimientos y cómo la televisión puede distorsionar la realidad.

PROGRAMA

MARTES 2 DE MARZO
Horario: 18:00 – 20:00 h.
Presentación del ciclo por su comisario Juan Ramón Barbancho
*NICHT LÖSCHBARES FEUER (Fuego inextinguible)
1969 | 25 min. | VOS
*WIE MAN SIEHT (Como se puede ver)
1986 | 72 min. | VOS

MIÉRCOLES 3 DE MARZO
Horario: 18:00 – 20:15 h.
*BILDER DER WELT UND INSCHRIFT DES KRIEGES (Imágenes del mundo y epígrafe de la guerra)
1988 | 75 min. | VOS
* STILLEBEN (Naturaleza muerta)
1997 | 56 min. | VOS

JUEVES 4 DE MARZO
Horario: 18:00 – 20:00 h.
*GEFÄNGNISBILDER (Imágenes de prisión)
2000 | 60 min. | VOS
*ERKENNEN UND VERFOLGEN (Reconocer y seguir)
2003 | 58 min. | VOS

VIERNES 5 DE MARZO
Horario: 18:00 – 19:30 h.
VIDEOGRAMME EINER REVOLUTION (Videograma de una revolución)
1992 | 106 min. | VOS

Más información:
www.juntadeandalucia.es/cultura/caac/actividades/proyectos/frame_farock10.htm

Vacíos y correspondencias Serie ´U-Bahn‟, 2007 copia cromogénica sobre papel RC 78 x 160 cm

El próximo sábado 27 de febrero a partir de las 20’30 horas, la Galeria Aural, recientemente situada en la calle Labradores 17 en Alicante, inaugura su próxima exposición sobre el artista Jesús Rivera Quirante titulada “PUNTO DE PARTIDA”, en la cual se mostrará una selección de sus últimos proyectos desarrollados en Alemania y España entre el 2007 y el 2009.

Los dos proyectos que dan forma a la muestra fueron premiados por reconocidas entidades y crítica. “Vacíos y Correspondencias” fue premiado con la Beca para la investigación y creación plástica en el extranjero, otorgada por la Generalitat Valenciana durante el 2007 y el 2008. El proyecto, inspirado en varias ciudades alemanas, “refleja el contraste entre la reconstrucción del entorno urbano y la Naturaleza como paisaje” según comenta el artista alicantino. Premiado con la Beca Colección CAM de Artes Plásticas en su quinta edición 2008-2009, en donde ha dado continuidad al proyecto iniciado en Berlín, bajo el título “There is no place”. En palabras del autor: ”There is no place muestra un trabajo fotográfico que articula el espacio irreal con ese paisaje. Como resultado se origina un no lugar, carente de localización, sin identidad, es decir, un espacio abstracto de la globalización contemporánea”.

“El concepto de ruina romántica o de desaparición frente al devenir de los acontecimientos, continúa hoy latente en los paisajes distantes urbanos, que evidencian esa nostalgia transgredida por el uso que el hombre, ha decidido relegar a los espacios de abandono: vertederos, chatarrerías, descampados, fábricas abandonadas, ciudades desiertas o los resquicios de civilizaciones completamente descontextualizados en ciudades, donde el factor de la velocidad como apuntaba Paul Virilio, ha marcado una sociedad concentrada en su propio desarrollo competitivo y tecnológico.
Se dice que el urbanismo del siglo XXI, es el de la generación-regeneración de espacios dentro de espacios. La pintura y la fotografía también lo son, claro está, en sentidos y escala bien diferentes. Sin embargo, uno de los recursos más flexibles y que produce mayor desconcierto, es la asociación de un lugar dentro de otro de diferente origen. Del contraste irreal o paradójico y de su percepción y dialéctica conjunta, se generan nuevas maneras de mirar y relacionar que nos permiten indagar en su comprensión o significados. Los espacios vacíos pueden mantener entonces, ciertas correspondencias visuales que mediante relaciones sinestésicas, emocionales, formales o semánticas, potencien su interés y lectura.

El proyecto VACÍOS Y CORRESPONDENCIAS se ha ido gestando durante los últimos años en varias ciudades de Alemania, principalmente en su capital, Berlín. Centrado en un análisis de la ausencia en los espacios deshabitados, la búsqueda de una reflexión anónima se originaba en el contraste entre la reconstrucción del entorno urbano y la Naturaleza como paisaje. Tres series exploraban esta amplia temática llena de significados: U-Bahn (Metro), como escenario común de las grandes ciudades y medio de tránsito soterrado; Reconstrucciones, ligadas a la memoria colectiva del entorno histórico unido al concepto de ruina y por último, Enlaces, descontextualizaciones del paisaje en diferentes localizaciones que se reiteran en un diálogo visual conjunto entre interior-exterior.

Por otra parte, THERE IS NO PLACE supone una continuación del trabajo fotográfico que se articula con la relación entre un espacio vacío irreal y ese paisaje. Como resultado se origina un no lugar, carente de localización, sin identidad, espacio abstracto del experimento humano contemporáneo. La complejidad y desvirtualización de lo romántico, se asume como hilo conductor de una sociedad en tensión, de la Naturaleza como medio sobrecargado y de la construcción como ‘deconstrucción’. ”
Jesús Rivera Quirante

Más información:
www.auralgaleria.com

LABoral inaugurará su Mediateca_Archivo el próximo día 2 de marzo.
Concebida como un lugar para la investigación y la promoción de la cultura visual contemporánea, será un espacio permanente, físico y digital, de acceso libre, dedicado a la consulta y difusión del arte actual y las industrias culturales experimentales, así como un sitio de referencia en el estudio y la investigación actuales. La Mediateca_Archivo del Centro de Arte y Creación Industrial de Gijón generará su actividad propia y como inicio de esta programación, entre el 5 de marzo y el 15 de abril se celebrará un ciclo de
conferencias sobre “Artistas asturianos. Últimas generaciones (1980-2010)”, y los días 28 y 29 de mayo, el Simposio Internacional: Mediatecas y Archivos para el siglo XXI.

Los fondos de la Mediateca_Archivo de LABoral abordan las intersecciones entre arte, ciencia, tecnología, industria y sociedad y están especializados en materias como imagen en movimiento, fotografía, arte digital y de nuevos medios, videojuegos, comunicación audiovisual y disciplinas vinculadas a las industrias creativas, como la arquitectura, diseño, moda, cine, música…

La Mediateca de LABoral se inspira en el modelo seguido en otros centros de referencia y que son, por un lado, un lugar de interacción con el público que acude a disfrutar de sus exposiciones y actividades, y, por otro, elementos claves para la investigación especializada. Dos referentes fundamentales que ha tenido en cuenta LABoral son la Mediateca de “la Caixa”, Barcelona, y la del ZKM en Karlsruhe, Alemania.
La Mediateca_Archivo forma parte del último proyecto puesto en marcha por LABoral y que ensambla tres entornos distintos y complementarios: Mediateca Expandida, un espacio expositivo dedicado a proyectos
audiovisuales que van más allá de la exposición convencional; el Chill-out, una sala que acoge actividades incluidas en los programas públicos del Centro de Arte; y la Mediateca_Archivo, un espacio permanente dedicado a la consulta y la investigación.

Físicamente, la Mediateca ocupará un espacio de unos 165 metros cuadrados en el Centro de Arte. La concepción del mobiliario y distribución de espacios han sido realizados por la prestigiosa diseñadora y arquitecta asturiana radicada en Milán, Patricia Urquiola, quien ya ha diseñado el vestíbulo del Centro, el guardarropa y la LABshop. En su proyecto, Urquiola proporciona un entorno innovador que permitirá al público utilizar este nuevo servicio, conciliando la funcionalidad y la comodidad. La sala dispone de 18 puestos de consulta/lectura y ocho puestos multimedia conectados a la Red para consulta y acceso al directorio de contenidos, así como al visionado y audición de los documentos.

La Mediateca_Archivo de LABoral dispone de los siguientes contenidos:
Un fondo de documentos bibliográficos, que incluye obras de referencias en diferentes soportes, catálogos de exposiciones, estudios y monografías de artistas, arquitectos, diseñadores, directores de cine, músicos y otros creadores. Ofrece también acceso a una colección de e-Books (libros electrónicos) en español e inglés. Contiene, también, DVDs de artistas, diseñadores y arquitectos, registros de procesos, vídeos, películas y documentales, así como videojuegos y una selección de recursos procedentes de la Red, que permiten al usuario acceder a la información más especializada en el arte y la creación industrial de nuestro tiempo.
La Hemeroteca, integrada por publicaciones periódicas españolas y de otros países, en formato impreso y digital, sobre arte contemporáneo, fotografía, arquitectura, diseño, moda, cine, animación, juegos digitales,
música y sonido, así como de comunicación audiovisual avanzada.

El Archivo de LABoral, que ofrece una amplia visión de la programación de LABoral desde su inauguración, con documentos en distintos soportes: desde catálogos a otras publicaciones, entrevistas, registros de paneles de discusión y conferencias, conciertos y performances. Además cuenta con obras de creadores de arte y nuevas tecnologías e industrias creativas, así como de enlaces comentados, publicaciones on-line relacionadas y otros sitios de referencia.

El Archivo de Artistas Asturianos dispone de una base de datos para la consulta con información biográfica y profesional, imágenes y textos descriptivos de artistas nacidos o residentes en Asturias y que desarrollan
su actividad creativa a partir de 1950 Se trata de una herramienta de consulta bibliográfica y audiovisual para investigadores, estudiosos y docentes, comisarios, coleccionistas, galerías y los propios artistas que
estará accesible en español e inglés. El archivo seguirá creciendo y actualizándose en el trascurso del tiempo.

ACTIVIDADES: ARTISTAS ASTURIANOS Y MEDIATECAS DEL SIGLO XXI
Como centro dedicado al estudio y la investigación y la promoción de la cultura visual contemporánea, la Mediateca de LABoral desarrollará un amplio programa de actividades, complementarias al propio espacio físico y digital de consulta.

Coincidiendo con esta inauguración, el Centro de Arte y Creación Industrial ha organizado un ciclo de conferencias que lleva el título de “Artistas asturianos. Últimas generaciones (1980-2010)”. Dirigido por el profesor Javier Barón, Jefe del Departamento de Pintura del Siglo XIX del Museo del Prado, se celebrará entre el 5 de marzo y el 15 de abril en la Cátedra Jovellanos de Extensión Universitaria de Gijón (C/ Tomás y Valiente 1).
Además del Conservador del Museo del Prado, Javier Barón Thaidigsmann, participarán en este ciclo la catedrática de Historia del Arte de la Universidad de Oviedo, María Soledad Álvarez Martínez; el escritor y crítico de Arte Juan Manuel Bonet; el profesor de Historia del Arte de la Universidad de Oviedo, Alfonso Palacio; la también profesora de Historia del Arte de la Universidad de Oviedo, María del Mar Díaz González; y el escritor y crítico de Arte Jaime Luis Martín.

Asimismo, los próximos días 28 y 29 de mayo se celebrará el Simposio Internacional: Mediatecas y Archivos para el siglo XXI, en el que expertos procedentes de Centros de Arte y Museos de todo el mundo, analizarán y debatirán cuestiones como el acceso a la cultura y creación contemporánea a través de mediatecas y archivos, la producción y selección de contenidos que se deben conservar, o los sistemas utilizados para la conservación de archivos de media art.
En este simposio participarán especialistas procedentes de diferentes foros internacionales como Kenneth Goldsmith, Fundador de Ubuweb, EE.UU; Mike Stubbs, Director de FACT-Foundation for Art and Creative Technology, Reino Unido; Attila Marton, de la London School of Economics, Reino Unido; Alex Adriaenssens, Director de V2, Países Bajos; Gerfried Stocker, Director de Ars Electronica, Austria; Heiner Holtappels, Director de Montevideo Time Based, Países Bajos; Beryl Graham, Co-editora de CRUMB, Reino Unido; Yves Bernard, Director de iMAL-Centre for digital Cultures and Technology, Bélgica; Alain Depocas, Director de Fondation Daniel Langlois, Canadá; Patricia Sloane, del Museo Universitario de Arte Contemporáneo, México; Pau Alsina, de la Escuela de Humanidades, Universitat Oberta de Catalunya,
España. Otros expertos que han confirmado también su asistencia son Peter Weibel, Director de ZKM-Centre for Art and Media de Kalrsruhe, Alemania; Miguel del Valle-Inclán, Director de la Biblioteca del Museo Nacional yCentro de Arte Reina Sofía, España; y Bartomeu Marí, Director de Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona, España.

LABoral
Centro de Arte y Creación Industrial
Los Prados, 121
33394 Gijón
Asturias – Spain
T: +34 985 185 582
M: +34 689 436 976

www.laboralcentrodearte.org

Louise Bourgeois · Miguel Borrego · Manuel Bouzo · Alberto García-Alix · Guillermo Kuitca · Cristina Lucas · Enrique Marty · Mateo Maté · Montserrat Soto · Antoni Tàpies ·
Eulàlia Valldosera · Darío Villalba · Gilberto Zorio·

El escenario del lecho y sus iconos aportan abundantes ejemplos en la historia del arte, la literatura y el cine. El retrato y los elementos alegóricos, la tragedia, el asalto a lo íntimo, el psicoanálisis y los recuerdos de la infancia, utilizan la metáfora de la cama como vehículo introductorio de nuevas narrativas. En este sentido, desde las últimas décadas, la prioridad concedida por ciertas formas del arte contemporáneo a lo
cotidiano está revelando fórmulas que recurren a montajes en casas verdaderas, configuran instalaciones u objetos alusivos al hogar o recrean estancias que permiten efectos evocadores y autobiográficos. Como núcleo de este mapa íntimo, la cama, icono de una realidad individual y colectiva, constituye el soporte para construir el discurso de la exposición A piel de cama. Miradas sobre un espacio cotidiano. Convertido casi en instrumento ritual, el lecho acompaña nuestra existencia primaria contemplando, a modo de testigo, la materialización de los gestos y sentimientos humanos. La selección de piezas y artistas planteada en este proyecto, permite analizar la pluralidad de escenarios que establecemos en él a lo largo de la vida. Experiencias trascendentales como el nacimiento y la muerte, el sexo, la enfermedad, los sueños, el amor, el viaje, el trabajo o la reflexión, atraparon la atención de los artistas aquí presentados, hasta el punto de convertir la cama en símbolo articulador de muchas de sus obras. Antoni Tàpies, Louise
Bourgeois, Darío Villalba, Guillermo Kuitca, Mateo Maté, Eulàlia Valldosera, Montserrat Soto, Gilberto Zorio, Manuel Bouzo, Enrique Marty, Miguel Borrego, Cristina Lucas y Alberto García-Alix, componen la secuencia de imágenes que, en diferentes soportes y enmarcada en la Sala Parpalló, desvela originales lecturas en torno a la cama. En este proceso de reflexión, hemos incluido miradas desde el cine y la filosofía, a través de los textos de Pilar Pedraza y David Pérez que acompañan el catálogo. Asimismo, durante la
exposición se proyectará un ciclo de películas dirigido por Áurea Ortiz con el objeto/lugar de la cama como protagonista. Vinculada a un sentido de refugio, nos traslada al primer espacio de protección -el útero materno-, pero establecida en un marco físico permite expresar la esencia más pura del ser humano. A piel de cama invita, por lo tanto, a volver a observar aquello que parece mil veces observado, para poder
reconocer en lo más simple y cotidiano gran parte de nuestras historias.

SALA PARPALLÓ
C/ Alboraia 5, 46010 Valencia
Fecha Inicio: 03-03-2010 Fecha Fin: 30-05-2010
HORARIO: de martes a sábado,10:00-14:00 y 16:00-20:00 hrs. Domingos: 10:00-14:00
hrs. Lunes cerrado

www.salaparpallo.es

Día 1:
- Anna Bella Geiger: Pasajes (1974. 9’30’’). Brasil.
- Ximena Cuevas: Befote televisión (1984. 1’43’’). Méjico.
- Coco Fusco y Paula Heredia: The couple in the cage (1993. 31’00’’). Cuba/EE.UU.
- Angie Bonino: New world order (1996. 5’29’’). Perú.
- Enrique Ramírez: Imágenes de una memoria (2006. 9’00’’). Chile.
Día 2:
- Regina José Galindo: Confesión (2007. 2’22’’). Guatemala.
- Beth Moysés: Día a día (1998. 6’52’’). Brasil.
- Ana Luisa Sanchez-Law: Navigator (2009. 3′13’’). Panamá.
- Teresa Puppo: Secretos (2007. 5’00’’). Argentina/Uruguay.
- Patricia Betancur: Yo amo (2008. 5’00’’). Uruguay.
Día 3:
- Juan Aizpitarte: Over game (2008. 9’30’’). España.
- Verónica Ruth Frías: A palos (2009. 4’31’’). España.
- Ángel García Roldán: Nàrke (2008. 22’00’’). España.
- Tete Álvarez: En un momento (2009. 2’29’’). España.
- Marisa Mancilla: Plumes (2009. 4’04’’). España.
- Amparo Garrido: Remanecer (2008. 14’40’’). España.
- Anna Gimein: Rehearsal 2 (2007. 2’34’’). España/EE.UU.
Dia 4:
- Ernesto Oroza: Anestesia (2006. 8’18’’). Cuba.
- Glenda León: Mar interno (2006. 1’20’’). Cuba.
- Lázaro Saavedra: El ideólogo de buen corazón (2006. 2’47’’). Cuba.*
- Celia Yunior: Bojeo (2006/2007. 7’31’’). Cuba.*
- Reinier Nande Pérez: Juegos discretos (2006. 12’12’’). Cuba.*
- Lisandra Ramírez: El viejo (3’50’’). Cuba.*
Día 5:
- Ana Claudia García: Mi adorable mariposa (el aleteo) (2003. 4’51’’). Argentina.
- Maria Fernanda Cardoso: Cardoso Flea Circus (1996. 8’00’’). Colombia.
- Nicolás Dumit: For art´s sake (2005. 3’13’’). República Dominicana.
- Teresa Serrano: A room of her own (2003. 6’42’’). Méjico.
- Azucena Losana: Loco (2008. 1’44’’). Argentina.

* Selección ‘Proyecto Circo de La Habana’ comisariada por Ada Azor.

La Nave Spacial
Plaza del Pelícano, 4. Local 1.
Martes – viernes: 18′00 – 21′00 h.
Sábados: 11′00 – 14′00 h.

www.lanavespacial.com

Presentación del libro:
“Espacios para la Libertad. Graffiti en el entorno ferroviario de Valladolid” de Carmen María Palenzuela López.
Participantes: Celestino Candela, Fernando Manero, Manuel Sierra, Torcuato Cortes de la Rosa
Jueves 11 de febrero a las 19:30 h.
Entrada gratuita hasta completar aforo.

Inauguración de la intervención en la Sala Cero:
All day, every day. Vivir pintando. Nuevos discursos en la pintura.
Comisariado por Carmen Mª Palenzuela López
11.02.10 – 14.03.10
Jueves 11 de febrero a las 20:30 h.

Conferencia:
“Cuarenta años de graffiti: génesis, mecánica y evolución de un juego” por Javier Abarca. Profesor en la Facultad de BBAA de Aranjuez – Universidad Complutense de Madrid.
Viernes 19 de febrero a las 20:00 h.
Entrada gratuita hasta completar aforo.
Hoy jueves 11 de febrero se presenta en el Museo Patio Herreriano de Valladolid la intervención en la Sala Cero, “All day, everyday. Vivir pintando. Nuevos discursos en la pintura”.

Un proyecto enmarcado dentro del programa Sustrato Urbano, programa que se puso en marcha a finales del año 2008 y que pretende crear una plataforma de acción cultural que reúna a artistas y colectivos para realizar propuestas y actividades que tengan como objetivo hacer de la práctica artística un medio de debate y discusión. El programa asume en su discurso el cambio en cuanto al tipo de experiencia que se vive en un museo, ampliando las formas tradicionales de relación con la obra a prácticas de participación, debate y acción, por parte de colectivos y artistas que ocupan con sus proyectos esta parcela de “esfera pública”. En esta primera de las actividades de este programa en 2010 se ha querido reflexionar sobre la función dinamizante del graffiti en el arte, especialmente en la pintura y el desarrollo de la creatividad como factor de crecimiento e integración.

La intervención en la Sala Cero, que permanecerá abierta hasta el 14 de marzo, ha contado con la participación de ocho escritores de graffiti, ocho artistas, seleccionados por Carmen María Palenzuela López, comisaria del proyecto, que han sido invitados por el Museo para intervenir la Sala Cero: BRK192, FLECHA 011, RUDIGUER SOTO RIBERA, DAVID1, AXEL FOLEY, BIG “DRO”, LEROY Y OAGAC.

Así mismo hoy jueves por la tarde se presentará el libro “Espacios para la Libertad. Graffiti en el entorno ferroviario de Valladolid” de Carmen María Palenzuela López en el Salón de Actos del museo a las 19,30 horas y el viernes 19 de febrero tendrá lugar la conferencia “Cuarenta años de graffiti: génesis, mecánica y evolución de un juego” a cargo de Javier Abarca. Profesor de la Facultad de BBAA de Aranjuez. Universidad Complutense de Madrid.

Al mismo tiempo se está preparando un breve documental, con parte del proceso creativo, que tratará además de aproximarnos al mundo del graffiti a través de algunas reflexiones individuales de estos artistas.

ALL DAY, EVERYDAY remite a la forma en la que estos artistas viven el graffiti. Es un proyecto de carácter dinámico y multidimensional que pretende abarcar lo local y lo global, el individualismo y la colaboración y proporcionando las condiciones necesarias para facilitar un contacto significativo entre tres elementos fundamentales implicados en este hecho artístico: los escritores de graffiti, el museo y los diferentes públicos implicados, con el fin de que se produzca una relación, un conocimiento de las cuestiones más relevantes de estos ámbitos, el análisis de sus funciones, sus técnicas de desarrollo, el lugar que ocupan y los mensajes que emiten; además del intercambio de técnicas procedimentales, herramientas, materiales y conceptos de la expresión plástica y visual.

El conocimiento o el acercamiento hacia algunas de las propuestas menos convencionales, por ser las que ponen en entredicho las bases de lo establecido, es una necesidad para el análisis del momento que vivimos y de sus contradicciones.
La búsqueda de situaciones que hagan posible una reflexión profunda sobre la función dinamizante del graffiti en el panorama del arte, especialmente en pintura y el desarrollo de la creatividad como factor de crecimiento e integración. El generar un punto de encuentro que favorezca el enriquecimiento de las experiencias de los artistas y de los escritores de graffiti, de sus procesos técnicos y creativos, de la acción museística, cuya labor gira tanto en torno al cuidado como a la calidad.

Tales son los propósitos, sin olvidar que el graffiti, como todo arte, responde a la expresión poética de un imaginario particular, que, en su caso, alcanza el máximo sentido en su hábitat natural.

“Bienvenidos al maravilloso mundo del getting up: dejarse ver pero sin ser visto. Una cosa es pintar con spray y otra hacer graffiti. Como diría Oscar Wilde la finalidad del arte es exponer el arte y esconder al artista. Hoy, lo que usted se va a encontrar, es algo que se ha separado de su entorno natural que es la calle y se ha metido en la sala de un museo. Para cada uno de nosotros, lo que hacemos, tiene un significado distinto y esto no deja de ser una experiencia personal, para nada negativa”

brk192/ flecha 011/ rudiguer soto ribera/ david1/ axel foley/ big “dro”/ leroy/ oagac
Escritores de graffiti en la exposición All day, everyday. Museo Patio Herreriano

“Un graffiti invade y corre el riesgo de ser invadido. Se apropia con audacia de un soporte que en realidad nunca podrá ser suyo. Siendo un gesto individual y clandestino, un graffiti está destinado a atraer la mirada colectiva y a acompañar los paseos públicos. Sus autores son masivos periféricos, exhibicionistas tímidos. Estas tensiones viven en el corazón del graffiti y lo vuelven un arte fascinante”.1
Andrés Neuman
Benefactor de muros.17/04/05. Periódico Ideal.

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