Estos premios, que desde 2008 representan una cita anual con todos los sectores de la vida cultural catalana vinculados al arte y al galerismo, se dividen en siete categorías entre las que se encuantra el Premio a la crítica de arte, que este año en su quinta edición ha sido otorgado a Elena Vozmediano.

Para ampliar la información consultar la entrevista que le realiza Paula Achiaga en el cultural:

http://www.elcultural.es/noticias/BUENOS_DIAS/2700/Elena_Vozmediano

En diversas sesiones teóricas y prácticas, el taller propicia la lectura atenta y la escritura crítica sobre la diversidad de las prácticas artísticas y las políticas culturales de nuestro entorno.

Desde el ámbito de nuestra cultura, esta actividad propone conocer y practicar diferentes modalidades de escritura para la comunicación y el debate sobre el arte actual: el ensayo crítico, el texto periodístico, la opinión de experto, el blog personal y la nota didáctica.

Este taller de escritura, organizado con carácter gratuito por el Centro de Documentación del Centro de Arte La Regenta, está dirigido a estudiantes y profesionales de la historia del arte, las artes visuales, la sociología, el periodismo, la pedagogía o la comunicación. También se destina a todos aquellos que desean indagar y practicar en el ámbito de la escritura y el pensamiento crítico.

El mismo se desarrolla en cinco sesiones teóricas y prácticas que finalizan con una actividad dedicada a la visita y el comentario de exposiciones.

El taller será impartido por Pilar Bonet, profesora de arte contemporáneo y crítica de arte en la Universidad de Barcelona. Como crítica de arte publica artículos en catálogos y ediciones de arte y colabora en diversas revistas de arte actual. Es comisaria de exposiciones de investigación histórica y arte actual, y ha trabajado a partir de diversas colecciones de museos y centros de arte contemporáneo. Además, es miembro del equipo de dirección del centro de creación y pensamiento contemporáneo Can Xalant

Programa
Del 3 al 7 de octubre, de 17 a 20 h.
Sábado 8 de octubre, de 10 a 14 h.
Descanso a mitad de jornada

Lunes 3 octubre
Historia y función de la crítica de arte
Presentación del grupo e introducción teórica: historia y función de la literatura crítica sobre arte.

Martes 4 octubre
El ensayo crítico y el debate ideológico
Escribir sobre arte: ensayo crítico y debate ideológico. Lectura y análisis de textos. Escritura práctica, breve ensayo sobre una imagen de arte actual.

Miércoles 5 octubre
Periodismo cultural y crítica institucional
Escribir sobre políticas culturales: periodismo y debate. Lectura y análisis de textos. Escritura práctica, breve texto de opinión sobre un debate cultural.

Jueves 6 octubre
Nuevos medios para la crítica
Nuevos medios para la crítica, la red social. Análisis de blogs y comentario crítico. Escritura práctica, breve texto personal sobre la actualidad artística.

Viernes 7 octubre
El texto didáctico y de información
Escribir una nota de información sobre artista o exposición: statement y hoja de sala. Lectura y análisis de textos. Escritura práctica, breve texto didàctico sobre una.
De 20-21h
La escritura visual. Proyección del documental Caminos de Ernest Borrás. Una producción del centro de creación y pensamiento contemporáneo Can Xalant de Mataró, dirección y guión Pilar Bonet-Rafael Ruiz (40 min.)

Sábado 8 de octubre
Visita y comentario de exposiciones. Despedida del grupo.

Introducción

En los últimos meses se han venido incrementando en el sector artístico y cultural los casos de impago o de retraso en el pago de las cantidades adeudadas tanto por venta de obra como por la prestación de servicios como el comisariado u organización de una exposición o la elaboración de un texto, por ejemplo. Se trata de impagos que están ocurriendo tanto en el ámbito de las Administraciones Públicas, donde se ha disparado el número de facturas impagadas, como en el sector privado en el marco de las relaciones más comunes entre profesionales y empresas, o entre profesiones/empresas y particulares. En algunos casos el retraso en el pago excede incluso el año, lo que viene a empeorar la precariedad económica de los profesionales del sector.

Esta guía va dirigida a todos estos profesionales con el fin de que sepan cuáles son los puntos esenciales que se deben tener en cuenta y los pasos que se deben dar para conseguir el pago de las cantidades que se les adeuda. Se ha estructurado en tres partes dependiendo del tipo de agentes que intervengan en la relación, ya que los pasos a seguir para llevar a cabo la reclamación por impago serán distintos en cada caso. La primera parte se dedica a las operaciones comerciales entre profesionales y empresas del sector. La segunda explica las principales particularidades a tener en cuenta en las relaciones con particulares. Y la tercera establece los distintos caminos para llevar a cabo una reclamación cuando el profesional o empresa ha contratado con un ente, organismo o entidad del sector público. También se han incluido los principales puntos que han de tenerse en cuenta al contratar con profesionales, empresas, particulares y administraciones.

Puedes ver a continuación el índice del documento por si te interesa. Si quieres más información sobre la Guía puedes ponerte en contacto con el Instituto de Arte Contemporáneo (www.iac.org.es | secretaria.tecnica@iac.org.es) o conmigo (info@porypara.es).

ÍNDICE – Guía Legal para la Reclamación de Impagos en el Sector Artístico y Cultural.

I. Reclamaciones de impago entre profesionales y empresas.

A. ¿Qué cosas tengo que tener en cuenta en el sector privado a la hora de contratar que serán importantes para una reclamación posterior por impago?
B. He entregado la obra/he prestado el servicio correctamente, en el plazo y en el modo en que acordamos, pero todavía no me ha pagado. ¿Qué debo hacer? ¿Qué pasos debo seguir?
II. Reclamaciones de impago entre profesionales/empresas y particulares.

III. Reclamaciones de impago entre profesionales/empresas y los entes, organismos y entidades del sector público (la Administración).

A. ¿Qué elementos deben aparecer en el contrato con un ente, entidad u organismo del sector público?
B. He entregado la obra/he prestado el servicio correctamente, en el plazo y en el modo en que acordamos, pero todavía no me han pagado. ¿Qué debo hacer? ¿Qué pasos debo seguir?
a. Pasos a seguir si se trata de una relación contractual de carácter administrativo con una Administración Pública.
b. Pasos a seguir si se trata de una relación contractual de carácter privado con una Administración Pública.
c. Pasos a seguir si se trata de una relación contractual de carácter privado con un ente, organismo o entidad del sector público que no sea Administración Pública.

IV. “Recuerda”

Anexo I: Modelo de carta de reclamación de impago de prestación de servicios.

Anexo II: Modelo de carta de reclamación de impago de venta de obra.

Anexo III: Legislación de referencia.

ACCESO AL DOCUMENTO (sólo para socios del IAC)

Lo que sigue a continuación no trata de ser más que una perspectiva personal de lo que está sucediendo en el campo artístico en un contexto localizado y a partir de algunas experiencias subjetivas. Se trata pues de un relato individual y con este mismo espíritu, al presentar esta última edición de las Jornadas de estudio del arte contemporáneo de Castilla y León, ponía el énfasis en la necesidad de “personificar” las instituciones, es decir, identificarlas con quienes dotan de sentido y de proyecto los contenidos y los programas culturales. En algunos casos la gestión cultural se pretende anónima, sin firma, como fruto de una implementación maquinal de políticas que se dan por hechas donde se deja sitio a los autores y a los creadores, verdaderos protagonistas de los contenidos. Pero esta asepsia del continente es tan falaz y contradictoria con la naturaleza de la cultura como la pretensión de neutralidad del cubo blanco, o tan tendenciosa como el sesgo de un encuadre fotográfico.
Las jornadas nacidas como una iniciativa del MUSAC en el 2005 se transformaron el año pasado en una plataforma, “Toda práctica es local”, que tiende a ampliar su espacio de resonancia más allá del salón de actos de un museo. Ante el encargo recibido de Agustín Pérez Rubio, director del MUSAC desde 2009, interpreté estas jornadas como la creación de un foro público y participado por el sector del arte en la comunidad de Castilla y León. Al hacer esto conocíamos bien las posibles respuestas que se darían y que no defraudaron en la edición anterior. Me refiero a voces muy críticas con la trayectoria del MUSAC y con las otras instituciones de la comunidad. La necesaria revisión crítica de la política expositiva del centro leonés, con la que nunca se había identificado la mayor parte de la comunidad a la que supuestamente representaba, tuvo lugar con intervenciones valiosas que ofrecían genealogías argumentadas sobre las herencias y débitos de lo que ya se había convertido en un paradigma museístico en el conjunto del Estado Español. Debo decir que la capacidad de encaje de estas críticas sin atenuantes por parte de Agustín Pérez Rubio sorprendió gratamente, en especial si tenemos en cuenta que a pesar del relevo en la dirección que dejaba Rafael Doctor, muchas de las acciones y exposiciones cuestionadas habían sido concebidas por el actual director del MUSAC.
La apertura de ese diálogo quizá en buena lógica llevaba al propio Agustín Pérez Rubio a hacer partícipes a los otros museos y centros de la comunidad de esta plataforma en su segunda edición. Para ello y para ofrecer algunas respuestas a las demandas del sector, entre otras la dedicación de espacios expositivos y recursos de producción a los artistas locales, crearon la plataforma P4 en la que participan el propio MUSAC, el CAB, el Da2 y el Patio Herreriano. Aunque las iniciativas planteadas por P4 han sido criticadas por algunos, considero que se trata de un signo de apertura de las instituciones a la realidad de los contextos donde se han implantado (tema fundacional de “Toda práctica es local”). Ante esto todavía cabe decir que las iniciativas llegan tarde y son insuficientes, pero la única premisa de un avance es la constatación de que algo se mueve y que se acusa recibo de las críticas. De nuevo, “Toda práctica es local”, se proponía como una segunda oportunidad de reinterpretar el contexto que nos preocupa desarrollando algunos de los temas planteados el año pasado.
El propio título, “Toda práctica es local”, se presentaba como un desafío al internacionalismo aspiracional que se encontraba en la base del nacimiento invasivo de los museos y centros de arte; un número desproporcionado de instituciones si tenemos en cuenta la densidad de población del territorio y la orientación conservadora de las políticas culturales hasta la fecha. Al ser creados como iconos políticos y sin un plan estratégico que atendiera a la realidad del contexto, no sólo no se enriquecía sino que se eclipsaba una cultura de base pendiente de visibilización y de apoyo. En este aspecto, las administraciones obraron hacia su propia comunidad con una actitud colonial que trataba de importar una cultura internacionalizada en un territorio cuyas inversiones habían sido de carácter patrimonial e histórico, al favorecer proyectos de revalorización del pasado monumental y religioso, y al obviar las experiencias desarrolladas por los colectivos y grupos en el territorio durante las últimas décadas. El resultado fue una imposible convivencia entre los “nativos”, que quedaban verdaderamente desplazados como indígenas irrelevantes para la empresa colonial, y los recién llegados, incluyendo los cuadros técnicos destinados a la gestión de esas nuevas y costosas infraestructuras.
En las pasadas jornadas la pregunta sobre los procesos decisionales en la política cultural de la comunidad se planteaba como una de las prioridades porque, como sabemos, una gran parte del sector artístico en Castilla y León considera que las administraciones presentan un déficit de transparencia en la gestión del dinero público. Esta situación ha llevado a radicalizar algunos discursos y a generalizar un hastío entre muchos creadores y colectivos. Los dispendios económicos derivados de ocurrencias de despacho, en general relacionados con efemérides y conmemoraciones pretendidamente mediáticas, las ingerencias en la programación de los centros, los despidos improcedentes del personal técnico o la precariedad laboral perpetuada de los educadores, los anuncios improvisados de inversiones astronómicas en centros y proyectos planteados sin criterio conocido, constituyen una breve historia del disparate en esta tierra. Nadie alcanza a entender por qué no se informan las decisiones con comisiones técnicas y por qué se sigue ninguneando a las asociaciones legítimamente constituidas. Es como si quienes ocupan esos cargos públicos estuvieran en un ciclo temporal diferente, cuando no en un pasado que los ciudadanos hemos abandonado hace tiempo.
No cabe duda de que la crisis económica conlleva también una crisis de legitimidad en las instituciones y de representación en los cargos electos, una crisis que tiene que ver con una concepción de la política que ha imperado hasta ahora en la que se accede a una suerte de espacio de impunidad decisional. El diálogo con los agentes culturales y con los beneficiarios de los proyectos en los que se invierte el dinero no puede esperar.
Mientras tanto, la nueva coyuntura no parece sugerir rectificaciones entre quienes entonces gobernaron de ese modo sobre la realidad del lugar, pero por el camino han ocurrido algunas cosas que hacen necesarias nuevas alianzas y una reinterpretación de las políticas culturales. Entre los acontecimientos saludables se encuentra la creación de Artistas Visuales Agrupados de Castilla y León (AVA) en diciembre de 2007 como principal asociación profesional con su incesante labor en la que, independientemente de los desacuerdos, se pone de manifiesto una voz colectiva preocupada por esta reciente historia cuajada de despropósitos. La demanda de interlocución directa y de asesoramiento de las decisiones que afectan a la inversión de los recursos públicos no ha dejado de oírse y el efecto de articulación colectiva, liderado por AVA, se hace sentir entre otros trabajadores de la cultura. Al poner en marcha “Toda práctica es local” partíamos de la necesidad de afrontar un cambio de escenario que tiene dos vías fundamentales: por un lado la interlocución directa con los responsables de las administraciones, igualmente identificables con nombres y apellidos; y, por otro, la articulación de una representatividad del sector a través de voces autorizadas y ponderadas. Entre medias de estos agentes del diálogo se encuentran diversos grupos de responsabilidad y la convivencia entre ellos y su consenso previo parece un paso necesario.
Esta nueva conciencia cívica en el campo cultural (o el intento de crearla de modo colectivo) no es, ni mucho menos, un hecho aislado, sino que se enmarca en la incorporación de los agentes a una revisión de su propio medio desde perspectivas implicadas. En nuestro contexto, además de los antecedentes del “Foro de arte y territorio” de Espacio Tangente, tenemos en la actualidad el Estudio sobre el estado de la cuestión del arte en Castilla y León promovido por AVA. Pero en esa sintonía podríamos enmarcar además las iniciativas del Instituto de Arte Contemporáneo IAC o los estudios elaborados por las distintas asociaciones de artistas, o el trabajo realizado para el informe Reucer008 de UNIA Arte y Pensamiento. En todos estos casos asistimos a un proceso reflexivo que opera sobre su contexto específico y que evalúa y visibiliza una situación que debe formar la base de cualquier acción política coordinada de los trabajadores de la cultura.
La posibilidad de una mejora de la vida cultural de nuestra comunidad no parece tarea fácil. Está por hacer entre los estudios de los problemas que nos ocupan, una historia reciente de la génesis del mapa institucional en Castilla y León. Como ha destacado Javier Panera, es importante distinguir las diferentes naturalezas y soportes económicos que alimentan cada uno de esos centros en Castilla y León, y no confundir su arquitectura de responsabilidades. Mientras tanto, en la edición del año pasado comenzábamos un esbozo del mapa de los espacios autogestionados en el territorio que mostraba, en apenas una primera aproximación, toda la riqueza invisibilizada durante este tiempo y que desafía de forma silenciosa al conjunto de museos y centros que han ocupado el espacio de lo que se considera “cultura” en las implantaciones verticales que propiciaron las distintas administraciones durante la década pasada. El panorama real de la implementación de estas infraestructuras, por lo que respecta al arte contemporáneo, podría muy bien contradecir hasta la fecha gran parte del documento del II Plan de Actuación en Museos de Castilla y León 1010-1015.
Ahora bien, esta situación de descrédito de los productos derivados de esa política faraónica ávida de eventos y celebraciones que permitan ecos mediáticos, no puede saldarse con el abandono de las instituciones por parte de los públicos y los agentes culturales que deben ser beneficiarios de la gestión pública de la cultura. Más bien al contrario debería propiciar una movilización y una ocupación de las mismas instituciones que fueron creadas sin control alguno. Lo que no parece de recibo es asumir a estas alturas la tentación futurista de dar al traste con todo, como sugería algún colectivo en el curso de las conversaciones. Uno de los aspectos en los que se ha insistido durante los debates que hemos tenido ha sido el antagonismo perverso con las instituciones y sus intermediarios que se produce como consecuencia de ese hastío. Resulta sorprendente tener que recordar que los museos y los centros de arte son nuestros, no son propiedad de la casta profesional de los políticos, y por ello la defensa de su autonomía de gestión es la defensa de la nuestra. La confusión sobre la responsabilidad de los interlocutores debilita posiciones cuya base en el malestar del que aquí hablamos podría ser válida si no se desperdiciara el discurso en acusaciones infundadas o carentes de la información necesaria sobre la constitución de nuestro contexto cultural.
En este aspecto el desequilibrado crecimiento institucional desde la implantación de museos y centros de arte en 5 provincias ha decantado el debate, que debería haber sido mucho más plural, hacia el papel de los directores de los centros. La designación de estos cargos parecía el único problema que teníamos. Sin embargo, como es lógico, la magnitud de las inversiones de entonces (a principios de la década que acabamos de dejar atrás) justificaba la demanda de transparencia en la toma de decisión. El problema es, pues, de doble vertiente: la creación de los centros se ha llevado a cabo de modo irregular y desequilibrado, sin planes de viabilidad; pero en estos momentos tenemos una serie de infraestructuras y unos cuantos problemas para mantenerlas. ¿Qué hacer con esos centros? ¿Qué otros modelos de “producción artística” serían necesarios en la actual coyuntura?
El peligro que se atisba es el desmantelamiento definitivo de lo que nos queda de lo público bajo la disculpa de un imperativo de eficacia económica o de viabilidad a posteriori. Curiosamente se exige ahora a esas instituciones creadas sin orden ni concierto que no lastren las arcas públicas y se las convierte en culpables de su propia existencia en un giro de cinismo político sin precedentes. El cinismo es si cabe mayor en una tierra donde, por desgracia, los candidatos triunfantes disfrutan de una gran longevidad política sostenida por la falta de alternativas. Los mismos protagonistas que crearon esas infraestructuras son ahora los que las amenazan de cierre o desmantelamiento sin por ello dejar de anunciar nuevos proyectos e inversiones.
El problema trasciende nuestro contexto próximo como demuestra el reciente dislate protagonizado por políticos del PNV en Vitoria, ahora en la oposición, cuestionando la legitimidad del Centro de Arte Montehermoso. Resulta muy complicado hacer entender a políticos cuya formación o solvencia intelectual raramente se somete a examen por qué algunos espacios presentan una buena programación frente a otros a los que los medios hacen más caso. Pero lo más preocupante de la situación es el plebiscito de popularidad al que se pretende someter a los centros de investigación cultural. Sin duda Montehermoso ha sido una de las referencias más interesantes en el contexto español en los últimos años, pero la tendencia derivada de la crisis ha deslizado en la clase política la ilegítima demanda de reevaluar todos los proyectos en curso en un nuevo refrendo que permita definitivamente su instrumentalización electoralista. Resulta bastante plausible a la vista de estas sorprendentes reacciones que lo que esté ocurriendo en realidad sea que la falta de legitimidad de la clase política trate de ser proyectada ahora sobre las instituciones culturales, vulnerables y en apariencia innecesarias. Los procesos aberrantes de legitimación de Banca Cívica, bajo el significativo lema “es tu dinero y tú decides”, basados en la aclamación popular de los proyectos que se apoyan económicamente sin criterios técnicos cualificados, ponen a merced de la ignorancia lo poco que se ha permitido crecer de investigación cultural fuera de los mercados. En definitiva tales mecanismos tratan de consumar un proceso que no ha dejado de avanzar hacia la identificación de cultura y espectáculo, cultura y turismo o, en definitiva, de cultura y mercado.
La nueva legitimidad de las opciones liberales y privatizadoras se sostiene, como un verdadero sarcasmo, sobre el fracaso de las instancias reguladoras democráticas en la corrupción o la mala gestión de una clase política manifiestamente cómplice. En el lugar de una profunda revisión de los presupuestos discursivos de ese liberalismo tras esta crisis que delata la falacia de que “los mercados se autorregulan”, lo que tenemos ahora es una nueva legitimación amparada por la decadencia de la clase política.
En esto el supuesto elitismo de algunas instituciones actúa con doble filo en el debate sobre la implantación en el contexto local y por ello es peligroso que los agentes culturales (ya sean creadores o mediadores) acepten esa trampa como parte de una lógica localista y sustitutiva del trabajo de calidad. El mismo problema lo encontramos cuando los creadores locales confunden el carácter público de los museos y espacios expositivos con su derecho a ser reconocidos y legitimados artísticamente en esos espacios. Las cuotas locales que acaban imponiéndose a instituciones cuya filosofía era de una supuesta proyección internacional contiene implícitamente un alto riesgo de confusión de los derechos civiles de uso e información sobre la gestión de los centros, con el refrendo del trabajo del artista. Parece claro a estas alturas que no todos los proyectos estaban llamados a convertirse en “centros de referencia internacional”, como acostumbra a rezar en los textos autopromocionales, y que, por tanto, se impone una reinterpretación de sus objetivos; pero también es más necesaria que nunca la reserva de un espacio de investigación de calidad y una autoexigencia del campo artístico.
El tema que nos ocupaba este año, el de los “centros de recursos”, es una modalidad de apoyo a la producción artística que ha sido ensayada con casos de verdadero éxito en algunas comunidades artísticas como la del País Vasco, en la que Arteleku ejerció un influjo poderoso e identificable entre varias generaciones de artistas vascos. O el de Hangar en Barcelona, cuya gestión y promoción por parte de la Asociación de Artistas Visuales de Cataluña propició una experiencia coordinada que ha aportado uno de los más interesantes modelos en la dotación de recursos accesibles para la producción. Algo similar ocurría con Medialab Prado en Madrid, que ha conseguido convocar intereses plurales y se ha convertido en un lugar de encuentro frecuentado por personas interesadas de muy diversa procedencia. En resumen se trataba de repasar las experiencias de algunos proyectos en el contexto español e internacional (como en el caso de Les Laboratoires de Aubervilliers) que habían sido capaces de generar algún tipo de comunidad y que se presentaban cercanos a sus contextos de implantación. Su carácter alternativo al modelo institucional del museo o el centro de exposiciones sitúa el foco en la demanda de coordinar fuerzas y sugiere la imperiosa necesidad de una colaboración efectiva entre administraciones y colectivos.
La idea del “medialab” o el centro de recursos es ya muy antigua, lleva tiempo en funcionamiento y en algunos lugares, como en el caso de Arteleku, ha agotado su ciclo histórico. Pero el anuncio reiterado por parte de la Junta de Castilla y León de la construcción de centros similares en la comunidad (con la incomprensible proliferación de un centro por cada provincia), así como el desconocimiento general de los criterios que se seguían para su diseño e implantación, llevó a redirigir estas jornadas al debate hacia ese modelo cuya obsolescencia o viabilidad valía la pena considerar en este momento. Mientras tanto, han aparecido dos de estos proyectos en la Universidad de Salamanca (el medialab USAL que fue invitado a estas jornadas a presentarse como nueva iniciativa) y el LAVA dependiente del Ayuntamiento de Valladolid, recientemente dado a conocer. En la misma línea parece inminente la inauguración de otro de estos centros en Segovia, dependiente de la Fundación Siglo, dedicado al diseño. Esta tendencia plantea nuevos interrogantes y se pone sobre la mesa de diálogo como un ámbito práctico en el que propiciar un consenso entre los profesionales; pero seguimos sin conocer la génesis, los objetivos y el planteamiento de estos proyectos.
Obviamente la crisis se ha convertido en el nuevo escenario imaginario o real que altera en definitiva todas las acciones políticas. La propia decisión de la Junta de poner en marcha esos centros ha sido postergada, en palabras de la Directora General de Promoción Cultural de la Junta de Castilla y León, Luisa Herrero, en vista del problema económico que aqueja a las administraciones. Pero se ofrece la oportunidad de repensar el modelo y proponer desde un asesoramiento cualificado la naturaleza y funcionalidad de este tipo de proyectos. Se impone en todo caso un análisis detenido de las necesidades en este momento y una gestión equilibrada de los recursos que detenga la urgencia de apostar grandes sumas económicas en proyectos que se van alternando y relevando, y que aparecen con la vocación de grandes eventos mediáticos (de ello han sido buenos ejemplos el propio MUSAC en León, el Festival de las Artes Escénicas en Salamanca, o el Museo de la Evolución Humana en Burgos). En ello me atrevería a sugerir la buena disposición de todos los agentes que intervinieron en este diálogo para consensuar propuestas concretas que sirvan para una gestión más eficiente en la administración.
Para todo ello es necesario mantener el equilibrio en el reparto de papeles que nos asigna el diálogo. Ni las asociaciones pueden copar una representatividad que es de todos, ni deben fiscalizar la labor también autónoma de las instituciones, ni los responsables de éstas pueden inhibirse de los problemas planteados, en algunos casos muy graves y relacionados con la gestión de sus recursos, no solo materiales sino también humanos, invocando el sometimiento a un régimen restrictivo (cuando no coactivo) de las administraciones de las que dependen. En esas invasiones o elusiones de la responsabilidad se encontraría el principio de la disfunción de un diálogo necesario.
El debate sobre el destino de lo público tras la crisis y el desmantelamiento solapado de los recursos destinados a cultura surgía a propósito de la presentación del proyecto de Tabacalera de Lavapiés, a cargo de Jordi Claramonte. En conversación con Santi Eraso se discutía si las iniciativas autegestionarias como la que representa Tabacalera, en la que el voluntarismo y la organización colectiva rehabilitaban un espacio abandonado y pendiente de reforma por las administraciones, no estaría en realidad favoreciendo una tendencia a la inhibición de responsabilidades institucionales en esa misma administración (en este caso el Ministerio de Cultura). El proyecto diseñado expresamente como el bloqueo a una iniciativa de reforma megalómana por parte del Ministerio, con el habitual borrado de la historia simbólica del edificio (un lugar ocupado durante años por las trabajadoras del tabaco con gran capacidad de influencia), se traducía en un peculiar contrato de uso con la administración por parte de los habitantes del barrio de Lavapiés en Madrid, que se organizaban internamente de modo asambleario. La crisis hacía inviable para las arcas ministeriales por el momento la nueva y desaforada inversión de un centro cultural en el que la arquitectura estelar e invasiva se consagraba a un nuevo programa de gentrificación vertical, no demandada por la base popular del barrio y, sin embargo, rentable como nuevo icono de una acción política reformista y maquilladora. La sospecha o la precaución formulada por Santi Eraso debe confrontarse con la pluralidad de opciones que pueden desplegarse en función del contexto, pero supone una objeción necesaria en las premisas de esa interlocución con los poderes públicos a tenor de la actual coyuntura. Del mismo modo sería importante retener el comentario de Miguel Ángel Fernández en esa misma discusión acerca de las diferencias sustanciales de los contextos de Madrid y Castilla y León al fantasear con modelos siquiera parecidos.
Hay un peligro real que por mi parte comentaba a François Piron después de su relato de la experiencia de Les Laboratoires de Aubervilliers. En el proyecto desarrollado en Francia el artista Thomas Hirshorn montaba una especie de museo provisional y efímero a partir de medios precarios y bricolage colectivo en el que se implicaba a las comunidades marginales de esta ciudad satélite de París. Tras instituirlo como museo se conseguía forzar la maquinaria administrativa del Centre Georges Pompidou para que cediera algunas obras fundamentales de la historia del arte moderno, que eran prestadas de modo excepcional para formar parte de la obra de Hirshorn. La comunidad local se implicó en las tareas propias del museo asumiendo la responsabilidad y el trabajo efectivo de vigilancia, conservación, catalogación y documentación de las obras prestadas. La capacidad de estímulo entre la población local ofreció interesantes respuestas que desbordaban las apariencias de las habituales terapias ocupacionales ideadas desde la administración, mostrando un aspecto novedoso que no pasaría desapercibido. Paradójicamente la experiencia estimuló el interés de algunas autoridades políticas que reclamaban una continuidad de la idea. En ese momento los organizadores de Les Laboratoires invocaron la autonomía del artista y su obra, la de Thomas Hirshorn, para enfatizar el carácter temporal de la acción y para, a fin de cuentas, devolver a cada uno a su lugar al igual que las obras eran restituidas intactas a su lugar de origen. Este retorno al orden de las cosas tras la promesa idealizada de un evento excepcional se parece demasiado a una clausura en el ámbito autonómico del arte de lo que en apariencia parecía desbordarlo. Es decir, el resultado final es si cabe más hermético y autosuficiente que las obras de arte abstracto que se habían mostrado. Se daba así con un escollo paradójico y ejemplar de las contradicciones de la práctica artística contemporánea y de su confusión con el aparato institucional que la propicia. La acción de inmersión social en un contexto concluía como un fenómeno exitoso dentro de las propias coordenadas del arte, pero no trascendente para la comunidad más allá de lo que sería un buen recuerdo del excursionismo de unos días de museo improvisado. La apropiación de los medios de producción y recepción artística por parte de la gente en un evento creado desde el propio discurso artístico reinvierte el capital simbólico adquirido en esa operación en el refuerzo de su propia autonomía.
Esta situación, que por falta de tiempo apenas pudo ser comentada en el propio foro que habíamos creado, afecta a muchos de los productos artísticos e institucionales en la actualidad y ni siquiera “Toda práctica es local” escaparía a la sombra de esta paradoja. Algunos han sugerido que la tendencia natural de la institución a apropiarse de los contenidos y las iniciativas de base podría afectar al proyecto que hemos compartido en marzo. En mi opinión esto depende de las acciones que se deriven de los diálogos mantenidos, de las ganas de sostener ese diálogo con los museos o con la administración, y de la capacidad de articulación interna de un sector en el que no somos tantos como para que resulte inmanejable. En este sentido sospecho que siempre se ha exigido a la plataforma la efectividad que sólo depende de los agentes activos, decididos a actuar. “Toda práctica es local” es un foro que se ha calificado de estéril, pero en él se han oído por primera vez algunas cosas y se han visto las caras personas que quizá debieron reunirse o deberán hacerlo en algún momento. En este aspecto, además de estas ya demasiado extensas conclusiones, propondré una reunión entre quienes nos vimos en marzo abierta todo aquel que quiera sumarse para ofrecer a las administraciones un informe consensuado que aporte las valoraciones y las necesidades detectadas. Esta reunión muy bien podría ser la base de constitución, si los agentes lo desean, de un consejo civil de las artes en Castilla y León, una cuestión que ha estado en la mente de todos durante estos últimos años.
En todo caso no puedo terminar sin agradecer muy sinceramente la participación de todos los asistentes que situaron la discusión y los diálogos en un nivel difícil de alcanzar en foros abiertos como éste. Creo que la madurez del conjunto de los trabajadores culturales debería hacerse efectiva sobre el terreno con propuestas concretas algunas de las cuales ya hemos podido ver y sirven de estímulo para continuar este trabajo.

Para más información:

http://www.intellectbooks.co.uk/journals/view-Journal,id=205/view,page=2/

Organiza: ACCA, Associació Catalana de Crítics d’Art
Días: 12, 13 y 14 de noviembre de 2010
Sesiones: viernes tarde, sábado (mañana y tarde) y domingo mañana
Lugar: Auditori del Macba

JORNADAS SOBRE CRÍTICA DE ARTE 2010

VIERNES, 12 DE NOVIEMBRE. Sesión especial. Homenaje a José Luís Brea.
16:00 h – 16:30 h Presentación y apertura del simposio
Presentación y apertura del simposio a cargo de Joan M. Minguet Batllori, Presidente de ACCA, Pilar Parcerisas, expresidenta de ACCA, Anna Maria Guasch y Menene Gras Balaguer, curadoras del proyecto.
16:30 h – 17:30 h José Luís Brea. El arte y la estetización difusa de la existencia
Juan Martín Prada. Es profesor titular de la Universidad de Cádiz. Autor de los libros La apropiación posmoderna. Arte, práctica apropiacionista y Teoría de la posmodernidad (Ed. Fundamentos, 2001) y Las nuevas condiciones del arte contemporáneo (Briseño editores, 2003).

17:30 h – 18:00 h Pausa

18:00 h – 19:00 h Los trazos de la visión: consideraciones –afectivas- sobre la obra de José Luis
Brea
Miguel Ángel Hernández Navarro. Profesor de Historia del Arte en la Universidad de Murcia, escritor, crítico de arte y curador. Ha sido director y co-fundador del CENDEAC (Centro de Documentación y Estudios Avanzados de Arte Contemporáneo) de Murcia y Research Fellow del Clark Art Institute (Williamstown, Massachusetts).

19.00 h – 20.30 h José Luís Brea, curador de los 90
Mesa redonda en torno a José Luis Brea. Con la participación de los artistas Pep Agut, Juan Luís Moraza y los críticos Miguel Ángel Hernández Navarro, Juan Martín Prada.
Pep Agut. Su trabajo, con base en los lenguajes de la fotografía y la pintura, se interesa por los problemas de la representación, el papel del artista y el lugar del arte. Ha expuesto en la XLV Bienal de Venecia (1993), Prospekt (1996), la XI Bienal de Sidney (1998), y en el Museo de Arte Contemporáneo de Tel Aviv (1993) o el MACBA, Museu d’Art Contemporani de Barcelona (2000), entre otros.
Juan Luís Moraza. Profesor titular del Departamento de Escultura de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Vigo. Miembro fundador del colectivo CVA (1980-1985). Entre sus últimas exposiciones individuales cabe destacar “IMPLEJIDADES” (Centro Cultural Montehermoso, Vitoria), “Repercusiones” (Trayecto, Vitoria, 2007), S¡ (Elba Benitez, Madrid, 2004), Plata, Madrid (2003). Ha publicado, entre otros, los libros “Corduras” (2007), “Ornamento y Ley” (2007), “Laboratorio de papeles”, Fundación Museo Jorge Oteiza, Alzuza (Navarra), 2006; “MA(non é)DONNA.

SÁBADO, 13 DE NOVIEMBRE
10:30 h – 12:00h “Promenades Muséales”: cine, museo y la proyección de la intimidad pública
Giuliana Bruno. Profesora de Estudios Visuales y Medioambientales, Harvard University. Su investigación explora las intersecciones entre arquitectura, artes visuales y cine. Ha publicado Atlas of Emotion: Journeys in Art, Architecture, and Film (Verso, 2002. Premio Kraszna-Krausz en 2004) y Public Intimacy: Architecture and the Visual Arts (MIT Press, 2007), entre otros.

12:00 h – 12:30 h Pausa

12:30 h – 14:00 h Diálogo: William Jeffett y Jordi Colomer. Arabian Stars
William Jeffett. Curador jefe del Salvador Dalí Museum, St. Petersburg, Florida. Entre 1990-1998 fue curador del Sainsbury Centre for Visual Arts. Especialista en Miró y Dalí, ha comisariado varias exposiciones de arte contemporáneo, incluyendo trabajos nuevos de Jordi Colomer, Joan Fontcuberta, Jaume Plensa y Mabel Palacín. Produjo la instalación de video de Jordi Colomer Arabian Stars para el Museo Dalí y el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.
Jordi Colomer. Artista multimedia. Entre sus trabajos recientes más destacados están la serie Anarchitekton (2002-2004), Le Dortoir (2001), Un crime (2005), Arabian Stars (2005), No future (2006). Su obra esté representada en las colecciones del MACBA, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el Centre Georges Pompidou. En 2008 el Jeu de Paume de París le dedicó una retrospectiva.

16:30 h – 18:00h El cuerpo fragmentado de la ciudad contemporánea (el Hong Kong de Wong Karwai)
José Miguel Cortés. Profesor de Teoría del Arte de la Universidad Politécnica de Valencia. Fue Director del E.A.C.C. de Castellón durante 6 años. Actualmente sus investigaciones se centran en el análisis del espacio urbano como lugar de interrelación socio-cultural de la macro y la micropolítica. Últimamente ha publicado La Ciudad Cautiva. Control y vigilancia en el espacio urbano (Akal, 2010) y ha comisariado las exposiciones de arte contemporáneo: Malas Calles, (I.V.A.M., 2010) y Medianoche en la Ciudad (La Panera, 2010 y Artium, 2011).

18:00 h – 18:30 h Pausa

18:30 h – 20:00 h. El impacto de la mediación electrónica en la creatividad global
Bernhard Serexhe. Jefe del Departamento Media Museum ZKM, Karlsruhe.

20:00 h – 21:00 h Debate y preguntas

DOMINGO, 14 DE NOVIEMBRE
10:30 h – 12:00 h Contexto y traducción
Antoni Muntadas. Vive y trabaja en Nueva York. Desde los años 70 se interesa por los fenómenos sociales, de la información y los medios de masas, a través de la performance, las instalaciones y el uso de las nuevas tecnologías. Ha expuesto en las bienales de París, Venecia, Sao Paulo, Lyon, Documenta de Kassel, MoMA Whitney y en el Guggenheim de Nueva York, entre otros.
12:00 h – 12:30 h Pausa
12:30 h – 14:00 h Mesa de debate. Arte/postcolonialidad: rediseñando el debate desde lo
transcultural
La mesa abordará temas entrecruzados entre los estudios postcoloniales y los estudios culturales con la idea de situar su impacto en las prácticas artísticas, en la reformulación de la teoría crítica y en los nuevos comportamientos institucionales en el marco de la globalización cultural.
Estela Rodríguez. Coordinadora del Summer Course Decolonizing Knowledge and Power: postcolonial
studies, decolonial horizonts, Universitat Rovira i Virgili, Tarragona.
Landry-Wilfrid Miampika. Universidad de Alcalá de Henares. Es autor de Transculturación y
poscolonialismo en el Caribe: versiones y subversiones de Alejo Carpentier y co-editor del libro:
Migraciones y mutaciones interculturales en España: sociedades, artes y literaturas (Universidad de
Alcalá, Servicio de publicaciones, 2007).
Jesús Carrillo. Director de Programas Culturales del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía,
Moderador y coordinador: Joaquín Barriendos
14:00 h – 14:30 h Debate final, conclusiones y cierre del simposio

Dentro del VI Simposio Internacional Crítica de Arte en un Mundo Global. Alter modernidad y espacio global organizado por ACCA, Associació Catalana de Crítics d’Art se celebra un homenaje a la figura de José Luis Brea. El simposio dedica un espacio de reflexión en torno al legado intelectual y crítico de este lúcido pensador, autor de numerosas publicaciones sobre arte contemporáneo y estudios visuales y fundador de la revista on-line SalonKritik, referente del pensamiento crítico visual actual. En 2005, José Luis Brea participó en el primer simposio ACCA.

PROGRAMA
VIERNES, 12 DE NOVIEMBRE. Sesión especial. Homenaje a José Luis Brea.
16:00 h – 16:30 h Presentación y apertura del simposio
Presentación y apertura del simposio a cargo de Joan M. Minguet Batllori, Presidente de ACCA, Pilar
Parcerisas, expresidenta de ACCA, Anna Maria Guasch y Menene Gras Balaguer, curadoras del proyecto.

16:30 h – 17:30 h José Luís Brea. El arte y la estetización difusa de la existencia
Juan Martín Prada. Es profesor titular de la Universidad de Cádiz. Autor de los libros La apropiación posmoderna. Arte, práctica apropiacionista y Teoría de la posmodernidad (Ed. Fundamentos, 2001) y Las nuevas condiciones del arte contemporáneo (Briseño editores, 2003).

17:30 h – 18:00 h Pausa

18:00 h – 19:00 h Los trazos de la visión: consideraciones –afectivas- sobre la obra de José Luis Brea
Miguel Ángel Hernández Navarro. Profesor de Historia del Arte en la Universidad de Murcia, escritor, crítico de arte y curador. Ha sido director y co-fundador del CENDEAC (Centro de Documentación y
Estudios Avanzados de Arte Contemporáneo) de Murcia y Research Fellow del Clark Art Institute (Williamstown, Massachusetts).

19.00 h – 20.30 h José Luís Brea, curador de los 90
Mesa redonda en torno a José Luis Brea. Con la participación de los artistas Pep Agut, Juan Luís Moraza
y los críticos Miguel Ángel Hernández Navarro, Juan Martín Prada.

Pep Agut. Su trabajo, con base en los lenguajes de la fotografía y la pintura, se interesa por los problemas
de la representación, el papel del artista y el lugar del arte. Ha expuesto en la XLV Bienal de Venecia
(1993), Prospekt (1996), la XI Bienal de Sidney (1998), y en el Museo de Arte Contemporáneo de Tel Aviv
(1993) o el MACBA, Museu d’Art Contemporani de Barcelona (2000), entre otros.

Juan Luis Moraza. Profesor titular del Departamento de Escultura de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Vigo. Miembro fundador del colectivo CVA (1980-1985). Entre sus últimas exposiciones individuales cabe destacar “IMPLEJIDADES” (Centro Cultural Montehermoso, Vitoria), “Repercusiones” (Trayecto, Vitoria, 2007), S¡ (Elba Benitez, Madrid, 2004), Plata, Madrid (2003). Ha publicado, entre otros, los libros “Corduras” (2007), “Ornamento y Ley” (2007), “Laboratorio de papeles”, Fundación Museo Jorge Oteiza, Alzuza (Navarra), 2006; “MA(non é)DONNA.

La crítica de arte: de los salones franceses al mestizaje disciplinar del siglo XXI

Las Jornadas plantean dos líneas de reflexión: la crítica como ejercicio ensayístico y su tarea hermenéutica como dominio fundamental del ejercicio de la crítica. En segundo término, su actividad productiva, esto es, su praxis en los espacios en los que se escenifican la actividad artística contemporánea.
En cuanto al ejercicio ensayístico de la crítica es menester subrayar la función del propio lenguaje “crítico”de generar conocimiento y experiencia. El lenguaje de la crítica crea productos, y éstos tienen una notable influencia en el medio artístico. La crítica describe, explica, enjuicia, e interpreta (vertiente hermenéutica) teniendo en cuenta además que el discurso reflexivo de la crítica-artística contemporánea se ha ido alimentando desde el contexto de su interdisciplinariedad para lo que ha contado con la importación de algunas herramientas teóricas de otras disciplinas. Ello implica la aproximación a la crítica desde interpretaciones propias del campo del pensamiento, la teoría, la filosofía, la literatura, la lingüística, también de la sociología, la antropología estructural, y otras tantas disciplinas. Se trata pues de una crítica que ha sido hilvanada sobre el tejido conceptual utilizando hilos de múltiples variedades cromáticas.
De este modo en la actualidad prevalece la crítica que fundamenta su reflexión en los cruces de pensamientos de otros campos de estudio, en una suerte de relativismo que pervive hoy sobre el formalismo modernista del siglo pasado; relativismo que, por otra parte, añade a la condición de la crítica la de crear significado, otorgando al crítico de arte el beneficio de plantear en el receptor, la condición de la duda.
Así mismo, estas Jornadas se inician con la indispensable reflexión sobre el marco referencial historiográfico de la crítica, apuntando sus precedentes decimonónicos y posteriores desafíos de las vanguardias del siglo XX en su constante afán de cuestionar el pasado artístico. En su momento, los textos vanguardistas infieren en la conceptualización y la desmaterialización del arte.
Los dos últimos días de las Jornadas corresponden a dibujar el complejo escenario en el que la crítica de arte se encuentra dentro del sistema artístico contemporáneo y a definir qué estructuras culturales intervienen en la labor de legitimizar el arte actual, y de qué modo este consenso, si es que lo hay, se conforma. En dicho escenario actúan, compartiendo protagonismo, el crítico y su crítica, el crítico-comisario y su proyecto expositivo, las instituciones, las galerías, los museos, las ferias de arte, las bienales y, por sí misma, la exposición.
Ésta se conforma como la forma de expresión más celebrada en la actualidad.
Tras dichos actores, un telón de fondo cuyo relieve resalta los múltiples núcleos de opinión y la influencia de las políticas de relación de la crítica con las instituciones y otras estructuras culturales. Al final, contemplando esta puesta en escena, se halla el espectador.
Entre estos factores, los medios de comunicación activan el proceso de circulación de los mecanismos artísticos con su quehacer e influencia; dando forma, además, a las prácticas culturales.
Nuria G. Gili /Coordinadora de las Jornadas

METODOLOGÍA
Las Jornadas quedan estructuradas a lo largo de cuatro días en las que se impartirán siete conferencias y cuatro seminarios o talleres prácticos.
La parte práctica de las Jornadas tiene el objetivo de lograr un aprendizaje efectivo de lo expuesto en las conferencias mediante la elaboración de textos y una visita a la exposición Espacio privado. Espacio imaginado que tiene lugar en esas fechas en el Centro de Arte La Regenta. Los talleres se han concebido con un interés formativo dirigido a los universitarios; este es el sector al que está destinado prioritariamente estas Jornadas.

EVALUACIÓN
Se otorgará 1,5 créditos de Libre Configuración por la Facultad de Geografía e Historia de La Universidad de Las Palmas de Gran Canaria.

PROGRAMA
Martes 2 de noviembre
17:00-18:15 horas
La Modernidad artística y la crítica de arte: de la Ilustración a la Vanguardia
Ignacio Henares Cuéllar
Catedrático de Historia del Arte. Director del Departamento de Historia del Arte y Música Universidad de Granada

18:15-18:30 horas – Descanso
18:30-19:45 horas
Modo en que la institución afecta a la práctica de la crítica en su conjunto
Jesús Carrillo Castillo
Doctor en Filosofía por la Universidad de Cambridge. Profesor asociado en el Departamento de Historia y Teoría
del Arte de la Universidad Autónoma de Madrid

19:45-21:00 horas
Taller práctico: Estructura, funciones, categorías y valores del discurso de la crítica de arte
Impartido por: Ignacio Henares Cuéllar

Miércoles 3 de noviembre
17:00-18:15 horas
En peligro de extinción. Reductos para la crítica de arte como escritura: periódicos, revistas y la red
Elena Vozmediano
Crítica de arte y Presidenta del Instituto de Arte Contemporáneo IAC de Madrid

18:15-18:30 horas – Descanso

18:30-19:45 horas
Por una renovación de los lenguajes de la crítica de arte
Manuel Asensi Pérez
Catedrático de Teoría de la Literatura y de la Literatura Comparada en la Facultad de Filología de la Universitat de València

19:45-21:00 horas
Seminario de textos ¿Para quién se escribe? Análisis de ejemplos de artículos sobre arte, informativos y
críticos, en los medios
Impartido por: Elena Vozmediano

Jueves 4 de noviembre
17:00-18:15 horas
La práctica de la crítica como debate ideológico
Pilar Bonet
Profesora de crítica de arte y arte contemporáneo en la Universitat de Barcelona, de Historia del diseño en la Universitat Ramon Llull y del Máster de Arte Actual en IL3.

18:15-18:30 horas – Descanso

18:30-19:45 horas
Una indisciplina llamada crítica
Iván de la Nuez
Ensayista y comisario

19:45-21:00 horas
Taller práctico: ¿De qué escribimos cuando escribimos sobre arte?
Impartido por: Pilar Bonet

Viernes 5 de noviembre
17:00-18:15 horas
La crítica desde la práctica de la exposición
Neus Miró
Crítica de arte y comisaria de exposiciones independiente

18:15-18:30 horas – Descanso

18:30-19:45 horas
Taller práctico: Elaboración de un texto en relación al discurso que se desprende de la exposición ubicada en
el Centro de Arte La Regenta Espacio privado. Espacio imaginado
Impartido por: Neus Miró

19:45-21:00 horas
Mesa Redonda: La crítica de arte y su futuro profesional en el marco de las grandes exposiciones itinerantes, de las instituciones, de las grandes ferias y bienales
Participantes: Mariano de Santa Ana, Pilar Bonet, Neus Miró,
Moderador: Iván de la Nuez

PONENTES
Manuel Asensi Pérez
Es Catedrático de Teoría de la Literatura y de la Literatura Comparada en la Universidad de Valencia. Cursó estudios de filosofía y de filología y sus investigaciones se han centrado en la historia de la teoría literaria, en el análisis fílmico, en las relaciones entre literatura y filosofía, y en la crítica artística y filosófica. Es coordinador del Programa de Estudios Independientes del MACBA, crítico de arte en el suplemento Culturas del periódico La Vanguardia. Dirige la revista Prosopopeya. Revista de crítica contemporánea. Ha sido
profesor invitado en diferentes universidades norteamericanas, europeas y latinoamericanas. En la actualidad trabaja en un proyecto relacionado con una modalidad crítica que denomina crítica como sabotaje.

Pilar Bonet
Es Licenciada en Lengua y Literatura Española en la Universidad Central de Barcelona y Licenciada en Periodismo por la Universidad Autónoma de Barcelona. Historiadora y crítica de arte. Profesora de arte y diseño contemporáneo en la Universitat de Barcelona y en la Universidad Ramón Llull. Ha comisariado diversas exposiciones de investigación histórica y muchas otras dedicadas a artistas contemporáneos (Carlos
Pazos, Eugénia Balcells, Perejaume, Concha Jerez, Frances Abad, Rogelio López Cuenca) Ha realizado proyectos expositivos a partir de las colecciones del IVAM, MACBA y múltiples colaboraciones para museos catalanes. Colabora en diversas revistas e imparte seminarios sobre la crítica de arte y las producciones contemporáneas siempre con especial atención a las cuestiones sociales y políticas del arte. Es miembro del Consejo de Dirección del Centro de Producción Can Xalat de Mataró y de la asociación ACM de Cultura
Contemporánea.

Jesús Carrillo
Es profesor en el Departamento de Historia y Teoría del Arte en la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad Autónoma de Madrid. Licenciado en Geografía e Historia por la Universidad de Murcia, y Doctor en Filosofía (Historia) por la Universidad de Cambridge (Reino Unido). Su línea actual de investigación se centra en el arte moderno y contemporáneo, la cultura visual y la teoría del arte. Es autor, entre otros libros, de Tendencias del arte, arte de tendencias a principios del siglo XXI , en colaboración con J. A. Ramírez (2004), (Desacuerdos 1, 2 y 3, editados por el MACBA en 2004-05), Douglas Crimp. Posiciones críticas (2005) y de numerosos artículos en revistas especializadas.

Iván de la Nuez
Es ensayista y comisario. Actualmente es el jefe del Departamento de Actividades Culturales del Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona. Entre sus libros: La balsa perpetua; El mapa de sal; Fantasía roja e Inundaciones. Entre sus exposiciones: Atopía, La Crisis es Crítica, Postcapital, Parque Humano, La isla posible, así como las retrospectivas de Joan Fontcuberta o Javier Codesal. Sus libros han sido traducidos a varios idiomas y sus exposiciones se han presentado en diversos museos de Europa y América Latina.
(www.ivandelanuez.org)

Mariano de Santa Ana Pulido
Es Licenciado en Geografía e Historia, especialidad en Historia del Arte por la Universidad Complutense de Madrid. Crítico de arte en el suplemento Babelia del diario El País, es editor de los libros: Paisajes del placer, paisajes de la crisis; El espacio turístico canario y sus representaciones (Tahíche, Fundación César Manrique, 2004); Paisaje y esfera pública (con Orlando Franco Ramírez, CAAM, Colegio de Arquitectos de Canarias, 2008) y Memorias y olvidos del archivo (con Fernando Estévez González, Editorial Lampreave, CAAM, Museo de Historia y Antropología de Tenerife). Fue responsable de la puesta en marcha del Centro de Documentación del Centro de Arte La Regenta y ha sido codirector, con Luis Roca Arencibia, de la vídeocreación A Meager Canary Beach, presentada en el Pabellón Español de la Segunda Bienal Internacional de Arquitectura de Rotterdam (2005). Artículos y entrevistas suyas han aparecido en los diarios El País y Abc y en revistas como Basa, Exit Express, Lápiz, Acto, La Página, Revista de Occidente y Quimera.

Ignacio Henares Cuéllar
Es Catedrático del Departamento de Historia del Arte de la Universidad de Granada. Entre sus libros destacan: Teoría de las artes plásticas en España en la segunda mitad del siglo XVIII (Granada, 1978), Romanticismo y teoría del arte en España (Madrid 1981). Ha tenido una constante dedicación a la Historia de la crítica de arte con trabajos dedicados a ella en las revistas románticas españolas, a Stendhal y la crítica de arte, a la crítica en la generación del 27, a las ideas críticas de Alberti o Lorca, al pensamiento crítico-artístico en la Revista de Occidente, a la crítica de arte española en la posguerra. Ha sido editor del libro Historia de la crítica de arte en España 1836-1936, en el que es autor de capítulos dedicados la substantividad de la crítica de arte, a las categorías de la crítica de arte romántica o al realismo y el simbolismo en la crítica de arte del último tercio del siglo XIX.
Ha escrito textos para los catálogos de numerosos artistas contemporáneos y ha comisariado exposiciones de
referencia en España y América.

Neus Miró
Es Licenciada en Historia del Arte por la Universidad de Barcelona, posgraduada en Museología por el ICOM (Universidad de Brno-Chequia) y obtuvo el Master of Curating and Commissioning Contemporary Art en el Royal College of Art (Londres). Actualmente es crítica de arte y comisaria de exposiciones independiente. Escribe habitualmente para catálogos y periódicamente en las revistas: Benzina (Barcelona), Exit Express (Madrid), y Flash Art (Milan). Entre sus últimos proyectos comisariados se incluyen: Perejaume: Imágenes Proyectadas (CAB, Burgos, 2009), Los tiempos de un lugar (CDAN, Huesca, 2009), A través de paredes (Centro Atlántico de Arte Moderno, Salas Municipales de Girona, 2007), Historias animadas (CaixaForum, Sala Rekalde y Le Fresnoy, 2006-2007), y Land Art Fernsehen Galerie Gerry Schum (CDAN, Huesca, 2007)

Elena Vozmediano Vallejo
Es Licenciada en Historia del Arte por la Universidad Complutense de Madrid. Crítica de arte, escribe semanalmente, desde 1998, en El Cultural (El Mundo), de cuya sección de arte ha sido jefa durante algunas temporadas y en cuyas páginas ha publicado más de 500 artículos. Ha trabajado en la revista Arte y Parte y en el Centro Galego de Arte Contemporánea (Santiago de Compostela). Ha publicado textos en catálogos de arte y en revistas especializadas como Arquitectura Viva, Diseñart, Art Nexus, Revista de Libros o Revista de Occidente. Es Presidenta del Instituto de Arte Contemporáneo, y forma parte de su directiva desde 2006.

Centro de Arte La Regenta
León y Castillo, 427
35007 Las Palmas de Gran Canaria
Islas Canarias / España

Colección: Ensayos Arte Cátedra

Fecha: 5 de noviembre, a las 19.00 h.
Lugar: Casa del Libro de Gran Vía, 29 (Madrid)

Índice
Prólogo (Roberto Goycoolea Prado); Introducción; Capítulo 1. Gordon Matta-Clark: un puente entre dos mundos, o el cuerpo en el espacio construido; Capítulo 2. Operaciones en el borroso límite de lo arquitectónico y lo escultórico; Capítulo 3. Imágenes del mundo urbanizado; Capítulo 4. Algunas pesadillas arquitectónicas; Capítulo 5. La ficción distópica de Gregor Schneider; Capítulo 6. Erosiones y mutaciones; Capítulo 7. Santiago Sierra: ocultar y desvelar. Una genealogía de la dominación; Capítulo 8. Archipiélago Ilusión; Capítulo 9. La deshumanización del optimismo científico de Olafur Eliasson; A modo de epílogo; Bibliografía; Índice onomástico.

Contenido
La arquitectura se ha interrelacionado con el arte a lo largo de su historia no sólo con las edificaciones, la manifestación física de las formas constructivas, sino también mediante su expresión gráfica. Sin embargo, en el último siglo la arquitectura ha penetrado profundamente tanto en la vida cotidiana como en el arte, y todo el arco conceptual existente entre ellos se ha «arquitecturizado». Es decir, la arquitectura no sólo se ha conformado en tanto que aliado de una serie de «políticas estatales de sujeción», sino también como una «materia prima» fundamental para innumerables artistas de muy diferente índole. El conjunto de lo que el autor denomina «poéticas arquitectónicas» no es precisamente una unidad homogénea, sino una agrupación de singularidades unidas por el hilo conductor arquitectónico; así, nombres como Olafur Eliasson, Vito Acconci, Gregor Schneider o Rachel Whiteread se encuentran enlazados por una cierta relación de contigüidad. Todos ellos, al quedar dispuestos en paralelo, muestran un interés común tanto en lo que concierne a una pretensión constructiva como a un determinado posicionamiento crítico con respecto a la ideología dominante.

¿Acaso no nos resulta intolerable ya ese encasquillamiento de una cultura que se ha embobado de sí misma en la imaginación enfermiza de su final, en la letánica intuición de su agonía?

Sin duda, sin duda. Pero entonces, nada de apocalipsis -ni apocalipsis-ahora, ni apocalipsis futuro-, nada de -como certeramente ha reclamado Derrida- moribundias. Ni plagas ni pestes, ni signos en los cielos o presentimientos agónicos que -a baja intensidad- persigan electrizar nuestra piel: negativa a todo discurso catastrofista o postrimero, a todo expresionismo agorero de finales -perpetuamente aplazados.

En su lugar, sólo la proclamada pasión de un trastorno radical, la voluntad decidida de una transformación rotunda.

Nada de profecías -sino sólo una antiprofecía: los últimos días. Nada de diagnósticos -sino revolución ahora, apropiación de destino, ganancia definitiva de la vida y el mundo.

Activismo, ejercicio radical de la pasión de otredad, abandono inmediato y decidido de un estado de la vida intolerable, improlongable, …

El museo Oteiza, en colaboración con la Cátedra Oteiza de la Universidad Pública de Navarra, ha editado el volumen monográfico “Oteiza y la crisis de la modernidad”, que recoge un conjunto de 23 textos que corresponden al material científico del Primer congreso Internacional Jorge Oteiza, celebrado con motivo de su centenario, y que constituye un extenso análisis y revisión de la obra y el pensamiento estético del artista.

Este volumen incluye un total de trece ponencias y de diez comunicaciones escritas por otros tantos especialistas en la obra de Jorge Oteiza, componen un extenso volumen de 948 páginas, que se edita en versión trilingüe (castellano, euskara e inglés) y que aporta un material científico “esencial para sostener una análisis actualizado y comprender la significación del legado artístico de Oteiza” según señala Gregorio Díaz Ereño, director del Museo Oteiza.

La publicación ha sido prologada por Diaz Ereño y Francisco Calvo Serraller directores del Museo Oteiza y la Cátedra Oteiza, respectivamente, y comienza con el texto “Jorge Oteiza y el pensamiento de su época”, de Vincenzo Vitiello, profesor de Filosofía Teorética de la Universidad de Salerno y de Teología Política en la Universidad San Raffaele de Milán y experto en el pensamiento de Heiddeger. “Proyecto como crisis” es el texto del escultor, escritor y profesor de la Universidad de Vigo, Juan Luis Moraza; que se incluye en esta monografía junto con el trabajo “Oteiza,metafísica del origen”, a cargo de de Félix Duque, catedrático de Filosofía de la Universidad Autónoma y autor de numerosas publicaciones sobre arte y estética.

La publicación continúa con la intervención del catedrático de Estética de la Universidad Pompeu Fabrá y responsable de la edición crítica de Quousque Tandem…! , Amador vega, titulada “La imagen plástica de un misterio, Oteiza y el pensamiento estético-religioso”; el texto “Joseph Beuys y Jorge Oteiza: Caminos hacia una nueva imaginación”, de Friedhelm Mennekes, director de la Kunstt Station de Colonia y experto en la obra de Beuys; “Actualidad de algunas lecturas post-contemporáneas sobre Oteiza”, a cargo del crítico y comisario Peio Aguirre; “Clasicismo y vanguardias en la escultura de Oteiza”, por Soledad Alvarez, catedrática de Historia del Arte de laUniversidad de Oviedo y autora de la monografía Jorge Oteiza, razón y pasión; “La memoria del Futuro: Oteiza y el Minimalismo”, de la Catedrática de la Historia del Arte de la Universidad de Barcelona y autora de numerosas monografías sobre arte y estética, Anna Maria Guasch; y “Arte e idolatría. La finalidad del arte en la obra de Jorge Oteiza”, a cargo de Jon Echeverria, doctor en Humanidades por la Universidad Pompeu Fabra con una tesis sobre Jorge Oteiza.

Este extenso volumen se completa con la participación de la investigadora Adelina Moya, autora de numerosas obras sobre artistas modernos como Nicolás de Lekuona y su ponencia “Rupturas y restauraciones: Jorge Oteiza en la tradición moderna”; el texto “El laboratorio experimental (o el trazo del escultor)”, a cargo del escultor y profesor de Escultura de la Universidad del País Vasco, Ángel Bados; “Una propuesta moderna en la crisis de la modernidad. Monumento a José Batlle y Ordóñez 1957-1964”, a cargo de
los escultores y profesores del Departamento de Escultura de la Universidad del país Vasco Ana Arnaiz, Jabier Elorriaga, Xabier Laka y Jabier Moreno, y concluye con la el texto “Lo mismo y lo distinto” a cargo de Pedro Manterola ex director del Museo y la Cátedra Oteiza.

Esta monografía recoge igualmente las comunicaciones presentadas en el congreso como “Oteiza. Teoría urbana y obra última. Una interpretación”, de Iñaki Albisu; “Heidegger, Oteiza, Chillida: los límites del espacio de la modernidad”, de Ignacio Ayestarán; “La dimensión de la memoria en Oteiza”, de Concha Lapayese y Dario Gazapo, “La ciudad como obra de Arte. Origen de la reflexión espacial de Jorge Oteiza sobre la ciudad”, de Emma López Bahut, “Oteiza-Newman: espacios compartidos”, de Raúl Mena; “Oteiza romántico”, de Eduardo Michelena; “Oteiza: arquitectura como desocupación espacial”, a cargo de Fernando Moral; “Oteiza y el centro Cultural Alhóndiga: La modernidad desubicada”, de Iskandar Rementeria; “La estatua y el libro.
Ensayo de continuidad para una obra concluida”, de Emilio Varela y “Principio de interioridad y educación estética en Oteiza,” de Iñaki Zuazu.

MUSEO OTEIZA
C/ de la Cuesta, 7
31486 ALZUZA (Navarra)
Tel.: +34 948 33 20 74
Fax.: +34 948 33 20 66
info@museooteiza.org
www.museooteiza.org

La revista Sublime estrena pagina web nueva. Con unos contenidos generales muy amplios Sublime retoma el pulso de la actulidad del Arte. Colaboradores destacados del mundo de la cultura, asi como los propios artistas, escritores y filosofos conforman un equipo de trabajo que vuelve a plantear una perspectiva sin censuras de ningun tipo. Sublime relanza su espacio en intenet para ofrecer una plataforma independiente de pensamiento, critica y debate. La trayectoria de la revista nace en el año 2002.

www.sublimeart.net

Martes, 8 de marzo de 2010
Lugar: Sala Conferenze. Real Academia de Epaña en Roma
Piazza di San Pietro in Montorio, 3
00153 Roma

Intervienen:

Maria Rosa Sossai
José Luís Corazón Ardura
Avelino Sala

La voz remota, una conversación entre el artista Avelino Sala y el crítico José Luis Corazón Ardura publicado dentro del proyecto El enemigo está dentro disparad sobre nosotros que tuvo lugar en el 2009 en Laboral Ciudad de la Cultura, Gijón.

Sábado 30 de enero de 2010
De 11 a 14 horas y de 17 a 20 horas.
Entrada libre.

Coordinadores: Anna Maria Guasch y Juan José Lahuerta

Colaboran: Associació Catalana de Crítics d´Art (ACCA) y Departament d´Història de l´Art. Universitat de Barcelona.

Juan Antonio Ramírez fue uno de los historiadores con mayor prestigio y reconocimiento no sólo en nuestro panorama nacional sino, de manera excepcional, en el internacional. Sin lugar a dudas su mayor legado a la historia del arte, aparte de su dedicación a la docencia y a la formación de futuros investigadores, y de su compromiso con diversas causas vinculadas el “oficio” del historiador del arte, han sido sus publicaciones. Más de 40 libros desde que en 1975 publicara su primer trabajo y, entre ellos, 10 traducidos en distintos idiomas, hacen de él uno de los historiadores del arte, pero también crítico de arte, ensayista, poeta, novelista y fabulador más leídos y consultados.

¿Cómo definir este trabajo ingente del inesperadamente desaparecido Juan Antonio? Curiosidad intelectual, precisión, ironía, ingenio, lucidez, imaginación, escritura fluida. Y siempre erudición… no tanto la propia del historiador positivista y amante del dato, sino más bien la característica de un pensamiento curioso, una erudición que conoce, sabe, experimenta, cita de memoria, contextualiza con ingenio y brillantez. Erudición que explica el perfil de historiador no excesivamente canónico, e incluso en ocasiones algo díscolo que, descontento del carácter excesivamente cerrado de la “disciplina humanística” de la historia del arte, la liberó de toda fórmula reductora tanto en lo que sería pura iconología, estricta sociología o riguroso formalismo.

Es a este historiador al que todavía le quedaban tantos asuntos por contar, enseñar y comunicar, y al amigo entrañable con el que todavía teníamos tantas cosas por compartir, al que queremos reconocer nuestra gratitud públicamente y queremos hacerlo a través de lo que él se sentía más satisfecho, satisfacción que no excluía, no obstante, una soterrada insatisfacción y autocrítica: sus libros. (RE)LEYENDO A JUAN ANTONIO RAMIREZ quiere ser un recorrido por algunos de sus libros comentados por algunos de sus muchos amigos y colegas de distintas universidades catalanas (Universitat de Barcelona, Autònoma y Politècnica) y también de otras como la Universidad Autónoma y la Complutense de Madrid, así como la Universidad de Zaragoza.

PROGRAMA
Mañana : 11-14 horas
Presentación de Pilar Parcerisas. Presidenta de la Associació Catalana de Crítics d´Art ( ACCA)
Presentación de Gaspar Coll. Director del Departament d´Història de l´Art. Universitat de Barcelona
Primera ponencia introductoria y presentación de los ponentes de la mañana: Anna Maria Guasch
Ponencias:
- PERE SALABERT. Catedrático de Estética y Teoría de las Artes. Universidad de Barcelona. Corpus Solus. Para un mapa del cuerpo en el arte contemporáneo (2003)
- CARLOS REYERO. Catedrático de Historia del Arte. Universidad Autónoma de Madrid. Manuales de arte.
- JESÚS CARRILLO. Jefe de Programas Culturales del Museo Nacional Reina Sofía. Profesor Titular de Historia del Arte. Universidad Autónoma de Madrid. El objeto y el aura. (Des) orden visual del arte moderno (2009)
- JOAN SUREDA. Catedrático de Historia del Arte. Universidad de Barcelona. Cómo escribir sobre arte y arquitectura (1996)
- ESTRELLA DE DIEGO. Catedrática de Historia del Arte. Universidad Complutense de Madrid. El cómic femenino en España (1975)
- Presentación de la página WEB de JUAN ANTONIO RAMÍREZ Guillermo García.

Tarde: 17 a 20 horas
Segunda ponencia introductoria y presentación de los ponentes de la tarde: Juan José Lahuerta
Ponencias:
- FÉLIX FANÉS. Catedrático de Historia del Arte de la Universidad Autónoma de Barcelona. Medios de masas e historia del arte (1976)
- JOSEP MARIA ROVIRA. Catedrático de Historia del Arte y de la Arquitectura. ETSAB, Barcelona. Duchamp. El amor y la muerte, incluso (1993)
- JOSEP LLUIS MATEO. Arquitecto. Catedrático de Proyectos. ETH, Zürich. J.B. Villalpando y el templo de Salomón (1991)
- ASCENSIÓN HERNÁNDEZ. Profesora de Historia del Arte . Universidad de Zaragoza. Ecosistema y explosión de las artes (1994)
- JOAN M. MINGUET BALLORI. Profesor de Historia del Arte. Universidad Autónoma de Barcelona. La arquitectura en el cine (1986)
- ENRIC GRANELL. Profesor Historia del Arte y de la Arquitectura. ETSAB, Barcelona. Escultecturas margivagantes (2006)