Fecha: 10 de Diciembre de 2011

Hora: 11-14 Mesa redonda

Equipo organizador: Nuria Fernández Franco gerente de la galería Espacio Liquido y Natalia García Fernández directora de NG Arte

Patrocinadores: Oficina de Turismo , Gobierno del Principado, Mediadvanced, Volvo Auto Salón y Guivax.
Colaborador: LABoral Centro de Arte y Creación Industrial
Otros Colaboradores: NH Gijón y Avantgarde

BCOLLECTOR: I Mesa redonda se celebrará, el sábado, 10 de diciembre, en el Chill-out de Laboral Centro de Arte y Creación Industrial bajo el lema “Coleccionistas y colecciones como dinamizadores del Arte”

Desde las 11 de la mañana hasta las dos de la tarde, cuatro coleccionistas de arte de referencia, Alicia Aza, Fernando Fernández, Narcís Pujol y Jaime Sordo, contarán sus experiencias reales sobre lo que es y cómo crear una colección, transmitiendo sus vivencias desde puntos de vista muy distintos. Muchos de los grandes coleccionistas se iniciaron en el mundo del coleccionismo con grandes dificultades: cuando sus propietarios eran estudiantes con pocos recursos, realizando pagos a plazos, sin una línea clara de actuación. Cómo abordar el desarrollo de una colección, sus dudas acerca de cómo enfocar la colección, dónde almacenarla, cómo conservarla, las trabas fiscalidad que genera y, por último, cómo se puede promocionar una colección de forma que sea una pieza que no muera una vez ha sido adquirida y llegue a convertirse en un “organismo vivo” son algunas de las cuestiones que plantearán en esta mesa redonda.

LABoral será la sede de este acto, moderado por Elena Vozmediano, crítica de arte de El Cultural. El Mundo. El Centro de Arte y Creación Industrial muestra así su compromiso con la difusión y mejor comprensión del arte y la cultura de nuestros días, uno de los objetivos que sustenta su actividad.

Coincidiendo con esta jornada, LABoral Centro de Arte y Creación Industrial dispondrá en el Chill-out un punto de documentación en el que los asistentes podrán acceder directamente al Archivo de Artistas Asturianos, una amplia base de datos para la consulta de información biográfica y profesional, con imágenes y textos descriptivos de los artistas nacidos o residentes en Asturias, cuya obra se desarrolla a partir de 1950. El Archivo de Artistas Asturianos se propone actuar como un agente de dinamización de la creación y la cultura contemporánea para Asturias. Además se incluirá amplia información, bibliografía, catálogos sobre cuestiones relacionadas con el coleccionismo.

Los testimonios de Alicia Aza, Fernando Fernández, Narcís Pujol y Jaime Sordo permitirán al público asistente -coleccionistas de hecho, potenciales coleccionistas, público interesado, público profesional- conocer de primera mano cuatro experiencias de coleccionismo, forjadas a partir de criterios muy diferentes desde sus inicios, el porqué de su colección, cómo los coleccionistas han promocionado sus colecciones y que beneficios ha obtenido con ello.

BCOLLECTOR: I Mesa redonda quiere también incidir en la generosidad de los coleccionistas, quienes lejos de buscar una rentabilidad económica a cada una de las obras que poseen, su principal objetivo es que éstas sean disfrutadas por el mayor número posible de personas.

Esta mesa redonda forma parte de la programación de la Semana de Arte Contemporáneo ALNORTE, que pretende incentivar el coleccionismo artístico como herramienta para exportar y enriquecer las artes plásticas.

Por la tarde se realizan visitas a diversas instituciones artísticas y galerías
Inscripción gratuita en la web: wwww.bcollector.net
Más información: info@bcollector.net

Aramis López Juan y Karin Ohlenschläger, miembros de la directiva del IAC y coordinadores de los trabajos que se desarrollan en la asociación en torno a la catalogación y conservación de audiovisuales artísticos, moderarán las sesiones de mañana y tarde el día 21 de octubre, con el tema Reflexión sobre la realidad de la práctica artística. Presentaremos y someteremos a debate nuestro Proyecto de Catálogo Digital de Ediciones de Fotografía, Vídeo, Registros Sonoros y otras Obras Artísticas Audiovisuales en Soporte Electrónico.

Viernes 21 de octubre de 12.00 a 14.30 h.
Pabellón 8. IFEMA

Aramis López Juan
Moderador
Doctor en Geografía por la Universidad de Alicante, Secretario del Instituto de Arte Contemporáneo, Conservador del MUA Museo de la Universidad de Alicante. Asumirá las labores de moderación y planteamiento en esta intervención.

Miguel del Valle Inclán
Ponente
Jefe del Servicio de Documentación de la Filmoteca Española. Director de la Biblioteca y Centro de Documentación del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía entre los años 1986 y 2010.

Ángel Fuentes
Ponente
Conservador y restaurador de patrimonio, especializado en fotografía. Socio fundador de la empresa CAAP, Conservación y Acceso a Archivos Patrimoniales, dedicada a dar servicios de conservación y
de conversión digital a fondos históricos.

Joan Boadas
Ponente
Director del Centre de Recerca i Difusió de la Imatge (CRDI), Girona. Comisionado del Consejo Internacional de Archivos (ICA) para los Archivos Fotográficos y Audiovisuales.

Silvia Noguer
Ponente
Jefa del Departamento de Conservación y Restauración del MACBA. Paralelamente a sus funciones en el hoy llamado MNAC fue fundadora del Grupo Español de Conservación de Arte Contemporáneo.

Jesús Robledano
Ponente
Docente en la Universidad Carlos III de Madrid desde 1996, en diversas áreas relacionadas con la documentación audiovisual, edición electrónica y aplicación de las tecnologías de la información a la documentación.

Viernes 21 de octubre de 16.00 a 18.00 h.
Pabellón 8. IFEMA

Karin Ohlenschläger
Moderadora
Comisaria de exposiciones especializada en arte contemporáneo y nuevos medios. Cofundadora y codirectora del MediaLab Madrid hasta 2006 y Vicepresidenta del Instituto de Arte Contemporáneo. Asumirá las labores de moderación y planteamiento en esta intervención.

Miguel Álvarez-Fernández
Ponente
Artista sonoro, musicólogo y comisario. Estudios de composición en el Conservatorio de San Lorenzo de El Escorial, ampliados en Alemania y en España en LIEM/CDMC, Aula de Música de Alcalá de Henares y GME de Cuenca. Desde 2008 dirige el programa semanal Ars Sonora en Radio Clásica (RNE).

Mónica Bello Bugallo
Ponente
Licenciada en Historia del Arte e investigadora cultural. Directora artística del premio VIDA de la Fundación Telefónica: Arte y Tecnología. Anteriormente fue responsable de programas educativos de LABoral Centro de Arte y como comisaria independiente desarrolló el proyecto Cápsula (junto a Ulla Taipale).

Teresa Luesma
Ponente
Directora del Centro de Arte y Naturaleza. Licenciada en Historia del Arte, Universidad de Zaragoza. Profesora en el master en Museos: Educación y Comunicación de la Universidad de Zaragoza y en el curso: Arte, cultura y mercado, dentro del marco del programa europeo.

Mira Bernabeu
Ponente
Artista visual y codirector de de Espaivisor-Galería Visor. Licenciado en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia, realiza paralelamente estudios de psicología. Amplía su formación en el Goldsmiths College de Londres.

Programa completo en pdf:
Foro de arte múltiple IAC/Estampa

Colaboran la Fundación Telefónica, la Fundación Pilar i Joan Miró, el Grupo de Investigación dx5 de la Universidad de Vigo y el Instituto de Arte Contemporáneo, todos coordinados por Javier Blas.

Las conferencias, -grabación, transcripción y traducción- están disponibles en la web, www.fundacionarteymecenazgo.org

The New!Museum?, a cargo de Chris Dercon, Director de Tate Modern, Londres.

Conferencia Chris Dercon, Círculo Arte y Mecenazgo.
CaixaForum Barcelona, 9 de mayo de 2011.

Las conferencias, -grabación, transcripción y traducción- están disponibles en la web, www.fundacionarteymecenazgo.org

The New!Museum?, a cargo de Chris Dercon, Director de Tate Modern, Londres.
Coleccionismo y Mecenazgo en el siglo XXI, a cargo de Glenn Lowry, Director del MoMA, Nueva York

Conferencia Glenn Lowry, Círculo Arte y Mecenazgo.
CaixaForum Madrid, 14 de marzo de 2011.

El crítico, editor, profesor y comisario de exposiciones español David Barro (Ferrol, 1974) será el hombre fuerte de la undécima edición de Arte Lisboa 2011, que tiene abierto su plazo de candidaturas hasta el próximo 15 de julio. Barro se encargará del área de Proyectos, que es la propuesta paralela más importante que tiene lugar durante la celebración de la feria lisboeta. El año pasado esta responsabilidad recayó en la comisaria Filipa Oliveira, co-directora de la plataforma curatorial con base en Lisboa Filipa Oliveira + Miguel Amado.

David Barro, que cuenta con una dilatada trayectoria dentro de la gestión cultural en distintos ámbitos como el comisarial y el editorial, por citar sólo dos, también tiene experiencia en eventos feriales, al haber sido director artístico de la feria de arte de Vigo Espacio Atlántico en 2010. Barro no sólo será el encargado de seleccionar los proyectos que se verán el próximo otoño en Arte Lisboa 2011. Además también tendrá un papel destacado en otra de las habituales programaciones paralelas como es el Ciclo de Debates, ya que en esta edicíón este ciclo se desarrollará en colaboración con la revista DARDO, de la que es co-fundador y director. Recordar que hasta el pasado mes de abril compartía esa fundación y dirección con el fallecido crítico y comisario brasileño Paulo Reis, hasta entonces también director del centro de exposiciones CARPE DIEM-Arte e Pesquisa de Lisboa.

Por otro lado, el Programa de Coleccionistas estará coordinado por la asesora artística de la feria, la comisaria española Mónica Álvarez Careaga, que el año pasado ya formó parte del Comité de Selección, junto a los directores de las galerías Filomena Soares, 111 y Módulo. Careaga, que dirige la consultora de arte y cultura AC2 (Alvarez Careaga Arte Contemporáneo), con oficinas en Santander y Lisboa, es también responsable del Collectors and VIP Program de Swab – Feria Internacional de Arte Contemporáneo de Barcelona.

Arte Lisboa, la feria de arte contemporáneo de Portugal, se celebrará del 23 al 27 de noviembre en el pabellón 4 de la FIL – Feira Internacional de Lisboa, en el Parque de las Naciones de la capital portuguesa. En ella está previsto que se den cita 60 galerías de arte moderno y contemporáneo, junto a una sección de revistas e iniciativas editoriales.

Dentro del entramado de agentes profesionales en el sector del arte contemporáneo, se encuentra la figura del coleccionista. La velocidad en el arte así como su multiplicidad de formas y tiempos conlleva la aparición de nuevas ideas sobre cómo entender lo que significa una colección de arte contemporáneo. La figura del coleccionista se adapta a los ritmos de los artistas, de las obras, de las posibilidades y, al mismo tiempo, marca líneas de trabajo, intenciones y deseos.

La colección supone una escritura de historias, de miradas y preguntas, define aproximaciones a lugares y momentos. En un mundo definido por lo visual, las colecciones de arte se convierten en retratos del momento, en puntos de partida para posibles futuros.

espacio trapézio entiende que el entramado artístico necesita de comunicaciones internas entre los distintos nodos, necesita de la presencia de sus agentes para que se establezcan diálogos, debates y exista un trasvase de información real con la voluntad de mejorar la situación actual. Se acoge una actividad de The Rich Collection, una colección de arte contemporáneo que incorpora obras de artistas establecidos como Jonathan Meese, Raymond Pettibon, Nathalie Djurberg, y emergentes como Momu & No es, Cristina Llanos y Abdul Vas.

Con la voluntad de mostrar el trabajo y las ideas que se encuentran en una colección, espacio trapézio abre su programación a una presentación y debate de la mano de The Rich Collection.

Artistas presentes en la colección: Hernan Bas, Tal R, Jonathan Meese, Eliezer Sonnenschein, Bea Fremderman, Raqib Shaw, Nathalie Djurberg, Brad Kahlhamer, Armen Eloyan, LucTuymans, Conrad Shawcross, Swetlana Heger, Abdul Vas, Dan Attoe, Riiko Sakkinen, Terence Koh, Petra Cortright, Dash Snow, Cristina Llanos, Momu & No es, Abel Auer, Peter Doig, Yoshitomo Nara, George Condo, Nina Chanel Abney, Franz Ackermann, Raymond Pettibon.

Presentación de The Rich Collection en espacio trapézio
Miércoles 22 de junio, a las 20 h.

20,00 h.
Presentación de la colección. Antonio Rich, director TRC
20.15 h.
Conversación “Coleccionar Arte Emergente”. Participan:
*Raúl Zamudio Taylor. Comisario independiente. Nueva York, EE.UU
*Gerardo Contreras. Galería Preteen. México D.F.
*Luisa Fuentes Guaza. Comisaria independiente. Madrid, España
21.30 h.
Cocktail en la terraza

espacio trapézio
Mercado de San Antón, 2ª Planta
Augusto Figueroa, 24
Madrid

Estas jornadas han sido producidas por el Ministerio de Cultura y organizadas por la Subdirección General de Promoción de las Bellas Artes del Ministerio de Cultura, la Asociación de Amigos de ARCO, la Fundación Lázaro Galdiano y la Fundación María José Jove.

En ellas se pretende crear un espacio propicio para el debate sobre la actual situación del coleccionismo privado de arte contemporáneo, invitando a la reflexión sobre los vínculos entre éste y las instituciones públicas.

DIÁLOGOS SOBRE COLECCIONISMO DE ARTE
Durante los próximos 17, 18 y 19 de mayo se realizarán una serie de diálogos que ponen en contacto a prestigiosos críticos con coleccionistas. Estrella de Diego y Helga de Alvear, Gloria Moure y José María Civit, Lola Jiménez Blanco y Leandro Navarro, expondrán sus puntos de vista sobre el estado de la cuestión.

ENCUENTRO PROFESIONAL
El 18 de mayo, en horario de mañana, tendrá lugar un Encuentro Profesional titulado Arte Contemporáneo: Coleccionismo Privado Destino Público, en el que coleccionistas y representantes de instituciones museísticas compartirán experiencias sobre el tema. El encuentro, dirigido por Carlos Urroz, contará con la participación de: David Álvarez, presidente de las Bodegas Vega Sicilia y vicepresidente de la Asociación Colección Arte Contemporáneo; Helga de Alvear, galerista y coleccionista; José María Civit, coleccionista; María de Corral, comisaria; Roser Figueras, Colección Cal Cego; Enrique Ordóñez, presidente de la Fundación Centro Ordóñez-Falcón de Fotografía; Antònia Maria Perelló, jefa de la Colección del MACBA; y Miguel Von Hafe, director de CGAC. Al final de la sesión se elaborarán unas conclusiones que serán distribuidas a instituciones y profesionales interesados.

PROGRAMA

MARTES 17 DE MAYO 19:00 h
Presentación de las jornadas y Diálogo entre Estrella de Diego y Helga de Alvear Auditorio de la Fundación Lázaro Galdiano Entrada libre

MIÉRCOLES 18 DE MAYO 10:00 – 13:00 h
Encuentro Profesional Arte Contemporáneo: Coleccionismo Privado Destino Público. Dirigido por Carlos Urroz y con la participación de David Álvarez, presidente de las Bodegas Vega Sicilia y vicepresidente de la Asociación Colección Arte Contemporáneo; Helga de Alvear, galerista y coleccionista; José María Civit, coleccionista; María de Corral, comisaria; Roser Figueras, Colección Cal Cego; Enrique Ordóñez, presidente de la Fundación Centro Ordóñez-Falcón de Fotografía; Antònia Maria Perelló, jefa de la Colección del MACBA; y Miguel Von Hafe, director de CGAC.

Sesión de trabajo no abierta al público 19:00 h Diálogo entre Gloria Moure y José María Civit Auditorio de la Fundación Lázaro Galdiano Entrada libre

JUEVES 19 DE MAYO 19:00 h
Diálogo entre Lola Jiménez Blanco y Leandro Navarro Auditorio de la Fundación Lázaro Galdiano Entrada libre

Fundación Lázaro Galdiano
Serrano, 122
28006 Madrid

Mesa de presentación de un futuro seminario, a celebrar durante 2011, que tiene como objetivo abordar la situación actual del coleccionismo del arte contemporáneo español, tanto público como privado, en un momento de crisis económica. La primera mesa redonda que preside lo que vendrá a ser el Seminario sobre Coleccionismo bajo el título “CÓMO NACE UNA COLECCIÓN”.

Se pretende obtener una reflexión conjunta del panorama y del sector en la actualidad, además de recoger diversos ejemplos de coleccionismo actual, analizando: desde como nace una colección a cómo se gestiona, siempre, bajo el punto de vista del apoyo al arte español.
En esta mesa de presentación se hará un análisis de la actual situación del coleccionismo de arte en España,
se planteará el status quo del coleccionismo de arte español, en el que intervendrán :
Fernando Castro Flórez que nos hablará desde su posición y experiencia como asesor de algunas de las colecciones más importantes españolas.
Fernando Sinaga, quien nos hablará de su propia experiencia como artista cuya carrera se ha venido desarrollando desde principios de los 80 hasta hoy. En su amplia trayectoria su obra ha venido situándose en colecciones privadas y públicas. Nos presentará algunos modelos destacables de coleccionismo.
Nacho Ruíz de la galería T20 de Murcia, nos hablará desde su experiencia como galerista acerca de la formación de colecciones, modelos de coleccionista y situación del mercado actual.
Martín Lejarraga, arquitecto y coleccionista, planteará cuales han sido sus inquietudes para formar su colección, sus primeros acercamientos al arte y relaciones e implicaciones actuales.

Modera: Begoña Martínez.

La conferencia tendrá lugar el viernes 1 de octubre a las 20 h, en la sede del Club Información de Alicante, Avda. Doctor Rico 17.

Catálogo completo
Además, el Ayuntamiento de Málaga realizará y editará un catálogo que incluya la totalidad de las obras que deberá hacerse coincidiendo con la primera exposición de los fondos. Con este compromiso de cesión, el consistorio se hace cargo del traslado, medidas de seguridad, seguro de las obras y mantenimiento. El alcalde de Málaga ha agradecido la generosidad de Riera al ceder “sin ninguna contrapartida económica” estas obras, que permitirán “reforzar la colección permanente del CAC Málaga”. De la Torre ha manifestado que las obras podran verse en la ciudad “en cuestión de días”.
Carmen Riera ha destacado de su colección la obra Pillar (2003), una creación de Kapoor de dos metros y medio de altura y metro y medio de diámetro. “Es una pieza que no se ha expuesto nunca, viene directa del estudio del artista” y Riera tuvo muchos problemas para comprarla, porque el galerista “sólo quería venderla a un museo o a una fundación, no a un particular”.

Historia de una colección
El galerista y coleccionista de arte Salvador Riera (1928-1994) llegó a reunir más de 1.700 obras de 131 artistas. Fundador en 1974 de la galería Dau al Set, donde se expusieron las obras de su colección, reivindicó artistas y movimientos de las vanguardias históricas, que contenían tanto obras de artistas de Cataluña, como creadores vinculados a ella. Posteriormente, y siguiendo una línea más comprometida con la actualidad internacional, Salvador Riera mostró al público catalán artistas claves de los años 80, que ya formaban parte de la historia del arte contemporáneo: J. M. Basquiat, Andy Warhol, Clemente, Cucci, Chia, Salle o Cenolo. Además, la galería apoyó artistas jóvenes, dándolos a conocer en otras ciudades y países.
En 1993, la Generalitat de Cataluña compró a Riera la mayor parte de su colección de arte por 2.000 millones de pesetas, si bien en aquellos momentos estaba valorada en más de 4.700 millones. Entre los artistas presentes en la colección se encuentran Ramón Casas, Rusiñol, Miró, Dalí, Barceló, Tàpies, Sicilia, Clemente y Condo.

Amor al arte
Carmen Riera ha recordado en el acto de firma de la cesión que llegó al coleccionismo de la mano de su marido, quien le transmitió “su amor por el mundo del arte y su sabiduría”. Después de enviudar, Riera se trasladó junto a su familia a vivir a Londres y comenzó su propia colección de arte, en la que seleccionó “personalmente pieza por pieza”, por lo que detrás de cada una “hay casi siempre una historia entrañable”.
Carmen Riera es patrona de la Fundación Godia, miembro del Comité Latinoamericano de Adquisiciones de Tate Modern, benefactora del Museu d’Art Contemporàni de Barcelona, socia protectora del Museu Nacional d’Art de Catalunya, del Patronato del Concurso Internacional Maria Canals, miembro del Círculo del Liceo de Barcelona, miembro del Círculo Ecuestre de Barcelona, miembro Internacional del Museo Guggenheim y del Comité Ejecutivo del English National Ballet, Londres (1994-2004). Además, ha formado parte de diferentes jurados de pintura.

SÁBADO, 28 DE MARZO DE 2009 00:00 HOYESARTE.COM

Sevilla. Arte y mercado. Centro Cultural Cajasol, c/ Laraña nº4
Hasta el jueves 26 de marzo de 2009

MIÉRCOLES, 25 DE MARZO DE 2009 12:39 HOYESARTE.COM

El editor de prensa y coleccionista de arte balear Pedro Serra, cuyos fondos de arte estuvieron en el origen, a través de la Fundación d’Art Serra, de la creación de Es Baluard, Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Palma, podría retirar parte de los mismos para llevarlos a la ciudad de Málaga, según recoge La Opinión de Málaga. Se trata de un grupo de 90 obras, valoradas en 3,98 M. de Euros y cuyo depósito se hizo sólo por 4 años, que habría expirado a finales de 2007. Entre otros autores, hay en este fondo obras de Eduardo Arroyo, Balthus, Basquiat, Ñaco Fabré, Rebeca Horn, Anselm Kiefer, Pep Llambías, René Magritte, Joan Miró, Ràfols Casamada, Nicolas de Staël, Antoni Tàpies, Vasarely, Signar Polke o Llorenç Rosselló.

Dentro de estas amigables relaciones entre el coleccionista y la ciudad de Málaga, el diario Sur ha recogido también la posibilidad de que unas 30 obras de Picasso (cerámicas, obras gráficas y dibujos), propiedad del coleccionista, acaben incorporándose al catálogo de la Fundación Picasso-Museo Casa Natal, en Málaga.

Por contra, las relaciones entre el coleccionista -que acaba de ser distinguido con la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes a propuesta del Ministro de Cultura- y la dirección del museo balear, ahora en manos de Cristina Ros, no parecen atravesar por su mejor momento a juzgar por el titular que le dedica Ultima Hora, uno de los diarios del editor, que se hace la siguiente pregunta: “Es Baluard, ¿museo o sala de exposiciones?” con un subtítulo que apunta que “Un grupo de expertos analiza la nueva etapa del centro, en la que las muestras temporales han arrinconado a la colección permanente”.

Una colección, que además de las obras que ahora podrían retirarse, incluye otras 192 obras, cedidas por 30 años y valoradas en 5,98 M. de Euros, entre las que destacan nombres como Anglada Camarasa, Miquel Barceló, André Masson, Joaquim Mir, Joan Miró, Manuel Hernández Mompó, Robert Motherwell, Pablo Picasso, Juli Ramis, Santiago Rusiñol, José Mª Sicilia, Antoni Tàpies o Wolf Vostell. Otras 67 obras fueron donadas al Ayuntamiento de Palma en 2004 para donarlas posteriormente al museo que fueron valoradas en 1,2 M. de Euros, destacando autores como Karen Appel, Miquel Barceló, Joan Bennassar, Miguel Ángel Campano, Luis Feito, Juan Genovés, Archie Gittes, Hans Hartung, Mati Kleirwein, Wilfredo Lam, Antonio Miralles, Joan Miró, Labra, Peter Phillips, Fabricio Plessi, Juli Ramis, Antonio Saura, o José Mª Sicilia.

En los últimos años el museo balear ha incorporado otros fondos, entre los que destacan los adquiridos a finales del pasado año, tras la constitución de la comisión de adquisiciones, a la que precisamente se incorporó Fernando Francés, director del Centro de Arte Contemporáneo de Málaga (CAC), dependiente también del ayuntamiento de Málaga. Fueron 403.000 Euros los invertidos en obras de Lida Abdul (Kabul, 1973), Marina Abramovic (Belgrado, 1946), Chema Alvargonzález (Jerez, 1960), Christian Boltanski (París, 1944), Daniel Canogar (Madrid, 1964), Lawrence Carroll (Austrialia, 1954), Toni Catany (Mallorca, 1942), Joan Cortés (Mallorca, 1964), Ñaco Fabré (Mallorca, 1965), Zhang Huan (China, 1965), Aitor Ortiz (Bilbao, 1971), Thomas Ruff (Alemania, 1958), Amparo Sard (Mallorca, 1973) y Joana Vasconcelos (París, 1971).

CAA supports the Codes of Ethics of the American Association of Museums and the Association of Art Museum Directors, which clearly state that works of art in museum collections are held as a public trust and that any proceeds of sales must only support the acquisition of new works. However, perceiving an entire art collection as a disposable financial asset and then dismantling that collection wholesale to cover other university expenses is deeply troubling for all college and university collections.

The closing of the museum at Brandeis will be devastating to the academic community, not only affecting our colleagues at the museum and students and faculty in the Department of Fine Arts, which offers programs in both studio art and art history, but also depriving the entire arts-loving public in New England and around the world. The teaching of art and art history in higher education is untenable without the direct study of physical works of art, and it appears the Brandeis Board of Trustees has disregarded the kind of scholarship and creativity that have been the hallmark of CAA members for nearly one hundred years.

According to news reports, neither Brandeis University nor the Rose Art Museum is on the brink of economic collapse, nor are they unable to maintain the collections. Given that no clear explanation has been offered on the school’s financial exigencies, the closure of the Rose Art Museumand the sale of its collection appear to be in violation of professional museum standards and of academic transparency and due process; the decision also demonstrates a lack of academic responsibility and fiduciary foresight. We appeal to the Trustees of Brandeis to revisit and reverse their decision.

Paul B. Jaskot
Executive Director, College Art Association
Professor of Art History
Department of the History of Art and Architecture
DePaul University

Linda Downs
President, College Art Association

Should you wish to join a solidarity Facebook group, and invite your friends, please go to this page: http://www.facebook.com/group.php?gid=51104717530

Tiraron la cúpula de Carabanchel. El acto fue perpetrado con premeditación, nocturnidad y alevosía. Las grandes máquinas empezaron destruyendo una de las galerías radiales y, abriéndose camino por encima de los escombros, llegaron al panóptico central que era su objetivo desde el primer momento. El viernes 24 de octubre de 2008 no hubo descanso al final de la jornada: a eso de las nueve de la noche la cúpula fue atacada por la zarpa de acero, y empezaron a caer los primeros fragmentos de aquella prodigiosa cáscara de hormigón. De nada sirvieron los gritos indignados de los vecinos, que asistían impotentes al mayor crimen arquitectónico de la España contemporánea. La actividad demoledora continuó, con espectral iluminación artificial, hasta que se oyó un ruido estremecedor, acompañado de un gran chispazo, y las máquinas cesaron abruptamente de funcionar. Eran, casi, las doce de la noche. El domingo 26 sólo quedaba la mitad de la semiesfera, y se toleró la entrada en el recinto de unos dos centenares de manifestantes, los cuales pudieron contemplar de cerca (o más bien velar) el cadáver informe de aquella estructura. Era evidente que, una vez dañado de modo irreparable el corazón de la antigua cárcel, por cuya salvación tanto habían luchado varios colectivos ciudadanos, ya no corría tanta prisa finalizar el derribo, y de ahí que pasaran varias jornadas de inactividad hasta que el resto de la cúpula se derrumbó por completo. Sucedió eso el 10 de noviembre, sólo unos días antes de que se conmemorase el 33 aniversario de la muerte de Francisco Franco, el ominoso dictador que había mandado construir aquel penal.

Este cupulicidio supuso la destrucción de la semiesfera de hormigón más grande de España, y puede que no hubiera en todo el mundo un ejemplo, con la misma técnica, comparable al de la antigua cárcel de Carabanchel. No olvidemos que nuestro país ha sido la cuna de los grandes maestros en ese tipo de soluciones, con figuras geniales como Eduardo Torroja o Félix Candela, sin cuyo ejemplo habría sido imposible llevar a cabo semejante panóptico, con una cúpula hermosísima de ¡33 metros de diámetro! (Maldita coincidencia numérica: ¿hay algún supersticioso?). El edificio en cuestión era el último gran ejemplo de la tipología carcelaria que había inventado Jeremy Bentham a finales del siglo XVIII y que se basaba en la construcción de una torre central desde la que podía vigilarse a los presos situados en galerías radiales. La obsesión franquista por el control represivo, llevó hasta el paroxismo ese modelo, haciendo aquí un edificio casi expresionista, esquinado y delirante, con galerías trapezoidales que favorecían la observación de todas las celdas desde el cilindro cupulado. El exterior, en cambio, limpiamente metafísico, presentaba una rara afinidad estética con las poéticas ulteriores de la tendenza y de la postmodernidad de los ochenta (no lejos del universo de Venturi, Rossi, etc.). Pero han sido inútiles las protestas, las apelaciones a la memoria histórica, la petición de clemencia del Defensor del Pueblo, o las invitaciones a la cordura de arquitectos e intelectuales varios: se ha tirado un monumento único para que alguien saque provecho de un solar. ¿No suena familiar? Y todo ello en medio de una grave crisis económica, cuando parece muy dudosa nuestra capacidad para llevar adelante obras de envergadura. ¿Por qué tanta prisa en derribar Carabanchel cuando es poco probable que se pueda construir inmediatamente otra cosa en su lugar?

Pero hay más: el azar, tercamente “objetivo” en esta ocasión, ha hecho que el desaguisado coincida con la solemne inauguración de otra cúpula, pagada con dinero español, en la ciudad de Ginebra. Me refiero a la techumbre de la Sala XX del Palacio de las Naciones que será, a partir de ahora, la “Sala de los Derechos Humanos y la Alianza de Civilizaciones”. Qué gran hazaña la de Miquel Barceló, han repetido una y otra vez, durante estos días, los medios de comunicación. Al frente de un nutrido equipo de técnicos de variado pelaje, ese artista mallorquín ha llenado los 1.400 metros cuadrados de su techumbre circular con una multitud de estalactitas de resina y luego las ha coloreado usando, según parece, hasta 35.000 kilos de pintura. Le hemos visto en los reportajes televisivos vestido de astronauta, o de soldado hipotético de una guerra bacteriológica, empuñando una especie de cañón con el que disparaba convulsos esputos de pintura sobre los indefensos colgajos del techo. Era un superespray, versión delirante del humilde instrumento usado por los grafiteros que habían dejado su impronta en la cárcel de Carabanchel. Su obra pretende evocar a un mar invertido, ha dicho Barceló. Es decir, el mundo al revés. También parecen unas nuevas cuevas del Drach (por mencionar un referente familiar al autor), convirtiendo la iluminación kitsch multicolor, típica de estos lugares turísticos, en algo permanentemente adherido a las caprichosas configuraciones (pseudo)cársticas.

En fin, a Ginebra se han ido, en vísperas del 33 aniversario de marras, los Reyes de España, el Presidente del Gobierno, el Ministro de Asuntos Exteriores, el Secretario General de la ONU, el Presidente de Turquía y un nutridísimo séquito de acompañantes ilustres, de la política y la cultura. Muchos de ellos han hecho declaraciones, como el director del Museo del Prado, que ha llegado a comparar el techo de Barceló con Manet o Rothko, y más específicamente con la cueva de Altamira. El coste total ha sido astronómico: 20 millones de euros, seis de los cuales han ido íntegramente a las arcas, ya intergalácticas, del cosmoartista Barceló. Pero un anónimo difundido estos días en la red ha señalado una coincidencia: la cúpula de Carabanchel y la de Ginebra, aunque muy distintas entre sí, ¡tienen aproximadamente las mismas dimensiones! Es inevitable además relacionarlas por la secuencia histórica de los acontecimientos. Y aquí nos estalla en la cara la Gran Contradicción: ¿Qué alianza de las civilizaciones vamos a promover desde Ginebra si no somos capaces de asumir en casa nuestra propia memoria histórica? ¿Cómo vamos a proyectar al mundo otra cosa que no sea “arte midcult” cuando ignoramos la calidad arquitectónica y artística verdadera que tenemos más a mano? ¿Cómo saldremos de esta crisis económica si lo único que se nos ocurre es destruir y despilfarrar lo (poco) que tenemos? ¿No es esa farsa estética de la cúpula de Ginebra la otra cara, inevitable, del derrumbamiento moral que ha supuesto la caída de Carabanchel?

In a salesroom overflowing with collectors like the actor Steve Martin, the financier Eli Broad and the fashion designer Valentino, Sotheby’s barely managed to sell $125.1 million worth of contemporary art on Tuesday night, well below the low estimate of $202.4 million.

“It was a half-price sale,” said Mr. Broad, who went on his first shopping spree in several years. In less than 90 minutes, he dropped more than $8 million (including Sotheby’s fees) on works by Ed Ruscha, Jeff Koons, Robert Rauschenberg and Donald Judd.

Bidding was fairly sparse throughout the night — of the 63 lots offered, 20 failed to sell. But some art was coveted. The evening’s star was an Yves Klein wall relief from 1960 featuring the artist’s signature rich saturated blues. It was being sold by Magnus Lindholm, a Swedish collector, and was estimated at more than $25 million. It brought $19 million, or $21.3 million with fees: under the estimate, but still hefty.

(Final prices include the commission to Sotheby’s: 25 percent of the first $50,000, 20 percent of the next $50,000 to $1 million, and 12 percent of the rest. Estimates do not reflect commissions.)

“At the right level, the market exists,” said Tobias Meyer, the head of Sotheby’s contemporary art department worldwide and the evening’s auctioneer. “But the audience is smart and seasoned.” He said prices had rolled back to 2006 levels.

But when Mr. Meyer and Sotheby’s experts were putting together Tuesday night’s sale, it was summer and the world was a far richer place. So was Sotheby’s, which agreed to financial deals that might have seemed sensible months ago but made for what must have been an expensive evening for the house.

Philip Guston’s “Beggar’s Joys,” for instance, went on the block with a big guarantee, an undisclosed sum promised the seller, in this case Donald L. Bryant Jr., a New York collector.

Mr. Bryant, watching the auction in a skybox above the salesroom, looked intent when his work came up for sale. Executed in 1954-55, the abstract canvas of lush reds and pinks attracted only one bidder, Mary Zlot, a San Francisco art adviser. Prices have soared since 1996, when Mr. Bryant paid a record $1.7 million for the work at Christie’s in New York. Sotheby’s experts estimated it would bring around $15 million. So confident were they that it is said they gave Mr. Bryant a guarantee of around $18 million. In the end, Ms. Zlot paid $9 million, or $10.1 million with fees.

Another big-ticket item, and the cover image of the sale’s catalog, was “Half Face With Collar,” a comic-strip painting from 1963 by Roy Lichtenstein, but it was one of the evening’s many casualties. Gian Enzo Sperone, an Italian dealer, was the seller. Estimated at $15 million to $20 million, it had no takers. Sotheby’s is thought to have guaranteed it for about $15 million.

Mr. Sperone wasn’t the only dealer selling work that Sotheby’s had guaranteed. Anthony d’Offay, a London dealer, was parting with several items, like Cy Twombly’s “Untitled (A Painting in Two Parts) (Bassano in Teverina),” a 1986 abstract Roman landscape that was estimated at $4 million to $6 million. Two bidders went for the painting, which sold to the same telephone bidder who bought the Klein. The price was $4.2 million, or $4.7 million including Sotheby’s fees. Mr. d’Offay was also selling Jeff Koons’s “Wishing Well,” a mirror with an elaborate gilded wood frame. It was one of the more popular works, with four bidders wanting to take it home. Mr. Broad succeeded in outbidding them, paying $2.1 million, under its $2.5 million low estimate.

It was obvious throughout the evening that Sotheby’s had worked hard to persuade sellers to lower their expectations. Many works sold, therefore, but for well below their estimates. A 1991 painting by Lichtenstein, “Interior With Red Wall,” brought only $6.2 million, or $7 million with commission, from a lone telephone bidder. It had an estimate of $8 million to $10 million. Tom Wesselmann’s “Great American Nude #21,” a 1961 Pop collage, seemed like a bargain when it sold to a telephone bidder for $3.6 million, or $4.1 million with fees. It had been priced at $6 million to $8 million.

Last season, the market could not get enough of Richard Prince’s nurse paintings. (One at Sotheby’s in London this summer fetched $8.4 million, a record for the artist at auction.) Several more are at auction this week. On Tuesday night, “Everglade Nurse,” a 2003 image in which the nurse’s seductive eyes stare from the canvas, was estimated at $4 million to $6 million. A telephone bidder was able to snag it for a mere $3 million, or 3.4 million with fees.

There was no bargain to be had when it came to a painting by John Currin. Dean Valentine, a Los Angeles collector, was selling “Nice ’n’ Easy,” a 1999 painting of two Renaissance-inspired nude women that Sotheby’s had priced at $3.5 million to $4.5 million. Three people bid, and it sold for a record price of $5.4 million.

Two minor works by Damien Hirst, both made last year, were up for sale. After his landslide auction in London in September, observers wondered whether the Hirst appetite would subside. “Ethionamide,” a dot painting, went without a bid. Its estimate of $1 million to $1.5 million seemed expensive. But “Midas of Phrygia,” a round, gold canvas dotted with butterflies, brought $700,000, or $1 million with Sotheby’s commission, from an unidentified buyer, well below its $1.2 million to $1.5 million estimate.

Buyers were clearly careful about parting with their cash, wondering if better bargains were around the corner. “I don’t think we’ve reached the bottom yet,” Mr. Broad said as he was leaving Sotheby’s after the sale. “We may be close.”

This article has been revised to reflect the following correction:

Correction: November 13, 2008

An article in some copies on Wednesday about an auction of contemporary art at Sotheby’s in New York misstated the month of a major auction of art by Damien Hirst, who had two works for sale at Sotheby’s. It was in London in September, not in June.

El autor tiene que recibir el 3% del precio cada vez que se revende por 1.800 euros

MADRID.- En España, el autor de una obra plástica tiene que recibir el 3% del precio cada vez que ésta se revende por más de 1.800 euros, pero ese derecho sólo se abona si él o sus herederos así lo reclaman, algo que se cambiará por ley, con los galeristas y los artistas enfrentados por los límites y las formas.

El problema, según han explicado los galeristas y representantes de autores que han comparecido en la Comisión de Cultura del Congreso, donde se debate la ley, es que a unos el que el mínimo por el que se generen derechos de autor se suba a 3.000 euros les parece “apropiado” y, a otros, un “desaguisado” porque dejarán de cobrar derechos el 78% de los artistas españoles, que venden por debajo de esa cantidad.

La UE establece sobre el llamado “derecho de participación” en beneficio del autor de una obra de arte original, que el “canon” es obligatorio, no voluntario, y que, cuando el autor no está identificado porque haya fallecido sin herederos habientes, debe ingresarse en una entidad de gestión colectiva de derechos, aunque deja discrecionalidad al país sobre el umbral mínimo.

Al artista Luis Gordillo elevar el tope mínimo a 3.000 euros le parece “decididamente mal” y por eso ha asistido, en compañía de Joan Genovés, Antonio Fraguas, Antón Patiño y Valentín Vallhonrat, a la comparecencia en la Comisión de Juan Gutiérrez Vicén, el director de Visual Entidad de Gestión de Artistas Plásticos (VEGAP).

Al director de la VEGAP, a la que están asociados 1.800 artistas españoles, le parece “inasumible” elevar a 3.000 euros el tope, “muy bueno” que sea obligatorio pagarlos siempre y que su gestión sea colectiva, y “discutible” la constitución de un Fondo de Ayuda a las Bellas Artes que se nutra del 20% de los derechos de los autores identificados y de la totalidad de los que no lo están.

Según el portavoz del PSOE, Rafael Simancas, el proyecto es que una entidad de gestión, “que podría ser —matiza— la VEGAP u otra que se creara”, recaude “obligatoria y colectivamente” el derecho de participación sobre todas las obras revendidas.

Ese derecho, que no tiene que ver con el que el autor tiene sobre la reproducción de su obra, se genera cuando el primer comprador vende la pieza a un segundo antes de tres años —después de ese tiempo no hay que abonarlo— y ya, a partir de esa vez, siempre que cambie de manos.

En el extremo opuesto a VEGAP, Agustín González, en representación de la Agrupación Española de Galerías de Arte, sostiene que el cobro de ese derecho tiene que ser una iniciativa del artista y sólo promovido de oficio y por una entidad cuando el autor así lo quiera, que el límite de 3.000 euros “está muy bien”, y que constituir el Fondo es “insólito”.

Una ‘SGAE’ de artistas plásticos

Quizá es que la VEGAP, apunta González, quiere convertirse en la “SGAE” de los artistas plásticos, una idea en la que abunda Juan de Muga, vicepresidente del Consorcio de Galerías de Arte Contemporáneo, que ve “peligroso” que una entidad tenga “ese poder” de gestión de derechos.

Tampoco les gusta a los directores generales de Goya Subastas, Mariano Blasco, y de Subastas Segre, Isabel Casillas, que haya una “SGAE” del arte y que no le dé la posibilidad al artista de renunciar a ello, convirtiéndose así en “un impuesto” lo que era un derecho.

Los galeristas Guillermo de Osma e Íñigo Navarro, también asistentes a la sesión, no se han ahorrado críticas. A Osma la ley le parece “un palo” y “solo ayuda a los hijos de Picasso”, y a Navarro le preocupa la “asfixia” a la que somete a las galerías porque penaliza una “barbaridad” el precio final.

La Comisión estudiará las enmiendas a la ley la semana que viene y a partir de entonces entrará a debate en ponencia.