La Galería Alarcón Criado presenta a Nicolas Grospierre con “Heliosophia"

Según la mitología griega Helio, dios del sol, montaba un carro ardiente a través del cielo e iluminaba de esta manera el mundo. Cuando Helio dejó a su hijo Faetón conducir el carro, el jinete inexperto perdió el control amenazando con estrellarse en la tierra y destruir el mundo. Zeus tuvo que golpear con un rayo el carro de Helio, y Faetón resultó muerto.

Los mitos clásicos suele proporcionar relatos concretos para hacer más comprensible la relación del hombre con el mundo que lo rodea. Ecos del episodio mitológico de Helio se pueden encontrar en la última exposición de Nicolas Grospierre en Alarcón Criado: Heliosophia. Compuesta de dos series distintas pero fuertemente imbricadas, Heliosophia presenta obras que plantean una relación ambigua con el sol (la luz en general), como una fuente capaz de generar imágenes, pero también como un agente destructivo de las mismas. El primer grupo de obras, Heliographia, son composiciones geométricas abstractas realizadas sobre grandes superficies de terciopelo. Lo que podría parecer una obra pictórica es de hecho la acción directa del sol durante varios meses alterando el tono monocromo del terciopelo. Durante este tiempo, formas opacas fueron colocadas sobre la superficie y se movieron periódicamente, actuando el sol sobre las partes expuestas. Técnicamente se trataría de una especie de fotografía sin papel, sin película, sin cámara incluso, siendo la incidencia de la luz solar sobre la superficie el único principio activo de estos trabajos.

La segunda serie de obras, Heliópolis, es un conjunto de fotografías de edificios modernistas de diferentes partes del mundo, cuyo denominador común es que todos ellos han sido destruidos, cada uno por razones diferentes y específicas. Estas fotografías pertenecen al renombrado archivo “Modern Forms” que el artista viene realizando desde hace casi dos décadas y que recientemente fue publicado por la prestigiosa editorial Prestel. Sin embargo, en esta ocasión las impresiones presentan una peculiaridad. Su proceso fotográfico ha sido intencionalmente no fijado, de tal manera que cuando se muestra al público, es decir, cuando se expone a la luz, la imagen comienza a desvanecerse paulatinamente. Aquí la luz es una fuerza destructiva que hace desaparecer ante nuestros ojos edificios que en la realidad ya no existen. Ambos proyectos reivindican la paradoja de la destrucción como acto creativo, el capital simbólico de la destrucción de un objeto. De hecho, se puede considerar que las composiciones heliográficas son, desde un punto de vista técnico, el deterioro de una pieza de terciopelo originalmente intacta. Por otra parte, las fotografías de Heliópolis son probablemente más que un simple conjunto de imágenes que documentan edificaciones inexistentes: Su fragilidad, su carácter autodestructivo – dado que cuanto más tiempo están expuestas más se acelera su deterioro – es lo que le otorga un sentido inédito al trabajo. 

En última instancia, Heliosophia no es sólo un proyecto acerca del poder de la luz solar, sino que apela a la relación compleja entre los procesos creativos y destructivos intrínsecos en la contemporaneidad. Biografía: Ginebra, Suiza, 1975 Nicolas Grospierre vive y trabaja en Varsovia (Polonia). Es un artista que trabaja y entiende la fotografía de un modo extensivo. Antes de centrar su carrera en el ámbito artístico, se formó en el Institut d´Etudes Politique de Paris y el London School of Economic. Su trabajo como fotógrafo ha estado centrado tanto en proyectos documentales como en trabajos más conceptuales. Los primeros, han explorado frecuentemente la memoria colectiva y las esperanzas ligadas al arquitectura moderna, en unos tiempos, los actuales, en los que las utopías vinculadas a ella han sido desmotadas. Por otro lado, su fotografía más conceptual gira en torno a paradojas visuales y perceptivas que proponen relatos en torno a la verosimilitud, la autenticidad o la significación de la imagen en nuestra época. Nicolas Grospierre ha sido galardonado con el León de Oro de la 11ª Edición de la Bienal de Venecia (2008) por la muestra Hotel Polonia en el Pabellón polaco, y también ha recibido el Polityka Passport Award (2009), Artistic Residence at Stadtgalerie der Progr, Bern (2012), el Premio del Ministerio de Cultura de la República de Polonia (2009) y la beca Graham Foundation de Chicago en 2014, Su monografía, Open-Ended, ha sido publicada por Jovis Verlang (Berlín, 2013) y su obra ha sido incluida en el New Phaidon book Shooting Space: Architecture In Contemporary Photography de Elias Redstone y en Modern Forms. A Subjective Atlas of 20th-century Architecture, editado por Elias Redstone y Alona Pardo. Ha formado parte de exposiciones individuales y colectivas en diferentes puntos de Europa y América: All Pales Before The Book en PhotoEspaña (Centro de Arte de Alcobendas, Madrid) Modern Forms. A Subjective Atlas of 20th-century Architecture, Architectural Association School of Architecture de Londres , La Memoria finalmente Arte in Polonia dal 1989-2015 en la Galleria Civica di Modena (todas en 2016) Viewfinder en la Signum Foundation de Poznan y Lost in Architecture,Baltic Gallery of Contemporary Art, Słupsk en 2015, A glass shard in the eye (with Olga Mokrzycka) en BWA Warszawa de Varsovia y The Oval Offices, Maison de la Photographie, Lille (2014), proyecto que expuso en 2013 en el Palacio Presidencial de la República de Polonia y en la State Gallery of Art, Sopot, y en otros lugares como Bunkier Sztuki en Cracovia, Graham Foundation, Chicago, Raster Gallery, Varsovia, Signum Foundation de Venecia, Artist’s House, Jerusalen, Ecco – Espacao Cultural Contemporaneo, Brasilia, Kunsthalle, Bratislava, National Art Museum of China, Beijing. Su obra está presente en colecciones como National Museum in Warsaw, Polonia, Rubell Family Collection, Jan Michalski Foundation Switzerland, Coleccion Los Bragales, Coleccions DKV, Signum Foundation Collection, ARUP Collection, APT Collection,PAMM Miami, Jozami Collection y 21Century Museum.