Din Matamoro en la Galería Trinta: Un cuadro
Hasta el 12 de marzo de 2012.
“Comencé en Madrid en los años ochenta. Era muy joven. Recuerdo la necesidad de expresarme, de traducir la realidad haciendo un alto para sorprenderme con las cosas mínimas como la luz al mover el verde de las hojas o la monumentalidad de las nubes… los dibujos de las formas, lo imaginado, lo grandioso…”
“Conocí la pintura mirando a los maestros y me enganchó de tal manera que todavía me retiene en un estado de hipnosis, sin poder salir del taller. Pintar para seguir lentamente pintando, sorpresivamente acelerando el tiempo, un cuadro tras otro y, con el último, un descubrimiento. Un día cerraré el taller por un tiempo y lanzaré la llave al mar.”
“Creo en la individualidad y peculiaridad del artista. Me gusta que mi trabajo sea un reto siendo consciente de que algunos cambios pueden ser peligrosos aunque también valientes. Sabiendo que en esencia seguirás siendo el mismo aunque los días pasen, el cuerpo cambie y la mente evolucione.”
“De las piezas en las que trabajo actualmente el color surge tímido de las entrañas del blanco para descubrir lentamente sus secretos. En algún caso puede parecer luz proyectada sobre la superficie pictórica. De alguna manera es como perderse en una niebla espesa de color donde la mirada encuentra otros matices: la luz desnuda que borra la forma y muestra lo difuso, el color que late y que se expande.”
“Me gusta que mi mirada traspase la obra y no rebote en ella. Del mismo modo me encantaría que el espectador descubriese el ruido interno que está detrás del aparente silencio externo de los cuadros que conforman mi exposición.”
TRINTA arte contemporánea
Virxe da Cerca, 24
15703 Santiago de Compostela
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Adora Calvo. Antonio Almaraz en la Galería Adora Clavo: Water Violet
Hasta el 29 de enero de 2012
La personalidad no se hace, no se forma, no se cambia, solo permanece, desde que sentimos hasta que ya no estamos o no somos conscientes. La personalidad a la que ahora me refiero, es un ser que tiende a crear algo muy particular de su persona y de sus sentimientos, que nunca cambia y si cambia es temporal o circunstancial, es bien definido con todo lo que quiere hacer o enseñar y lo hace con agrado y simpatía cuando la recepción es positiva, de lo contrario lo deja sin vacilar y con todas las consecuencias. Es una personalidad serena estable para con los demás y Él es inestable en ocasiones y obsesivo en la mayoría de lo que cree que no esta bien, siempre fijándose en los demás para crear sus propias conclusiones y hace criba de los que le rodean dejándolos sin mayor aprecio y a veces con desprecio, pero nunca le notaremos estos efectos pues su reserva es el gran don, la gran biblioteca de conocimientos que retiene y que comparte solo cuando muestra una empatía razonable.
Tiene una cualidad importante referente al sentimiento profundo y sincero, pero que a veces es imposible verlo, pues como he dicho antes, está más dentro que fuera, firmeza y tesón, no con descalabros. Piensan más en el refrán que dice “Es mejor decir, de aquí huyo un cobarde que aquí murió un valiente”. Se disgustan mucho con las personas lentas o personas que creen inútiles o incompetentes. En el hacer diario se muestran orgullosos y con firmeza siempre en comparación de los demás. Están actuando constantemente y reaccionan bien ante las adversidades y contratiempos, pues su serenidad es estable y actúan sin vacilar con resultados importantes por su acción y resolución de todo lo que se proponen, gran consejero y amigo.
Sus efectos de soledad están por encima de todo, pues son personas que les gusta estar solos, por un tiempo prudencial, si esta soledad se le impone se desequilibran con facilidad y en este estado es una persona problemática, en ocasiones les produce mal humor o enfados repentinos, no hablan de ello, pues para él es algo de su reserva y así no suelen estar receptivos de conversaciones o contactos con nadie. Siguen su propio camino dejando a todas las personas de lado que no les importan y así se sienten como liberados de algo que en realidad es abstracto.
Si alguien se siente identificado con todo esto, esta ante una personalidad tipo y esta personalidad es digna de tenerla en cuenta, pues su reflejo es para aprender de ella y llevar la vida con sabiduría y rectificación hasta el final.
Jesús Casado
Naturópata Iridiólogo
Galería Adora Clavo
San Pablo, 66
37008 Salamanca
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Elena Vozmediano recibe el premio a la crítica de arte en los Premios GAC 2012
El IAC felicita a Elena Vozmediano que acaba de recibir el premio GAC a la Crítica de Arte, que otorgan las cuatro asociaciones de galerías de arte de Cataluña: Gremi de Galeries d’Art de Catalunya, Associació Art Catalunya, Associació Art Barcelona y Associació de Galeristes Independents d’Art de Catalunya con la misión de reconocer y potenciar el papel difusor del arte y los artistas que desempeñan las galerías catalanas como agentes de promoción y consolidación del mercado artístico, tanto a nivel nacional como internacional.
Estos premios, que desde 2008 representan una cita anual con todos los sectores de la vida cultural catalana vinculados al arte y al galerismo, se dividen en siete categorías entre las que se encuantra el Premio a la crítica de arte, que este año en su quinta edición ha sido otorgado a Elena Vozmediano.
Para ampliar la información consultar la entrevista que le realiza Paula Achiaga en el cultural:
http://www.elcultural.es/noticias/BUENOS_DIAS/2700/Elena_Vozmediano
Publicado este 3 febrero 2012. Archivado en Actividades de los socios, Contexto | 0 comentario
Conferencia/ presentación de Juan Luis Moraza en la Galería Espacio Mínimo: (1960-2012) la primera mitad
La Galería Espacio Mínimo tiene el placer de comunicar el inicio de su colaboración profesional con el artista Juan Luis Moraza (Vitoria, 1960) al que desde ahora representa.
Coincidiendo con el inicio de su relación con la galería, el próximo sábado 4 de febrero, a las 12 horas, el artista hablará sobre su trabajo en la conferencia: (1960-2012) la primera mitad
Sábado 4 de febrero a las 12 del mediodía en el ANEXO de la galería Espacio Mínimo (Calle Doctor Fourquet)
(Entrada libre hasta completar aforo, SRC)
Galería Espacio Mínimo
Doctor Fourquet, 17
28012 Madrid
Tf: 34 91 467 6156
E-mail: galeria@espaciominimo.es
http://www.espaciominimo.es
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Comunicado: El IAC expresa su apoyo al Centro de Arte y Naturaleza , CDAN
El IAC se suma a las múltiples manifestaciones de apoyo al CDAN. Su intensa labor educativa y cultural, deberían ser argumentos suficientes para seguir apostando por este proyecto de excelencia. Si además tenemos en cuenta su extraordinario trabajo en favor de la internacionalización del arte español, la interrupción de esta labor causaría un enorme daño a la comunidad artística de Aragón y al tejido cultural y empresarial que un centro de estas características genera en su entorno.
En defensa del derecho ciudadano de acceso a la cultura y a la educación, debería tenerse también en cuenta el perjuicio que generan los recortes para el modélico club infantil del CDAN, formado por 440 niños de 4 a 12 años que participan de las actividades semanales del CDAN. Insustituible sería también el servicio que presta el CDAN a la investigación a través de INDOC, con 6.279 documentos y más de 1.777 socios. Por todo ello confiamos en el buen criterio del patronato del CDAN para seguir potenciando este excepcional proyecto.
El IAC apoya a +cultura.org en su defensa de la comunidad artística de Aragón y le desea el mayor de los éxitos. http://mascultura.org/web/
Publicado este 30 enero 2012. Archivado en IAC, Recortes a las artes plásticas | 0 comentario
Javier Duero. El Espacio Trapézio presenta: SÓLO VÍDEO
SÓLO VÍDEO es una aproximación al formato videográfico a través de los diferentes artistas que se presentaron a la convocatoria del Concurs d’Arts Visuals Premi Miquel Casablancas 2010 utilizando este registro. Un ensayo visual y narrativo que explora las afinidades y las relaciones existentes entre piezas y artistas sin la necesidad de fijar una temática cerrada. En definitiva, una aproximación flexible al rol que el video-arte plantea desde los contextos de arte emergente.
SÓLO VÍDEO es un proyecto que funciona a un doble nivel. Por un lado, como presentación pública en diferentes instituciones del estado español; por el otro, como consumo privado a partir de su edición en DVD.
Artistas participantes: Inés García, Ricardo Trigo, María Pérez, Daniel Silvo, Iván Gómez, Jesús Monteagudo, Oriol Nogues, Esther Achaerandio, Enric Montejano, Lidia González, Beatriz Sánchez, Xavier Ristol, Mercedes Mangrané, Tamara Kuselman, Miquel García, Antonio Gagliano, Ana Moreno, Gerard Ortín.
SÓLO VÍDEO
Un proyecto de David Arlandis y Javier Marroquí
Producido por San Andreu Contemporani
Miércoles 1 de febrero: inauguración exposición y actividad, 20:00 horas.
Martes 7 de febrero: presentación del proyecto Sólo Vídeo con David Arlandis y Javier Marroquí, 20:00 horas
Imagen (portada del DVD)
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work in
Ante el contexto actual de cambio, de iniciativas de creación conjunta, de trasvase de disciplinas y de generación de nuevas inercias productivas. espacio trapézio propone un lugar donde la colaboración se ve favorecida por un entorno de trabajo abierto. work in es un punto de encuentro profesional de carácter temporal, un espacio agradable para trabajar conectado mientras degustas un té o un café en un ambiente productivo.
Un lugar dedicado a todos aquellos colectivos, profesionales y personas, que en su día a día, desarrollan un trabajo creativo y colaborativo y que necesitan de espacios puntuales de encuentro para la elaboración de proyectos realizados desde el disfrute.
Con la colaboración de:
IED
Nolens Volens
A*Magazine
e-Flux
Horario provisional:
De lunes a domingo de 11 a 20h
Conexión WI-FI gratuita
espacio trapézio
Mercado de San Antón, 2ª planta,
Calle Augusto Figueroa, 24. Madrid
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Ignacio Fortun en la Galería Antonio de Suñer: Pintura y memoria
Hasta el 6 de marzo de 2012.
El proceso creativo de Ignacio Fortún (Zaragoza, 1959) empieza ante una plancha metálica, con su resplandor mate intacto. Aluminio o zinc. Sobre su opacidad se pueden proyectar imágenes para comprobar cómo el metal degrada los colores, los absorbe, como si raspara los brillos de la realidad para transformarla en pasado. Recuerdan las sombras bajo los vasos que nadie contempla en los viejos mostradores de zinc de las tabernas. El metal digiere mal las imágenes, las refleja en otro tiempo que no siempre se comprende. La plancha sujeta al bastidor sufre pequeñas ondulaciones en los bordes que muestran su rigidez. Donde la luz la alcanza, se abre un boquete ciego, informe. Nada hay en el metal sobre el caballete que signifique. Y sin embargo, qué inquietud por destapar las formas que su tiniebla oculta.
Con un buril el pintor realiza incisiones y rayados sin ninguna orientación previa sobre toda la plancha. Se diría, desde fuera, que estropea su prestigio de acabado industrial. Con este gesto adecúa el modo anodino de expresar que tiene el metal a las necesidades del arte, empieza a darle expresión. Reproduce, a continuación, un pequeño boceto, figurativo, realizado en papel mucho antes de seleccionar la plancha, y en otro lugar, lejos del taller. En el bosquejo objetos y figuras eligen un volumen, una situación, un campo. Son poco más que un trazo. A partir de este momento se inicia el arduo trabajo pictórico. Ignacio Fortún reelabora las formas hasta conseguir la perfecta integración de las incisiones expresionistas con el dibujo figurativo. Ha de poner de acuerdo también, en los colores del cuadro, la drástica absorción de la luz que realiza el metal con las exigencias cromáticas de la imagen. Se diría que la composición no renuncia a ninguna tradición artística.
A este intenso proceso plástico Fortún le añade otra secuencia paralela. Escritor de texturas, cada pieza implica una reflexión lírica sobre lo que el metal refleja, una indagación biográfica y geográfica, en la que no se reconocen citas, ni nombradías; la auténtica notoriedad del lugar la otorga el sujeto, su memoria. Como pintor memorialista, huye de la costumbre y aspira a la representación simbólica del destino. Muchos de sus cuadros enuncian una frontera, un tránsito, un interregno quizá. Se ven las últimas construcciones de un suburbio junto los primeros arrebatos de un terreno agreste. Son suturas a la vista, cicatrices. Imágenes que evocan, que narran. Que encarnan. Sin esta escritura de las formas, el cuadro no se consideraría acabado, y al mismo tiempo, como un poema clásico, se reabre ante quien lo contempla para recibir otros recuerdos, nuevos significados.
La chapa de aluminio o de zinc carece de hondura, es solo una superficie átona en la que el pintor ha desembozado la perspectiva con trazos en conflicto que las manchas van suturando. También es quien dota de memoria a la imagen que, sin ella, no sería nada. Y cuando el cuadro parece concluido sobre una pared, aún queda todo por decidir; lo que los ojos contemplen se conjugará con la luz. Hay luces que oscurecen zonas de la plancha o que las resaltan; unas veces subrayan líneas que parecen no estar, otras las modifican como si el cuadro, según la claridad, alterara su respiración.
JOSÉ ÁNGEL CILLERUELO
Galería Antonio de Suñer.
Barquillo 43
Madrid.
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Carles Taché. Miguel Ángel Campano en la Galería Carles Taché: Campano
Hasta el 2 de marzo de 2012.
Desde el próximo 12 de Enero y hasta principios del mes de Marzo, la Galeria Carles Taché presentará la exposición “Campano”, novena muestra del artista Miguel Ángel Campano (Madrid, 1948) en la galería.
La muestra consta de una docena de obras y traza, mediante una selección de pinturas de diferentes épocas y formatos, un recorrido por algunos de los momentos artísticos más destacados del artista desde la década de los ochenta, años en que Campano fue reconocido como uno de los grandes exponentes de la renovación de la pintura española.
Pintor profundamente heterogéneo, Campano ha afirmado en alguna ocasión hallarse en un permanente no estilo que ha hecho de su trayectoria algo muy alejado de la cualquier idea de linealidad. En esta muestra se reconoce a un artista poliédrico que rehúye de toda pertenencia a alguna escuela, sistema o método.
Tratando de mostrar la diferencia entre los distintos momentos de la extensa y prolífica trayectoria de Campano, la galería ha seleccionado una sola pintura representativa por cada etapa, proponiendo así “saltar” de un periodo a otro sin la necesidad de articular suavemente los momentos de cambio o transición que anuncian las diferentes fracturas que se irán produciendo en su pintura.
Mediante una relación de contraste entre las diferentes pinturas que integran la muestra, se hace patente la maestría de un pintor lleno de matices, modulaciones, giros y, sobretodo, una profunda libertad, conseguida por el hecho de trabajar atendiendo solamente a la coherencia interna de la propia pintura y dejando de lado otros factores ajenos a ella como pudieran ser, por ejemplo, la fidelidad a un estilo. Campano se caracteriza por moverse, ante todo, por un profundo interés en la propia esencia pictórica.
Miguel Ángel Campano obtuvo el Premio Nacional de Artes Plásticas en 1996 y su gran retrospectiva en El Palacio Velázquez de Madrid en 1999 fue la confirmación de su relevancia dentro del panorama del arte contemporáneo español.
Galeria Carles Taché
Consell de Cent 290
08007 Barcelona
T +34 93 487 88 36
galeria@carlestache.com
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Tete Álvarez presenta la exposición Topografías
Hasta el 29 de Febrero 2012
Galería Arte21
Manuel María de Arjona, 4
14001. Córdoba. España
El interés por los sistemas de representación no es nuevo en la obra de Tete Álvarez, la asunción del espacio público como territorio de negociación le ha llevado a desarrollar un trabajo que investiga sobre las tramas urbanas y las derivas, la representación del territorio a través del mapa y de dispositivos de geolocalización. En Topografías, la muestra que presentamos en Arte21 a partir del 20 de enero, Tete Álvarez (Cádiz,1964) ofrece tres series fotográficas Transurbancias, Ciudades Líquidas y Vértices que responden a estos intereses.
La transurbancia es el método que propone el colectivo de investigación urbana Stalker para atravesar, recorrer y mapear los terrain vague. En Transurbancias, Tete Álvarez propone cartografiar una configuración urbana construida a partir de lo que Castells denomina “una nueva lógica espacial basada en flujos de información, frente a la lógica de la organización social arraigada en la historia de los lugares y territorios locales inmediatos”. Otra cartografía que permita realizar una deriva que gracias a los flujos nos desplace, por ejemplo, desde el barrio porteño de Mataderos hasta el sevillano del Tiro de Línea. Sobre un collage formado por numerosos fragmentos de imágenes satelitales – de tramas urbanas de diferentes lugares del mundo como paradigma de la calidad heterotópica del espacio urbano moderno – se superponen mapas de distintas épocas y procedencias, en alusión al tiempo de la historia, y planos sobreimpresionados de sistemas de comunicaciones, flujos de transportes, líneas de metro, etc. que tienen que ver con la nueva espacialidad de los flujos. Estos flujos forman parte de un sistema global y determinan un tiempo distinto, el de la atemporalidad, el de la aceleración y la simultaneidad, frente al tiempo de las estaciones o de la historia. Los espacios de conexión, vías de transporte o puntos de intercambio telemático son los verdaderos soportes de la identidad metropolitana. Mapas ácronos y heterotópicos y al igual que los de los situacionistas, ajenos a las fronteras administrativas de las ciudades que homogeneizan el espacio.
La metáfora de lo líquido y del fluir define la experiencia urbana actual. Tanto es así que está minando todos los resortes de la ciudad haciendo que la propia idea de urbe se desmorone y sea sustituida por núcleos de población más o menos informes. Lo más interesante de este proceso hacia lo líquido es que está afectando incluso a las viejas ciudades. Mientras la memoria de los lugares se fija cada vez más gracias al fenómeno turístico, la realidad de estos lugares se diluye cada vez más rápido. Ciudades líquidas toma como punto de partida imágenes satelitales de cascos urbanos de ciudades históricas para metamorfosear su trazado y convertirlo en un líquido denso pero a la vez fluido. Como apunta Pérez Villén en el texto editado con motivo de la muestra, “el proceso comienza con la elección de una determinada ciudad histórica – Estambul, Córdoba, Jerusalén- para centrarse en la herida que representa su trama. El tiempo se cobra la recompensa de su lento discurrir y facilita la emergencia de un tatuaje, siempre luctuoso. A la vez que se objetiva una imagen del caos –ese retrato a contraluz que representa la cicatriz de la historia- de forma paulatina fermenta la impresión de que los lugares ya no importan y que los límites no marcan pues todo se desborda. La ciudad se extralimita y sólo consigue transpirar la imagen líquida de lo que fue su pulso.
Las redes geodésicas están formadas por un conjunto de puntos materializados sobre el terreno, los vértices geodésicos, de los cuales se ha medido su posición con una gran precisión y que se han materializado sobre el terreno con hitos o señales. Esta materialización se hizo, por lo general, con cilindros de 1,20 metros de altura sobre un dado de hormigón cilíndrico o cuadrangular. Encima de la señal se instalaba el instrumento topográfico para hacer las mediciones necesarias, y desde cada una se deben ver varias, por lo que están situados en los lugares más altos y despejados. Vertices trabaja en el orden de interrogar acerca de la percepción del espacio, del territorio que permanece en la época del fin de la geografía, cuando las distancias han quedado reducidas por la instantaneidad de los flujos de comunicación en tiempo real. Para Pérez Villén estos Vértices conforman “una suerte de paisajes involuntarios. Y lo son porque cada fotografía de la serie –las imágenes incorporan las coordenadas exactas de su localización- además de señalar la aleatoriedad de la elección y el caprichoso artificio que otorga a cada lugar la singularidad y la virtualidad de la naturaleza, se debe en exclusiva al precepto de informar sobre la contingencia de un dispositivo determinado de la trama topográfica”.
Tete Álvarez realiza desde principios de los noventa obras en las que toma como soporte la instalación, el vídeo y la fotografía. Desde entonces ha realizado exposiciones individuales en las galerías Cavecanem (Sevilla), Trama (Barcelona y Madrid), Valle Ortí (Valencia) y T20 (Murcia), además de instituciones como el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (Sevilla) y el Centro de Fotografía de la Universidad de Salamanca. Desde 1998 sus trabajos han estado presente en la Feria Internacional de Arte Contemporáneo de Madrid, así como en exposiciones colectivas en distintos países de Europa y América. Seleccionado por Okwui Enwezor para participar en la II Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de Sevilla, sus trabajos han podido verse entre otros en el Salón Internacional de Fotografía, Paris Photo de la mano de la galería T20. Cuenta con obra en museos y colecciones como la Ordóñez-Falcón, la colección Testimoni de La Caixa, el Centro de Fotografía de la Universidad de Salamanca o el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo. La exposición en la galería Arte21 supone la primera ocasión en la que se pueden contemplar los trabajos de Tete Álvarez en una galería privada de Córdoba, ciudad en la que habitualmente reside. Con motivo de la muestra se ha publicado un catálogo con una edición limitada de cincuenta ejemplares con texto a cargo del crítico de arte y comisario de exposiciones, Ángel Luis Pérez Villén.
Publicado este 27 enero 2012. Archivado en Actividades de los socios | 0 comentario
Elena Asins, Soledad Lorenzo y Helga de Alvear, galardonadas en los Premios Arte y Mecenazgo 2012
• La Fundación Arte y Mecenazgo da a conocer los premiados en la segunda edición de los galardones que otorga para distinguir el trabajo de las partes implicadas en el proceso de creación y divulgación del arte: artistas, galeristas y coleccionistas.
• Las galardonadas en los Premios Arte y Mecenazgo 2012 en sus tres categorías han sido la artista Elena Asins, la galerista Soledad Lorenzo y la coleccionista Helga de Alvear, destacando todas ellas por su dilatada trayectoria y el papel destacado que llevan a cabo como innovadoras en su respectivo sector.
Barcelona, 26 de enero de 2012.- La Fundación Arte y Mecenazgo, impulsada por “la Caixa” y presidida por Leopoldo Rodés, ha dado a conocer hoy los galardonados en la segunda edición de los Premios Arte y Mecenazgo, que reconocen a los principales referentes en el estímulo de la escena artística española.
La Fundación Arte y Mecenazgo instituyó el año pasado estos galardones como muestra del apoyo de la entidad al sector del arte español. Los premios introducen un elemento innovador al reconocer el trabajo no sólo de artistas, como la mayoría de los premios existentes, sino también el de galeristas y coleccionistas, figuras fundamentales para el desarrollo de la creación artística.
Elena Asins ha sido galardonada en la categoría Artista por un jurado constituido por Lynne Cooke, Francisco Calvo Serraller y Vicente Todolí. Asins ha recibido este reconocimiento, según el jurado, porque “en el transcurso de su carrera, que abarca más de cuatro décadas, su obra ha incluido un extraordinariamente amplio registro de formatos y medios tales como: dibujo, edición, escultura, vídeo y poesía concreta, caracterizados siempre por el rigor compositivo y la depuración formal. Su creación artística continúa su proceso marcado por la experimentación y radicalidad”. El premio está dotado con 50.000 euros, 20.000 de los cuales se destinarán a la financiación de un libro de artista.
El reconocimiento de la Fundación Arte y Mecenazgo en la categoría Galería ha recaído en Soledad Lorenzo. El jurado –formado por Rosina Gómez Baeza, Mario Rotllant y Juan Ignacio Vidarte- destaca “su lealtad, exigencia y compromiso con el artista; su participación activa en la construcción de una nueva visión del galerismo; y su labor para lograr una mayor promoción del arte español, no solamente desde su trabajo con los artistas que representa, sino participando activamente en foros de arte contemporáneo”. Lorenzo recibirá un premio dotado con 40.000 euros para la financiación de un proyecto –exposición, publicación o producción de una obra- que contribuya al reconocimiento de su galería.
Por último, en la categoría Coleccionista se ha reconocido la trayectoria profesional de Helga de Alvear. En este caso, el jurado formado por Carlos Fitz-James Stuart. Duque de Huéscar; Felipa Jove y Joan Uriach ha resaltado de De Alvear que “ha conseguido reunir una de las colecciones españoles de arte contemporáneo internacional más destacadas, integrada por unas 2.500 piezas de los principales movimientos de vanguardia de la segunda mitad del siglo XX hasta la actualidad”. También reconoce “la inestimable aportación que ha realizado a nuestro país donando las obras a la Fundación Helga de Alvear con sede en Cáceres”.
La Fundación Arte y Mecenazgo ha sido creada a iniciativa de “la Caixa”
con la misión de estimular y divulgar el coleccionismo de arte como fuente de mecenazgo de la cultura con el objetivo de promover el mercado del arte y enriquecer el patrimonio artístico del país. La Fundación tiene por objeto destacar el papel del coleccionismo en la promoción de la cultura, difundir la tarea de los coleccionistas y motivar a nuevos coleccionistas en España.
BIOGRAFÍAS GALARDONADOS
PREMIO ARTISTA
Elena Asins (Madrid, 1940) se formó en distintas universidades como la Escuela de Bellas Artes de París, la Universidad de Stuttgart, la Universidad Complutense de Madrid, The New School for Social Research en Nueva York, o la Columbia University entre otras. Ha realizado más de 40 exposiciones individuales en distintos países, destaca su última exposición Fragmentos de la Memoria, presentada recientemente en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Ha recibido becas y premios como la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes en 2006 y el Premio Nacional de Artes Plásticas 2011.
PREMIO GALERÍA
Soledad Lorenzo comenzó su andadura en el mundo de las galerías con Fernando Guereta en 1974. Al cabo de dos años se vinculó a la Galería Theo de Madrid, donde trabajó durante siete años. En 1985 fue comisaria de Europalia y un año más tarde, en 1986, abrió su propia sala diseñada por el artista Gustavo Torner. Ha trabajado, entre muchos otros, con Pablo Palazuelo, Antoni Tàpies, Joan Hernández Pijoan, Soledad Sevilla, Miquel Barceló, Juan Uslé, Txomin Badiola y en el ámbito internacional con Ross Bleckner, Louise Bourgeois, Jonathan Lasker, Robert Longo, Iñigo Manglano-Ovalle, Paul McCarthy, Tony Oursler, David Salle o Julian Schnabel. Ha recibido la Medalla de Oro de las Bellas Artes (2006), Mejor Galería de ARCO (2008 y 2009) y el F.E.G.A. European Award (2009), en Basilea, a toda una carrera.
PREMIO COLECCIONISTA
Helga de Alvear nació en Kirn (Alemania), en 1936. A España llegó con 21 años, país en el que inició su pasión por el coleccionismo, primero junto a Juana Mordó y luego en solitario. Es considerada una de las mujeres más notables dentro del mundo del arte contemporáneo siendo la única española que figura en la lista “top 100” de las personas más influyentes del mundo del arte internacional publicada Art Review. En 1995 abre la Galería Helga de Alvear. Ha recibido, entre otras distinciones, la medalla de Extremadura en 2007 y la medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes, concedido por el Ministerio de Cultura en 2008 y recientemente la Medalla de la Ciudad de Cáceres.
Fundación Arte y Mecenazgo : www.fundacionarteymecenazgo.org
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Isabel Durán comisaría la exposición de José Bedía: Entre dos Mundos
El viernes 27 de enero José Bedia (Cuba) ofrecerá una charla a las 19:15 horas antes de inaugurar la exposición. El artista hablará de pautas creativas y las bases fundamentales que centran su trabajo.
Fechas de la exposición: Del 27 de enero al 18 de marzo de 2012.
De lunes a sábado de 11:00h a 20:00h.
Domingos y festivos de 11:00h a 15:00h.
Salas Frida Khalo y Diego Rivera.
El pintor cubano José Bedia presenta en Casa de América su última muestra con más de 30 dibujos en los que las tradiciones afrocubanas, la influencia indígena y los choques culturales son los protagonistas.
Considerado como uno de los artistas contemporáneos más importantes de Latinoamérica, Bedia trae por primera vez a Madrid un sugerente viaje plástico entre culturas.
Como los grandes artistas, José Bedia (La Habana, 1958) construye espejos en los que nos podemos ver con muy diferentes aspectos y así aprender un poco más de nosotros mismos. No es aventurado llegar a decir que su objetivo se sitúa en enriquecer a las personas ayudándolas a comprender que hay muchas formas de vida diferentes y que de todas se aprende a construir seres humanos en plenitud.
Bedia basa su trabajo en un tratamiento crítico y antropológico de pueblos y culturas con orígenes ancestrales en su mayoría. Muchas de sus obras están inspiradas en tradiciones afrocubanas vivas actualmente en su país, pero también estudia y trabaja sobre culturas de origen amerindio como los siux, yakis, cheroquis u originarias de América Latina, Australia u Oceanía. Esto es, sobre culturas no occidentales.
En muchísimas ocasiones Bedia convive con estas personas tratando de empaparse verdaderamente de todo tipo de detalles que conforman su ‘manera de vivir’. Es una suerte de trabajo de campo, con el rigor que establece la ciencia antropológica, pero que no busca ningún orden científico posterior. Su finalidad es la creación de una estructura de reflexión artística.
Lo que Bedia quiere sacar ‘de ellos’ es el conocimiento profundo del por qué de sus costumbres y creencias, comprender los procesos de desarrollo de otras formas de vivir. Es una especie de “estar y ‘vivir’ allí” con ellos, para luego terminar en un “vivir aquí”, entre nosotros, parafraseando al antropólogo estadounidense Clifford Geertz.
El atractivo formal del trazo de su dibujo fortalece intensamente la eficacia de esa reflexión. La forma plástica escogida por Bedia es particularmente eficaz. En el caso concreto de esta exposición, la mayoría de las piezas tienen como soporte un papel que remite a lo originario por estar hecho a mano o tener un carácter muy poco industrial. Sobre este ‘sencillo’ soporte se plasman las ideas. Él dice: “Los materiales deben ser sencillos como las ideas. No me gustan las decoraciones innecesarias ni los barroquismos”. Pues bien, con esa incisiva sencillez usa el carbón, el óleo, el acrílico… aplicado muchas veces directamente con las manos como en una especie de transmisión directa de la voluntad de estar verdaderamente dentro de la obra.
Así, sencillamente Bedia nos interpela. Nos llama. Y, ¿qué pasa? Que nos enseña lo que hay de verdad, sin ruido, sin el trastorno de lo que no vale la pena. Así es su obra: un terreno despejado que nos deja ver los dos mundos entre los que él dibuja y nosotros vivimos.
Comisaria: Isabel Durán.
Publicado este 26 enero 2012. Archivado en Actividades de los socios | 0 comentario
Norberto Dotor: Ruben Ramos Balsa en la Galería Fúcares de Madrid: El lago vertical
Inauguración: 28 de enero de 2012.
Hasta el 3 de marzo de 2012.
La Galería Fúcares presenta en su espacio de Madrid la segunda exposición individual de Rubén Ramos Balsa (Santiago de Compostela, 1978).
Discusión entorno a La estructura ausente de la apariencia desnuda.
El lago vertical
Notas para una introducción al problema.
Umberto Eco abre la discusión entorno al problema. Cuatro contertulios atemporales discuten alguno aspectos del asunto:
- comunicar dos aparatos mecánicos-
(Eco) Si todo fenómeno cultural es un acto de comunicación y puede ser explicado mediante los esquemas propios de cualquier acto de comunicación, será conveniente individualizar la estructura elemental de la comunicación donde ésta se produzca -o, mejor dicho- en sus términos mínimos. Es decir, al nivel en que se produce un paso de información entre dos aparatos mecánicos.
(Arnheim) Si no se sitúan simétricamente uno del otro, se favorecería su fusión y potenciaría el todo, y de tal manera invertidos. Esta coincidencia de ser simultáneamente todo y parte es otro aspecto de la interacción no representable en una formulación discursiva.
(Derrida) Sería fácil mostrar que el concepto de estructura e incluso la palabra estructura tienen la edad de la episteme, es decir, al mismo tiempo de la ciencia y de la filosofía occidentales, y que hunden sus raíces en el suelo del lenguaje ordinario, al fondo del cual va la episteme a recogerlas para traerlas hacia sí en un desplazamiento metafórico.
(Paz) En el arte lo único que cuenta es la forma. O más exactamente: las formas son las emisoras de significados. La forma proyecta sentido, es un aparato de significar.
- estructura y centro-
(Arnheim) Percibir un objeto o suceso cualquiera significa verlo como configuración de fuerzas, y el tener conciencia de la universalidad de tales configuraciones es parte integrante de toda experiencia perceptual.
(Derrida) la estructura, o más bien la estructuralidad de la estructura, aunque siempre haya estado funcionando, se ha encontrado siempre neutralizada, reducida: mediante un gesto consistente en darle un centro, en referirla a un punto de presencia, a un origen fijo. Este centro tenía como función no sólo la de orientar y equilibrar, organizar la estructura -efectivamente, no se puede pensar una estructura desorganizada- sino, sobre todo, la de hacer que el principio de organización de la estructura limitase lo que podríamos llamar el juego de la estructura. Indudablemente el centro de una estructura, al orientar y organizar la coherencia del sistema, permite el juego de los elementos en el interior de la forma total. Y todavía hoy una estructura privada de todo centro representa lo impensable mismo.
(Arnheim) La mente no puede sustentar dos organizaciones estructurales diferentes del mismo esquema a la vez: no puede hacer otra cosa que subordinar la una a la otra. En consecuencia, la mente aporta la jerarquía necesaria concediendo alternativamente el predomino a cada una de las estructuras. En un instante dado prevalece el todo, al siguiente las partes. Tal oscilación hace que sea posible presentar la identidad sin mengua de la dualidad.
- Fuerza y movimiento -
(Da Vinci) Observa cómo el movimiento de la superficie del agua se asemeja a la de los cabellos, los cuales tienen dos movimientos; de ellos, uno depende del peso del pelo; el otro, de la dirección de los bucles. Así también forma el agua sus torbellinos, de los cuales una parte atiende al ímpetu del curso principal; la otra, al movimiento incidente o reflejo.
(Arnheim) Un borde circular siempre está en tensión, como la piel de un globo, que soporta la presión centrífuga del interior y genera una contrapresión centrípeta por su resistencia a la expansión
(Paz) El cuerpo de la realidad, su apariencia, es el resultado de dos fuerzas: atracción en el espacio y distracción en la extensión. La apariencia se extiende y se aleja de su punto de atracción: nosotros, espejos que la reflejamos. El mismo movimiento se despliega en el tiempo: su cuerpo goza de una libertad alternativa con respecto al centro de gravedad. Durante ciertos intervalos, el cuerpo es libre y no obedece a la atracción; durante otros está determinado por ésta. Mientras duran eso intervalos, el cuerpo está fuera del tiempo. Al menos fuera del tiempo lineal. La apariencia se fuga entre las manecillas del reloj: es un péndulo visto de perfil.
(Arnheim) Los dos elementos se complementan mutuamente a todos los niveles del circulo. Allí donde uno es estrecho el otro es ancho, y así a lo largo de toda la gama de proporciones.
(Da Vinci) Así como la piedra que al agua fue arrojada se hace centro y motivo de numerosos círculos y así como el sonido se difunde en círculos a través del aire, así también un cuerpo dispuesto en el aire luminosos se expande circularmente y colma a las partes circundantes de sus infinitas imágenes, pareciendo completo en el todo y completo en la menor de sus partes.
(Arnheim) El todo no es una entidad que exista separadamente de las partes y sea anterior ellas, ni tampoco las partes existen separadamente del todo ni son anteriores a él. Las dos familias de vectores, la que desciende desde el todo y la que asciende desde las partes, se constituyen en relaciones lineales artificialmente aisladas entre entidades separadas, estáticas.
(Da Vinci) Si un solo punto situado en un círculo puede ser origen de infinitas líneas, y el límite de las infinitas línea que divergen de tal punto lo constituyen infinitos puntos que, sumados, vuelven a ser uno, concluiremos que la parte es igual al todo.
(Paz) la persecución de un objeto que se aleja infinitamente implica un movimiento igualmente sin fin. Este movimiento metafísico, a diferencia del material, no puede ser sino perpetuo y, por tanto, circular. Una carrera en la que el sujeto alcanza a su objeto sólo para desprenderse de él y correr de nuevo en su busca.
(Da Vinci) 1. La superficie es el límite del cuerpo. 2. El límite del cuerpo no es parte de ese mismo cuerpo.4.el límite de un cuerpo es principio de otro cuerpo. 3. Lo que no es parte de cosa alguna nada es. Nada es lo que nada ocupa.
(Paz) la condenación de ver se convierte en la libertad de la contemplación.
—————————————————————————————————————————————————-
(Eco) ECO,Umberto. La estructura Ausente. Introducción a la semiótica. Pág 36. Arranque del primer capitulo El universo de señales de la sección A La señal y el sentido.
(Arnheim) ARNHEIM, Rudolf. Hacia una psicología del Arte., Capítulo Un análisis perceptual de un símbolo de la interacción. Pág. 208-226. 1996.
(Derrida) DERRIDA, Jaques. la Estructura, el signo y el juego en el discurso de las ciencias humanas. 1966. Pag. 2, 3.
(Paz) PAZ, Octavio. La apariencia desnuda. La obra de Marcel Duchamp. 1973. Comentarios sobre el gran Vidrio.
(Da Vinci) Leonardo Da Vinci. Tratado de Pintura.
Publicado este 26 enero 2012. Archivado en Actividades de los socios | 0 comentario
Nekane Aramburu. Talleres de Formación en Nueva Curadoría
Siguiendo con los talleres de Formación en Nueva Curadoría que está dando lugar a una red de nuevos curadores en America Latina, Nekane Aramburu impartirá entre el 6 y 10 de febrero un taller en La Habana (Cuba).
El taller está dirigido a curadores, gestores culturales, arquitectos, creadores diversos así como a los profesionales de la Consejería de Cooperación Cultural de la Embajada de España en La Habana (AECID)
Durante las jornadas se otorgarán diversas herramientas de trabajo específico en el campo de la curadoría teniendo por objetivo profesionalizar las funciones del curador y analizar cómo estas evolucionan en consonancia según el devenir de la creación contemporánea., la sociedad y los contextos locales específico para ponerlos en relación con los circuitos internacionales y la evolución de la creación contemporánea. Se debatirán diversos conceptos teóricos sobre curadoría y desarrollaran prácticas de coaching específicas.
Organizado por: Proyecto Circo con el auspicio de la Consejería de Cooperación Cultural de la Embajada de España en La Habana (AECID)
Duración: 6 al 10 de febrero 2012
Lugar: Casa Victor Hugo ( La Habana)
Fecha límite de inscripciones: 25 de enero
Cupo limitado & Gratuito
Publicado este 25 enero 2012. Archivado en Jornadas comisariado | 0 comentario
Ibermuseos lanza la convocatoria: 2ª edición de Conversaciones, convocatoria de ayuda a proyectos curatoriales
Con Conversaciones, Ibermuseos apoya y estimula la producción de proyectos de comisariado entre museos iberoamericanos. El lanzamiento y apertura del plazo de inscripción tendrán lugar el 20 de diciembre de 2011 en el Museo Histórico Nacional del Instituto Brasileño de Museos (IBRAM), en Río de Janeiro, como parte de las celebraciones del Día del Museólogo (18 de diciembre).
A partir de la Declaración de la Ciudad de Salvador de 2007 -documento fundacional del Programa Ibermuseos-, que recomienda el impulso de la cooperación internacional iberoamericana, Ibermuseos creó la convocatoria Conversaciones para fomentar el intercambio de acervos y exposiciones entre los países iberoamericanos y estimular la creación de proyectos multilaterales de curaduría.
El objetivo de la convocatoria es apoyar la conceptualización y la pre-producción de proyectos expositivos entre instituciones de dos o más países (carácter bilateral o multilateral), sobre temas de interés para Iberoamérica que atiendan a la identidad y la diversidad cultural y natural que le son propias.
La convocatoria estará abierta, del 20 de diciembre de 2011 al 20 de abril de 2012, a museos de la Comunidad Iberoamericana, sin fines lucrativos y de cualquier temática, siendo posible concurrir en asociación con instituciones de países no iberoamericanos. El formulario de inscripción y la convocatoria oficial estarán disponibles próximamente en el Portal Ibermuseos.
Ibermuseos es un programa intergubernamental de cooperación cultural para el fomento de la creación y el fortalecimiento de políticas públicas en el área de la museología y el patrimonio en Iberoamérica.
Está vinculado a la Secretaría General Iberoamericana (SEGIB), cuenta con el apoyo técnico de la OEI y del IBRAM, y tiene el apoyo financiero de la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID).
Fecha límite de presentación de proyectos: 20 de abril de 2012.
Para más información: www.ibermuseus.org
Responsable de comunicación de la Unidad Técnica de Ibermuseos:
Eduardo Pinillos
Tlf +55 (61) 2024-4038 / 9619-6998
eduardo.pinillos@ibermuseus.org. Twitter: @ibermuseos
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Gema LLamazares. Gabriel Truan en la Galería Gema LLamazares: anomia
Gabriel Truan
Hasta el 16 de febrero de 2012.
He olvidado aquella palabra que significa las posibilidades de una figura geométrica inscrita en
el mundo. Un vistazo a mi alrededor me confirma la existencia de una extensa variedad de estilos; el
aislamiento es forma tan estática como estética; la pintura registra el instante por el que se filtran las
ideas, no siempre certeras, la mayoría de las veces con la única vocación de relacionarse entre sí.
Una nota de Scelsi, un cuervo, nubes, encuentros y desencuentros, un perro veneciano, la costa
bretona, montañas de Asturias, landas y tramas, un escudo, la llamada atenta del contrasentido, una silla
de ruedas, un dibujo de Holbein, polaroids, la pared, muerte y pesadillas, la vigilancia de aquello con lo
que hemos de vivir.
Esta serie comenzó tal vez en la plaza de San Giacomo dall’Orio, en Burdeos o en Basilea, se desarrolló
en capítulos, con la necesidad del homenaje que implica hoy toda pintura; luz y sombra de frágiles
límites, territorio acuciado por el error y la verdad, por el gesto que se acerca y se aleja de la superficie.
Valores conceptuales en el tiempo, ilusión cinematográfica, toxicidad, terreno de juego, carne,
peligro, ironía, dignidad, lo anhelado y lo imposible, ganancia de la naturaleza, humanismo, paisaje.
Ocupar un espacio. Desde la primera tela escrita a máquina hasta la saturación de la materia
negra y oleosa que sale del tubo, negro humo que se adhiere y se evade y se oculta ya sin la sucesión
arbitraria de las horas. Extraños elementos remiten a una ficción. Y el espejo se hace a veces necesario
para mostrar lo que dejamos atrás.
diciembre 2011
Gema Llamazares Galería de Arte
Instituto 23
Gijón
Asturias
Publicado este 23 enero 2012. Archivado en Actividades de los socios | 0 comentario
Vidéo art in Free’P'Star presenta cinco vídeos de Jaime Rguez de la serie HYPSIS: Aeshma, Entropies IV, III, II y Metamorphes
Del 1 al 28 de febrero de 2012
“HYPSIS”, es una obra compuesta por varias piezas de sound-videoArt que tienen una retorcida lectura en la que apariencia y realidad se confunden para presentarnos una nueva forma de ver y de sentir, una nueva dimensión que surge entre los paralelismos donde “la confluencia es el enfoque de la nada en la conciencia total” La serie que se presenta para esta ocasión consta de cinco audiovisuales creados y editados por el español Jaime Rodríguez en el 2011 a partir del ambiente sonoro compuesto por el grupo francés A.n.K.h. en el 2010, un trabajo que lleva como título Hypsis, el mismo nombre del artista plástico en cuya obra se inspiraron para crear el paisaje sonoro.
En cada pieza se muestra un posible contexto desafiante que se agita en las ilusiones del sentido común para transformarse en un aparente espacio de inquietantes imágenes que obliga a que la mirada oculte su necesidad de dominar los tópicos, y hacer pensar al espectador en otras formas de pensamiento que rompan la pasividad, consiguiendo deshacer los sentidos y desplazar las sensaciones desde la individualización hacia espacios más viscerales que cumplen la estética de formas y filtros en los que se combina lo intrincado del ser humano y el sustrato inorgánico de los estereotipos sociales.
Aeshma [03’21”] da comienzo a la serie y a la autorepresentación visual a modo de videoperformance a partir de los símbolos ingenuos que desatan la antropofagia de la imagen. Un autorretrato convulsivo en el que se desarrolla la fobia al alter ego. El resto de las piezas Entropies IV, III, II y Metamorphes II nos permiten ver otras realidades desde nuevos ángulos que se alejan de la imagen convencional. Cada obra, como elemento audiovisual del simulacro, se secciona en diferentes segmentos que buscan transmitir su existencia material sin necesidad de una interpretación. El concepto de Entropies IV [03’57”] se integra, implicándose en la presentación, actuando como catalizador para transmitir la crisis de la representación. En cada pieza se descubre la mediatización, que es sólo la sombra de este trabajo y no su causa final. Al igual que en Entropies III [03’42”], sería absurdo pensar que el trabajo se deriva de una realidad original, pues se limita simplemente a repetir o imitar realidades paralelas, dejándose llevar por el inconsciente racional.
La fuerza de la acción no radica en la capacidad de crear la ilusión de la realidad en el hecho de producir un referente; sino que el resultado difiere del caos que variablemente subyace en todo orden. En Metamorphes II [04’10”] se transfiere al referente de lo que se quiere reflejar, mostrándonos la sensación constante de un enigma que nos desborda. Al igual que ocurre en Entropies II [05’24”] que a modo de moraleja, pone el punto y final mediante la creación audiovisual, la alienación del ser humano como expresividad onírica del subconsciente.
El conjunto de la obra logra que estos elementos se desplieguen en un amplio contexto audiovisual, enfrentándose primero con el artista y posteriormente, con toda persona que esté dispuesta a observar detenidamente, dejándose llevar hacia un mundo donde la imaginación no está tan alejada de la realidad, sino más bien a un mundo en el que un “falso” silencio dejaría imponerse en los instantes vacíos.
Jaime Rodríguez: crear en la frontera
No resulta fácil crear en la frontera. El arte continúa siendo el lugar donde posibilitar la complejidad y manifestar la diferencia: el territorio donde todo puede ser repensado. Y, así, y no de otro modo, lo entiende Jaime Rodríguez (Oviedo, 1968). Transgresor, inconformista, infatigable, comprometido, experimental, sensible. Jaime Rodríguez, con una amplia formación universitaria y artística, así como una destacable labor docente a sus espaldas, ha impulsado un notable conjunto de proyectos expositivos que ha comisariado en los últimos años, consiguiendo reunir artistas, aunar esfuerzos y, por encima de todo, captar el interés del público, invitarle a pensar y, lo que es más importante, a interactuar con el arte.
Desde su primera individual en 1995, ha participado en numerosos encuentros artísticos, conferencias y exposiciones organizados dentro y fuera de Asturias. Podemos destacar, en este sentido, Estampa´99, Salón Internacional del Grabado de Madrid; Arte Santander (1999); la II Muestra Internacional de Arte Alternativo (2002), en el CCAI de Gijón; el Certamen Bianual de arte digital y nuevas tecnologías en el MUA (2004), OPTICA Internacional Video-Art (2006-10), en el CCAI de Gijón; Itinerarios de la Gráfica Contemporánea Asturiana (2006- 2007), en el Centro de Arte “Palacio de Revillagigedo” de Gijón, la Casa del Principado de Asturias en Madrid y el Centre de la Gravure et de L’Image Imprimée de la Comunauté Française de Belgique, en La Luviére ; sin olvidar su participación en diversas ediciones de la Muestra de Artes Plásticas del Principado de Asturias, así como en diversos certámenes y festivales de Arte organizados en diferentes espacios geográficos en los que ha sido premiado y seleccionado en múltiples ocasiones.
Perplejidades, paradojas, autorreferencias. Su discurrir, en una ya extensa y reconocida trayectoria, responde a parámetros tales como el mestizaje, la experimentalidad, la polisemia, la hibridación, la multiplicidad, propios, en su complejidad, del arte actual. Instalación, grabado, dibujo, performance, collage, pintura, recursos audiovisuales, arte público, comunicación…forman parte de los múltiples medios y campos en los que Jaime Rodríguez, libre y desinhibidamente, se ha movido para desarrollar sus trabajos.
La hibridación y el mestizaje técnico, cultural y creativo han llevado a Jaime Rodríguez a realizar un buen número de exposiciones híbridas junto a otros artistas plásticos, literatos y músicos. Se trata de propuestas desligadas de la tradicional delimitación de los géneros artísticos y que pretenden interrelacionar, enriqueciendo a partir de la colaboración, el trabajo de dos o más creadores. Este es el caso de muchas de sus incursiones en la creación de ambientes, la instalación y el videoarte.
Tratando de romper las barreras entre lo real y lo virtual, introduciendo una llamada a la interacción del público, un sector importante de los trabajos de Jaime Rodríguez persiguen la colaboración del espectador. Éste es invitado a dejar huella de su paso por la obra, entre otras propuestas, sus “derivas emocionales”, aún se mantienen en un proceso activo dentro de su sitio Web: www.kaosart.org
Dra. Natalia Tielve, 2010
Universidad de Oviedo
Vidéo art in Free’P'Star
8 rue Sainte-Croix de la Bretonnerie
75004 Paris
Publicado este 23 enero 2012. Archivado en Actividades de los socios | 0 comentario
Javier Duero.INTRANSIT. Presentación de la plataforma en las Universidades de Alicante y Zaragoza
INTRANSIT. Presentación de la plataforma en las Universidades de Alicante y Zaragoza
intransit es un proyecto iniciativa de la Universidad Complutense de Madrid, desarrollado como plataforma por Pensart, que tiene entre sus principales objetivos el establecer pautas profesionales de trabajo entre la comunidad artística universitaria y los agentes que operan el sector de la cultura. Por esa razón, La Universidad Complutense promueve intransit como un medio eficaz para realizar didáctica sobre la importancia del esfuerzo personal, el rigor en la práctica y la excelencia en el desarrollo de los procesos de investigación y creación.
Con el objetivo de dar continuidad al proceso de formación y permitir la inserción de los creadores en las redes nacionales e internacionales de producción cultural, la plataforma se presentará los días 19 y 25 de enero en las Universidades de Alicante y Zaragoza respectivamente, dentro de un programa de presentaciones a nivel nacional que se está llevando a cabo mediante la ayuda económica concedida por la Secretaría de Estado de Cultura y que tuvo su primera sesión en el Centro de arte Complutense el pasado mes de diciembre de 2011.
Con ello se quiere resaltar la importancia del esfuerzo de los centros universitarios en la búsqueda de la excelencia en el desarrollo de los procesos de creación, y la inserción de sus estudiantes en los circuitos institucionales y alternativos de la cultura y el arte, favoreciendo la difusión de las herramientas necesarias para comprender el contexto de su trabajo profesional y los mecanismos de intermediación.
En cada sesión se hará una presentación de la plataforma a la que asistirán los principales representantes de los Vicerrectorados de la Universidad Complutense de Madrid, de la Universidad de Alicante y de la Universidad de Zaragoza, y el equipo de profesionales implicadas en el desarrollo y coordinación de intransit. Tras la presentación, el artista Eugenio Ampudia impartirá el taller “Prácticas Artísticas”, dirigido a artistas, comisarios, críticos y gestores culturales. Ell artista tratará de situar al creador ante la realidad de su propio contexto productivo y definir un plan de acción haciendo un análisis de la realidad profesional que lo rodea.
Intransit en Alicante. Museo Universidad de Alicante (Salón de Actos). Jueves 19 de enero. De 17 a 19h.
intransit en Teruel. Vicerrectorado Campus (Salón de Actos). Miércoles 25 de enero. De 16 a 18h.
+ información en www.intransit.es
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Pilar Serra. Pablo Genovés en la Galería Pilar Serra: Cronología del ruido
Inauguración: 24 de enero de 2012
Hasta el 17 de marzo de 2012
Tras Prec ipitados, primera individual de Pablo Genovés en la galería Pilar Serra, se presenta ahora Cronología del ruido, exposición en la que retoma su particular proceso de resignif icación de espac ios simbólicos de la cul tura occidental desde la combinación de medios y signos, y del gusto por el contraste y lo inesperado.
“¿Es posible la renovación, cuando la catástrofe se erige ante nosotros como el estado
natural y eterno de las cosas? En las imágenes de Pablo Genovés, la destrucción
transgrede las leyes del tiempo y establece su propia cronología. Los símbolos y
ficciones de nuestra cultura sucumben aparentemente ante la irrupción de lo
indomable: naturalezas mecánicas, monumentales en su desmesura y ya fuera de
todo control. Pero tras esta agresión se esconde un pacto secreto de avenencia. Lo
preexistente y su final se ofrecen conscientes el uno al otro, al calor de una intimidad
histórica. En esta Cronología del ruido, los espacios de representación –museos,
teatros o iglesias– se revelan como enormes aparatos de ingeniería: maquinarias de
generación de mitos que al resquebrajarse muestran sus tripas de acero. En sus
imágenes, Genovés ubica nuestros mitos y valores en un arco de tiempo y los tensiona
hasta su límite, hasta el momento inmediatamente anterior al desgarro, necesario
para la percusión. Como el metal que, al ser golpeado, reproduce fielmente un ruido
de tormenta”.
Lucia Carballal
En este texto de la escritora Lucía Carballal se pone de manifiesto la fuerte complejidad de la obra de Pablo Genovés. Un trabajo lleno de cambios y de tiempos. Tiempos históricos, cronológicos y climáticos que se entremezclan y sobreponen de una forma alquímica para construir un significado “otro” de la realidad, más allá de la apariencia, que pretende desenmascarar la unívoca identidad de ciertos símbolos: pasados y presentes. Así, palacios, bibliotecas o catedrales, reflejos respectivamente del poder, el saber y la religión de una época, son invadidos violentamente por elementos ajenos, que los modifican y pervierten –no sabemos si de forma perpetua– en un momento suspendido –el que retrata Genovés–, fin e inicio de algo, que supura el silencio que precede y sigue a las grandes catástrofes. Y en todo ello juega un papel central el espectador, que presencia desde un lugar privilegiado estas sinergias de otros mundos; y que, situado en el medio de este “escenario”, se convierte en el protagonista e intérprete obligatorio de un nuevo saber en este comienzo de era.
Expuesta en toda España, la obra de Pablo Genovés ha sido además presentada (individual y colectivamente) en Francia, Alemania, Inglaterra, Argentina, Brasil y EEUU. Sus fotografías forman parte de colecciones nacionales e internacionales tan relevantes como la Fundación Coca- Cola, Circa XX, Banco Spirito Santo, Patio Herreriano, CAC Málaga, Museo de la solidaridad Santiago de Chile, etc.
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Marina Nuñez en el Espacio Marzana de Bilbao
Hasta el 9 de marzo de 2012.
Marina Nuñez presenta obras de reciente producción, infografías y dibujos, la mayoría realizadas específicamente para esta exposición, que exploran diversos tipos de metamorfosis que convierten cráneos humanos en mutantes humanoides.
Las cabezas deformadas, sometidas a fuerzas internas y ajenas que las transfiguran, pueden sugerir experimentos fallidos, malogradas tentativas frankensteinianas, aunque su inconsistencia, su fluidez, no tienen por qué entenderse como un proceso de declive, también pueden evocar cambio y regeneración.
Los rostros se tensan, se disgregan, se rompen, explotan, se derrumban y se yerguen reconvertidos sus rasgos en otros, monstruosos según el canon dominante, excitantes si se plantean como un territorio ignoto capaz de dejar atrás viejas servidumbres. Porque los límites de la piel simbolizan los límites de las personas, pueden verse como representaciones de firmeza y coherencia, pero también como armaduras o camisas de fuerza que nos inmovilizan y asfixian.
Marina Núñez ha expuesto individualmente en centros públicos como el Espacio Uno del Reina Sofía, la sala La Gallera de la Comunidad Valenciana, la Fundación Pilar y Joan Miró en Palma de Mallorca, la Iglesia de Verónicas en Murcia, el Centro de Arte de Salamanca, la Casa de América en Madrid, el Instituto Cervantes en París, La Panera en Lleida, el Musac en León, el Centre del Carme en Valencia o la Sala Rekalde en Bilbao.
Su obra figura en colecciones de varias instituciones, entre las que podemos nombrar el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el Artium de Vitoria, el MUSAC de León, el Patio Herreriano de Valladolid, el TEA de Tenerife, la Fundación “La Caixa”, o la Corcoran Gallery of Art de Washington DC.
ESPACIO MARZANA
Muelle Marzana 5.
48003 Bilbao
94 416 75 80 -
espaciomarzana@yahoo.es –
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Guillermina Caicoya. Illán Argüello en la Galería Guillermina Caicoya: Theredproject.
Hasta el 23 de febrero de 2012
Illán Argüello. Madrid, 1968
La obra de Illán Argüello se basa en la arquitectura como elemento cotidiano de nuestro entorno, en donde se desarrolla el ochenta por ciento de nuestra actividad diaria. Su obra se caracteriza por una iconografía austera en la que destacan los elementos geométricos y los artefactos inverosímiles. A través de dichos iconos invita a reflexionar sobre cómo es posible conciliar el contexto arquitectónico, llevándonos a observar y a reelaborar nuestro entorno habitual, desnaturalizado y aséptico. Sus edificios y paisajes se convierten en referentes de limpieza cristalina, casi transparentes, en espacios que se configuran como una estepa de fondo infinitesimal. El artista lo concibe como una simultaneidad de estados de ánimo. En el proceso de la creación de una imagen, lo primero que pasa por la mente del pintor es fabricar una sensación que determine una totalidad atmosférica donde conecten varios planos, como se da en la métrica de un poema.
Posee obra, entre otras colecciones, en el Museo Municipal de Arte Contemporáneo de Madrid, la Fundación Wellington, la Fundación Alberto Jiménez-Arellano Alonso, Valladolid, y en la Colección Unión Fenosa.
La exposición está compuesta por un total de 25 obras de formatos regulares 81x100cm. y 65x81cm. y una serie de pequeño formato.
GUILLERMINA CAICOYA GALERIA
Asturias, 12.
Oviedo
T +34 985 242 503
info@galeriacaicoya.com
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La Fundacion Maria Jose Jove convoca el V Premio Internacional de Artes Plasticas 2012
De carácter bienal, tiene como objetivo favorecer la difusión del arte y promocionar a los jóvenes valores.
La Fundación María José Jove convoca el V Premio Internacional de Artes Plásticas 2012, que tiene como objetivo favorecer la difusión del arte y promocionar a los jóvenes artistas. Se trata de un certamen bienal de ámbito nacional, dotado con 27.000 euros, que en sus anteriores ediciones destacó por la calidad de las obras presentadas. Además del premio en metálico, la obra ganadora pasará a formar parte de la Colección de Arte Manuel Jove y su autor será invitado a formar parte del jurado de la próxima edición.
El V Premio Internacional de Artes Plásticas está dirigido a artistas menores de 35 años. Como en la anterior edición, la Fundación María José Jove sigue apostando por extender el galardón al ámbito internacional con la intención de reconocer a jóvenes talentos de todo el mundo y se mantiene la dotación económica del premio en 27.000 euros, en el que se incluye un fondo adicional para la adquisición de otras obras.
Cada artista puede presentar un máximo de dos obras originales en las siguientes disciplinas: pintura, escultura, fotografía, grabado y nuevas disciplinas, y de temática libre. En esta edición el envío del material será primero vía mail y de entre estas obras se hará una preselección de las que ya se solicitará la recepción de los originales en la sede de la Fundación para escoger a la ganadora. El jurado realizará también una selección de quince obras que serán objeto de un catálogo y de una muestra en la Fundación María José Jove, cuya inauguración coincidirá con la fecha en la que se haga público el fallo del jurado: el 31 de mayo.
El jurado del V Premio Internacional de Artes Plásticas, presidido por Felipa Jove Santos, estará integrado por reconocidas personalidades del mundo de las artes, como Vicente Blanco, ganador de la edición anterior; Rafael Doctor Roncero, historiador y crítico de arte; Antón Lamazares, artista, e Iñaki Martínez Antelo, director del Museo de Arte Contemporáneo de Vigo (MARCO). Se completará con Marta García-Fajardo, directora de la Colección de Arte Fundación María José Jove.
En las cuatro ediciones anteriores el premio recayó en el artista madrileño José María de la Rubia Tejeda, que presentó “Pili, Mili, memorias del siglo XX” (2006); el asturiano Fruela Alonso Blanco con la obra “Ciudad III. Pripiat” (2007); la colombiana Gloria Herazo, galardonada en la edición de 2008 con “De porcelana”, una técnica de acrílico sobre lienzo, y el gallego Vicente Blanco, en 2010, con su obra collage titulada “Contrato para paisaje”, hecha con tinta y papel recortado sobre cartón.
Los interesados pueden consultar las bases del premio en la página web www.fundacionmariajosejove.org
Publicado este 17 enero 2012. Archivado en Contexto | 0 comentario
Soledad Lorenzo: Philipp Fröhlich en la Galería Soledad Lorenzo: Remote Viewing
Inauguración: 19 de enero de 2012
Hasta el 25 de febrero de 2012
Philipp Fröhlich presenta la tercera exposición individual en la galería Soledad Lorenzo titulada Remote Viewing, una selección de pinturas realizadas en los dos últimos años, en las que vuelve a mostrar paisajes fragmentados, historias inacabadas donde parece que algo ha sucedido o está a punto de ocurrir. Una vez más, y continuando con su sistema de trabajo consistente en imaginar el escenario de un suceso, construir una maqueta y el resultado trasladarlo al lienzo, nos vuelve a ofrecer escenas cargadas de misterio. De hecho, en el conjunto de las dieciocho témperas sobre papel, Fröhlich utiliza el mismo procedimiento: de la imaginación a la maqueta y de la maqueta al papel. Pero esta vez, estos escenarios tanto de interior – un cuarto de baño, unas escaleras mecánicas, etc.-, como de exterior -la entrada a un subterráneo, una calle, dos casas- son estudiados desde distintos puntos de vista, evidenciando un pausado y reflexivo proceso en la forma de abordarlos.
De hecho el propio título de la muestra, Remote Viewing, es en sí mismo una invitación a la clarividencia como el poder de percepción que permite captar información extrasensorial, en este caso, a través de estas escenas entrecortadas, donde la completa ausencia humana evidencian el suspense y el misterio que desprende cada una de sus obras. Historias inacabadas, a medio desvelar que se sustentan sobre la conmovedora representación de la intriga.
En algunas de estas obras, incluso, algunos elementos impiden observar la escena completamente otorgando al espectador la responsabilidad de ser un testigo presencial. La complejidad de esta pintura reside en la técnica utilizada por este artista, en un lento proceso de témpera sobre lienzo y papel. En cualquier caso, la obra de Philipp Fröhlich se caracteriza por la representación de paisajes vacíos, misteriosas escenas que recrean la artificiosidad a través de la escenografía y el increíble manejo de la luz, dando como resultado conmovedoras atmósferas cargadas de suspense.
Y es que Remote Viewing es, en definitiva, una reflexión sobre el poder de la imaginación al servicio de la pintura.
Tania Pardo.
Philipp Fröhlich, (Schweinfurt 1975, vive en Madrid)
Entre sus exposiciones individuales, a parte de las dos anteriores en Soledad Lorenzo, figuran otras instituciones tales como: Laboratorio987, MUSAC; El Centro de Arte Joven, Comunidad de Madrid. Y exposiciones colectivas en: el MMOMA, Moscú, el MUSAC, Leon; El Museo Patio Herreriano, Valladolid; Fundación Coca- Cola, DA2, Salamanca; El Museo de Arte Moderno y Contemporaneo, Santander; La Colección Antonio Fernández Villalba; El Centro de Arte Dos de Mayo, Madrid; Baluarte, Pamplona.
Galería Soledad Lorenzo
Orfila 5. 28010 Madrid
Tels: +34 913 082 887 / 8
Publicado este 17 enero 2012. Archivado en Actividades de los socios | 0 comentario
Sema D’Acosta comisaría: Mundos propios Perspectivas y Variaciones en la Fotografía Andaluza de Hoy
Del 19 de enero al 20 de marzo de 2012.
Lugar:
Fundación Valentín de Madariaga
Avenida María Luisa, s/n
Sevilla
Selección de autores:
Karmelo Bermejo – Dionisio González – David Jiménez – Juan del Junco – Carlos Aires – José Guerrero – Manolo Bautista – Jesús Micó – Tete Álvarez – José María Mellado – Paco Mesa & Lola Marazuela – Jorge Yeregui – Aaron Lloyd – Camino Laguillo – Carlos Miranda – Miguel A. Tornero – Lucas Gómez – Noelia G. Bandera – Celia Macías – Asunción Lozano – M. A. Moreno Carretero – Paco Peregrín – Fernando Bayona – Clara González Ortega
Una visión panorámica de los distintos caminos que transita la fotografía hoy en Andalucía
> Por primera vez desde que se consolidara la imagen digital, una muestra pretende poner en valor la fotografía actual que se hace en Andalucía. El objetivo no es plantear una lista cerrada de autores, sino reflexionar sobre los itinerarios y posibilidades de esta manifestación expresiva más allá de los simples objetos artísticos o las prácticas museográficas habituales.
> Además de esta colectiva, el proyecto se completará en los próximos meses con la publicación de una guía de la fotografía andaluza contemporánea, editada por la Fundación Valentín de Madariaga y dirigida por Sema D’Acosta, en la que se incluyen 70 autores.
Rueda de prensa: 13:00 h. del día 19 de Enero de 2012
Inauguración: 20:30 h. del día 19 de Enero de 2012
Ambos actos se celebrarán en la Fundación Valentín de Madariaga.
La exposición colectiva Mundos Propios comisariada por Sema D’Acosta en la Fundación Valentín de Madariaga, pretende reflejar el momento que vive la fotografía hoy en Andalucía. Su variedad, profusión y viveza es tal, que sería imposible acotar un único territorio para referirnos a todos sus itinerarios. Cualquier tentativa de coligar en un mismo grupo esas estribaciones no puede tener un empeño totalizador, esa rigidez es una incongruencia que atenta contra la propia esencia del medio, cuya capacidad de expansión es ilimitada debido a las posibilidades infinitas que permite actualmente la imagen digital. Quizás por eso el objetivo de esta muestra periscópica no es realizar una selección excluyente de autores, sino plantear a través de ocho capítulos característicos (Paisaje, La vida alrededor, Paradojas e ironías, Variaciones, El Cuerpo, Imagen y Concepto, Lugar y Foto-instalación) un horizonte abierto que pueda ser representativo de una globalidad dinámica y en extremo permeable, determinada por continuos procesos de cambio.
Además de procurar tomar el pulso a esta disciplina en nuestra comunidad autonómica, el planteamiento expositivo de Mundos Propios pretende cuestionar algunos propuestas museísticas convencionales, asumiendo que el significado de la fotografía en nuestros días no encaja con ciertos parámetros comúnmente establecidos. No tanto en el modo de plantear las piezas en el espacio, sino en el de comprender las obras como trabajos conceptuales implicados en un proceso creativo-expresivo que supera la simple lógica de los objetos museables. La fotografía puede ser (o no) una pieza acabada, pero su variabilidad incumple cualquier trayectoria previsible, entre otros motivos porque consigue presentarse de mil maneras y todas son válidas. Debido además a esta naturaleza mudable, el proceso es casi siempre más interesante que el resultado; ayuda a conocer desde dentro los virajes y dudas del artista. De imprevisto, nos mete de lleno en su intimidad acercándonos de forma espontánea a sus modos de pensar. Y es ahí, en ese lugar personal e inaccesible, donde podemos conocer su universo interior, un mundo propio -tal como reza el título-, que nos revela su verdadero talante sin posados, artificios ni dobleces.
Una imagen puede tener infinitos usos y se puede recurrir a ella optando por incontables procedimientos. Puede ser algo definitivo o un eslabón de un largo recorrido. Puede ser memoria de un instante o un boceto para construir un dibujo, puede servir para ilustrar una noticia o para guardarse en facebook. Puede aprovecharse o desecharse, ser un documento fehaciente de un acontecimiento pasado o la prueba notarial de un acto realizado. La pureza de la fotografía como medio está en entredicho, lo que prevalece es un sinfín de disparidades que convierten este lenguaje-género en algo esponjoso que va superponiendo niveles icónicos y conceptuales. Quizás por eso, es importante entender que para este proyecto colectivo son igual de importantes las obras como su proceso de formación. En algunos casos se exhiben piezas acabadas y cerradas; en otros trabajos todavía sin finalizar, ensayos que nos descubren la trascendencia de un recorrido que permite modificaciones de manera orgánica. Pretendemos mostrar el haz y el envés de la fotografía, tanto el escenario como el backstage, dando igual protagonismo -o más- a las etapas previas que a su estado final.
No debemos confundir la etiqueta territorial con una denominación de origen al uso. En el mundo global y ubicuo que compartimos, donde la internacionalización es una máxima consumada y las distancias no se miden en kilómetros sino en clics de ordenador, es raro que existan características similares en función de los territorios. Con todo, nuestra comunidad no tiene que nada envidiar a ningún sitio y demuestra un nivel tan alto como cualquier otro lugar de España o Europa. La circunscripción geográfica no es más que un punto de partida que ayuda a entender lo general a partir de lo particular. Es decir, optamos por la fotografía andaluza -la más cercana, la que nos rodea, la que vivimos- como paradigma de los significados que toma la imagen en nuestro tiempo. Sencillamente, un modo de conocer lo que somos adentrándonos en nuestra realidad inmediata a través de una de las manifestaciones artísticas más incipientes de hoy.
Continuando su apuesta por las tendencias de vanguardia y demostrando una vez más su compromiso con la realidad artística de su entorno, la Fundación Valentín de Madariaga ha producido esta exposición, una muestra que se completa con la edición de una guía de la fotografía andaluza actual que verá la luz en los próximos meses. Ambos proyectos, paralelos y complementarios, ayudarán a conocer los distintos caminos que transita esta disciplina en nuestro territorio a principios del siglo XXI.
Finalmente, reseñar que Mundos Propios se imbrica con el curso de Comisariado y Desarrollo de Proyectos Expositivos en Arte Contemporáneo impartido por el propio Sema D’Acosta en la Fundación Valentín de Madariaga durante los últimos tres meses (noviembre 2011-enero 2012), un planteamiento didáctico que ha conseguido involucrar a 30 alumnos en la preparación real de una exposición de arte contemporáneo. La novedad no sólo reside aquí en el discurso conceptual que se plantea, sino también en la integración y coordinación de los participantes en las tareas habituales de un proyecto de estas características.
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Mundos Propios se organiza en ocho capítulos o secciones que marcan un recorrido y se distribuyen, por este orden, a través de las distintas salas del espacio de la fundación:
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1. Paisaje (sala I)
José Guerrero (Granada, 1979)
José María Mellado (Almería, 1966)
Dionisio González (Gijón, 1968)
2. La vida alrededor (sala II)
Jesús Micó (Cádiz, 1962)
Celia Macías (Sevilla, 1977)
Lucas Gómez (San Sebastián, 1972)
Camino Laguillo (León, 1971) (sala IV, proyección)
3. Paradojas e ironías (sala III)
Manolo Bautista (Lucena –Córdoba-, 1974)
Aaron Lloyd (San Fernando, Cádiz, 1970)
4. Variaciones (Sala III)
M. A. Moreno Carretero (El Carpio, Córdoba, 1978)
Jorge Yeregui (Santander, 1975)
Asunción Lozano (Granada, 1967)
Clara González Ortega (Málaga, 1985)
Juan del Junco (Jerez de la Frontera –Cádiz-, 1972)
5. El Cuerpo (Sala V)
Noelia García Bandera (Málaga, 1974)
Paco Peregrín (Almería, 1976)
Fernando Bayona (Linares –Jaén-, 1980)
6. Imagen y concepto ((Sala VI)
Karmelo Bermejo (Málaga, 1979)
Miguel A. Tornero (Baeza –Jaén-, 1978)
David Jiménez (Alcalá de Guadaíra –Sevilla-, 1970)
Carlos Miranda (Málaga, 1972)
7. Lugar (Sala VII)
Tete Álvarez (Cádiz, 1964)
Paco Mesa (Granada, 1967) – Lola Marazuela (Segovia, 1970)
8. Foto-instalación (Sala VIII)
Carlos Aires (Ronda –Málaga-, 1974)
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VII Premio ARCOmadrid/BEEP de arte electrónico
BEEP en su afán de difusión y desarrollo del arte electrónico, convoca junto a la Feria Internacional de Arte ARCOmadrid el premio.Premio ARCOmadrid/BEEP de Arte Electrónico.
El objetivo del Premio es promover la investigación, producción y exhibición del arte vinculado a las nuevas tecnologías o arte electrónico. Su finalidad es potenciar la creación artística vinculada a la tecnología, favorecer la comunicación entre los fabricantes / creadores de tecnología y los artistas creadores. Una colaboración natural que beneficiará y enriquecerá a ambos. Este premio está dotado con una cantidad máxima de 15.000 euros (impuestos incluidos). El Premio será fallado por Jurados internacionales de especialistas de reconocido prestigio.
Bases en internet
Las bases del concurso así como las inscripciones pueden realizarse a través de internet. El primer día de la feria, 15 de febrero, concluye el período de inscripción, pudiéndose formalizar en la propia feria. Este VII Premio se fallará el 17 de febrero en el mismo certamen, y la obra ganadora pasará a formar parte de la colección BEEP.
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Seminario: Arte y Políticas Públicas
Viernes 20 y sábado 21 de enero
Museo ARTIUM / sala plaza + auditorio / vitoria-gasteiz /
Desde las 10:00 h a las 18:30 h (horario de la última mesa)
Matrícula gratuita. Inscripción y + info: www.eremuak.net
Arte y Políticas Públicas, es una acción de Eremuak que, bajo el formato de seminario aborda las diversas relaciones entre las prácticas de arte contemporáneo y aquello que llamamos Políticas Públicas. Aspira a configurar un tejido de discusión sobre los procesos de institucionalización y sobre los principios de legitimidad subyacentes, en los que de forma recíproca está involucrado el arte como factor instituyente a la vez que como campo instituido.
¿En qué términos se establece la reciprocidad institucional arte/políticas públicas?
¿Qué lugar ocupan y qué lugar podrían ocupar las políticas públicas en las prácticas de arte?
Programa
Viernes 20 enero 2012
10-11.30 // Conferencia (abstract)
Juan Luis Moraza / Artista y miembro de la Comisión Técnica Eremuak 2010-11 /
11.30-12.00 // Pausa
12.00-14.00 // Mesas de trabajo: Intervenciones de 15 minutos / Debate
Guadalupe Echevarria / Directora de la Escuela de Bellas Artes de Burdeos /
Carles Guerra / Conservador-jefe del MACBA, Barcelona /
Oier Etxeberria / Artista, seleccionado en la convocatoria de Eremuak 2010 /
16.30-20.00 // Mesas de trabajo: Intervenciones de 15 minutos/Debate
Bulegoa / seleccionado en la convocatoria de Eremuak 2010 /
Julián Rodríguez / escritor, editor de Periférica y Director de Casa sin fin /
Aimar Arriola / comisario e investigador. Seleccionado en la convocatoria de Eremuak 2011 /
Joaquín Vázquez Ruiz de Castroviejo / BNV Producciones, Sevilla /
Sábado 21 de enero 2012
10-11.30 // Conferencia
Catherine David / comisaria /
11.30-12.00 //Pausa
12.00-14.00 // Mesas de trabajo: Intervenciones de 15 minutos / Debate.
Yaiza Hernández / Jefa de programas públicos, MACBA /
Víctor del Río / Profesor Universidad Salamanca /
Consonni / seleccionado en la convocatoria de Eremuak 2011 /
16.30-20.00 // Mesas de trabajo: Intervenciones de 15 minutos / Debate.
Asier Mendizabal / artista /
Xabier Arakistain / comisario y director del Centro Cultural Montehermoso entre 2006 y 2011 /
Mugatxoan / seleccionado en la convocatoria de Eremuak 2011 /
Belleza Infinita / seleccionado en la convocatoria de Eremuak 2010 /
Esteban Pujals / profesor titular de Literatura Inglesa en Universidad de Malaga y universidad Autonoma de Madrid /
Las mesas estarán moderadas por los miembros de la Comisión Técnica de Eremuak 2010-2011
Nuria Enguita Mayo / comisaria /
Pedro G. Romero / artista /
Beatriz Herráez / comisaria /
Fernando Illana / artista y responsable del programa de Trayecto Galería /
Juan Luis Moraza /artista y profesor de la facultad de bellas artes de Pontevedra /
Daniel Castillejo / director del Centro-Museo Artium de Álava /
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Jornadas: La Literatura como laboratorio: escribir desde las nuevas tecnologías
Durante los próximos días 19 y 20 de enero se celebrarán en MEDIALAB USAL estas jornadas sobre La Literatura como laboratorio: escribir desde las nuevas tecnologías, dedicadas a reflexionar las transformaciones que Internet y las nuevas herramientas digitales han supuesto para el entorno literario.
MESA REDONDA: La Literatura como Laboratorio. Escribir desde las Nuevas Tecnologías.
Las jornadas comenzarán el 19 de enero con una mesa redonda (gratuita y de libre participación), moderada por Álberto Santamaría (escritor y profesor de Análisis del discurso artístico y Arte contemporáneo en la USAL) en la que se abordarán los nuevos retos la los que se enfrenta la Literatura en la actualidad.
La mesa redonda contará con la participación de Víctor del Río (profesor de Teoría del Arte en la USAL), Francisca Noguerol (profesora titular de Literatura Hispanoamericana en la Facultad de Filología de la USAL) y M. Ángeles Pérez (profesora titular de Literatura Española e Hispanoamericana de la USAL).
SEMINARIO Y TALLER. Mediaciones Digitales y Entornos Digitales
El 20 de enero se celebrará un seminario y un taller sobre Mediaciones digitales y entornos literarios, impartido por Vicente Luis Mora (director del Instituto Cervantes de Marrakech, escritor, gestor cultural e investigador de temas literarios. ).
El seminario se divide en dos partes: una teórica, centrada en la comparación de las formas moderna, posmoderna y pangeica de actuar en el campo literario y otra más práctica, un taller que incluiría la exploración y creación de las herramientas de mediación digital en los entornos literarios, tanto críticos como creativos.
En la parte práctica se realizarán ejercicios como el diseño de un blog de crítica estética/literaria, utilizando todos los protocolos de nueva retórica que los medios permiten: imágenes fijas y dinámicas, etiquetado, hipervinculación, posicionamiento en buscadores, etc.
El seminario es de acceso público y gratuito hasta completar aforo (máximo 50 personas).
El taller tiene un límite de plazas de 23 personas por lo que es necesario hacer incripción previa.
Horarios y fechas asociados a las jornadas
19 de enero:
19.00:
Mesa redonda en USAL TV
20 de enero:
10.00-11.30h:
Conferencia pública de carácter teórico (Aula 21 de Facultad de Filología).
12.00-13.00h:
Preparación para el desarrollo de la parte práctica-taller (Aula 21 de Facultad de Filología).
16.00-20.00:
Desarrollo de las prácticas-taller (Aula multimedia II de Facultad de Filología).
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El IAC felicita la iniciativa de la Constitución de la Red Ibérica de Espacios Culturales Independientes
ACTA FUNDACIONAL RED con espacios anexo
A lo largo del 2011 se han desarrollado diversas acciones que han dado consistencia y materializado la Red Ibérica de Espacios Culturales Independientes, aglutinando a espacios del Estado español y Portugal. Integrada en sus inicios por ANTIC TEATRE (BARCELONA), ATENEU SANTBOIÁ (SANT BOI DE LLOBREGAT, BARCELONA), EL HACEDOR- IMÁGENES Y PALABRAS (LA ALDEA DEL PORTILLO DEL BUSTO, BURGOS), EL HERVIDERO (GIJÓN), ESPACIO GUÍA (LAS PALMAS DE GRAN CANARIA), ESPACIO TANGENTE (BURGOS), OFF LIMITS (MADRID), SALA DE CURA (ZAMORA), K-MALEÓN (LEÓN) y KUNTERBUNT- CULTURA INDEPENDIENTE, en su acta fundacional se desgranan algunas cuestiones que quedan como un manifiesto actual de estos modelos de gestión. Así, se identifican como lugares de encuentro que estimulan la generación de ideas e iniciativas y laboratorios de investigación, creación y producción artística. En definitiva, plataformas de aprendizaje colectivo e innovación social cuyo fin último es el fomento y desarrollo de una ciudadanía activa y crítica.
Entre los objetivos de esta nueva red se encuentran:
- Incidir en las políticas culturales.
- Instituirse como instrumento de representación colectiva ante la administración pública.
- Conseguir el reconocimiento del sector cultural independiente ante la sociedad y la administración pública.
- Promover un marco legal que reconozca y ampare la existencia de los agentes culturales independientes.
- Promocionar modelos de producción y gestión cultural de carácter transparentes, horizontales, participativos y sostenibles que se conviertan en prácticas habituales en el sector cultural.
- Reivindicar el valor de la cultura como mecanismo de transformación social y recuperación del espacio público.
- Generar dinámicas de renovación de los sistemas culturales, educativos, políticos y económicos.
- Visibilizar el sector cultural independiente, generar una plataforma de investigación, reflexión e intercambio de conocimientos.
- Implementar estrategias de colaboración entre los miembros y apoyo mutuo en los ámbitos de producción, distribución, movilidad, formación, intercambios, etc.
- Fomentar y fortalecer los espacios culturales independientes, sus valores y modelos.
- Establecer mecanismos de comunicación con otras plataformas, organizaciones y redes de ámbito nacional e internacional.
De momento Off Limits, Espacio Tangente, La Hacería, La Nau Ivanow, Antic Teatre y Ateneu Santboià participaron en el encuentro de la Red Trans Europe Halles en Burdeos, adhiriéndose en firmes colaboraciones que veremos desarrollarse el próximo año.
Más información y contacto: espaciotangente@mac.com / redeci@googlegroups.com
http://www.anp.se/newsletter.asp?sqid=1401359&sid=494B514676434B594471494B5843
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Definición y funciones del comisariado independiente en España y recomendaciones para su práctica
Documento elaborado por el grupo de trabajo sobre comisariado independiente del IAC, formado por: Margarita Aizpuru, María Antonia de Castro, María de Corral, Eva Moraga, Karin Ohlenschläger, Glòria Picazo, Ana Rico Bornay, David G.Torres.
Como conclusión de los trabajos de la mesa sobre el comisariado independiente y de las jornadas sobre “El comisariado independiente a debate” se ha elaborado un documento de recomendaciones orientativas para el sector que se resumen en lo siguiente:
Definición de la práctica curatorial:
La práctica curatorial independiente se inscribe en una compleja red de relaciones multilaterales y multifuncionales. El comisario media entre las instituciones públicas y privadas, los conservadores de museos, los artistas, la crítica, los periodistas, los coleccionistas, los galeristas y el ciudadano. Sus funciones abarcan desde la investigación y concepción hasta la documentación y materialización del proyecto expositivo. Su trabajo es fundamental para la interpretación, contextualización y la difusión de las obras de arte. Con los conocimientos necesarios e imbuidos de responsabilidad social y cultural, comunica al ciudadano conceptos y discursos sobre el arte que elabora sin coacciones de ningún tipo y que enriquecen nuestra comprensión de las obras artísticas y el pensamiento estético contemporáneo.
En líneas generales, la práctica curatorial incluye distintas actividades específicas y opcionales que se ponen a debate en las presentes jornadas y que son relativas a la concepción, dirección, supervisión y/o gestión, mediación y divulgación de un proyecto artístico u otros eventos relacionados con el arte y la cultura contemporánea.
1. Sugerencias relativas a las funciones específicas y opcionales de la práctica curatorial.
Por funciones específicas nos referimos a todas aquéllas que son propias de la práctica del comisariado independiente. En cambio, por funciones opcionales entendemos aquéllas que aun no siendo propias pueden ser también realizadas por el comisario, debiéndose tener en cuenta que su realización deberá valorarse al margen de la partida presupuestaria destinada al comisariado del proyecto expositivo.
A. Funciones relacionadas con la concepción del proyecto expositivo:
Específicas:
Investigación y desarrollo de un concepto
Redacción del proyecto
Propuestas de obras y artistas.( imágenes, listado de obras….)
Propuesta inicial para el diseño del proyecto adaptado al espacio físico o virtual donde tendrá lugar.
Opcionales:
Presupuesto estimativo.
B. Funciones relacionadas con el proyecto editorial :
Específicas:
Concepción del contenido de la publicación.
Redacción del texto curatorial.
Selección de imágenes de las obras.
Diálogo directo con el diseñador para que responda al concepto de la publicación.
El comisario comprobará con el artista la correcta catalogación y reproducción de sus obras.
Opcionales:
Selección de otros textos teóricos relacionados con el proyecto.
Supervisión de la producción de la publicación.
Elección del diseñador/a de la publicación.
C. Funciones relacionadas con la gestión del proyecto expositivo:
La gestión del proyecto es una función opcional del comisariado independiente en su conjunto.
Negociaciones con los artistas y/o prestadores.
Supervisión de los contratos o documentación firmada con los artistas y/o prestadores, que habrá sido gestionada por la administración pública.
Preparación de la documentación necesaria para el seguro y transporte.
Presupuesto definitivo.
D. Funciones relacionadas con la coordinación y producción del proyecto expositivo:
Específicas:
Supervisión de la producción de obra de los artistas en el caso de que lo hubiera.
Comprobación con los artistas de la forma de montaje de las piezas.
Supervisión del diseño del espacio físico o virtual donde tendrá lugar el proyecto realizado según las indicaciones del comisario.
Coordinación y/o supervisión de los textos relativos al proyecto que formarán parte del montaje de la exposición: sinopsis, biografías, cartelas, etc.
Supervisión de materiales para los medios de comunicación y redes sociales: dossieres de prensa, recopilación audiovisual para televisión, material que se difunde a través de redes sociales, etc.
Supervisión del montaje.
Opcionales:
Aunque en líneas generales la coordinación y producción corresponde a la institución que acoge el proyecto expositivo, en algunas ocasiones estas funciones se realizan por el comisario. Sin embargo, no son específicas de su actividad y son, al igual que las recogidas en el apartado anterior, opcionales.
Elección del diseñador del montaje.
Supervisión del diseño gráfico: cartelas, folletos, banderolas, etc.
Supervisión de invitaciones.
Supervisión de los informes de recepción y devolución de obra y de su estado de conservación en ambos casos.
Supervisión de la producción del montaje que se realizará según las indicaciones de comisarios y artistas.
E. Funciones relacionadas con la atención al público y medios de comunicación.
Específicas:
Presentación del proyecto en rueda de prensa.
Atención a los medios de comunicación.
Visita guiada inaugural
Opcionales:
Atención a las redes sociales.
Otras Visitas guiadas.
F. Funciones relacionadas con el proyecto educativo vinculado al proyecto expositivo.
Específicas:
Sesión de trabajo con el equipo didáctico.
Proyecto de actividades paralelas (talleres, seminarios, conferencias, congresos).
Visita guiada con educadores, guías o mediadores de la exposición.
Opcionales:
Ejecución de módulos didácticos.
Concepto y dirección del proyecto educativo.
2. Propuestas para la protección de la autoría de los proyectos curatoriales, incluidos los proyectos editoriales y educativos.
Se recomienda, en primer lugar, la inscripción del proyecto curatorial en el Registro de la Propiedad Intelectual antes de su presentación ante cualquier institución. El texto debe ser lo más específico y detallado posible en el que se desarrolle de forma clara y con amplitud de detalles el proyecto expositivo.
Al presentar el proyecto ante la institución correspondiente se recomienda que se haga uso del registro de dicha entidad, en caso de que lo tuviera, y que ésta proceda a sellar la copia del original presentado con mención expresa de la fecha de entrega. En caso de que la institución o entidad carezca de registro se recomienda el uso de cualquier medio legal que sirva para dejar constancia de que el proyecto ha sido recibido por dicha institución o entidad así como del contenido del mismo y de la fecha de entrega. Por ejemplo, se puede enviar el proyecto por burofax o llevar dos copias del proyecto para que por parte de los representantes de la entidad nos sellen y firmen una de ellas, haciendo mención igualmente de la fecha en la que se les hace entrega.
También puede procederse a realizar el correspondiente depósito ante Notario con el fin de dejar constancia de la autoría y contenido del proyecto así como de su fecha de realización.
Se recomienda la utilización del símbolo de reserva de derechos ©, anteponiendo al nombre del autor del proyecto el símbolo © con indicación del lugar y año de la divulgación del mismo.
Se recomienda recoger en el documento contractual que se firme con entidades públicas o privadas todos los aspectos relativos a los derechos de autor y a las cesiones de los mismos que sean necesarias para la realización de cualquier proyecto expositivo.
3. Sugerencias para la contratación con instituciones, entidades públicas y privadas para la realización de proyectos expositivos, editoriales o educativos.
Propuestas relativas a la formalización documental del encargo:
El encargo debería ser formalizado por escrito en un documento de carácter contractual tanto en el caso de que se acuerde entre el comisario y la entidad la realización de un proyecto como consecuencia de una propuesta presentada por el propio comisario, como en el supuesto de que sea la entidad la que tome la iniciativa encargando el proyecto al comisario.
Con el fin de cerrar cuanto antes el acuerdo entre las partes, entendemos que si no fuera posible la firma de un contrato inicialmente, sería necesario que se recogieran los elementos esenciales del acuerdo en una carta de encargo, que deberá firmarse por ambas partes y que se desarrollaría posteriormente por medio del contrato.
Como elementos esenciales de esa carta de encargo estimamos necesario que se incluyan el objeto del acuerdo (el proyecto), el plan de trabajo y el lugar y plazos de entrega, así como los derechos y las obligaciones de ambas partes (tanto del comisario como de la entidad), incluyendo los honorarios y la forma de pago. También debería recogerse todo lo relativo a las cesiones de derechos de autor del proyecto expositivo, así como de cualquier texto que el comisario elabore. Sería conveniente incluir igualmente la cuantía del presupuesto total destinado al proyecto.
Asimismo en dicha carta de encargo se debería dejar constancia de los recursos humanos y técnicos y de la infraestructura que la entidad pondrá a disposición del comisario a la hora de realizar su labor: el personal de la entidad que se encargará de la coordinación, producción y mantenimiento del proyecto, disponibilidad de dispositivos de comunicación (teléfono, conexión a Internet,etc), espacio físico de trabajo para el comisario y su equipo en caso de tenerlo, etc.
En el caso de que se precise la realización de viajes por parte del comisario para la puesta en marcha del proyecto y su realización, éstos deberían acordarse previamente con la entidad e incluirse las condiciones relativas a los mismos en la carta de encargo. La entidad debería hacerse cargo de los gastos que conciernan a los desplazamientos, alojamiento y dietas del comisario y/o de aquellas personas de su equipo que se acuerde. En el supuesto de que no sea la propia entidad la que gestione los viajes y el alojamiento y sea el propio comisario quien se haga cargo de su gestión, éste deberá acreditar los gastos efectuados mediante las facturas correspondientes. En la carta de encargo se deberá indicar, en consecuencia, el plazo de reembolso de dichos gastos por la entidad así como la forma en la que se realizará, una vez se acrediten los mismos por el comisario.
En la carta de encargo se debería recoger igualmente la indemnización que debería recibir el comisario en el caso de que la entidad decidiera suspender, cancelar o posponer sin fecha concreta la realización del proyecto. Sería conveniente que la cuantía de la indemnización se fijara de acuerdo con la fase en la que se encuentre el desarrollo del proyecto en función del calendario acordado. De igual modo se deberían recoger las responsabilidades derivadas del incumplimiento del encargo por parte del comisario. Sería oportuno incluir, asimismo, que las indemnizaciones y responsabilidades mencionadas anteriormente se harán efectivas siempre que el incumplimiento de cualquiera de las partes no sea debido a causas de fuerza mayor.
Todos estos puntos deberían recogerse igualmente en el contrato que se firme entre el comisario y la entidad, sin perjuicio de que se incluyan otras cláusulas relativas a la protección de datos personales, confidencialidad, sumisión a determinados tribunales, etc.
Con respecto a los honorarios, la forma de pago, facturación y el IVA correspondiente:
Se recomienda acordar el pago fraccionado de los honorarios, vinculado a la realización y entrega de los distintos trabajos y tareas por parte del comisario. Es recomendable que se acuerde la división del proyecto expositivo y su remuneración en fases:
1ª Fase: Elaboración del Proyecto. Se recomienda acordar con la institución que ésta abone un 30% de los honorarios totales acordados por la totalidad del proyecto expositivo a la entrega del proyecto expositivo. De esta forma el comisario se aseguraría una remuneración por la labor realizada aunque la exposición no se llevara a cabo finalmente por razones ajenas al mismo.
2ª Fase: Proyecto editorial y texto. Por la realización de las labores editoriales relacionadas con la publicación así como por la entrega del texto del comisario para el catálogo se recomienda que la institución abone el 30% de la totalidad de los honorarios.
3ª Fase: Funciones relacionadas con la ejecución y puesta en marcha del proyecto expositivo hasta su inauguración. Al inaugurar la exposición se recomienda que la institución proceda a abonar el 40% restante de los honorarios totales acordados.
Para cada fase deberá fijarse, en el contrato que se firme, un plazo de entrega de los trabajos por parte del comisario así como el plazo de pago de los honorarios correspondientes por parte de la institución.
Con respecto al IVA:
Las labores intelectuales y creativas de redacción de textos (incluido el realizado para el catálogo) y de elaboración del proyecto expositivo así como la cesión de derechos de autor sobre los mismos podrían interpretarse exentas de IVA de acuerdo con el artículo 20.1.26 de la Ley 37/1992 del Impuesto sobre el Valor Añadido. En este caso el comisario deberá tener en cuenta que a la hora de deducirse el IVA soportado deberá aplicar la regla de prorrata, y sólo podrá deducirse el IVA soportado en el porcentaje correspondiente a lo facturado anualmente sujeto a IVA. Recomendamos consultar esta cuestión con su asesor jurídico y fiscal con el fin de encontrar la solución más recomendable a la situación específica de cada comisario.
4) Una vez finalizada la exposición:
- El comisario deberá percibir el número de ejemplares del catálogo que se haya previsto en el contrato.
- Así mismo, deberá percibir una copia del dossier de prensa, así como una copia de toda la documentación que hay generado la exposición (copia de video documental sobre la exposición, CD con imágenes de la exposición, etc.).
Publicado este 11 enero 2012. Archivado en Jornadas comisariado | 0 comentario
Performance Funeral Pyre de Avelino Sala en Matadero
Performance FUNERAL PYRE. Una acción de Avelino Sala
Jueves 12 de enero a las 17.30 h.
Matadero Madrid. Paseo de la chopera, 14 [L2] Metro Legazpi
Punto de encuentro: tanque de agua
El título de la acción que Avelino Sala conduce en Funeral Pyre corresponde a una intención simbólica y artística, vinculada a la situación crítica actual. La combustión de libros trata de carbonizar la representación de un símbolo y convierte en una iluminación irónica una barricada donde se ha apostado por un cierto estilo funeral, constatando que el saber no se oculta sólo en el fuego, sino en todo lo que arrasa. A pesar de que desde el espacio de la música es significativo que se haya introducido el término quemar con relación a la acción de copiar, en la tradición más reaccionaria también se han incendiado discos en hogueras públicas.
Avelino Sala plantea que la disposición frente a la crisis actual no debe ser cuestión de inmovilismo, sino todo lo contrario. Apostar por construir a base de libros una barricada negra y funeral no debe significar otra cosa que no conceder nada más que el esfuerzo y la propia vitalidad de un fuego capaz de retener la memoria desde la ceniza. Una especie de protección útil en momentos críticos, realizada como un bloque de defensa inspirado en las trincheras. En este sentido activo de la acción artística, Avelino Sala ofrece nuevos modos de leer e iluminar desde una resistencia ciertamente necesaria, inscrita simbólicamente en el signo de los tiempos que nos esperan.
Proyecto comisariado por José Luis Corazón Ardura.
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Rafael Navarro y Peter Knapp en la Galerie Baudoin Lebon
Hasta el 11 de febrero de 2012
La galería Baudoin Lebon inicia el año 2012 con un planteamiento de exposición dual. Dos clásicos contemporáneos de la fotografía sirven para realizar un planteamiento de la piel, del cuerpo, en la fotografía contemporánea. Profils de peau es el título de la muestra que reúne los trabajos de Peter Knapp y de Rafael Navarro, dos miradas y dos sensibilidades en torno a la fotografía y al cuerpo en blanco y negro.
Peter Knapp, suizo residente en París desde 1952, se inicia como pintor, transformándose a partir de 1959 en fotógrafo de moda, siendo hoy en día uno de los fotógrafos de moda más reconocidos mundialmente. Su curiosidad y continuo desarrollo le ha llevado a exponer junto a artistas de todo tipo, pasar de la moda a la fotografía artística e incluso al vídeo.
Rafael Navarro, fotógrafo español que personifica la evolución de la fotografía clasicista a una nueva mirada autónoma de la fotografía como arte, es uno de los más destacados fotógrafos de su generación en Europa. Claramente vinculado a la fotografía de artista, a la que se ha dedicado en exclusividad. Las dos líneas de trabajo que ha desarrollado a través de su larga trayectoria han sido el desarrollo de una abstracción subjetiva y el estudio del cuerpo y del desnudo como un lugar, un paisaje, un mundo aislado, ensimismado.
Es este el tema de la exposición al que tanto Navarro como Knapp aportan sus peculiares sensibilidades y sus diferentes formas de aproximarse al cuerpo, a la piel como superficie física, al desnudo como seña de identidad.
baudin lebon
8, rue charles-françois dupuis – 75003 Paris
tél : (33) 01.42.72.09.10 – fax : (33) 01.42.72.02.20
info@baudoin-lebon.com
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IV Jornadas CINE y FILOSOFÍA-Los derechos humanos y sus amenazas: MUSEO PATIO HERRERIANO
Del 10 de enero al 27 de marzo de 2012.
Los Derechos Humanos no sirven para nada.
Pausa valorativa.
Una suspensión lo suficientemente dilatada como para abrigar ya la intimidación de este aserto, e incluso la consideración de la experiencia lesiva que supone, y que es al mismo tiempo certeza y verdad.
Ahora, tras producirse este despertar, también acontece la urgencia de resguardo sobre un aspecto que antes, sumidos en nuestras delicias o el descuido, parecía no importarnos: el respeto de ciertos derechos fundamentales, otrora ganados con sangre, y ahora, en ocasiones, escudo contra los demás.
Todo está en peligro.
Todo gime por falta de cuidado.
Al querer constituirme como excepción, y no como ejemplo, rompo con el gesto recíproco y constituyo así una fuerte amenaza para el universal reconocimiento de la dignidad, que progresivamente también pierdo con el alejamiento que incito. Poco a poco voy tomando conciencia de que restituirme en el ámbito de las obligaciones recíprocas pasa antes por una cuidadosa atención a estos discursos y sus constructos, todos ellos evidenciados en el acto político.
Vistas así las cosas, yo mismo constituyo la amenaza sobre los Derechos Humanos. Así pues, el curso que aquí comienza supone, antes que nada, un diálogo con nuestras propias convicciones, ahora puestas en cuestión.
Por tanto, antes que mostraros la alegría de la bienvenida, estas nuevas Jornadas os invitan al riesgo de la reflexión.
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Dirige: José Luis Muñoz de Baena, Juan de Dios Casquero, Joaquín Esteban Ortega, Sixto José Castro Rodríguez y José María Enríquez Sánchez
Coordina: Ana Cea Navas y Cristina Pérez Rodríguez
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Hora: 17:00 h. Proyección y debate
Lugar: Salón de Actos Museo Patio Herreriano
Entrada libre hasta completar aforo
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INAUGURACIÓN _ Martes, 10 de enero de 2012
La vida de los otros / Director: Florian Henckel-Donnersmarck (2006) [137’]
Ponente: Tomás Domingo Moratalla
Conferencia: Enredados en historias. De los derechos a la responsabilidad
Martes, 17 de enero de 2012
El hombre elefante / Director: David Linch (1980) [125’]
Ponente: Jorge Praga
Conferencia: Los excluídos
Martes, 24 de enero de 2012
También la lluvia / Director: Icíar Bollaín (2010) [104’]
Ponente: Jorge Rafael Alguacil
Conferencia: Sobre derechos fundamentales, principios rectores y derechos dispersos en la Constitución española de 1978: la diferenciada fundamentalidad de los derechos en nuestro vigente constitucionalismo
Martes, 31 de enero de 2012
Los olvidados / Director: Luis Buñuel (1950) [88’]
Ponente: Raúl Cancio
Conferencia: Mondo Lumpen: la fatalidad de los marginados
Martes, 7 de febrero de 2012
Los girasoles ciegos / Director: José Luis Cuerda (2008) [95’]
Ponente: Cristina Gómez Cuesta
Conferencia: Mujeres y vencidas: la doble represión en la posguerra española
Martes, 14 de febrero de 2012
Cortometrajes: Allanamiento de morada (Mateo Gil, 1998), El apagón (Jose María Caro, 2001), Mort à l’écran (Alexis Ferrebeuf, 2005), Miente (Isabel Ocampo, 2008), Hemisferio (Luis María Ferrandez y Alejandro Aboli, 2009), El orden de las cosas (Hermanos Esteba Alenda, Jose y César, 2010)
Ponente: Ana Cea
Conferencia: Los límites de lo humano en el cortometraje de ficción contemporáneo
Martes, 21 de febrero de 2012
Pago justo / Director: Nigel Cole (2010) [113’]
MESA REDONDA: Lourdes Otero León, Eduardo Muñoz de Baena y Alicia Puleo
Conferencia: Igualdad entre los Géneros: Desarrollo y Paz
Martes, 28 de febrero de 2012
Ausencia de malicia / Director: Sydney Pollak (1981) [116’]
Ponente: Estefanía Jerónimo Sánchez Beato
Conferencia: Los límites del derecho a la libertad de expresión
Martes, 6 de marzo de 2012
Yentl / Director: Barbra Streisand (1983) [134’]
Ponente: Anna Volovici
Conferencia: Yentl. El éxito es masculino
Martes, 13 de marzo de 2012
Carandiru / Director: Héctor Babenco (2003) [139’]
Ponente: Fernando Longás Uranga
Conferencia: Derechos y pena ciega
Martes, 20 de marzo de 2012
La confesión / Director: Constantin Costa-Gavras (1970) [135’]
MESA REDONDA: Mercedes Gómez Adanero y Cristina Corredor Lanas
Conferencia: Cómo ser libre y no morir en el intento
CLAUSURA _ Martes, 27 de marzo de 2012
Tropa de élite / Director: José Padilha (2007) [114’]
Ponentes: José Luis Muñoz de Baena y José María Enríquez Sánchez
Conferencia: ”No habrá paz para los malvados”: el derecho penal del enemigo
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Convocatoria: Jugada a tres bandas 2012 / Portugal
JUGADA A 3 BANDAS 2012: PORTUGAL
Tras el éxito de la primera edición de Jugada a 3 Bandas, inaugurado el pasado 2 de abril de 2011 con la participación de 14 galerías madrileñas, 16 comisarios españoles y 50 artistas internacionales, se plantea una próxima ampliación del proyecto en cuanto a dos aspectos:
- Portugal como país invitado
- Un nivel en los proyectos curatoriales de calidad excelente
Las condiciones de participación son las siguientes:
• Las galerías madrileñas interesadas presentarán un proyecto para la segunda edición de Jugada a 3 bandas en las que el comisario, o alguno(s) de los artistas participantes en el proyecto, sea portugués. También se valorará la posibilidad de trabajar en paralelo con alguna galería del país vecino, siempre bajo la perspectiva curatorial.
• El comisario ideará un proyecto que puede involucrar a artistas españoles y portugueses. Se tendrán en cuenta en el trabajo del comisario y de los artistas presentes en su proyecto curatorial, ideas que nos lleven a una cierta reflexión y mirada sobre Portugal/España.
• El objetivo es crear una mayor repercusión y visibilidad internacional entre el trabajo de galerías, comisarios y artistas peninsulares. Abrir una puerta al arte contemporáneo del país vecino, del que parecemos no hacer mucho caso. El espectro de galerías participantes es amplio, desde las más establecidas a las de corte más emergente. Igualmente para los artistas participantes y los comisarios, que respaldarán los proyectos expositivos con su conocimiento específico del panorama español y portugués, respectivamente, aunque nos interesa hacer énfasis en la búsqueda de la novedad, de lo emergente, de lo no visto en nuestro país, siempre bajo la indagación intelectual que el comisario aporta con su trabajo. Ampliar el marco del coleccionismo peninsular es igualmente reto de la segunda edición de Jugada a 3 bandas.
• La selección de los proyectos estará a cargo de la dirección artística de Jugada a 3 bandas.
• La presentación de JUGADA A 3 BANDAS 2012: PORTUGAL tendrá lugar en uma inauguración conjunta de todas las galerías participantes el sábado 14 de abril de 2012.
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Rafael Navarro participa en la exposición colectiva “Botánica. After Humboldt” en La Real Academia de España en Roma
Hasta el 26 de febrero de 2012
La Real Academia de España en Roma acoge del 19 de enero al 26 de febrero la exposición Botánica. After Humboldt, una muestra que ofrece un conjunto de fotografías de seis autores contemporáneos (Manel Armengol, Alberto Baraya, Joan Fontcuberta, Juan Carlos Martínez, Rafael Navarro y Juan Urrios) con una mirada creativa y muy novedosa sobre la ciencia de la botánica. Se busca de este modo la confluencia, en un mismo plano de arte y ciencia. La muestra combina con delicadeza y sin estridencias conocimiento y experiencia, siendo ambas aportaciones complemento necesario para comprender el recorrido histórico de la concepción plástica que de la botánica se ha tenido desde el siglo de las luces.
Comisaria: Rosa Olivares
El estudio de las plantas y de las flores, de las familias y especímenes vegetales es lo que se llama Botánica. Una ciencia cuyo estudio se desarrolla desde el clasicismo griego hasta la actualidad, si bien en los siglos XVII y XVIII con las Expediciones Científicas se explora el mundo buscando, analizando y catalogando la fauna y la flora de cada rincón de la superficie de la tierra.
El nacimiento de la fotografía ha sido esencial para la evolución de la ciencia botánica. La forma de plantearse la reproducción de la naturaleza botánica ha sido muy variada, pero podríamos dividirla en dos grandes bloques: realidad y artificio. Para algunos fotógrafos las plantas y las flores son la parte de la naturaleza, de un paisaje visto en primer plano, la más cercana con la que poder trabajar. Para otros es un territorio abierto a la manipulación genética, al engaño, a la suplantación, porque entre verdad y mentira apenas hay diferencia, y la poca que haya la fotografía la borra definitivamente.
La historia contemporánea de la representación botánica de la fotografía se basa esencialmente en el estudio de las plantas reales, de las plantas ficticias y de las plantas artificiales. La actitud de cada fotógrafo ante estos tres bloques es lo que llena de matices y de subjetividades esta pequeña historia actual. Los seis artistas que forman esta “expedición/exposición” son un ejemplo de cada una de estas formas de mirar hacia la naturaleza.
Accademia Reale di Spagna a Roma
Piazza San Pietro in Montorio 3
tel: 06.5812806
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Chema Cobo en la Galería Alvaro Alcazar: Blow
La galería Álvaro Alcázar tiene el placer de presentar los nuevos trabajos de Chema Cobo. Bajo el título “Blow” el artista nos presenta una serie que agrupa 15 lienzos de pequeño y gran formato.
Chema Cobo eligió la palabra BLOW como titulo por su campo semántico tan amplio como ambiguo, inconcreto, fantasmal y evanescente. (Impacto, golpe, contrariedad, choque, una fuerte corriente de aire, …)
El titulo BLOW lleva implícito hablar de conceptos como realidad, identidad, orden, temas planteados como si fuesen placebos engañosos que ocultan un inasible e indescifrable caos que es el que nos mueve.
Desde el punto de vista de la imagen, Cobo nos quiere mostrar como la permanente y progresiva obsesión y fe que se depositan en la reproducción cada vez mas fiel de lo que es la realidad no deja de ser un espejismo propio de una sociedad del espectáculo en la que por desgracia el arte queda atrapado cuando tiende a caer en esa trampa que oculta ese eufemismo llamado “industria cultural”.
Así es como Cobo continúa cuestionándose la capacidad de representación de la realidad que poseen las imágenes. Intenta mostrar lo que hay detrás de la apariencia. Su obra se nos muestra vibrante, ambigua, inquietante y silenciosa. A través de sus trabajos, pone de relieve la vacuidad de la imagen. En base al deslizamiento del sentido como propuesta principal hace que predomine sobre todo la pintura, la pintura como acto puramente conceptual.
Cobo sigue siendo fiel a su búsqueda personal aunque progresivamente su obra se va depurando formalmente y cada vez huye mas de elementos retóricos y baroquizantes. Hay una clara intención conceptista. Continúa
cultivando el lenguaje visual, una simbologia llena de ambigüedad, que viene desarrollando desde los 90 donde encontramos hongos, globos oculares y espejos que se presentan como herramientas recurrentes en su obra.
Aunque en sus comienzos, allá por los años 70, el color predominaba en sus lienzos, en esta exposición Chema Cobo sigue con esa tendencia de abandono del color comenzada en los 80. Se sirve de una paleta reducida de tonos predominantemente grises llenos de matices y de una luminosidad que arrastran al espectador a tomar distancia de lo real. Chema Cobo cita a menudo a G. Richter hablando del color: “ El gris no es visible ni invisible, el gris tiene la capacidad que ningún otro color tiene de hacer NADA visible” En algunos de sus lienzos se sirve de apuntes rojos verdes y azules que recuerdan a la representación de las imágenes en 3D, clara alusión a la sociedad del espectáculo, demostrando que la imagen no es ni por asomo una mimesis de la realidad y que los mecanismos de representación son mucho mas complejos.
La forma de encuadrar las imágenes (muchas de las cuales tienen su origen en el cine o la fotografia), siempre es inhabitual y lleva la mirada del espectador a un punto de inestabilidad e incertidumbre.
Sigue utilizando títulos en inglés, ya que estos se prestan mejor a losjuegos de palabras. Entre los “títulos” y lo representado se suelen dar contradicciones normalmente cargadas de ironía.
Chema Cobo( Tarifa 1952) Estudió Filosofía y lingüística.
Es uno de los pintores fundamentales de la nueva figuración madrileña de los años 80 donde se engloban autores como Luís Gordillo, Carlos Franco, Carlos Alcolea, Javier Utray, Guillermo Perez Villalta, Herminio Molero y Manolo Quejido entre otros. Estos pintores se hicieron eco de una sensibilidad postmoderna que buscaba nuevos lenguajes y que sucedió al tardoinformalismo y la abstracción geométrica imperantes hasta los 70.
Su trayectoria ha sido prolífica y tiene obras en muchas colecciones en Europa y en Estados Unidos entre otras en el Kunstmuseum de Berna, en la Galeria Nazionale d’Arte Contemporaneo de Roma, en la Fundazione Lucio Amelio de Napoles, en el Metropolitan Museum of Art de Nueva York, en el Museum of Art de Nueva York, en la Frederick Weisman Collection de Los Angeles en el Museum of Contemporary Art de Chicago, sin olvidar las colecciones españolas como la Fundación Caixa de Pensiones de Barcelona, la colección se Caja San Fernando en Sevilla, la Fundación Caja Madrid, el Museo nacional de Arte contemporáneo Reina Sofía de Madrid, el Centro Andaluz de Arte contemporáneo, de Sevilla y el Centro de Arte Contemporáneo de Málaga, por citar solo algunas de ellas.
GALERÍA ÁLVARO ALCÁZAR
CASTELLÓ 41
28001 MADRID
Tel.+34 91 781 60 39
galeria@galeriaalvaroalcazar.com
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Juan Ramón Barbancho. IV SEMANA DE VÍDEO IBEROAMERICANO
Lugar: Filmoteca de Andalucía.
C/ Medina y Corella, 5. 14003 –
Córdoba. Fechas:
Del 24 al 28 de enero de 2012.
(Del 24 al 27 en horario de tarde y el 28 de mañana).
Dirección: Juan-Ramón Barbancho.
Por cuarto año consecutivo organizamos la Semana de Vídeo iberoamericano, un encuentro internacional de vídeo donde se presentan no sólo los trabajos de creadores y creadoras de diferentes países (tanto de España como de Latinoamérica) sino también el de distintos comisarios y comisarias u organizaciones que trabajan en este ámbito. La selección de este año cuenta con el trabajo de diecinueve artistas y un total de veintisiete obras, en donde se pueden ver muy variadas formas de abordar el vídeo, algo de lo que dan cuenta también los intereses de los cuatro comisariados. Como en la edición de 2010 en el caso de Beth Moysés, este año también hacemos un monográfico en donde rendimos justo homenaje a una artista latinoamericana con un lenguaje asentado y una trayectoria más que reconocida a nivel internacional: Angie Bonino (Lima, Perú, 1974). Bonino estudió en la Escuela Superior de Bellas Arte de Perú y es Máster en sistemas Interactivos para el audiovisual en “Mecad” y la Universidad Ramón Llull en Barcelona, Máster en “LAMP” Sistemas para software libre subvención de la Comunidad Europea. Su trabajo se ha destacado en vídeo, videoinstalación, net.art y performance. Es la primera mujer en dedicarse a los nuevos medios en el Perú. Además de su trabajo artístico, que ha podido verse en múltiples exposiciones individuales y colectivas, es la comisaria/directora de VIDEOAKT, bienal de vídeo de Barcelona y profesora en diversas universidades e instituciones. La IV Semana de Vídeo iberoamericano tiene la particularidad de que tiene dos sedes: La Filmoteca de Andalucía (Córdoba) y La Fragua, residencia de artistas en Belalcázar (Córdoba), con lo que se abre una posibilidad más para que el público general se acerque a este “nuevo” soporte del arte actual. Desde el equipo de trabajo de La Nave Spacial queremos mostrar nuestro agradecimiento a los y las artistas que han participado confiándonos su trabajo, a los comisarios y comisarias que colaboran con nuestro proyecto, así como a las instituciones que han hecho posible estos cuatro años de vídeo iberoamericano.
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Jerónima Martínez. Antonio Paucar en la Galería Maior: La circulación del pensamiento
Hasta finales de enero de 2012
Galería Maior se complace en presentar en su espacio de Palma la obra más reciente del artista Antonio Paucar (Huancayo, Peru, 1973. Vive y trabaja en Berlín).
En esta ocasión, el artista del Perú afincado en Berlín inauguró la exposición “La circulación del pensamiento”. Paucar es autor de la instalación “Zapatos que rompen el silencio”, realizada con miles de moscas muertas pendidas en el aire y un par de zapatos, que es una de las que más se recuerdan de la Nit de l’Art de 2008. La cita fue el jueves día 15 de diciembre en la sede de Palma de la galería, en Can Sales 10.
Durante la inauguración, el artista realizó la performance “Mapa vascular”, que empezó a las 21h, a través de una instalación elaborada con pajitas para beber que ha entrelazado de forma simétrica sobre la pared para que el vino discurra a través de ellas, creando una increíble sensación de venas que se van dibujando. Como observa el propio Paucar “el vino tiene su efecto mágico y creativo”, aunque a la vez advierte “que se convierte en confuso al excederse”, en alusión al arte en si.
La performance se grabó en vídeo y ha quedado en la exposición junto al dibujo “Caligrafía de los bailarines Madera y Plástico”, creado por dos objetos, una peonza y una tapa de cd, que el artista transforma en instrumentos de dibujo, preparándolos con mina y pintura acrílica para que tracen líneas mediante movimientos concéntricos y oscilantes que él mismo provoca para luego dejar a los objetos danzar libremente. Podremos ver asimismo el vídeo de esta creación.
Paucar se convierte él mismo en un medio para dibujar y crear, aunque no solo lo hace consigo mismo, sino que usa también otros instrumentos, materiales cotidianos que arregla, modifica y transforma de forma manual, dando un resultado asombroso.
Durante el proceso de creación, Paucar quedó fascinado por el precioso “Soneto del Vino” de Jorge Luis Borges, del que extrae los versos finales:
“Vino, enséñame el arte de ver mi propia historia
como si esta ya fuera ceniza en la memoria.”
Plaça Major, 4-1º – 07460 Pollença
Tel: 0034 971 53 00 95
Mallorca, España
Can Sales, 10 – 07012 Palma
Tel/Fax: 0034 971 72 80 98
Mallorca, España
info@galeriamaior.com
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Purificación García. Premio Bienal de Fotografía 2012
PURIFICACIÓN GARCÍA cree en las posibilidades de la imagen, en la importancia de la tensión de la mirada a la hora de captar fragmentos de la realidad. De ahí su compromiso con el arte en iniciativas como el Premio de Fotografía Purificación García, que este año celebra su novena edición con la voluntad de continuar siendo un punto de encuentro para el mundo del arte y la fotografía, una referencia para la creación peninsular.
El Jurado de esta edición estará formado por Marta Gili (directora de Le Jeu de Paume, Paris), Alberto Martín (crítico de arte), Chema Madoz (fotógrafo), Sergio Mah (comisario de exposiciones y profesor universitario) y Manuel Borja-Villel (director del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía).
Podrán participar en el Premio todos los artistas mayores de 18 años, residentes en España y Portugal, con independencia de su nacionalidad (los participantes de otras nacionalidades deben disponer de tarjeta de residencia).
Cada participante podrá presentar una sola obra, de tema y técnica libres, totalmente inédita y reciente. Como novedad, se llevará a cabo una preselección de obras mediante dossier digital. La recepción de solicitudes tendrá lugar entre el 20 de diciembre de 2011 y el 13 de enero de 2012. Tras esta fase, el Jurado realizará una selección final sobre obra física ya producida por los artistas y otorgará tres Premios:
UN PRIMER PREMIO DE 15.000 EUROS
UN SEGUNDO PREMIO DE 12.000 EUROS
UN TERCER PREMIO DE 10.000 EUROS
Asimismo seleccionará un máximo de 22 obras con las que se realizará una exposición que tendrá lugar 9 al 23 de mayo de 2012 en el Círculo de Bellas Artes de Madrid, pudiendo ampliarse a otras ciudades que se estimen de interés.
Los artistas interesados en participar pueden descargar las bases del Premio en www.purificacióngarcia.com/concurso.pdf
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Antonio Jiménez. Judas Arrieta en la AJG Gallery: Chinese Shining Stars/ resplandecientes Estrellas Chinas
Hasta el 28 de enero de 2012
CHINESE SHINING STARS / RESPLANDECIENTES ESTRELLAS CHINAS
Pintura, Cultura pop, cómic japonés, dibujo pero sobre todo la fusión de elementos folclóricos de diferentes culturas nos permiten interpretar los distintos modos y formas del fantástico mundo de Judas Arrieta. La intención de reinventarse en cada obra nos habla de su universo íntimo de ficción risible y de referentes personales.
Judas absorbe todo lo que le rodea y le inquieta para fijarlo en una pintura neo barroca, extrema y delirante, con humor y perversión, híbrida, desordenada y caótica.
Mezcla de imaginería manga, de estética china comunista y de iconos publicitarios de la sociedad de consumo que no son más que la mezcla de lo ideológico, lo político y lo social.
Sus referentes son los dibujos animados de la España de los 90 (Doraemon, Pokemon, Son Goku,…) como los nostálgicos anteriores a la llegada del manga (Mazinger Z, El pájaro loco, Heidi, Félix el gato o Chicho terremoto), imágenes encontradas en Internet, revistas, pósters de películas y periódicos así como el uso de textos, caracteres en japonés, coreano o chino. Superposiciones de caligrafía, textos e imágenes pintadas con rotulador, acuarela y pinturas acrílicas aparentemente carentes de sentido que esconden multitud de mensajes…Judas nos habla de la historia de Asia a través de los ojos de un occidental, nos transmite el choque que propician las diferencias y/o los conflictos culturales. Sus obras, reflejos de sus emociones y locuras, son el espejo donde se mira una nueva generación de artistas globales que demuestran que las fronteras culturales ya no existen.
El conjunto de su obra puede ser enmarcada en varios ámbitos del arte. Potentes ilustraciones, luminosos cuadros, originales graffitis o locos performances… Desde el cómic al street art, pasando por el diseño cool, los art toys o la pintura experimental… Arte de hoy y de ahora, en sintonía con algunas tendencias imperantes sin llegar a pertenecer a ninguna de ellas.
Para Judas no hay fronteras, no hay Este ni Oeste, todo vale, es como el mundo de las películas y los dibujos animados donde todo es posible.
Judas Arrieta presenta en AJG Contemporary Art Gallery, la exposición titulada “CHINESE SHINING STARS/RESPLANDECIENTES ESTRELLAS CHINAS” donde ha seleccionado una serie de pequeños dibujos y pinturas, realizados este último año, que muestran su interés por el retrato. Históricamente, en China, el retrato ha sido una disciplina súper explotada y aun hoy sigue teniendo mucha importancia, véase el retrato de Mao Zedong que aun sigue colgado en Tian´ anmen. Hoy en día, China tiene nuevos héroes; jóvenes empresarios, actores, deportistas, cantantes, diseñadores, modelos, … Estos ya no salen retratados en grandes cuadros al óleo pintados por funcionarios, su lugar está ahora en grandes vallas publicitarias, en la prensa del corazón, la televisión o Internet. Al igual que en su día artistas como Andy Warhol o Julian Schanbel retrataron a grandes “celebrities”, reflexionando sobre la situación social en la que vivían en ese momento, Judas Arrieta intenta plasmar la visión de este cambio utilizando como modelo de sus creaciones a estos nuevos famosos. Con su personal lenguaje, hace y deshace, juega con la idea de lo que para nosotros es un retrato y así explicarnos la situación caótica y de cambio que vive la China actual.
SOBRE JUDAS ARRIETA
Judas Arrieta es un artista interdisciplinar, al que le gusta usar diferentes medios a la hora de plantear proyectos creativos. En su trabajo lo real y lo imaginado se unen. Arrieta liga, irremediablemente, su vida a su obra y viceversa. Defensor de lo que el ha llamado, en algunos de sus textos «arte lúdico festivo», es difusor de irónica inteligencia capaz de tejer una red en la que te sientes cómodamente atrapado. Su obra se alimenta de realidad y ficción. Maneja cualquier disciplina ( pintura, dibujo, impresiones digitales, esculturas, objetos, vídeos, performances, instalaciones…). En todos los casos le sobra ternura, sentimiento, brutalidad, melancolía, precisión, romanticismo, desasosiego… Judas Arrieta es un apasionado. Construye vida y la derrama con enorme generosidad. Es un alma asiática atrapada en un cuerpo occidental.
Judas Arrieta (Hondarribia, 1971) es un artista destacado por su lenguaje propio que ha recibido gran reconocimiento a nivel nacional e internacional. Su vinculación con el arte asiático lo llevó a abrir su estudio en Pekín en 2005. Lleva 6 años trabajando mano a mano con diferentes creadores de la escena artística China. Es el creador de un programa de residencias para artistas, llamado Goazen Txinara!, que puso en marcha el año 2009 con el fin de promocionar el arte vasco en China.
Entre sus últimas exposiciones individuales destacan GOLDEN MONKEY (con Riiko Sakkinen). Korjaamo Gallery, Helsinki, Finlandia. MANGA ART Z. en Tabacalera, Madrid, España. KAIJU Festival de cine fantástico y de terror de Donostia, España. ACTION PAINTING con la marca de vehículos MINI COOPER. Park Hyatt, Beijing, China. RONIN. Galería Estampa, Madrid , España. WHITE SUITE en Lan Club. Beijing, China. SINGAPORE TOY, GAMES & COMIC Convention. Singapore. ADN Gallery, Barcelona, España. ANIMAC, Lleida, España. INSTITUTO CERVANTES, Beijing, China.
Su trabajo ha formado parte de muestras colectivas como Festival SOS4.8, Murcia, España. WORKS ON PAPER, Galeria Paz y Comedias, Valencia, España. THE OTHER SIDE, AJG Contemporary Art Gallery, Sevilla, España. FICCIONES URBANAS, KM Kulturnea, Donostia, España. GET IT LOUDER, Beijing, China. BILBAO ARTE – NEW YORK en, la Fundación Gabarrón Carriage House Center for the Arts, New York, EEUU entre las últimas.
Ha participado en festivales y su obra ha sido seleccionada, premiada y ha obtenido menciones de honor como el FIB ART 2010. La XI Bienal de arte UNICAJA, Los premios ABC de fotografía y pintura, BANCAIXA. GENERACION 2006 de Cajamadrid, INÉDITOS y otros.
Sus obras figuran en colecciones como INJUVE, Madrid. ARTIUM, Álava. UNIVERSIDAD DEL PAIS VASCO, Leioa (Bizkaia). FUNDACION BBK Fundazioa, Bilbao (Bizkaia). UNED, Madrid. MIDE, Cuenca. FUNDACION LA GACETA, Salamanca. EMBAJADA ESPAÑA, Tokyo, Japón. CASA ASIA, Barcelona. CAJAMADRID, Madrid. FUNDACIÓN ANTONIO PÉREZ, Cuenca. KOLDO MITXELENA, Donostia. UNICAJA, Málaga. INSTITUTION OF CHINART MUSEUM, Beijing, China ó ABSOLUT Vodka, China.
AJG CONTEMPORARY ART GALLERY
PASAJE FRANCISCO MOLINA, 17 (PASAJE VILLASIS)
41003 SEVILLA.
T.0034 676460143
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Pedro Osés analiza la relación del arte prehistórico con el pensamiento de Oteiza en su proyecto “El crómlech, lugar sagrado
Del 1 de diciembre de 2011 al 15 de abril de 2012
El artista realizará su intervención de carácter efímero en uno de los muros del Museo Oteiza, dentro del programa Interpretaciones
Exposición:
Título El crómlech, lugar sagrado
Autor: Pedro Osés
Interpretaciones 9
Una producción del Museo Oteiza con la colaboración de la Mancomunidad Comarca de Pamplona y Obra Social de Kutxa
Los diversos análisis e interpretaciones que Jorge Oteiza realizó acerca de las manifestaciones artísticas prehistóricas y su estudio del crómlech pirenaico, como manifestación de un espacio “espiritual” , constituyen el punto de partida de la intervención que el artista Pedro Osés realiza en el Museo Oteiza. Su proyecto, titulado “El crómlech, lugar sagrado” interpreta las reflexiones de Oteiza en un proyecto narrativo y pictórico de carácter efímero, que el artista ejecutará los días 1, 2 y 3 de diciembre en el Museo Oteiza, a la vista del público del centro.
Osés ha planteado esta intervención, que se desarrolla dentro del programa “Interpretaciones”, que cuenta con la colaboración de la Mancomunidad Comarca de Pamplona y de Obra Social de Kutxa, directamente sobre uno de los muros del Museo Oteiza. Sobre una superficie de 210 x 310 cm. realizará un collage de carácter efímero, que incluirá textos, dibujos y otros elementos pictóricos que compondrán un tejido narrativo y plástico que se podrá contemplar en el Museo Oteiza hasta la fecha de finalización del proyecto, el 15
de abril de 2012.
Las interpretaciones estéticas de Oteiza acerca de los crómlechs como señalamientos de un espacio vacío simbólico que analizó en sus publicaciones y con los que mantuvo un diálogo en su obra “Homenaje al Padre Donosti” , realizada en 1959 en la estación megalítica de Agiña, constituyen las referencias que alumbraron el germen del proyecto de Osés. “Cuando se me propuso realizar una interpretación de la obra de Oteiza, recordé que en el Quousque Tandem, leído hace mucho tiempo, me interesó la parte en la que se
hablaba del crómlech. Según Oteiza, suponía la culminación artística del hombre de su época, el círculo de piedras representa el vacío total y no un lugar de enterramiento. Para Oteiza, es arte religioso que tiene que ver con el término en euskera Uts que representa el firmamento, lo trascendente, vacío“, explica Osés. “Cuando he visto en el monte esas construcciones me he preguntado por qué las hicieron y por qué en esos lugares. Creo que son puntos donde hay una energía especial y que por eso están así señalados en la naturaleza, de la misma manera que en el cuerpo humano existen meridianos y miles de puntos de energía”.
Su intervención en el ciclo “Interpretaciones”, se realiza después de las de otros artistas como, Pedro Salaberri, José Miguel Corral, Iratxe Montero, David Rodríguez Caballero, José Ignacio Agorreta, Koldo Sebastián, Manu Muniategiandikoetxea y Florencio Alonso, e incluye la edición de una publicación homónima.
Pedro Osés (Pamplona, 1942), es un autor con una dilatada trayectoria artística que le ha mostrado mostrar su obra plástica en decenas de exposiciones individuales y colectivas y ha combinado lo pictórico junto con otras disciplinas vinculada a la ilustración y el cómic (www.pedrooses.com).
MUSEO OTEIZA
de la Cuesta, 7
31486 ALZUZA (Navarra)
Tel.: +34 948 33 20 74
Fax.: +34 948 33 20 66
info@museooteiza.org
www.museooteiza.org
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Mónica Álvarez Careaga. La FUNDACIÓN CENTENERA JARABA presenta la exposición: El paraíso de la casa de té. Reflexiones sobre un premio
Inauguración: Viernes, 13 de enero, a las 20.00 h.
Hasta el 17 de febrero de 2012
Sala de Exposiciones de la Biblioteca Municipal de Alovera,
Virgen del Carmen s/n.
19208, Alovera (Guadalajara)
Organiza: Fundación Fernando María Centenera Jaraba
Colabora: Ayuntamiento de Alovera
Contacto prensa: info@alvarezcareaga.com
La Fundación Fernando María Centenera Jaraba y el Ayuntamiento de Alovera (Guadalajara) se complacen en anunciar la inauguración de la exposición “El paraíso de la casa de té. Reflexiones sobre un premio”, que tendrá lugar el próximo viernes, 13 de enero, a las 20.00 horas en la Sala de Exposiciones de la Biblioteca Municipal de Alovera.
La exposición se plantea como una reflexión sobre el trabajo de los artistas a partir de la recepción de un premio, en este caso el convocado por la Fundación FMCJ durante las ediciones de 2008, 2009 y 2010 sobre Dibujo Contemporáneo. La oportunidad de esta aproximación coincide con la transformación del certamen en bienal, de modo que la próxima convocatoria tendrá lugar en 2013.
Los artistas galardonados Jesús Zurita (Ceuta, 1974) por “Silbido”, 2008, Ignacio Manuel Bautista, MUTIU (Madrid, 1982) por “Paper-VIEW”, 2009 y Miguel Ángel Fúnez (Madrid, 1988) por “Cartoon Manipulation”, 2010 volverán a presentar al público estas obras que ahora integran la colección de la Fundación FMCJ junto a sus creaciones más recientes.
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Marisa Fernández-Cid. Carlos Pascual en la Galería Astarté: Presencias reales
Del 4 de enero al 10 de febrero 2012
“Recordar que un cuadro -antes de ser un caballo de guerra,
una mujer desnuda o una anécdota cualquiera- es una superficie plana
recubierta de colores organizados de acuerdo con cierto orden”
Maurice Denis
Definición de neotradicionismo, 1890
Sin misterios ni secretos, las obras de Carlos Pascual (Madrid, 1950) se nos ofrecen a la mirada como aquello que son: cosas. Objetos espaciales cuyo principal fin no reside en la representación, sino en la presentación de sí mismos y su materialidad. “Presencias reales”, tal y como se titula esta primera muestra del pintor en la Galería Astarté, ofrecidas sin reservas a un espectador que, a poca paciencia que tenga, pasará de ser un observador meramente perceptivo a un receptor capaz de intuir la leve contención gestual que late en cada una de estas abstracciones de forma similar a aquella sonrisa arcaica que se dibuja tibiamente en el rostro de un kouros o una koré griegos y que, por otra parte, tanto fascina a nuestro artista.
La forma tridimensional que adquieren algunos de sus últimos trabajos se asienta en unos soportes cuyo grosor hace que cada imagen deba ser recorrida además de vista. Las piezas de Carlos Pascual evolucionan hacia cubos y composiciones constructivas que, diluyendo los límites entre la escultura y la pintura, recuperan de forma sólida pero sencilla la pintura como objeto.
La obra del madrileño se ha extendido siempre por las vías de la abstracción, indagando sus posibilidades y desbordando las diferentes tendencias histórico-artísticas que le influyen. Su exploración plástica le ha llevado por múltiples y divergentes caminos que recogen desde la revisión de las primeras vanguardias, a las teorías formalistas de Greenberg y Fried o los preceptos minimalistas de Judd entre otros.
Jennifer Calles.
Carlos Pascual (Madrid, 1950) se licenció en Bellas Artes en Madrid y es doctor por la Universidad de Salamanca, donde desarrolla una tarea docente impartiendo clases de Pintura como profesor titular. A lo largo de su trayectoria artística ha recibido diversos premios y becas, como la Beca para la Investigación de nuevas formas expresivas que le concedió en Ministerio de Cultura en 1979. Dentro de su producción cabe destacar las numerosas intervenciones pictóricas que ha llevado a cabo en arquitecturas, como las decoraciones murales en cerámica que realizó para la EXPO 92 en la Isla de la Cartuja de Sevilla. Además, ha realizado múltiples exposiciones tanto individuales como colectivas en España, y su obra está presente en colecciones públicas de primer orden tales como los Fondos del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el Círculo de Bellas Artes de Madrid o la Fundación La Caixa de Barcelona.
Galería Astarté
Monte Esquinza, 8
28010 Madrid
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Alejandro Tejido. Exposición colectiva en la Galería ASM28: Cartilla de razonamiento
Del 10 de enero hasta el 18 de febrero 2012
En la joven historia de nuestro espacio, es la primera vez que organizamos una muestra colectiva. Esta exposición que lleva por título “Cartilla de Razonamiento”, forma parte del discurso cultural del Gastrofestival, organizado por el ayuntamiento de Madrid.
La alimentación ha ido siempre unida a la realidad de cualquier ser vivo… esto es un tópico, pero ¿Cómo generar desde aquí un recorrido para la exposición? ¿Cómo pensar una historia que uniera en las tres salas las obras de estos siete artistas? Planteando un primer nivel de lectura que nos lleva desde un recorrido que discurre desde lo que fueron las zonas agrícolas de una gran ciudad (hoy sus lindes, Ignacio Navas), pasando por las distintas formas de alimentación (a veces provocadoras como las de Andrés Senra y Diana Larrea), el postre (Estefanía Martín) y el final de una
comida (Arturo Prins). El toque de José Jurado son unos clásicos bodegones del diecisiete español sacados de fotografías de botellones actuales. En la fotografía de Juanma Carrillo, se nos muestra una clásica y plástica imagen de quizás una última cena, cual voyeur leonardino. Esta primera lectura, la que componen el conjunto de la obras de los siete artistas resulta obvia dentro del discurso del festival y se presenta de una forma lúdica, a veces transgresora y provocadora, y otras con una cierta ironía.
El segundo discurso lo buscamos en cada una de las obras. Aquí la apuesta es muy personal, son obras que definen perfectamente la personalidad de los artistas y su forma de trabajar. En unas encontramos sus sentimientos, sus discursos políticos y de protesta social, en otras el dominio de la ironía y en todas, un alto grado de pensamiento y relato. Es ésta una lectura más profunda y que cada uno interiorizará de una o de otra forma. Así podemos entender las obras de Ignacio Navas, José Jurado, Juanma Carrillo, Andrés Senra, Diana Larrea, Estefanía Martín y Arturo Prins por separado,
llevándonos a descubrir siete mundos distintos, que fuera del primer discurso pueden llegar también a atragantar… lo decíamos, de alguna forma también es comida…
Galería ASM28
C/ Orellana 10, bajo dcha
28004 Madrid
Tel: 913198402
e-mail: info@asm28.com
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José Ramón Alcalá presenta su nuevo libro: La piel de la imagen; Ensayos sobre gráfica en la cultura digital.
La piel de la Imagen; Ensayos sobre gráfica en la cultura digital supone la culminación del trabajo de análisis y reflexión elaborado por el autor –artista, comisario, pensador, docente, investigador- en torno a los procedimientos gráficos de expresión en la compleja transformación desde su tradicional naturaleza analógica hacia su digitalidad actual. El conjunto de textos que constituyen el presente ensayo tratan de aportar, de forma ordenada, materiales teóricos para la reflexión, con la particularidad de haber sido elaborados desde la propia experiencia, acaecida en los numerosos talleres y laboratorios artísticos en los que ha habitado y producido durante los últimos veinticinco años. Como asevera Jesús Carrillo en su prólogo: “Los textos que José Ramón Alcalá nos ofrece van a la raíz de las cuestiones que generan esta vertiginosa carencia de referencias y, con una voluntad simultáneamente analítica y pedagógica, intentan orientar tanto al practicante como al estudioso”, ofreciéndonos una publicación que va más allá de un conjunto de ensayos recientes, pues “no nos encontramos ante una recopilación retrospectiva de escritos previos, sino de una cuidadosa actualización de un proceso de pensamiento continuado acerca de los dilemas ante los que se enfrenta la práctica artística contemporánea, un pensamiento radical sobre un medio específico que, a su vez, arroja luz sobre cuestiones urgentes que afectan al campo general de la cultura.”
Con La piel de la imagen, la editorial Sendemá inicia la colección Arte y Reflexión, que pretende cubrir el vacío actual existente de ensayos que, desde la experiencia práctica, arrojen luz sobre las cuestiones candentes y las problemáticas que se han instalado en los operadores de la escena artística y cultural, una vez desmantelados los viejos paradigmas.
La piel de la imagen; Ensayos sobre gráfica en la cultura digital. Valencia, Sendemá, 2011. 175 pp. ISBN: 978-84-938045-7-2. 18 €.
+Info: http://www.sendemaeditorial.com/
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Conclusiones al I Encuentro Iberoamericano sobre Arte, Trabajo y Economía – Del 15 al 17 de noviembre de 2011
ARTEACTUAL-FLACSO, proyecto liderado por el artista Marcelo Aguirre, y el equipo compuesto por Paulina León, María Fernanda Cartagena y María del Carmen Oleas, desarrollaron con un nivel excelente de organización y elevada profesionalidad De la adversidad ¡Vivimos! I Encuentro Iberoamericano sobre Arte, Trabajo y Economía, cumpliendo con el objetivo de propiciar un diálogo crítico entre el campo del arte y el de la economía, una relación escasamente explorada hasta ahora en Ecuador. El evento contó con el apoyo del Ministerio de Cultura, el Banco de Pichincha, la Embajada de España y Acción Cultural Española. La convocatoria tuvo lugar en Quito, a un mes de la finalización de su designación como Capital Americana de la Cultura.
Ecuador vive una nueva situación, caracterizada por un creciente desarrollo cultural y la eclosión de una generación de jóvenes artistas que completan su formación en el extranjero y están bien comunicados internacionalmente. Asimismo existen proyectos de gestión cultural comunitaria y propuestas de archivos colectivos fuertemente enraizados en la población local a través de colectivos urbanos. Tanto los ponentes activos en Ecuador como los participantes en las mesas, señalan carencias en la formación académica y demandan capacitación profesional para los diversos agentes intervinientes en el arte actual: la ciudad de Quito cuenta con una sola galería, superviviente a la gran crisis bancaria. En su soledad casi absoluta, se demanda a los centros institucionales mayor apoyo a la creación actual y la exhibición de artistas jóvenes y emergentes. El Museo Nacional de Arte Contemporáneo se inauguró apenas hace un año.
La administración cultural está impulsando el desarrollo de estudios estadísticos para tratar de dimensionar el sector artístico, evaluar sus necesidades y definir líneas de apoyo en un contexto marcado por el crecimiento de las industrias creativas. Para ello se plantea establecer una Cuenta Satélite que permita ponderar la aportación al PIB nacional. Además se está mejorando el sistema de asignación, seguimiento y justificación de fondos concursales de apoyo a la creación.
Ante este panorama han proliferado colectivos y espacios independientes que desarrollan procesos y prácticas artísticas contemporáneas sin una estructura formal que facilite su sostenibilidad financiera. El asociacionismo profesional está por desarrollar, así como un plan de formación de públicos conducente al aprecio al arte de vanguardia.
El proyecto ARTE ACTUAL de la Facultad Latinoamericana de Ciencias Sociales constituye un hito en este sentido. El éxito del programa, tras cinco años de implantación ha animado a la puesta en marcha de una Maestría en Arte para el próximo curso académico, que contribuirá al avance en la formación y la investigación. Es fundamental que, ante el horizonte que se abre para el sector de las artes visuales en los próximos años, coincidente con una apuesta por el desarrollo de una economía de la cultura desde el Ministerio de Cultura, la administración apueste por la transparencia y por la implantación de buenas prácticas profesionales, fomentando la identificación de los agentes participantes, a quienes debe animar al desarrollo de códigos deontológicos de aplicación tanto a la producción como a la exhibición, difusión y circulación de bienes y servicios artísticos, desde la toma de conciencia de su aportación a la generación y acrecentamiento de patrimonio contemporáneo.
El encuentro se estructuró en torno a cuatro secciones:
Mesa 1: Economía y cultura, ¿una relación contradictoria? Dilemas y oportunidades en el diálogo economía, cultura y arte en el capitalismo globalizado.
Mesa 2: Arte y mercado ¿Es la obra de arte una mercancía como cualquier otra?
Mesa 3: Sustentabilidad de organizaciones y proyectos culturales. Experiencias, desafíos y oportunidades en gestión y sustentabilidad financiera, socio-cultural y política de organizaciones dedicadas a procesos y prácticas artísticas contemporáneas.
Mesa 4: Estrategias para salir de la precariedad. Redes culturales, articulaciones, colaboraciones y buenas prácticas profesionales en las artes visuales.
Enlaces con el programa y blog:
http://culturaqui.com/destacado/arte-y-economia-de-la-adversidad-%C2%A1vivimos
http://delaadversidadvivimos.wordpress.com/
El IAC estuvo representado en la mesa 4: Estrategias para salir de la precariedad: redes culturales, articulaciones, colaboraciones y buenas prácticas profesionales en las artes visuales, moderada por Falco.
Integraron la mesa el colectivo Tranvía Cero, Red Cultural del Sur (Quito), Javier Duero (Pensart, España), Paulina Varas (CRAC, Valparaíso, Chile) y Federico Castro Morales (Instituto de Arte Contemporáneo, España).
La aportación del IAC se centró en las “Herramientas conceptuales de regulación y profesionalización del sector: Procesos asociativos, buenas prácticas y código deontológico”. Federico Castro explicó los logros de las asociaciones de artistas y demás colectivos profesionales en España, así como la del IAC, destacando su carácter interprofesional y la búsqueda de consenso con las demás asociaciones para amplificar la voz y contundencia del sector. Tras mencionar los éxitos alcanzados en España a través del Decálogo de las Artes Visuales (UAAV, 2007) y del Manual de buenas prácticas profesionales de las artes visuales (UAAV, 2008), centró la atención sobre las iniciativas impulsadas por el IAC: el Documento de Buenas Prácticas en Museos y Centros de Arte Contemporáneo, suscrito por el Ministerio de Cultura y todas las asociaciones de las artes visuales (2007), y el Código Deontológico del IAC (2011), único de carácter interprofesional existente en España. Finalmente se refirió a la incidencia estructurante, económica y social del programa ARS (Art, Research Society): el arte como criterio de excelencia, desarrollado en el marco del convenio suscrito en 2010 entre el IAC y la Secretaría General de Universidades para “fomentar la elaboración de modelos de excelencia, que integren aspectos vinculados con la sensibilidad artística interdisciplinar entendida como núcleo fundamental de la educación ciudadana y de la cultura”.
ARS ha sido valorado muy positivamente en Ecuador, al reconocer en él un modelo extrapolable a otras latitudes dado que se ve en él un motor para la investigación en arte actual y porque su incorporación al Programa Campus de Excelencia Internacional, basado en la agregación estratégica de universidades, instituciones relacionadas con el Triángulo del Conocimiento, y el sector productivo ejercerá influencia en el desarrollo regional y posicionamiento en el contexto internacional. Igualmente se ha valorado la presentación que hace de la creación artística como cruce entre Arte-Ciencia-Tecnología y como espacio estratégico para la excelencia universitaria y su gestión próxima a la demanda de la sociedad y el mercado (ver Documento en http://www.iac.org.es/el-arte-como-criterio-de-excelencia).
De manera paralela se reunieron 4 grupos de trabajo, con una metodología participativa, diseñada por la Dirección de Fomento de la Cultura del Ministerio de Cultura de Ecuador, para analizar la situación del país en relación con las temáticas centrales de las mesas de debate y para identificar la cadena de valor de las artes visuales en dicho contexto.
En la sesión plenaria celebrada el jueves 18, los grupos de trabajo expusieron y debatieron sus aportaciones, que estructuran en tres bloques: análisis de carencias, recomendaciones y conclusiones, investigación y consumo.
Javier Duero intervino en nombre de Pensart, refiriéndose a la mediación, como híbrido entre curaduría, didáctica y acción social y a los procedimientos de colaboración y acceso a convocatorias de fondos públicos (a través de convocatorias de concurrencia competitiva) y mediante nuevas fórmulas (crowfunding, microcrédito, comunidades autofinanciadas…) Finalmente presentó tres iniciativas en las que ha participado Pensart: Espacio Trapecio, Mapear Madrid e In-Transit. Además incidió sobre el asociacionismo, la identificación y profesionalización del sector, abogando por la transparencia y la visibilidad de los proyectos.
Además de los ponentes Federico Castro y Javier Duero, miembros de la actual directiva del IAC, también participó en los debates Ricardo Calero, del Colectivo Aragonés de Artistas Visuales y socio del IAC, de visita en Quito procedente de la Bienal de Cuenca. Planteó la necesidad de avanzar más allá de la reciprocidad y solidaridad que ha sustentado la colaboración entre los artistas para vencer la precariedad.
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Manifiesto de la Campaña Europea we are more en defensa de la cultura
Somos muchas las personas que valoramos y damos forma a las culturas europeas contemporáneas. Somos más que muchos. Somos más que productores y consumidores. Nuestro compromiso es para con los derechos culturales, la educación y la ciudadanía activa.
– Creemos que la fuerte tradición de financiación pública para la cultura en Europa garantiza la diversidad, accesibilidad e igualdad del contenido artístico a disposición de todos.
– Las artes, las humanidades y, en definitiva, la cultura nos atraen y nos inspiran; nos empujan a desafiar el mundo en el que vivimos. Invertir en la cultura desde la edad preescolar hasta la tercera edad permite construir sociedades creativas, innovadoras, democráticas y plurales.
Ideemos nuevos mecanismos de inversión pública a largo plazo para que contribuyan al desarrollo humano, social y ambiental.
Los gobiernos nacionales y aquellos que deciden sobre las políticas de la UE están actualmente tomando decisiones sobre el próximo presupuesto de la UE que influenciará los próximos diez años de ayudas a las actividades culturales de las que se beneficia todo aquel que vive en Europa.
HA LLEGADO EL MOMENTO de hacer oír vuestra voz – Firmad el manifiesto de la campaña we are more dirigido a gobiernos nacionales – a los que toman decisiones en Europa:
http://www.wearemore.eu/manifesto/
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Conclusiones al Foro Europeo de la Cultura. 20 y 21 de octubre de 2011
Asistió en representación del IAC: Eva Moraga Guerrero
Conclusiones:
I. En estos momentos se está debatiendo en la Unión Europea sobre el próximo presupuesto multianual (2014-2020). La Comisión Europea acaba de publicar su propuesta definitiva para el nuevo Programa Cultura (“Creative Europe”) (http://ec.europa.eu/culture/creative-europe/). Al mismo tiempo se está perfilando la nueva Política Regional de la Unión Europea, de cuyos Fondos de Desarrollo Regional se ha beneficiado el sector cultural en los últimos años en cierta medida. Los próximos meses serán decisivos para delimitar y perfilar el futuro del sector cultural en Europa en los años por venir.
II. Para poder empezar a trabajar a nivel europeo con posibilidad real de influir en las políticas culturales que se gestan y aprueban en Europa es necesario incardinarse en una de las plataformas o redes de redes ya existentes. El diálogo con la Dirección General de Educación y Cultura de la Comisión Europea se articula a través de dos vías principalmente:
• La primera sería aquélla en la que los principales actores son plataformas/agrupaciones de otras nacionales o regionales que defienden intereses uni- o multi-sectoriales y que realizan las habituales labores de lobbying/advocacy de influencia política, no solamente ante la Comisión Europea sino ante las demás instituciones europeas. Aquí es de principal interés Culture Action Europe, que es una plataforma que engloba tanto a redes como a organizaciones individuales, que en la actualidad tiene alrededor de 100 miembros. Culture Action Europe ha lanzado la campaña “We are more”. Esta campaña pretende conseguir un Programa Cultura más contundente e innovador, defendiendo un mayor apoyo a la cultura, el patrimonio y las artes en los Fondos de Desarrollo Regionales de la Unión Europea. Más de 20.000 personas han firmado ya el manifiesto. A principios de 2012 Culture Action Europe emitirá un informe sobre el programa “Creative Europe” presentado por la Comisión Europea y se organizarán una serie intensa de acciones en el primer semestre de 2012 en Bruselas. De manera simultánea será necesario que las organizaciones miembros de CAE actúen a nivel nacional y regional para movilizar e influenciar a los políticos nacionales que después tendrán relevancia en la toma de decisiones en el Consejo de la Unión Europea.
• La segunda vía es la que se articula a través del Diálogo Estructurado con la Dirección General de Educación y Cultura de la Comisión Europea. Este marco de diálogo fue propulsado por la Agenda Europea de la Cultura que quiso introducir nuevas formas de cooperación con los stakeholders (grupos interesados) del sector cultural para poner en marcha sus tres objetivos estratégicos: la promoción de la diversidad y el diálogo intercultural; la promoción de la cultura como catalizador para la creatividad; y la promoción de la cultura como elemento vital de las relaciones externas de la Unión Europea. Para ello la propia Comisión Europea invitó a organizaciones culturales con una fuerte presencia europea a participar en varias plataformas de la sociedad civil que se establecieron en el año 2008 con el fin de que estas organizaciones pudieran hacer recomendaciones a la política cultural de esta Dirección General.
Las tres plataformas europeas incardinadas en el marco del Diálogo Estructurado con la Comisión Europea son:
Plataforma sobre el Acceso a la Cultura (Platform on Access to Culture)
http://ec.europa.eu/culture/our-policy-development/doc1581_en.htm
Plataforma por una Europa Intercultural (Platform for Intercultural Europe)
http://www.intercultural-europe.org/site/
Plataforma sobre el potencial de las Industrias Culturales y Creativas (Platform on the Potential of Culture and Creative Industries)
http://ec.europa.eu/culture/our-policy-development/doc1583_en.htm
Estas plataformas funcionan a través de encuentros y grupos de trabajo en los que han elaborado distintos documentos de recomendaciones a lo largo de los últimos años. En estas tres plataformas las artes visuales tienen muy poca representación en comparación con otras disciplinas artísticas.
Una vez que estas plataformas han terminado varias fases de trabajo y han emitido sus recomendaciones, se encuentran en fase de reestructuración y de replanteamiento. Ya que se trata de redes de redes, para participar en todas ellas como organización individual hasta ahora ha sido necesario hacerlo a través de una red existente a nivel europeo. En estos momentos tanto la relativa al Acceso a la Cultura como la que concierne a las Industrias Creativas y Culturales se están replanteando la posibilidad de que puedan participar organizaciones individuales directamente, pero es algo que se está debatiendo justamente ahora.
III. Los principales temas objeto de discusión en los paneles comunes fueron:
• La digitalización como oportunidad aún no suficientemente explotada para desarrollar el potencial creativo del sector y alcanzar nuevas audiencias.
• La necesidad de incrementar la profesionalización de los agentes culturales e incrementar sus habilidades y conocimientos en el campo de la empresa y la gestión.
• El papel de la cultura como agente de desarrollo económico y social a nivel regional y local.
• El rol de los actores culturales en los cambios sociales y políticos que se están dando en terceros países, así como de qué modo la UE puede integrar a estos agentes culturales en sus acciones dirigidas a la promoción de los derechos humanos y la democracia en esos países.
En general las discusiones en los paneles comunes fueron muy generales y entraron poco en detalles específicos, salvando algunas presentaciones. Lo mismo ocurrió en la sesión informativa sobre la propuesta para el nuevo Programa “Creative Europe” que se está perfilando en esos momentos. Son de destacar dos ponencias:
a. La presentación de Pier Luigi Sacco “Culture for smart growth. The non-market channels” en la que dio a conocer distintos estudios que se están llevando en Italia que ofrecen argumentos originales sobre la importancia de la cultura en la sociedad, como el que destaca la participación cultural como el segundo factor más relevante para el bienestar psicológico de las personas estando sólo por delante la salud y por detrás los ingresos, la edad o la educación.
b. La presentación de Gerald Lidstone, Director del Institute for Creative and Cultural Entrepreneurship Goldsmiths de la Universidad de Londres sobre las actividades que está realizando su instituto en la creación de vínculos entre el mundo y el conocimiento de la empresa y las artes y la cultura.
La mayor parte de las presentaciones están disponibles en la web:
http://culture-forum-2011.ec.europa.eu/documentation.jsp
Las otras sesiones informativas a las que se pudo asistir fueron las relativas a las distintas plataformas, ya comentadas anteriormente, así como a la relativa a la Estrategia sobre los Derechos de Propiedad Intelectual que la Dirección General de Mercado Interior de la Comisión Europea está ultimando y cuyas principales líneas directrices serán: cambios en la gestión del copyright y en el sistema de licencias de manera que se facilite el acceso; la creación de un sistema unitario de protección de patentes; una mejora de la protección de las marcas; facilitar el acceso on-line a obras protegidas por los derechos de autor; y mejorar la cooperación en la lucha contra la piratería. Otro de los temas que se está estudiando en estos momentos en la Unidad de Copyright es la mejora del funcionamiento de las Entidades de Gestión así como de la forma en la que son gestionadas y gestionan a su vez los derechos de autor. Asimismo se hizo mención a la consulta pública sobre el derecho de participación que ha tenido lugar este año, en la que participaron bastantes organizaciones de nuestro sector.
Como se puede ver las líneas de actuación que se han perfilado desde el IAC están en consonancia con los principales temas de discusión que se están debatiendo a nivel europeo y que tendrán consecuencia en las políticas que se impulsen y se implementen a nivel nacional y autonómico en España en los próximos años
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Federico Castro. Los usos de la imagen CURSO DE ESPECIALIZACIÓN DEL CSIC Una mirada desde la Historia de la Ciencia
SESIÓN 1.ª: ANTES DE LA REPRODUCTIBILIDAD TÉCNICA
Introducción al curso y a la sesión:
Juan Pimentel – CONSEJO SUPERIOR DE INVESTIGACIONES CIENTÍFICAS,
Sandra Sáenz-López – CONSEJO SUPERIOR DE INVESTIGACIONES CIENTÍFICAS,
José Ramón Marcaida – UNIVERSIDAD DE DEUSTO – UNIVERSITY OF CAMBRIDGE
23/03/12, 15:30 h. Nuria Martínez de Castilla – UNIVERSIDAD COMPLUTENSE DE MADRID
La ciencia en el islam a través de sus manuscritos iluminados
23/03/12, 17:30 h. Mónica Herrera – UNIVERSIDAD DE BARCELONA
El lenguaje visual de la ciencia en la cartografía del cielo y la tierra de las sociedades islámicas medievales
30/03/12, 15:30 h. Laura Fernández – UNIVERSIDAD COMPLUTENSE DE MADRID
Ciencia sobre pergamino en tiempos de Alfonso X el Sabio
SESIÓN 2.ª: ANATOMÍAS DEL CUERPO Y DE LA TIERRA
Introducción a la sesión:
María Cruz de Carlos – UNIVERSIDAD AUTÓNOMA DE MADRID
30/03/12, 17:30 h. Irene González – UNIVERSIDAD COMPLUTENSE DE MADRID
El cuerpo medieval al desnudo: una mirada médica al arte de la Edad Media
13/04/12, 15:30 h. Javier Moscoso – CONSEJO SUPERIOR DE INVESTIGACIONES CIENTÍFICAS
La prehistoria de la objetividad: la ilustración anatómica desde Andrea Vesalio a William Hunter
13/04/12, 17:30 h. Sandra Sáenz-López – CONSEJO SUPERIOR DE INVESTIGACIONES CIENTÍFICAS
El mundo “a la mano” y el hombre en el mundo: imágenes cartográfi cas entre el Medievo y la Modernidad
SESIÓN 3.ª: EL TRIUNFO DE LA IMAGEN
Introducción a la sesión:
Juan Pimentel – CONSEJO SUPERIOR DE INVESTIGACIONES CIENTÍFICAS
20/04/12 15:30 h. Fernando Rodríguez de la Flor – UNIVERSIDAD DE SALAMANCA
La Compañía de Jesús y la cultura barroca de la imagen
20/04/12, 17:30 h. José Ramón Marcaida – UNIVERSIDAD DE DEUSTO – UNIVERSITY OF CAMBRIDGE
Ciencia y representación ‘del natural’. El poder de las imágenes en la cultura científica moderna
(Fecha por determinar) Felipe Pereda – JOHNS HOPKINS UNIVERSITY
La imagen como evidencia: teoría y práctica de la representación en la España del siglo XV
SESIÓN 4.ª: ILUSIONISMOS
Introducción a la sesión:
María Cruz de Carlos – UNIVERSIDAD AUTÓNOMA DE MADRID
27/04/12, 15:30 h. Juan Pimentel – CONSEJO SUPERIOR DE INVESTIGACIONES CIENTÍFICAS
Visiones de mundos perdidos. Ilustración y animación de la fauna extinta
27/04/12, 17:30 h. Alberto Corsín – CONSEJO SUPERIOR DE INVESTIGACIONES CIENTÍFICAS
Arte y ciencia del revés, o cómo pensar anamórficamente
04/05/12, 15:30 h. José Ramón Marcaida – UNIVERSIDAD DE DEUSTO – UNIVERSITY OF CAMBRIDGE
Trampantojos de la ciencia. Visualización barroca y conocimiento
SESIÓN 5.ª: LO QUE EL OJO NO VE: LA REPRESENTACIÓN DE LO INVISIBLE
Introducción a la sesión:
Sandra Sáenz-López – CONSEJO SUPERIOR DE INVESTIGACIONES CIENTÍFICAS
04/05/12, 17:30 h. Pablo Jarauta – ISTITUTO EUROPEO DI DESIGN
Lo que el ojo no ve, la lengua lo dice. Cartografías de lugares imaginarios
11/05/12, 15:30 h. Ana Lamata – UNIVERSIDAD COMPLUTENSE DE MADRID
La emergencia de otros modos de ver: la recepción de los rayos-x en la creación artística contemporánea
11/05/12, 17:30 h. Begoña Mosquera y María Alonso – FUNDACIÓN SANTA MARÍA LA REAL
La ciencia contemporánea aplicada al arte: ver lo que no vemos
Duración
30 horas, viernes de 15:30 a 19:30 h., del 23 de marzo al 11 de mayo de 2012
Plazas
30 alumnos/as (las plazas se cubrirán por estricto orden de matrícula)
Formalización de la matrícula
abonar 30 € en la cuenta del CCHS-CSIC: 0049-5134-35-2317224221, indicando en el concepto el nombre del curso, y rellenar el formulario de inscripción disponible en: http://www.cchs.
csic.es/es/content/cursos_de_postgrado_csic_cchs
Lugar de impartición
CCHS-CSIC · Sala “Ramón Carande” (2B8-2B23)
C/ Albasanz, 26-28 · Madrid 28037
Metro: Suanzes y Ciudad Lineal
Más información
Unidad de Postgrado y Formación del CCHS-CSIC
email: juanmanuel.lopez@cchs.csic.es · enrique.palma@cchs.csic.es
teléfonos: 916 022 635 · 916 022 871
Los usos de la imagen
CURSO DE ESPECIALIZACIÓN DEL CSIC
Una mirada desde la Historia de la Ciencia
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Javier Duero. Convocatoria: Art Clinic
Art Clinic es un proyecto especificamente dirigido a artistas y agentes del sector de las artes visuales. La filosofía del proyecto se sitúa entre el servicio de asesoramiento profesional y la práctica desarrollada por una estructura de mediación artística, aplicando metodologías de investigación basadas en la excelencia.
Art Clinic es un dispositivo de investigación y puesta en valor de lo creativo, que genera un contexto reflexivo y práctico sobre nuevas formas de producción artística y emprendizaje cultural. Las actividades son realizadas en grupos de trabajo, en sesiones de preparación (privadas) y de presentación y discusión (públicas). Los dos formatos de actividad establecidos son:
-Tutoriales: dirigidos a artistas /agentes con grado bajo-medio de experiencia, que presentan carencias en la formalización y organización de proyectos o que tienen problemas de inserción profesional.
-Sesiones críticas: dirigidas a artistas /agentes con grado medio-alto de experiencia, para tratar problemáticas concretas desde un punto de vista conceptual-procesual-curatorial-productivo, sobre proyectos en fase de desarrollo.
Las actividades estarán coordinadas por un equipo de mediadores y monitorizadas por profesionales invitados, especialistas en producción cultural, emprendizaje, comisariado, gestión, economía, sociología y comunicación.
Mediante una primera convocatoria pública de ámbito nacional (abajo enlace a bases y ficha de inscripcción) se realizará una selección de 5 artistas /agentes por sede colaboradora. En el proyecto participarán un total de 15 artistas y agentes culturales, 5 seleccionados por cada sede.
Esta primera convocatoria va dirigida a artistas y agentes culturales (educadores, mediadores, comisarios y productores) con grados bajo y medio de experiencia profesional, para tratar problemáticas concretas de proyectos en un formato de Sesión Crítica Intensiva [Clinic]. Se estudiarán proyectos en fase de investigación, desarrollo o ejecución que requieren una revisión desde un punto de vista conceptual-procesual-curatorial-productivo.
La presentación de conclusiones finales se realizará en la sede de Madrid y en la misma participará un proyecto seleccionado de cada sede, que será tomado como un estudio de caso en su presentación y publicación. Las actividades, resultados y conclusiones serán publicados en un blog como repositorio digital de los contenidos del proyecto.
Art Clinic es un proyecto iniciativa de Pensart Cultura que cuenta con el apoyo de la Secretaría de Estado de Cultura y la colaboración de El Hervidero (Gijón), Centro de Arte Puertas de Castilla (Murcia) y espacio trapézio (Madrid).
Bases y ficha de inscripción primera convocatoria:
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Convocatoria: Concurso para la contratación de un comisario para la participación en la Bienal de Arquitectura de Venecia 2012
Convoca:
Institut Ramon Llull.
Primer plazo:
20 de diciembre. Pre-proyecto.
Segundo plazo.
27 de enero. Ideas.
Adjudicación:
1 de febrero.
Bases: http://www.llull.cat/_esp/_convocatories/licitacions.shtml
El Institut Ramon Llull (IRL), entidad de promoción de la lengua y la cultura catalana y balear, convoca un concurso para la contratación de un comisario para la elaboración de un proyecto para la participación de Cataluña y las Islas Baleares en la 13 ª edición de la Bienal de Arquitectura de Venecia 2012, dentro del programa Eventi collaterali.
El proyecto será seleccionado por un jurado presidido por el arquitecto, Jordi Garcés, y formado por los vocales Lluís-Xavier Comerón, decano del Colegio de Arquitectos de Cataluña, Joan Morey Pizá, decano del Colegio Oficial de Arquitectos de las Islas Baleares, Fernando Marzá, arquitecto, vocal del Colegio de Arquitectos de Cataluña, Miguel Vadell Balaguer, arquitecto y responsable de la oficina de concursos del Colegio Oficial de Arquitectos de las Islas Baleares, Marta Vall-Llossera Fernando, arquitecta, Marta Malé-Alemany, arquitecta y directora en funciones del Instituto de Arquitectura Avanzada de Cataluña, Daniel Giralt-Miracle, crítico e historiador del arte y Àlex Susanna, director adjunto del Institut Ramon Llull.
El concurso de proyectos constará de tres fases:
La primera, de participación, finaliza a las 12 horas del día 20 de diciembre de 2011, y consiste en presentar un pre-proyecto que refleje las ideas generales de la propuesta del solicitante, de acuerdo con el marco conceptual y el presupuesto que se recogen en las bases. El resultado de esta primera fase se hará público el día 11 de enero de 2012. El jurado seleccionará un máximo de cinco pre-proyectos que pasarán a la segunda fase del concurso.
La segunda fase, de ideas, invitará a los seleccionados a desarrollar la propuesta inicial. Esta segunda fase finalizará a las 12 horas del día 27 de enero.
La tercera fase corresponde a la contratación y ejecución del proyecto ganador. El jurado dará a conocer el nombre del ganador el 1 de febrero del 2012.
Las condiciones y requisitos para participar en el concurso se establecen en las bases que se encuentran en la web del Institut Ramon Llull: www.llull.cat.
Publicado este 28 diciembre 2011. Archivado en Contexto | 0 comentario
The Empire State Essays Series de Anton Cabaleiro en Curate NYC
The Empire State Essays (Ensayos sobre el Estado Imperial ) del artista Antón Cabaleiro han sido seleccionados por el jurado de Curate NYC de entre más de 1,500 participantes.
La serie se expondrá en dos galerías de Nueva York: Crossing Art Gallery en Queens y Longwood Art Gallery en el Bronx.
Ensayos sobre el Estado Imperial es una serie de obras de animación en vídeo que presenta dos ideas contrapuestas de Nueva York.
Por un lado, aparece el Nueva York de cartón piedra, idealizado, aludiendo a nuestra idea predeterminada de la ciudad producto, presentada y difundida masivamente (a veces como telón de fondo y otras como absoluto protagonista) a través del cine, la televisión, la música o la literatura.
En contraste, se narran escenas de la cotidianidad basadas en experiencias vividas en la “Gran Manzana”, mostrando un día a día personal e íntimo, muchas veces solitario, reprimido y frustrante, que contradice y completa al mismo tiempo la primera idea de un Nueva York resplandeciente y glamuroso, lleno de oportunidades.
Nueva York posee una posición imperante sobre América y el resto del mundo. Las repercusiones de este Estado Imperial, van desde la expansión del inglés como primera lengua en todo el mundo, hasta la visión de un paisaje urbano que acumula cantidades ingentes de basura, pasando por las tensiones éticas y sociales que se entretejen.
Esta serie se sirve de mecanismos propagandísticos, extremadamente estéticos, para transmitir mensajes contradictorios de apariencia inocente y atractiva. Así se ofrece al espectador la oportunidad de reconsiderar una rutina que por su propia naturaleza repetitiva tiende a pasar inadvertida, y que puede ser tan hermosa como aterradora.
Anton Cabaleiro (Santiago de Compostela, 1977) es un artista visual que trabaja y vive en Nueva York. Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Vigo. Master en Arte y ordenadores por la School of Visual Arts de Nueva York, DEA en el Doctorado en Arte, Diseño y Tecnología por la Universidad Complutense de Madrid y Master en Arquitectura de Paisaje por la Universidad de Columbia.
Ha expuesto extensamente en Europa y Estados Unidos. Exposiciones pasadas incluyen: Bronx Museum of The Arts, Armory Show, King Juan Carlos Center de New York University, MAD (Museo de Arte y Diseño) Nueva York, Under the Bridge Festival, Dumbo, Brooklyn, MARCO (Museo de Arte Contemporáneo de Vigo) Vigo; el CAAC (Centro Andaluz de Arte Contemporáneo) Sevilla; ARCO, Madrid; el Instituto Cervantes de Beijing, China y Lisboa, Portugal; la Galería Marisa Marimon, Ourense; la Fundación Laxeiro de Vigo, la Galería Marlborough, Madrid; La Casa Encendida, Madrid, Loop. Feria Internacional de Vídeo de Barcelona; y la Visual Arts Gallery de Nueva York.
Enlaces a los vídeos en vimeo:
LONGWOOD ART GALLERY @ HOSTOS – Bronx
Exhibition dates are December 7, 2011 – February 1, 2012
SAVE THIS DATE: Wednesday, December 7, 2011. 5:00 – 9:00 pm. Opening
Longwood Art Gallery | The Bronx Council on the Arts 450 Grand Concourse
(at 149th Street) Bronx, NY 10451
CROSSING ART – Queens
Exhibition dates are December 10-31, 2011
SAVE THIS DATE: Saturday, December 10, 2011. 5:00 – 8:00 pm. Opening
Crossing Art 136-17 39th Avenue (Btwn. Main St & 138th St) Ground Floor Flushing, NY 11354
Videos:
http://vimeo.com/8856296
http://vimeo.com/8856973
http://vimeo.com/9214150
http://vimeo.com/14963567
Publicado este 28 diciembre 2011. Archivado en Actividades de los socios | 0 comentario
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