intransit es un proyecto iniciativa de la Universidad Complutense de Madrid, desarrollado como plataforma por Pensart, que tiene entre sus principales objetivos el establecer pautas profesionales de trabajo entre la comunidad artística universitaria y los agentes que operan el sector de la cultura. Por esa razón, La Universidad Complutense promueve intransit como un medio eficaz para realizar didáctica sobre la importancia del esfuerzo personal, el rigor en la práctica y la excelencia en el desarrollo de los procesos de investigación y creación.

Con el objetivo de dar continuidad al proceso de formación y permitir la inserción de los creadores en las redes nacionales e internacionales de producción cultural, la plataforma se presentará los días 19 y 25 de enero en las Universidades de Alicante y Zaragoza respectivamente, dentro de un programa de presentaciones a nivel nacional que se está llevando a cabo mediante la ayuda económica concedida por la Secretaría de Estado de Cultura y que tuvo su primera sesión en el Centro de arte Complutense el pasado mes de diciembre de 2011.

Con ello se quiere resaltar la importancia del esfuerzo de los centros universitarios en la búsqueda de la excelencia en el desarrollo de los procesos de creación, y la inserción de sus estudiantes en los circuitos institucionales y alternativos de la cultura y el arte, favoreciendo la difusión de las herramientas necesarias para comprender el contexto de su trabajo profesional y los mecanismos de intermediación.

En cada sesión se hará una presentación de la plataforma a la que asistirán los principales representantes de los Vicerrectorados de la Universidad Complutense de Madrid, de la Universidad de Alicante y de la Universidad de Zaragoza, y el equipo de profesionales implicadas en el desarrollo y coordinación de intransit. Tras la presentación, el artista Eugenio Ampudia impartirá el taller “Prácticas Artísticas”, dirigido a artistas, comisarios, críticos y gestores culturales. Ell artista tratará de situar al creador ante la realidad de su propio contexto productivo y definir un plan de acción haciendo un análisis de la realidad profesional que lo rodea.

Intransit en Alicante. Museo Universidad de Alicante (Salón de Actos). Jueves 19 de enero. De 17 a 19h.

intransit en Teruel. Vicerrectorado Campus (Salón de Actos). Miércoles 25 de enero. De 16 a 18h.

+ información en www.intransit.es

30 horas.
10 sesiones de 3 horas.

Precio: 90€ x alumnos/as y personal de la UPV
100€ para resto de participantes

Créditos ECTS: 1 ’2

Fechas:
Fecha inicio 3/11/11
Fecha fin 3/12/11

Horarios:
Martes y jueves: 16:00-19:00
Última sesión, sábado: 10:00-13:00

Inscripción al curso:
Centre de Formació permanent de la UPV www.cfp.upv.es/

Para más información:
programa completo ampliado o dudas
contactar con: Miguel Ángel Baixauli: miguel@saltodeeje.com

Este curso aborda la noción de participación a lo largo de la historia del cine, desde las formas cinematográficas (clásicas y de vanguardia) que han ido creándose para activar y hacer participar de diversas maneras al espectador en los films, hasta las formas contemporáneas de participación ampliada y de transformación del universo fílmico a partir de los medios digitales.
Open Cinema / Cinema abierto es un proyecto de investigación tanto teórico como práctico, y su objetivo prioritario consiste en abrir la práctica y la comprensión del cine a nuevas formas de participación social, trasladándonos de la lengua dominante de las Industrias Culturales a la circulación minoritaria de los dialectos múltiples del Cinematógrafo y sus invenciones proliferantes de nuevas formas participativas de construcción de lo real.
Cada sesión del curso incluirá desarrollos teóricos, visionado de imágenes y debates participativos. Se desarrollarán los siguientes ejes temáticos:

1. La noción de participación en cine. Elementos de activación del espectador y formas cinematográficas de
participación (y de exclusión) de lo visible.
2. ¿Qué es el cine hoy? Mutaciones del cine contemporáneo. El Cinematógrafo como instrumento de conocimiento y función de pensamiento: la “función crítica” de lo cinematográfico en el universo global de los new media y del Audiovisual
3. La naturaleza compleja del cinematógrafo: a la vez instrumento de ficción e indagación documental de lo real, aun tiempo espectáculo público y sistema de escritura, simultáneamente “máquina de visión” y documento antropológico.
4. El cinematógrafo en los límites de lo invisible. Hablar y ver: la disyunción de lo visible y lo enunciable (Foucault) y las formas de indiscernibilidad entre la ficción y el documental. El “gran formato” del cine convencional frente a las formas menores del cinematógrafo.
5. Filosofías fílmicas de Ranciére (el espectador emancipado) y Deleuze (la pedagogía de la percepción). Pedagogía fílmica de Kiarostami, Godard, Straub/Huillet, Pedro Costa …
6. El problema de la representación y la noción de autor. Las rupturas de mayo del 68. Las experiencias del cine colectivo, el cine de urgencia y las formas cinematográficas comunitarias en el siglo XXI.
7. Los límites del control. Post-cine: el mundo como video-juego, casino virtual y show programado. El cambio del estatuto ontológico del cine a partir de la tecnología digital. Consecuencias de producción y distribución. Cine e Internet.
8. El cine sale de sus claustros. Nuevos dispositivos, rituales e instalaciones de lo cinematográfico en el entorno público. Nuevas formas de encuentro cinematográfico. La nueva vigencia de los pioneros del cine-amateur, el diario fílmico, el cine experimental, cine directo, cinéma-verité, found footage, etc ..
9. Del film-producto a los procesos socio-cinematográficos. Nuevas formas de comunidad vinculadas a un proceso socio-cinematográfico de transformación de lo real. Posibilidades de conversión de una película de “producto de consumo” en proceso social de participación.
10. Propuestas contemporáneas de cine participativo y de autoría colectiva. El cuestionamiento del dispositivo fílmico productor de lo real y la producción de subjetividades transformadoras de lo real-fílmico.

Miguel Ángel Baixauli
Cineasta y antropólogo.
Su primer largometraje, Temps d-aigua, obtuvo el Premio al Mejor Largometraje Documental en la
XXX Mostra de Cinema del Mediterráni, en 2009, además de ser seleccionada en diversos festivales
internacionales. http://www.tempsdaigua.blogspot.com
También en 2009 publicó los resultados de su proyecto Correspondencias, una experimentación de
varios años en antropología audiovisual de la educación y pedagogía cinematográfica, financiada por
la Generalitat Valenciana y la AECID.
Entre sus otros trabajos cinematográficos destaca Deux cahiers par enfant, ficción documental
filmada en Senegal en 2005, y su labor de guionista y asistente del director en Nos hacemos falta
(2003), largometraje de ficción de Juanjo Giménez Peña, seleccionado y premiado en numerosos
festivales internacionales.
En 2010 ejerció de editor y corrector del libro de Guadalupe Arensburg Cinematografías de África,
y colaboró con el CitiLab-Cornellá en proyectos de Territorio y Tecnología en la Comunidad
Valenciana.
Paralelamente ha realizado varias piezas documentales para la Universidad Rural Paulo Freire
(URPF) y varios cursos y seminarios sobre cine y pedagogía, así como diversos talleres
participativos de creación audiovisual y didáctica cinematográfica.
Actualmente está embarcado en la creación colectiva de un grupo multidisciplinar de conocimiento
urbano y acción participativa (Coordinadora de Innovaciones Vecinales) y en el montaje de dos
trabajos más: un documental sobre Comboi a la fresca, Arquitecturas Colectivas 2011 y el
largometraje Sol de Amparaes, rodado en una comunidad indígena de la región de Cuzco (Perú).

OBJETIVOS DEL MASTER
El Master en Gestión de Patrimonio Histórico y Cultural que organiza la Universidad Complutense de Madrid a través del Centro Superior de Estudios de Gestión persigue formar profesionalmente a los futuros gestores del patrimonio histórico y cultural a partir de un conocimiento crítico del medio y de instrumentos y metodologías actuales.

ORGANIZACIÓN
El Máster se desarrolla a lo largo de 500 h (60 créditos) entre teóricas y prácticas.

Los alumnos tienen la opción de realizar prácticas en instituciones y empresas culturales, que se organizan de acuerdo con los intereses profesionales del alumno. Algunas de las instituciones con las que se ha suscrito convenio de colaboración son: Fundación MAPFRE, ARCO, Asociación Española de Museología, La Fábrica, IGPCultur, Fundación Casas Históricas, Círculo de Bellas Artes y Museo Reina Sofía.

Calendario del programa
Clases presenciales: principios de noviembre de 2011 – principios de julio de 2012
Entrega de proyectos: hasta febrero de 2013

Horario
Las clases se impartirán los viernes de 16:00 a 21:00 h y los sábados de 9:00 a 14:00 h en el Centro Superior de Estudios de Gestión (Campus de Somosaguas)

Las actividades extraordinarias podrán celebrarse fuera de este horario.

Número de plazas
Entre 15 y 30 alumnos

________________________________________
PROGRAMA
ÁREA I: ¿Qué es el Patrimonio Cultural?
1. Concepto.
2. Historia.
3. Disciplinas que se ocupan del Patrimonio Cultural.
4. Concepto actual de capital cultural.
ÁREA II: Gestión y protección del Patrimonio Cultural.
1. Legislación respecto a la definición y protección del Patrimonio Cultural.
2. Fórmulas públicas y privadas de la gestión y protección del Patrimonio Cultural:
a. Normativa e instrumentos administrativos.
b. Instituciones y organizaciones gestoras.
3. Argumentos pro y contra del patrocinio y la gestión privada del Patrimonio Cultural:
a. Patrimonio y mecenazgo.
b. Coleccionismo.
c. Casas de subastas, galerías y anticuarios.
4. La economía de la cultura. Gestión presupuestaria y financiera.
5. Recursos humanos: negociación y liderazgo.
ÁREA III: Conservación, restauración y uso del Patrimonio Cultural.
1. Argumentos pro y contra la conservación y la conservación preventiva.
2. Compromiso entre exposición, uso y conservación.
3. Problema de la autenticidad: evolución en el concepto y prácticas restauradoras.
4. Patrimonio y expolio.
5. Cómo se evalúa qué conservar.
6. Catalogación e inventario.

ÁREA IV: Patrimonio Cultural en contexto y patrimonio en ámbitos a-contextuales.
1. Problemas de la a-contextualización y la re-contextualización: instrumentos museográficos, proyectos de interpretación y Nueva museología.
2. Argumentos pro y contra la espectacularización del Patrimonio Cultural.
3. Yacimientos arqueológicos, monumentos nacionales, etc.
4. Museos y exposiciones. Comisariado. Diseño de dispositivos expo-gráficos. Estudios de público.
5. Patrimonio inmaterial.
ÁREA V: Patrimonio Cultural en producción.
1. Procesos que envuelven la construcción del Patrimonio Cultural.
2. Producción de objetos, monumentos y espacios que forman parte del Patrimonio Cultural.
3. Metodología para la gestión de proyectos.
4. Didáctica del Patrimonio Cultural.
5. Marketing y comunicación.

PROFESORADO
Dª Eloísa del Alisal, Dr. Rafael Azuar, D. Trevor Burgess, Dª Cristina Cámara; Dr. Jesús Carrillo, Dra. Ana Carro, Dª Ruth Castellote, Dr. Arturo Colorado, Dª Andrea Dates, D. Carlos Fernández, D. Alberto Fesser, Dª Ruth Gallego, D. Pedro Gallego de Lerma, Dra. Isabel García Fernández, D. Luis Miguel García Mora, D. Luis Gómez, Dra. Yaiza Hernández, Dª Ana López Meseguer, D. Joan Llinares, D. Antonio Martínez, Dª Concha Maza, D. Andrés Merino, Dra. Carmen Mínguez, D. Gabriel Morate, Dra. Mª Ángeles Múñoz, Dr. José Mª Parreño, Dª Aure Peral, Dra. Mª Ángeles Querol, Dr. Pau Rausell, Dª Nuria Recoder de la Vega, D. Mikel Rotaeche, Dª María Sabau, Dra. Margarita San Andrés, Dra. Isabel Tejeda, Dª María Pía Timón, D. Carlos Urroz, D. Antonio Vallejo, Dra. Ana Yáñez, etc.
MÁS INFORMACIÓN
Para realizar la preinscripción seguir el enlace: http://www.cseg-ucm.es/gphc-preinscripcion.html

Centro Superior de Estudios de Gestión, Análisis y Evaluación.
Máster en Gestión de Patrimonio Histórico y Cultural
Edificio -B-, Mas Ferre
Campus de Somosaguas
28223- MADRID
Teléfonos: 91 394 2950 / 689 699 280
Secretaría: 91 394 2957 / 91 394 2958

e-mail: csegae07@cseg.ucm.es
web: http://www.cseg-ucm.es/

Cos: Titular d’Universitat

Referència: TU11/12

Tipus de convocatòria: Concurs d’Accés

Nombre de places: 1

Departament: Història i Història de l’Art

Àrea de coneixement: Història de l’Art

+ información

A*STUDY es un programa de estudios encaminado a la introducción y el desarrollo profesional en el ámbito del arte contemporáneo:
Un espacio de trabajo presencial diario
Un lugar de encuentro y discusión
Una puerta de acceso a la realidad del arte contemporáneo

En A*STUDY queremos desarrollar proyectos reales. A*DESK tiene las herramientas para llevarlos a cabo a través de:
El contacto y conocimiento directos de la realidad del arte contemporáneo y sus agentes (artistas, críticos, comisarios, galeristas, responsables de instituciones y publicaciones…) para formar parte de esa realidad.
La situación para discutir, madurar y realizar tus proyectos. El trabajo en un grupo reducido y seleccionado de estudiantes que permite la atención y el seguimiento personalizados
Lugares para publicar, una red de colaboradores, expertos y relaciones con otras instituciones o espacios en los que desarrollar proyectos.

Los objetivos de A*STUDY son:
Generar conocimiento de primera mano, teórico y práctico, de la realidad del arte contemporáneo.
Profundizar en aspectos concretos de la crítica de arte, el comisariado y la gestión de proyectos.
Introducir a nuevos agentes en el mundo profesional del arte.
Estimular la creación de contextos generacionales activos en arte y cultura contemporáneos.

A*STUDY se dirige a: Universitarios, licenciados y, en general, individuos interesados en desarrollar proyectos, en introducirse en la práctica del arte contemporáneo y que deseen formar parte de un proyecto de pensamiento y crítica en arte contemporáneo

A*STUDY incluye:
Un espacio de trabajo diario ubicado en la sede de A*DESK en Barcelona que permite llevar a cabo proyectos a lo largo de todo el curso
El seguimiento diario de los proyectos: textos, publicaciones, ciclos de conferencias, exposiciones, propuestas de investigación, en colaboración y curatoriales en distintos formatos.
Una coordinación efectiva, presente en todo el proceso de aprendizaje
La práctica continua de escritura, reflexión y debate sobre arte contemporáneo tutorizada por A*DESK
La matrícula a los A*WORKSHOPS, Talleres y seminarios dirigidos por profesionales y agentes activos en arte contemporáneo.
Sesiones de trabajo con profesionales reconocidos
Visitas a espacios y encuentros con distintos profesionales

La edición 2011-2012 estará coordinada por David Armengol. David Armengol compagina su trabajo curatorial con la gestión cultural en Sant Andreu Contemporani (Concurs d’Arts Visuals Premi Miquel Casablancas). Ha comisariado diferentes proyectos centrados en la condición del artista y su funcionalidad para/con su sociedad: Euforia. Casos de optimismo extremo en el Espai Montcada de Caixafòrum Barcelona (2007-2008); el ciclo Obsessions. Exemples de redundància i persitència cíclica en L’Aparador del Museu Joan Abelló de Mollet; La liberación cómica (2009) y La fábula mística (2011) en masART Gallery o La gesta imposible en Matadero Madrid (2010). Actualmente prepara Perplexitat, un ciclo de exposiones para el Espai 13 de la Fundació Joan Miró de Barcelona.

A*WORKSHOPS Intensivos de una semana de duración aproximadamente para profundizar sobre un aspecto concreto de la crítica de arte.

SESIONES DE TRABAJO: Intensivos de una mañana de duración que permiten el contacto directo con agentes de primera línea del mundo de arte contemporáneo. En la edición anterior participaron: Alex Brahim (comisario de exposiciones) / Alex Gifreu (diseñador gráfico) / Antonio Ortega (artista) / Carles Guerra (en su momento, director de La Virreina Centre de la Imatge) / Cecilia Martín (artista y especialista en Branding) / David Bestué y Marc Vives (artistas) / David Santaeularia (director Espai Zer01, Olot) / Dora García (artista) / Eduardo Pérez-Soler (crítico de arte) / Frederic Montornés (crítico de arte y comisario de exposiciones) / Gloria Picazo (directora Centre d’Art La Panera, Lleida) / Ignasi Aballí (artista) / Joan Morey (artista) / Julia Montilla (artista) / Lars Bang Larsen (comisario de exposiciones) / Latitudes (comisarios) / Laurence Rassel (directora de proyectos de la Fundació Antoni Tàpies) / Mai Abu ElDahab (directora del centro de arte contemporáneo Objectif en Amberes) / Marcela Römer (directo del Museo de Arte de Rosario) / Mery Cuesta (crítica de arte y comisaria de exposiciones) / Pilar Bonet (Crítica de arte y profesora de la Universidad de Barcelona) / Rafel G. Bianchi (artista) / Tere Recarens (artista)

VISITAS Y ENCUENTROS en: Arts Santa Mònica / Bolit. Centre d’Art Contemporani, Girona / Can Felipa / Can Xalant, Centre de Creació d’Arts visuals i Pensament Contemporani, Mataró / CCCB / Centre d’Art La Panera, Lleida / Fundació Antoni Tàpies / Fundació Joan Miró / Galerías de Barcelona (Galería ProjecteSD, Galería Nogueras/Blanchard, Galería Estrany de la Mota, Galería Toni Tàpies, Galería ADN, Galería Carles Taché, Galería Senda, Galería dels Àngels…) / HANGAR / La Virreina. Centre de la Imatge / MACBA / Sant Andreu Contemporani / …

¿Dónde y cuándo? A*STUDY tendrá lugar del 25 de octubre de 2011 al 15 de junio de 2012 en Barcelona, diáriamente en la sede de A*DESK, en la calle Josep Torres 11 (barrio de Gràcia).

El coste de matrícula para participar en A*STUDY es de 3.150 €, realizable en dos pagos (2.000 en octubre y 1.150 en diciembre 2011)

Para más información dirigiros a contact@a-desk.org o llamando al teléfono +34 656829637

En A*STUDY queremos crear un grupo reducido de trabajo y estudio Seguiremos un proceso para seleccionar a los participantes en A*STUDY Si estás interesado, envíanos un breve curriculum y una carta de motivación a contact@a-desk.org y te convocaremos para una entrevista personal.

www.a-desk.org

Foto Conservación 2011 se propone la tarea de reunir a esos expertos de todo el mundo, conocedores específicos de cada campo de la conservación y restauración, conjuntando sus conocimientos para crear un gran índice de los métodos correctos de legar la fotografía, una piedra miliar para todos los custodios alrededor del mundo.

Tal acontecimiento se producirá del 20 al 23 de junio en la ciudad de Logroño.

ÁNGEL Mª FUENTES, es el director científico de la Conferencia.
Los ponentes invitados a la conferencia tienen una dilatada experiencia profesional y una acreditada trayectoria. Representan el conjunto de las especialidades que concurren en la conservación, y la suma de las conferencias permitirá obtener una visión global del estado de la cuestión en este campo profesional.

La Conferencia Internacional 30 años de Ciencia en la Conservación de Fotografía tendrá lugar del 20 al 23 de junio, con un epílogo posterior de dos días para la Conferencia Nacional. Todo ello se producirá en la Escuela Superior de diseño de La Rioja, sede de la Conferencia en la ciudad de Logroño.

Se estructurará en ponencias, impartidas por los expertos de cada ámbito específico en la conservación y restauración de bienes fotográficos, en número de dos por la mañana y otras dos por la tarde a lo largo de los cuatro días. Las mismas tendrán una duración de 90 minutos, con pausas intermedias para el café.

Programa de intervenciones
Día 20
09:00 – 10:00 Inauguración de la Conferencia
10:00 – 10:30 pausa para café
10:30 – 12:00
James Reilly. Director del Image Permanence Institute, Rochester N.Y.
25 años de investigación en la permanencia de las imágenes. Balance de un cuarto de siglo de trabajo científico y nuevas metas.
12:00 – 13:30
Bertrand Lavedrine. Director del CRCC, Centre de recherche sur la conservation des collections.
La investigación científica como base de la preservación del patrimonio cultural.

16:00 – 17:30
Debra Hess Norris. Catedrática y Profesora de conservación de fotografía the Art Conservation Deparment en la Universidad de Delaware
Las necesidades globales en la preservación de los materiales fotográficos.
17:30 – 18:00 pausa para café
18:00 – 19:30
Clara Mª Prieto. Conservadora-restauradora de documento gráfico y fotográfico.
La red, ¿Mina de oro o campo de minas?.

Día 21
10:00 – 11:30
Nora Kennedy. Sherman Fairchild conservadora de fotografía en The Metropolitan Museum of Art.
El papel de la conservación de fotografía en los museo.
11:30 – 12:00 pausa para café
12: 00. 13:30
Peter Mustardo.
Resposanble de la sección de Preservación en the New York City Municipal Archives desde 1985 hasta 1990, y de Regional Preservation Coordinator for the National Archives en Washington. Se estableció en práctica privada en la ciudad de New York en 1982 después de co-fundar The Better Image®.
Evolución en la metodología de la restauración en práctica privada.

16:00 – 17:30
Anne Cartier-Bresson. Directora del Atelier de Restauration et de Conservation des Photographies de la Ville de Paris.
El modelo del ARCP. La gestión integral de las colecciones fotográficas de la ciudad de París. 17:30 – 18:00 pausa para café
18:00 – 19:30
Joan Boadas i Raset. Director del Centre de Recerca i Difusió de la Imatge (CRDI), Girona. Comisionado del Consejo Internacional de Archivos (ICA) para los Archivos Fotográficos y Audiovisuales.
La evolución de la archivística española en el tratamiento de fondos fotográficos: un camino hacia la especialización.

Día 22
10:00 – 11:30
Henry Wilhelm. Investigador y fundador de WIR Wilhelm Imaging Researc, empresa dedicada al estudio de la permanencia del color físico-químico y digital en la fotografía y cine.
Del color físico-químico al color digital, el problema de la permanencia. Estado de la cuestión.
11:30 – 12:00 pausa para café
12: 00. 13:30
Paul Messier. Paul Messier Llc. Conservation of Photographs and Works on Paper.
Los papeles fotográficos del siglo XX. Metodología para su autentificación, entendimiento y datación.

16:00 – 17:30
Ángel Mª Fuentes. Conservador-restaurador de patrimonio en práctica privada.
¿Fotografía o información fotográfica? El impacto de la exhibición en los originales fotográficos. Evolución en los criterios de exposición y en las técnicas alternativas de explotación cultural.
17:30 – 18:00 pausa para café
18:00 – 19:30
Fernado Osorio. Director de Conservación de las Colecciones de Fotografía de Fundación Televisa AC.
El papel de las instituciones privadas en las colecciones de fotografía.

Día 23
10:00 – 11:30
Luis Pavao. Director de Luis Pavao Limitada, Lisboa, empresa dedicada a la conservación-restauración de patrimonio fotográfico y a la formación de profesionales en el campo.
Evolución de los criterios de trabajo en el modelo de Portugal.
11:30 – 12:00 pausa para café
12: 00. 13:30
Jesús Robledano. Profesor del área de biblioteconomía y documentación de la Universidad Carlos III.
25 años de conversión digital. Estado de la cuestión.

16:00 – 17:30
Grant Romer. Ha sido el conservador y el director de Advanced Residency Program in Photograph Conservation, en el International Museum of Photograpphy and Film at the George Eastman House.
And now ¿what? Pasado y futuro de los museos en la estrategia de la conservación. .
17:30 – 18:00 pausa para café
18:00 Cierre de la Conferencia

Para más información consultar su página web

Atentamente,
Junta Directiva del Instituto de Arte Contemporáneo

Noticias relacionadas

http://www.educacion.es/horizontales/prensa/actualidad/2010/10/campus-arte.html

Centro Arte Complutense
Avda. Juan de Herrera, 2. 28040 Madrid
www.intransit.es

intransit es una plataforma creada por la Universidad Complutense de Madrid que apuesta por establecer pautas profesionales de trabajo entre la comunidad artística universitaria y los agentes culturales que operan en cada sector. La plataforma se conforma como una convocatoria pública, unas jornadas de presentación de los proyectos con actividades participativas, un archivo físico instalado en el Centro de Arte Complutense y un archivo digital en la red.

Con esta iniciativa la Universidad Complutense ofrece a los creadores, la visibilidad y difusión de su trabajo y labor creativa, entre la comunidad artística, el sector de la mediación cultural y los medios de comunicación.

En la convocatoria dirigida a todos los creadores relacionados académicamente con la Universidad Complutense de Madrid se recibieron 108 proyectos. Los 20 proyectos seleccionados fueron elegidos por una comisión técnica independiente formada por especialistas en creación emergente.

Artistas: Bárbara Fluxá, Cecilia Sancho, Daniel Silvo, Javier Fresneda, Cristina Garrido, Alicia Martínez, Mutiu, Grupo de Investigación Eyjafjajallajökull, Marta Alonso, Virginia Lázaro, Francoise Vanneraud, Mario Espliego, Irene de Andrés, Marco Godoy, Karlos Gil, Sole Parody, Maillo, Julio Adán, Alejandro Bombin, Almudena Lobera, Aida Bañuelos.

Comisión técnica: Virginia Torrente, Alexis Callado, Marlon de Azambuja.

Programa de actividades

Speed Arting [Diario de 13 a 14 h.]
Una actividad de networking directo. Una ocasión para compartir ideas y propuestas con un especialista del sector cultural, en un cara a cara. Pide asesoramiento, pregunta, cuestiona, propón ideas, y sugerencias. Regístrate y elige el profesional con el que te gustaría hablar.

Martes 13
René Esteve [Elsinor]
Alberto Sanchez Balmisa [Editorial EXIT]
Juan Arana [Galería Arana Poveda]
Flavia Introzzi [Off Limits]
Pedro Medina [Istituto Europeo di Design]

Miércoles 14
Kamen Nedev [Productor Cultural]
Carlos Vidania [La Tabacalera de Lavapiés]
Daniel Villegas [Universidad Europea de Madrid]
Lurdes Fernandez [Off Limits]
Alexis Callado [Organo Procurador]

Jueves 15
Manuela Villa [Matadero Madrid]
Juan Curto [Galería Cámara Oscura]
Javier Duero [Pensart]
Key P. Kawamura y Ali Ganjavian [Studio Banana]
Virginia Torrente [Doméstico]

Speaker´s Corner [Diario de 18 a 20 h.]
Inspirado en el Speaker’s Corner de Londres, es una zona donde se permite el discurso libre subido en un pequeño podium. Un homenaje a la Ilustración, al derecho a la libertad de expresión y a la difusión de las ideas. Un ejemplo de avance de las artes, las ciencias y la auténtica participación política.

La Pieza, Colectivo La Montonera, Colectivo UHF, Colectivo Enterarte, Asociación RetroACCION, David Archilla, ConFUSSION Group, Daños Colaterales, Mediodia Chica, Zuloark, Rampa, Espacio Cruce, Utopicus, Addsensor.

Conversaciones con Artistas [Diarias de 13 a 20 h.]
Una conversación es un diálogo entre dos personas en la que se produce una interacción en la cual los interlocutores contribuyen a la construcción de un imaginario, a diferencia del monólogo, donde el control de la construcción lo tiene sólo uno. La conversación puede girar en torno a uno o muchos temas y está condicionada por el contexto. Los dialogantes pueden expresar su punto de vista y discutir.

Coordina: Revista Claves de Arte
Modera: Sara García
Realizador: Tiago de Abreu

Tesoros Urbanos [Jueves 15, a las 17 h.]
Cada tesoro nace de un tema que desea ser confrontado. La persona que compre el cuadro con el sobre enmarcado que contiene el mapa del tesoro tiene dos opciones: colgar la obra en su casa y consumirla pasivamente o romper la obra y abrir el sobre que contiene el mapa del tesoro.

Anak & Monoperro

Globos Sonda [Diario de 11 a 19 h.]
Práctica utilizada normalmente por un grupo de poder para conocer la opinión general de la población acerca de una posible noticia. Se trata de averiguar si una nueva medida o un nueva estrategia tendría éxito en la sociedad. Tradicionalmente, tras el sondeo los globos se pinchan y se desmiente la noticia difundida.

Post_inicionate [Diario de 11 a 19 h.]
Los pensamientos ocupan un lugar, la unión de estas ideas forman un mapa de compromisos, expectativas y líneas de acción describiendo como en una instantánea, la realidad del momento. Llévate las frases que agiten más tu conciencia, alguien colgó esa idea para compartirla contigo.

Pitonisa Bola [Diaria de 12.30 a 14 h. y de 17 a 18 h.]
Subvenciones públicas a la cultura.
¿de qué viven los artistas?
¿cómo se mantienen los espacios alternativos?
¿quién crea por amor al arte?
¿de qué manera sobreviven los agentes culturales independientes?
¿qué formulas posibles existen para vivir creando?
¿El éxito depende del azar, la competencia, la excelencia?

Pictionary [Diario de 11 a 19 h.]
Los términos utilizados en el mundo del arte hacen posible un paisaje de conceptos encriptados que dotan de una aparente complejidad a las ideas más cotidianas. El arte de decir, explicar y dibujar los conceptos mas complejos, que determinan un sector a veces inaccesible a la percepción más inmediata.

26, 27 y 28 de agosto de 2010
Lugar: Residencia La Cristalera
Miraflores de la Sierra

Asumido ya el fracaso de los grandes proyectos comunitaristas que de modo diverso determinan la experiencia del siglo XX, la filosofía vuelve de nuevo su mirada hacia el problema político de la comunidad. Este nuevo cuestionamiento no se dirige ya a cuestiones identitarias ni a las concepciones de la alteridad que de ella se derivan. Una vez las fronteras culturales y poblacionales han evidenciado su trágica e incontenible artificialidad, el problema no es ya la consideración del otro entendido como aquel que es diferente a mí, sino el otro desconocido en cuanto no lo puedo prever y, en consecuencia, contra el que
no puedo precaverme. Ese otro ya no es el “diferente”: muy al contrario, puede ser cualquiera.
Es por definición cualquiera porque, precisamente, su condición es la de no poder ser preconcebido y, por lo tanto, prevenido.
Así, este curso parte de la tesis del filósofo italiano Roberto Esposito, según la cual nuestra constitución política es de naturaleza inmunitaria: la protección y la seguridad son los axiomas fundamentales que determinan nuestros modos de ser tanto personales e individuales como colectivos. Ahora bien, en ese intento originario de protegernos previniendo incluso lo imprevisible, constreñimos y negamos nuestra propia vida. El objetivo de esta serie de conferencias y mesas redondas será presentar las claves del pensamiento contemporáneo que, por un lado, está exponiendo críticamente esta protección negativa que caracteriza nuestra constitución política (paradigma biopolítico) mientras que, por otro, está descubriendo en las figuras de la “amenaza” (el singular cualsea, la excepción, la multitud) posibilidades categoriales para una recuperación del espacio político perdido en el abismo interior a los sistemas representativos de la sociedad de masas.

26 de agosto
10 h. Presentación del curso. Conferencia inaugural: Sensus communis
Miguel Cereceda Sánchez

12 h. Mesa redonda: Fuentes del pensamiento contemporáneo de la comunidad. Una revisión crítica
Alba Jiménez Rodríguez, PDIF, Departamento de Filosofía, UAM
Valerio Rocco Lozano, PDIF, Departamento de Filosofía, UAM
Adriana Rodríguez Barraza, Instituto de Investigaciones Psicológicas, Universidad Veracruzana, México

16 h. Mesa redonda: De lo impolítico a la biopolítica Tommaso Menegazzi, PDIF, Departamento de Filosofía, UAM
Gonzalo Velasco Arias

18 h. La vida en juego. El 68 como nuevo escenario biopolítico
Germán Cano Cuenca, profesor de Filosofía, Universidad de Alcalá de Henares

27 de agosto
10 h. Hermenéutica y biopolítica en Heidegger
Julio Quesada Martín, catedrático de Metafísica, Departamento de Filosofía, UAM / Universidad Veracruzana

12 h. Multitud, poder constituyente e inmanencia
Miguel Morueco Romera, Departamento de Filosofía, UAM
Vicente Muñoz-Reja Alonso, PDIF, Departamento de Filosofía, UAM

16 h. Mesa redonda: La democracia como el acontecimiento: Derrida, Laclau, Rancière
Lucía Bodas, PDIF, Departamento de Filosofía, UAM
María Luciana Cadahia, PDIF, Departamento de Filosofía, UAM
Roberto Navarrete Alonso, PDIF, Departamento de Filosofía, UAM

18 h. Comunidad, violencia y enemigo
Evaristo Prieto Navarro, profesor de Filosofía del Derecho, Facultad de Derecho, UAM

28 de agosto
10 h. El común de los mortales
Isidro Herrera Baquero, traductor y editor (Arena Libros)

12 h. Conferencia de clausura: Magma y sociedad
Jorge Pérez de Tudela Velasco, director del Departamento de Filosofía, UAM

ORGANIZAN: Museo Guggenheim Bilbao y Facultad de Bellas Artes de la
Universidad del País Vasco
COORDINAN: Marta Arzak y Josu Rekalde

25 de Junio
Literalidad en la experiencia artística/contar historias
Mañana
9:30 Acreditaciones
10:00 Presentación del curso
10:15 Marta Arzak (Subdirectora de Educación e Interpretación Museo Guggenheim Bilbao)
y Josu Rekalde (Artista y Profesor catedrático de la Universidad del País Vasco/EHU):
Descripción de contenidos
10:30 Peter Greenaway (Cineasta): De las historias pintadas a las historias filmadas
11:30 Descanso
11:45 Rika Burnham (Responsable de Educación de la Frick Collection):
Al filo del ojo y de la mente: pautas para la enseñanza en el siglo XXI
12:45 Conversación con Peter Greenaway y Rika Burnham
13:00 Visita a la exposición De lo privado a lo público: las Colecciones Guggenheim
14:00 Descanso
Tarde
15:30 Jac Leirner (Artista): La experiencia de la obra
16:30- 17:00 Conversación con Jac Leirner y Marta Arzak
17:00- 18:30 Taller práctico (a partir de obras relacionadas con la exposición De lo privado a lo público)
Coordinan: Luz Maguregui y Marta Prado

26 de junio
Narrativas conectivas
Mañana
10:00 Creación colectiva ZEMOS 98: Codigo fuente: la remezcla
11:00 Francesc Torres (Artista): La instalación multimedia como soporte de narrativas históricas
12:00 Conversación con Creación colectiva y Francesc Torres
12:30 Descanso
12:45 Taller práctico coordinado por Natxo Rodriguez, “Narraciones colectivas”: a partir de los
trabajos de Zemos 98, de las Wiki-historias (presentación a cargo de Haizea Barcenilla)
y de la WikiDocentes del Museo Guggenheim Bilbao (presentación a cargo de Alberto Sánchez)
14:30 Descanso
Tarde
15:30- 17:00 Puesta en común proyecto yconclusiones

CONTENIDOS Y OBJETIVOS:
En esta tercera edición de la serie de cursos Arte y creatividad, y con motivo
de la exposición De lo privado a lo público: las Colecciones Guggenheim
en el Museo Guggenheim Bilbao, se propone un programa basado en la
narración. Por una parte, se plantea una narración enfocada tanto desde la
visión del artista individual como desde la de los colectivos que proponen
una creación en conexión; por otra, ésta se aborda y se analiza tanto desde
la literalidad como desde la multiplicidad de narrativas y lecturas.
Las historias de arte, al igual que ocurre con las historias sociales, se
retroalimentan de transmisiones y escrituras superpuestas unas a otras, de
cuentos contados una y otra vez sobre aquella obra o sobre aquel autor,
así como de críticas realizadas sobre críticas anteriores. No obstante, cada
obra tiene la capacidad de presentarse ante nosotros con una vida propia
independiente del contexto, como la reaparición del individuo en una masa
social o la consciencia del ahora. Cada creación renueva un contrato
narrativo entre el museo imaginario (André Malraux) que llevamos en nuestra
mente-recuerdo y la lectura de lo que ahora veo y oigo. De igual modo, todo
aquello que se escribe o habla sobre las creaciones artísticas constituye
un nuevo texto que se superpone al de la creación original creando así una
corriente interpretativa en cascada.
Dirigido a estudiantes de Bellas Artes e Historia del Arte, profesionales de la
educación artística así como a todas aquellas personas interesadas en este
tema, los principales objetivos del curso son:
· Analizar diferentes posibilidades que surgen en los procesos creativos.
· Reflexionar sobre la narración como herramienta educativa
e interpretativa.

Sotto la lente della crisi economica, piccole crepe diventano enormi, nella ceramica di tante vite individuali, ma anche nel muro di pietra del nostro convivere civile. Una che si sta spalancando, non sanguinosa ma solenne, è quella che riguarda le sovvenzioni pubbliche alla cultura. Il fiume di denaro che si riversa in teatri, musei, festival, rassegne, convegni, fondazioni e associazioni. Dato che il fiume si sta estinguendo, ci si interroga. Si protesta. Si dibatte. Un commissariamento qui, un’indagine per malversazione là, si collezionano sintomi di un’agonia che potrebbe anche essere lunghissima, ma che questa volta non lo sarà. Sotto la lente della crisi economica, prenderà tutto fuoco, molto più velocemente di quanto si creda.

In situazioni come queste, nei film americani puoi solo fare due cose: o scappi o pensi molto velocemente. Scappare è inelegante. Ecco il momento di pensare molto velocemente. Lo devono fare tutti quelli cui sta a cuore la tensione culturale del nostro Paese, e tutti quelli che quella situazione la conoscono da vicino, per averci lavorato, a qualsiasi livello. Io rispondo alla descrizione, quindi eccomi qui. In realtà mi ci vorrebbe un libro per dire tutto ciò che penso dell’intreccio fra denaro pubblico e cultura, ma pensare velocemente vuol dire anche pensare l’essenziale, ed è ciò che cercherò di fare qui.

Se cerco di capire cosa, tempo fa, ci abbia portato a usare il denaro pubblico per sostenere la vita culturale di un Paese, mi vengono in mente due buone ragioni. Prima: allargare il privilegio della crescita culturale, rendendo accessibili i luoghi e i riti della cultura alla maggior parte della comunità. Seconda: difendere dall’inerzia del mercato alcuni gesti, o repertori, che probabilmente non avrebbero avuto la forza di sopravvivere alla logica del profitto, e che tuttavia ci sembravano irrinunciabili per tramandare un certo grado di civiltà.

A queste due ragioni ne aggiungerei una terza, più generale, più sofisticata, ma altrettanto importante: la necessità che hanno le democrazie di motivare i cittadini ad assumersi la responsabilità della democrazia: il bisogno di avere cittadini informati, minimamente colti, dotati di principi morali saldi, e di riferimenti culturali forti. Nel difendere la statura culturale del cittadino, le democrazie salvano se stesse, come già sapevano i greci del quinto secolo, e come hanno perfettamente capito le giovani e fragili democrazie europee all’indomani della stagione dei totalitarismi e delle guerre mondiali.

Adesso la domanda dovrebbe essere: questi tre obbiettivi, valgono ancora? Abbiamo voglia di chiederci, con tutta l’onestà possibile, se sono ancora obbiettivi attuali? Io ne ho voglia. E darei questa risposta: probabilmente sono ancora giusti, legittimi, ma andrebbero ricollocati nel paesaggio che ci circonda. Vanno aggiornati alla luce di ciò che è successo da quando li abbiamo concepiti. Provo a spiegare.

Prendiamo il primo obbiettivo: estendere il privilegio della cultura, rendere accessibili i luoghi dell’intelligenza e del sapere. Ora, ecco una cosa che è successa negli ultimi quindici anni nell’ambito dei consumi culturali: una reale esplosione dei confini, un’estensione dei privilegi, e un generale incremento dell’accessibilità. L’espressione che meglio ha registrato questa rivoluzione è americana: the age of mass intelligence, l’epoca dell’intelligenza di massa.

Oggi non avrebbe più senso pensare alla cultura come al privilegio circoscritto di un’élite abbiente: è diventata un campo aperto in cui fanno massicce scorribande fasce sociali che da sempre erano state tenute fuori dalla porta. Quel che è importante è capire perché questo è successo. Grazie al paziente lavoro dei soldi pubblici? No, o almeno molto di rado, e sempre a traino di altre cose già successe. La cassaforte dei privilegi culturali è stata scassinata da una serie di cause incrociate: Internet, globalizzazione, nuove tecnologie, maggior ricchezza collettiva, aumento del tempo libero, aggressività delle imprese private in cerca di un’espansione dei mercati. Tutte cose accadute nel campo aperto del mercato, senza alcuna protezione specifica di carattere pubblico.
Basta soldi pubblici al teatro meglio puntare su scuola e tv

Se andiamo a vedere i settori in cui lo spalancamento è stato più clamoroso, vengono in mente i libri, la musica leggera, la produzione audiovisiva: sono ambiti in cui il denaro pubblico è quasi assente. Al contrario, dove l’intervento pubblico è massiccio, l’esplosione appare molto più contratta, lenta, se non assente: pensate all’opera lirica, alla musica classica, al teatro: se non sono stagnanti, poco ci manca. Non è il caso di fare deduzioni troppo meccaniche, ma l’indizio è chiaro: se si tratta di eliminare barriere e smantellare privilegi, nel 2009, è meglio lasciar fare al mercato e non disturbare. Questo non significa dimenticare che la battaglia contro il privilegio culturale è ancora lontana dall’essere vinta: sappiamo bene che esistono ancora grandi caselle del Paese in cui il consumo culturale è al lumicino. Ma i confini si sono spostati. Chi oggi non accede alla vita culturale abita spazi bianchi della società che sono raggiungibili attraverso due soli canali: scuola e televisione. Quando si parla di fondi pubblici per la cultura, non si parla di scuola e di televisione. Sono soldi che spendiamo altrove. Apparentemente dove non servono più. Se una lotta contro l’emarginazione culturale è sacrosanta, noi la stiamo combattendo su un campo in cui la battaglia è già finita.

Secondo obbiettivo: la difesa di gesti e repertori preziosi che, per gli alti costi o il relativo appeal, non reggerebbero all’impatto con una spietata logica di mercato. Per capirci: salvare le regie teatrali da milioni di euro, La figlia del reggimento di Donizetti, il corpo di ballo della Scala, la musica di Stockhausen, i convegni sulla poesia dialettale, e così via. Qui la faccenda è delicata. Il principio, in sé, è condivisibile. Ma, nel tempo, l’ingenuità che gli è sottesa ha raggiunto livelli di evidenza quasi offensivi.

Il punto è: solo col candore e l’ottimismo degli anni Sessanta si poteva davvero credere che la politica, l’intelligenza e il sapere della politica, potessero decretare cos’era da salvare e cosa no. Se uno pensa alla filiera di intelligenze e saperi che porta dal ministro competente giù fino al singolo direttore artistico, passando per i vari assessori, siamo proprio sicuri di avere davanti agli occhi una rete di impressionante lucidità intellettuale, capace di capire, meglio di altri, lo spirito del tempo e le dinamiche dell’intelligenza collettiva? Con tutto il rispetto, la risposta è no. Potrebbero fare di meglio i privati, il mercato? Probabilmente no, ma sono convinto che non avrebbero neanche potuto fare di peggio.

Mi resta la certezza che l’accanimento terapeutico su spettacoli agonizzanti, e ancor di più la posizione monopolistica in cui il denaro pubblico si mette per difenderli, abbiano creato guasti imprevisti di cui bisognerebbe ormai prendere atto. Non riesco a non pensare, ad esempio, che l’insistita difesa della musica contemporanea abbia generato una situazione artificiale da cui pubblico e compositori, in Italia, non si sono più rimessi: chi scrive musica non sa più esattamente cosa sta facendo e per chi, e il pubblico è in confusione, tanto da non capire neanche più Allevi da che parte sta (io lo so, ma col cavolo che ve lo dico).

Oppure: vogliamo parlare dell’appassionata difesa del teatro di regia, diventato praticamente l’unico teatro riconosciuto in Italia? Adesso possiamo dire con tranquillità che ci ha regalato tanti indimenticabili spettacoli, ma anche che ha decimato le file dei drammaturghi e complicato la vita degli attori: il risultato è che nel nostro paese non esiste quasi più quel fare rotondo e naturale che mettendo semplicemente in linea uno che scrive, uno che recita, uno che mette in scena e uno che ha soldi da investire, produce il teatro come lo conoscono i paesi anglosassoni: un gesto naturale, che si incrocia facilmente con letteratura e cinema, e che entra nella normale quotidianità della gente.

Come vedete, i principi sarebbero anche buoni, ma gli effetti collaterali sono incontrollati. Aggiungo che la vera rovina si è raggiunta quando la difesa di qualcosa ha portato a una posizione monopolistica. Quando un mecenate, non importa se pubblico o privato, è l’unico soggetto operativo in un determinato mercato, e in più non è costretto a fare di conto, mettendo in preventivo di perdere denaro, l’effetto che genera intorno è la desertificazione. Opera, teatro, musica classica, festival culturali, premi, formazione professionale: tutti ambiti che il denaro pubblico presidia più o meno integralmente. Margini di manovra per i privati: minimi. Siamo sicuri che è quello che vogliamo? Siamo sicuri che sia questo il sistema giusto per non farci derubare dell’eredità culturale che abbiamo ricevuto e che vogliamo passare ai nostri figli?

Terzo obbiettivo: nella crescita culturale dei cittadini le democrazie fondano la loro stabilità. Giusto. Ma ho un esempietto che può far riflettere, fatalmente riservato agli elettori di centrosinistra. Berlusconi. Circola la convinzione che quell’uomo, con tre televisioni, più altre tre a traino o episodicamente controllate, abbia dissestato la caratura morale e la statura culturale di questo Paese dalle fondamenta: col risultato di generare, quasi come un effetto meccanico, una certa inadeguatezza collettiva alle regole impegnative della democrazia. Nel modo più chiaro e sintetico ho visto enunciata questa idea da Nanni Moretti, nel suo lavoro e nelle sue parole. Non è una posizione che mi convince (a me Berlusconi sembra più una conseguenza che una causa) ma so che è largamente condivisa, e quindi la possiamo prendere per buona. E chiederci: come mai la grandiosa diga culturale che avevamo immaginato di issare con i soldi dei contribuenti (cioè i nostri) ha ceduto per così poco?

Bastava mettere su tre canali televisivi per aggirare la grandiosa cerchia di mura a cui avevamo lavorato? Evidentemente sì. E i torrioni che abbiamo difeso, i concerti di lieder, le raffinate messe in scena di Cechov, la Figlia del reggimento, le mostre sull’arte toscana del quattrocento, i musei di arte contemporanea, le fiere del libro? Dov’erano, quando servivano? Possibile che non abbiano visto passare il Grande Fratello? Sì, possibile. E allora siamo costretti a dedurre che la battaglia era giusta, ma la linea di difesa sbagliata. O friabile. O marcia. O corrotta. Ma più probabilmente: l’avevamo solo alzata nel luogo sbagliato.

Riassunto. L’idea di avvitare viti nel legno per rendere il tavolo più robusto è buona: ma il fatto è che avvitiamo a martellate, o con forbicine da unghie. Avvitiamo col pelapatate. Fra un po’ avviteremo con le dita, quando finiranno i soldi.

Cosa fare, allora? Tenere saldi gli obbiettivi e cambiare strategia, è ovvio. A me sembrerebbe logico, ad esempio, fare due, semplici mosse, che qui sintetizzo, per l’ulcera di tanti.

1. Spostate quei soldi, per favore, nella scuola e nella televisione. Il Paese reale è lì, ed è lì la battaglia che dovremmo combattere con quei soldi. Perché mai lasciamo scappare mandrie intere dal recinto, senza battere ciglio, per poi dannarci a inseguire i fuggitivi, uno ad uno, tempo dopo, a colpi di teatri, musei, festival, fiere e eventi, dissanguandoci in un lavoro assurdo? Che senso ha salvare l’Opera e produrre studenti che ne sanno più di chimica che di Verdi? Cosa vuol dire pagare stagioni di concerti per un Paese in cui non si studia la storia della musica neanche quando si studia il romanticismo? Perché fare tanto i fighetti programmando teatro sublime, quando in televisione già trasmettere Benigni pare un atto di eroismo? Con che faccia sovvenzionare festival di storia, medicina, filosofia, etnomusicologia, quando il sapere, in televisione – dove sarebbe per tutti – esisterà solo fino a quando gli Angela faranno figli? Chiudete i Teatri Stabili e aprite un teatro in ogni scuola. Azzerate i convegni e pensate a costruire una nuova generazione di insegnanti preparati e ben pagati. Liberatevi delle Fondazioni e delle Case che promuovono la lettura, e mettete una trasmissione decente sui libri in prima serata. Abbandonate i cartelloni di musica da camera e con i soldi risparmiati permettiamoci una sera alla settimana di tivù che se ne frega dell’Auditel.

Lo dico in un altro modo: smettetela di pensare che sia un obbiettivo del denaro pubblico produrre un’offerta di spettacoli, eventi, festival: non lo è più. Il mercato sarebbe oggi abbastanza maturo e dinamico da fare tranquillamente da solo. Quei soldi servono a una cosa fondamentale, una cosa che il mercato non sa e non vuole fare: formare un pubblico consapevole, colto, moderno. E farlo là dove il pubblico è ancora tutto, senza discriminazioni di ceto e di biografia personale: a scuola, innanzitutto, e poi davanti alla televisione.
La funzione pubblica deve tornare alla sua vocazione originaria: alfabetizzare. C’è da realizzare una seconda alfabetizzazione del paese, che metta in grado tutti di leggere e scrivere il moderno. Solo questo può generare uguaglianza e trasmettere valori morali e intellettuali. Tutto il resto, è un falso scopo.

2. Lasciare che negli enormi spazi aperti creati da questa sorta di ritirata strategica si vadano a piazzare i privati. Questo è un punto delicato, perché passa attraverso la distruzione di un tabù: la cultura come business. Uno ha in mente subito il cattivo che arriva e distrugge tutto. Ma, ad esempio, la cosa non ci fa paura nel mondo dei libri o dell’informazione: avete mai sentito la mancanza di una casa editrice o di un quotidiano statale, o regionale, o comunale? Per restare ai libri: vi sembrano banditi Mondadori, Feltrinelli, Rizzoli, Adelphi, per non parlare dei piccoli e medi editori? Vi sembrano pirati i librai? È gente che fa cultura e fa business. Il mondo dei libri è quello che ci consegnano loro. Non sarà un paradiso, ma l’inferno è un’altra cosa. E allora perché il teatro no? Provate a immaginare che nella vostra città ci siano quattro cartelloni teatrali, fatti da Mondadori, De Agostini, Benetton e vostro cugino. È davvero così terrorizzante? Sentireste la lancinante mancanza di un Teatro Stabile finanziato dai vostri soldi?

Quel che bisognerebbe fare è creare i presupposti per una vera impresa privata nell’ambito della cultura. Crederci e, col denaro pubblico, dare una mano, senza moralismi fuori luogo. Se si hanno timori sulla qualità del prodotto finale o sull’accessibilità economica dei servizi, intervenire a supportare nel modo più spudorato. Lo dico in modo brutale: abituiamoci a dare i nostri soldi a qualcuno che li userà per produrre cultura e profitti. Basta con l’ipocrisia delle associazioni o delle fondazioni, che non possono produrre utili: come se non fossero utili gli stipendi, e i favori, e le regalie, e l’autopromozione personale, e i piccoli poteri derivati. Abituiamoci ad accettare imprese vere e proprie che producono cultura e profitti economici, e usiamo le risorse pubbliche per metterle in condizione di tenere prezzi bassi e di generare qualità. Dimentichiamoci di fargli pagare tasse, apriamogli l’accesso al patrimonio immobiliare delle città, alleggeriamo il prezzo del lavoro, costringiamo le banche a politiche di prestito veloci e superagevolate.

Il mondo della cultura e dello spettacolo, nel nostro Paese, è tenuto in piedi ogni giorno da migliaia di persone, a tutti i livelli, che fanno quel lavoro con passione e capacità: diamogli la possibilità di lavorare in un campo aperto, sintonizzato coi consumi reali, alleggerito dalle pastoie politiche, e rivitalizzato da un vero confronto col mercato. Sono grandi ormai, chiudiamo questo asilo infantile. Sembra un problema tecnico, ma è invece soprattutto una rivoluzione mentale. I freni sono ideologici, non pratici. Sembra un’utopia, ma l’utopia è nella nostra testa: non c’è posto in cui sia più facile farla diventare realtà.

(24 febbraio 2009)

Permitirá descargar material educativo gratuitamente e inscribirse en cursos on-line

El Área de Investigación y Extensión Educativa del Museo Thyssen-Bornemisza ha presentado oficialmente su nueva página web: www.educathyssen.org. Más allá de ser un portal meramente informativo en torno a las actividades que se celebrarán en el Museo, este site pretende constituirse como un proyecto educativo en sí mismo que posibilite el conocimiento de la colección y de las iniciativas llevadas a cabo en el centro por parte de personas que no tienen fácil acceso al mismo por razones geográficas o de otra clase.

Además, esta nueva página web contará con recursos específicos para sus cibervisitantes, entre ellos juegos como Los enigmas de EducaThyssen o Las aventuras en el Museo de Pequeño Thyssen y material descargable gratuito que permitirá al público preparar con antelación los recorridos que podrá llevar a cabo después en las salas del centro. Un blog informará al internauta de las noticias que vayan surgiendo en el Thyssen, ofreciéndole la posibilidad de comentarlas a través de un foro y la plataforma Espacio Abierto le posibilitará formar parte de una comunidad virtual en la que compartir opiniones con otros aficionados al arte.