Fechas de la exposición: Del 27 de enero al 18 de marzo de 2012.
De lunes a sábado de 11:00h a 20:00h.
Domingos y festivos de 11:00h a 15:00h.
Salas Frida Khalo y Diego Rivera.

El pintor cubano José Bedia presenta en Casa de América su última muestra con más de 30 dibujos en los que las tradiciones afrocubanas, la influencia indígena y los choques culturales son los protagonistas.

Considerado como uno de los artistas contemporáneos más importantes de Latinoamérica, Bedia trae por primera vez a Madrid un sugerente viaje plástico entre culturas.

Como los grandes artistas, José Bedia (La Habana, 1958) construye espejos en los que nos podemos ver con muy diferentes aspectos y así aprender un poco más de nosotros mismos. No es aventurado llegar a decir que su objetivo se sitúa en enriquecer a las personas ayudándolas a comprender que hay muchas formas de vida diferentes y que de todas se aprende a construir seres humanos en plenitud.

Bedia basa su trabajo en un tratamiento crítico y antropológico de pueblos y culturas con orígenes ancestrales en su mayoría. Muchas de sus obras están inspiradas en tradiciones afrocubanas vivas actualmente en su país, pero también estudia y trabaja sobre culturas de origen amerindio como los siux, yakis, cheroquis u originarias de América Latina, Australia u Oceanía. Esto es, sobre culturas no occidentales.

En muchísimas ocasiones Bedia convive con estas personas tratando de empaparse verdaderamente de todo tipo de detalles que conforman su ‘manera de vivir’. Es una suerte de trabajo de campo, con el rigor que establece la ciencia antropológica, pero que no busca ningún orden científico posterior. Su finalidad es la creación de una estructura de reflexión artística.

Lo que Bedia quiere sacar ‘de ellos’ es el conocimiento profundo del por qué de sus costumbres y creencias, comprender los procesos de desarrollo de otras formas de vivir. Es una especie de “estar y ‘vivir’ allí” con ellos, para luego terminar en un “vivir aquí”, entre nosotros, parafraseando al antropólogo estadounidense Clifford Geertz.

El atractivo formal del trazo de su dibujo fortalece intensamente la eficacia de esa reflexión. La forma plástica escogida por Bedia es particularmente eficaz. En el caso concreto de esta exposición, la mayoría de las piezas tienen como soporte un papel que remite a lo originario por estar hecho a mano o tener un carácter muy poco industrial. Sobre este ‘sencillo’ soporte se plasman las ideas. Él dice: “Los materiales deben ser sencillos como las ideas. No me gustan las decoraciones innecesarias ni los barroquismos”. Pues bien, con esa incisiva sencillez usa el carbón, el óleo, el acrílico… aplicado muchas veces directamente con las manos como en una especie de transmisión directa de la voluntad de estar verdaderamente dentro de la obra.

Así, sencillamente Bedia nos interpela. Nos llama. Y, ¿qué pasa? Que nos enseña lo que hay de verdad, sin ruido, sin el trastorno de lo que no vale la pena. Así es su obra: un terreno despejado que nos deja ver los dos mundos entre los que él dibuja y nosotros vivimos.

Comisaria: Isabel Durán.

A partir de la Declaración de la Ciudad de Salvador de 2007 -documento fundacional del Programa Ibermuseos-, que recomienda el impulso de la cooperación internacional iberoamericana, Ibermuseos creó la convocatoria Conversaciones para fomentar el intercambio de acervos y exposiciones entre los países iberoamericanos y estimular la creación de proyectos multilaterales de curaduría.

El objetivo de la convocatoria es apoyar la conceptualización y la pre-producción de proyectos expositivos entre instituciones de dos o más países (carácter bilateral o multilateral), sobre temas de interés para Iberoamérica que atiendan a la identidad y la diversidad cultural y natural que le son propias.

La convocatoria estará abierta, del 20 de diciembre de 2011 al 20 de abril de 2012, a museos de la Comunidad Iberoamericana, sin fines lucrativos y de cualquier temática, siendo posible concurrir en asociación con instituciones de países no iberoamericanos. El formulario de inscripción y la convocatoria oficial estarán disponibles próximamente en el Portal Ibermuseos.

Ibermuseos es un programa intergubernamental de cooperación cultural para el fomento de la creación y el fortalecimiento de políticas públicas en el área de la museología y el patrimonio en Iberoamérica.

Está vinculado a la Secretaría General Iberoamericana (SEGIB), cuenta con el apoyo técnico de la OEI y del IBRAM, y tiene el apoyo financiero de la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID).

Fecha límite de presentación de proyectos: 20 de abril de 2012.

Para más información: www.ibermuseus.org

Responsable de comunicación de la Unidad Técnica de Ibermuseos:
Eduardo Pinillos
Tlf +55 (61) 2024-4038 / 9619-6998
eduardo.pinillos@ibermuseus.org. Twitter: @ibermuseos

Arte y Políticas Públicas, es una acción de Eremuak que, bajo el formato de seminario aborda las diversas relaciones entre las prácticas de arte contemporáneo y aquello que llamamos Políticas Públicas. Aspira a configurar un tejido de discusión sobre los procesos de institucionalización y sobre los principios de legitimidad subyacentes, en los que de forma recíproca está involucrado el arte como factor instituyente a la vez que como campo instituido.

¿En qué términos se establece la reciprocidad institucional arte/políticas públicas?

¿Qué lugar ocupan y qué lugar podrían ocupar las políticas públicas en las prácticas de arte?

Programa

Viernes 20 enero 2012

10-11.30 // Conferencia (abstract)
Juan Luis Moraza / Artista y miembro de la Comisión Técnica Eremuak 2010-11 /

11.30-12.00 // Pausa

12.00-14.00 // Mesas de trabajo: Intervenciones de 15 minutos / Debate
Guadalupe Echevarria / Directora de la Escuela de Bellas Artes de Burdeos /
Carles Guerra / Conservador-jefe del MACBA, Barcelona /
Oier Etxeberria / Artista, seleccionado en la convocatoria de Eremuak 2010 /

16.30-20.00 // Mesas de trabajo: Intervenciones de 15 minutos/Debate
Bulegoa / seleccionado en la convocatoria de Eremuak 2010 /
Julián Rodríguez / escritor, editor de Periférica y Director de Casa sin fin /
Aimar Arriola / comisario e investigador. Seleccionado en la convocatoria de Eremuak 2011 /
Joaquín Vázquez Ruiz de Castroviejo / BNV Producciones, Sevilla /

Sábado 21 de enero 2012

10-11.30 // Conferencia
Catherine David / comisaria /

11.30-12.00 //Pausa

12.00-14.00 // Mesas de trabajo: Intervenciones de 15 minutos / Debate.
Yaiza Hernández / Jefa de programas públicos, MACBA /
Víctor del Río / Profesor Universidad Salamanca /
Consonni / seleccionado en la convocatoria de Eremuak 2011 /

16.30-20.00 // Mesas de trabajo: Intervenciones de 15 minutos / Debate.
Asier Mendizabal / artista /
Xabier Arakistain / comisario y director del Centro Cultural Montehermoso entre 2006 y 2011 /
Mugatxoan / seleccionado en la convocatoria de Eremuak 2011 /
Belleza Infinita / seleccionado en la convocatoria de Eremuak 2010 /
Esteban Pujals / profesor titular de Literatura Inglesa en Universidad de Malaga y universidad Autonoma de Madrid /

Las mesas estarán moderadas por los miembros de la Comisión Técnica de Eremuak 2010-2011
Nuria Enguita Mayo / comisaria /
Pedro G. Romero / artista /
Beatriz Herráez / comisaria /
Fernando Illana / artista y responsable del programa de Trayecto Galería /
Juan Luis Moraza /artista y profesor de la facultad de bellas artes de Pontevedra /
Daniel Castillejo / director del Centro-Museo Artium de Álava /

Los Derechos Humanos no sirven para nada.
Pausa valorativa.
Una suspensión lo suficientemente dilatada como para abrigar ya la intimidación de este aserto, e incluso la consideración de la experiencia lesiva que supone, y que es al mismo tiempo certeza y verdad.
Ahora, tras producirse este despertar, también acontece la urgencia de resguardo sobre un aspecto que antes, sumidos en nuestras delicias o el descuido, parecía no importarnos: el respeto de ciertos derechos fundamentales, otrora ganados con sangre, y ahora, en ocasiones, escudo contra los demás.
Todo está en peligro.
Todo gime por falta de cuidado.
Al querer constituirme como excepción, y no como ejemplo, rompo con el gesto recíproco y constituyo así una fuerte amenaza para el universal reconocimiento de la dignidad, que progresivamente también pierdo con el alejamiento que incito. Poco a poco voy tomando conciencia de que restituirme en el ámbito de las obligaciones recíprocas pasa antes por una cuidadosa atención a estos discursos y sus constructos, todos ellos evidenciados en el acto político.
Vistas así las cosas, yo mismo constituyo la amenaza sobre los Derechos Humanos. Así pues, el curso que aquí comienza supone, antes que nada, un diálogo con nuestras propias convicciones, ahora puestas en cuestión.
Por tanto, antes que mostraros la alegría de la bienvenida, estas nuevas Jornadas os invitan al riesgo de la reflexión.

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Dirige: José Luis Muñoz de Baena, Juan de Dios Casquero, Joaquín Esteban Ortega, Sixto José Castro Rodríguez y José María Enríquez Sánchez
Coordina: Ana Cea Navas y Cristina Pérez Rodríguez

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Hora: 17:00 h. Proyección y debate
Lugar: Salón de Actos Museo Patio Herreriano
Entrada libre hasta completar aforo

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INAUGURACIÓN _ Martes, 10 de enero de 2012
La vida de los otros / Director: Florian Henckel-Donnersmarck (2006) [137’]
Ponente: Tomás Domingo Moratalla
Conferencia: Enredados en historias. De los derechos a la responsabilidad

Martes, 17 de enero de 2012
El hombre elefante / Director: David Linch (1980) [125’]
Ponente: Jorge Praga
Conferencia: Los excluídos

Martes, 24 de enero de 2012
También la lluvia / Director: Icíar Bollaín (2010) [104’]
Ponente: Jorge Rafael Alguacil
Conferencia: Sobre derechos fundamentales, principios rectores y derechos dispersos en la Constitución española de 1978: la diferenciada fundamentalidad de los derechos en nuestro vigente constitucionalismo

Martes, 31 de enero de 2012
Los olvidados / Director: Luis Buñuel (1950) [88’]
Ponente: Raúl Cancio
Conferencia: Mondo Lumpen: la fatalidad de los marginados

Martes, 7 de febrero de 2012
Los girasoles ciegos / Director: José Luis Cuerda (2008) [95’]
Ponente: Cristina Gómez Cuesta
Conferencia: Mujeres y vencidas: la doble represión en la posguerra española

Martes, 14 de febrero de 2012
Cortometrajes: Allanamiento de morada (Mateo Gil, 1998), El apagón (Jose María Caro, 2001), Mort à l’écran (Alexis Ferrebeuf, 2005), Miente (Isabel Ocampo, 2008), Hemisferio (Luis María Ferrandez y Alejandro Aboli, 2009), El orden de las cosas (Hermanos Esteba Alenda, Jose y César, 2010)
Ponente: Ana Cea
Conferencia: Los límites de lo humano en el cortometraje de ficción contemporáneo

Martes, 21 de febrero de 2012
Pago justo / Director: Nigel Cole (2010) [113’]
MESA REDONDA: Lourdes Otero León, Eduardo Muñoz de Baena y Alicia Puleo
Conferencia: Igualdad entre los Géneros: Desarrollo y Paz

Martes, 28 de febrero de 2012
Ausencia de malicia / Director: Sydney Pollak (1981) [116’]
Ponente: Estefanía Jerónimo Sánchez Beato
Conferencia: Los límites del derecho a la libertad de expresión

Martes, 6 de marzo de 2012
Yentl / Director: Barbra Streisand (1983) [134’]
Ponente: Anna Volovici
Conferencia: Yentl. El éxito es masculino

Martes, 13 de marzo de 2012
Carandiru / Director: Héctor Babenco (2003) [139’]
Ponente: Fernando Longás Uranga
Conferencia: Derechos y pena ciega

Martes, 20 de marzo de 2012
La confesión / Director: Constantin Costa-Gavras (1970) [135’]
MESA REDONDA: Mercedes Gómez Adanero y Cristina Corredor Lanas
Conferencia: Cómo ser libre y no morir en el intento

CLAUSURA _ Martes, 27 de marzo de 2012
Tropa de élite / Director: José Padilha (2007) [114’]
Ponentes: José Luis Muñoz de Baena y José María Enríquez Sánchez
Conferencia: ”No habrá paz para los malvados”: el derecho penal del enemigo

El artista realizará su intervención de carácter efímero en uno de los muros del Museo Oteiza, dentro del programa Interpretaciones

Exposición:
Título El crómlech, lugar sagrado
Autor: Pedro Osés
Interpretaciones 9
Una producción del Museo Oteiza con la colaboración de la Mancomunidad Comarca de Pamplona y Obra Social de Kutxa

Los diversos análisis e interpretaciones que Jorge Oteiza realizó acerca de las manifestaciones artísticas prehistóricas y su estudio del crómlech pirenaico, como manifestación de un espacio “espiritual” , constituyen el punto de partida de la intervención que el artista Pedro Osés realiza en el Museo Oteiza. Su proyecto, titulado “El crómlech, lugar sagrado” interpreta las reflexiones de Oteiza en un proyecto narrativo y pictórico de carácter efímero, que el artista ejecutará los días 1, 2 y 3 de diciembre en el Museo Oteiza, a la vista del público del centro.

Osés ha planteado esta intervención, que se desarrolla dentro del programa “Interpretaciones”, que cuenta con la colaboración de la Mancomunidad Comarca de Pamplona y de Obra Social de Kutxa, directamente sobre uno de los muros del Museo Oteiza. Sobre una superficie de 210 x 310 cm. realizará un collage de carácter efímero, que incluirá textos, dibujos y otros elementos pictóricos que compondrán un tejido narrativo y plástico que se podrá contemplar en el Museo Oteiza hasta la fecha de finalización del proyecto, el 15
de abril de 2012.

Las interpretaciones estéticas de Oteiza acerca de los crómlechs como señalamientos de un espacio vacío simbólico que analizó en sus publicaciones y con los que mantuvo un diálogo en su obra “Homenaje al Padre Donosti” , realizada en 1959 en la estación megalítica de Agiña, constituyen las referencias que alumbraron el germen del proyecto de Osés. “Cuando se me propuso realizar una interpretación de la obra de Oteiza, recordé que en el Quousque Tandem, leído hace mucho tiempo, me interesó la parte en la que se
hablaba del crómlech. Según Oteiza, suponía la culminación artística del hombre de su época, el círculo de piedras representa el vacío total y no un lugar de enterramiento. Para Oteiza, es arte religioso que tiene que ver con el término en euskera Uts que representa el firmamento, lo trascendente, vacío“, explica Osés. “Cuando he visto en el monte esas construcciones me he preguntado por qué las hicieron y por qué en esos lugares. Creo que son puntos donde hay una energía especial y que por eso están así señalados en la naturaleza, de la misma manera que en el cuerpo humano existen meridianos y miles de puntos de energía”.

Su intervención en el ciclo “Interpretaciones”, se realiza después de las de otros artistas como, Pedro Salaberri, José Miguel Corral, Iratxe Montero, David Rodríguez Caballero, José Ignacio Agorreta, Koldo Sebastián, Manu Muniategiandikoetxea y Florencio Alonso, e incluye la edición de una publicación homónima.
Pedro Osés (Pamplona, 1942), es un autor con una dilatada trayectoria artística que le ha mostrado mostrar su obra plástica en decenas de exposiciones individuales y colectivas y ha combinado lo pictórico junto con otras disciplinas vinculada a la ilustración y el cómic (www.pedrooses.com).

MUSEO OTEIZA
de la Cuesta, 7
31486 ALZUZA (Navarra)
Tel.: +34 948 33 20 74
Fax.: +34 948 33 20 66
info@museooteiza.org
www.museooteiza.org

El Instituto de Arte Contemporáneo (IAC) es una asociación profesional del sector artístico que cuenta con más de 400 asociados procedentes de diversos campos de la producción y la creación: artistas, galeristas, comisarios, críticos y gestores culturales que han desempeñado responsabilidades en diversas instituciones. Consideramos que las declaraciones consensuadas en este comunicado representan significativamente la percepción del sector artístico en general y de buena parte de la ciudadanía.

En el intento de exigir transparencia en la gestión de las instituciones culturales los profesionales de las artes visuales hemos venido reclamando la aplicación del Documento de Buenas Prácticas suscrito en 2007 por el Ministerio de Cultura y las principales asociaciones que representan a los trabajadores de este ámbito. En el contexto de esas reiteradas peticiones se inscribe la presente manifestación de profundo desacuerdo ante las recientes decisiones tomadas sobre el destino del Domus Artium 2002 (Da2), dependiente de la Fundación Salamanca Ciudad de Cultura, así como las actuaciones en otras áreas de esa Fundación de las que hemos tenido noticia. Estas decisiones se han traducido en los últimos meses en no sustituir mediante concurso público al responsable de programación, hasta junio de este año Francisco Javier Panera Cuevas, que decidió no continuar al frente, y el despido reciente de siete trabajadores de la Fundación. Dos de esos trabajadores constituían el equipo básico que gestionaba las exposiciones del centro y habían obtenido sus plazas por concurso público.
Por lo que se refiere al Da2 estas decisiones desmantelan definitivamente un espacio al que se ha destinado una importantísima inversión de dinero público, o se degrada como mero contenedor de una colección privada, la Colección de Arte Fundación Coca-cola, que recibe de las arcas municipales un escaparate gratuito para sus fondos.

Respecto a la Fundación Salamanca Ciudad de Cultura, con competencias en toda la programación cultural de la ciudad, permanece sin una dirección visible desde hace 4 años, de manera que toda la actividad cultural se viene programando según criterios desconocidos para los ciudadanos y con una manifiesta opacidad.

Desgraciadamente para la ciudad de Salamanca la trayectoria del Da2, creado con motivo de la Capitalidad Cultural Europea de la ciudad en el 2002, ha venido ofreciendo un espectáculo inagotable de arbitrariedades políticas y ha llegado a ser más conocido como símbolo de las malas prácticas que por la importante labor de los profesionales que han desarrollado su programación. En agosto del 2003 el entonces Alcalde de Salamanca, D. Julián Lanzarote Sastre, despedía ilegítimamente todo el personal del Centro de Arte de Salamanca a excepción de su Coordinador de Programación que como consecuencia dimitió de inmediato, un despido reprobado por los tribunales que obligaban al Ayuntamiento a malgastar el dinero público en las debidas indemnizaciones y atrasos a los trabajadores. En el 2009 un nuevo episodio del circo mediático se escenificaba con la dimisión de la Concejala de Cultura tras varios intentos de injerencia en la programación del centro. Esta exhibición comportamientos políticos grotescos y anacrónicos se traducen en consecuencias directas sobre la institución y sus trabajadores, y se ve culminada ahora con despidos y una aniquilación de facto del proyecto iniciado en 2002.

Ello supone una lesión frontal de derechos básicos, tanto de los ciudadanos, beneficiarios de los programas culturales, como de los trabajadores. Se trata, pues, de una mala gestión del dinero público sostenida en el tiempo y que desemboca en la actual situación. El desgastado argumento de los imperativos de ahorro que provoca la crisis resulta insultante tras derroches como los que supusieron las consecuencias judiciales de los despidos en 2003, y, lo que es peor, tras los recientes anuncios de inversiones millonarias en nuevos proyectos y nuevas incorporaciones de personal en la misma Fundación. Esas nuevas inversiones hacen injustificable el abandono de las instituciones ya existentes y el despido de sus trabajadores.

Consideramos además muy grave la ausencia o la marginación de responsables técnicos, con criterio artístico y conocimiento del medio, en instituciones que fueron creadas para ofrecer un servicio que ahora se ve seriamente devaluado. La ausencia de responsables que aporten una gestión y una programación identificables y asociadas a un proyecto contrastado compromete de nuevo la independencia del centro y lo desacredita. Esta ausencia supone una evidente elusión de las responsabilidades adquiridas con la creación del centro gracias a las importantes inversiones económicas con las que se hizo posible. El mismo problema se reproduce en la Fundación Salamanca Ciudad de Cultura que permanece sin director desde hace 4 años y cuyas decisiones más importantes dependen de un gerente, José Luis Barba Real, sin competencia ni formación para evaluar la programación. En el derecho de los ciudadanos a la independencia política de las instituciones culturales se incluye a su vez el de conocer y disfrutar las líneas de programación y el proyecto que se desarrolla en ellas. Se trata pues de un derecho de los ciudadanos, beneficiarios de este centro, y no solo de quienes los gestionan ni de los profesionales que se ocupan de dotarlo de contenidos.

Desgraciadamente el cambio al frente del consistorio podría haber supuesto una rectificación de tales actitudes, pero comprobamos con estupor que su sucesión política en el cargo no hace sino competir en el despropósito. Por ello y por su condición de máximo representante del Ayuntamiento solicitamos su comparecencia pública para explicar las decisiones tomadas y el destino último de una infraestructura y un patrimonio creados para disfrute de todos. Del mismo modo solicitamos el concurso público a la dirección de la Fundación Salamanca Ciudad de Cultura y a la coordinación del Da2, así como la destitución del actual gerente de la fundación.

Junta Directiva del IAC

Noticias aparecidas en prensa:

http://www.tribunasalamanca.com/noticia/69226/Cultura/iac-lamenta-despidos-da2-pide-destituci%C3%B3n-gerente-fundaci%C3%B3n-cultura-salamanca.html
www.salamancaendirecto.com/index.php?news=27492
www.diariodesalamanca.es/tag/instituto-de-arte-contemporaneo/
http://www.abc.es/agencias/noticia.asp?noticia=1049558
http://www.elnortedecastilla.es/v/20111229/cultura/nueva-gestion-cultural-salamanca-20111229.html

Para consultar las Bases pulse aquí

FIRST SCREEN // Premières de artistas en La Pedrera

Una de las intenciones que viene marcando la programación de LOOP/Screen from Barcelona es la de intentar que el festival sirva de marco para presentar obras en primicia. Tanto en la feria como en las propuestas expositivas o screenings, se ha procurado siempre priorizar estrenos o trabajos muy recientes. En 2011, esta tendencia se consolida en un programa, First Screen / Premières de artistas en La Pedrera fruto de la colaboración de LOOP/ Screen from Barcelona y la Fundación CatalunyaCaixa, que surge de la voluntad de explorar la diversidad de estrategias creativas que se dan cita en el ámbito de las prácticas artísticas audiovisuales contemporáneas.

Con una frecuencia mensual, se presentan obras que se estrenan a nivel nacional o Europeo, y que se adecuan o están destinadas a unas condiciones de proyección cinematográficas. El término “première”, fuertemente asociado con el universo del cine, hace hincapié en el “retorno al cine” que solicitan muchos artistas audiovisuales a la hora de presentar sus obras, con la intención de reunir las condiciones óptimas para la apreciación de las mismas. Este hecho conecta con el criterio que define el programa y que consiste en señalar los intercambios y contaminaciones que se dan entre territorios colindantes del espacio audiovisual. Poniendo el dedo sobre las zonas de contacto o el contagio entre prácticas artísticas audiovisuales y el cine (incluyendo sus diversos géneros), el documental, los medios de comunicación, el video-juego o el vídeo clip, por ejemplo, se evita una aproximación del arte de la imagen en movimiento segregada del resto de géneros audiovisuales.

Al mostrar las hibridaciones que constantemente tienen lugar en este ámbito, el objetivo no es tanto asignar o acotar el campo propio del arte audiovisual, sino liberar la capacidad de apreciarlo de las etiquetas de género o categoría.

Seleccionando obras que emplean distintas estrategias creativas y referencias audiovisuales, la intención del programa es tomar estas piezas como expresiones de una voluntad artística de expandir el campo y las posibilidades de la cultura audiovisual contemporánea.

Cacotopía, obra inédita producida con el apoyo de Screen From Barcelona, es la primera pieza que realizan de forma conjunta Avelino Sala y Daniel G. Andujar. Se inscribe en la línea de trabajo que ambos llevan a cabo en torno a la crítica y reflexión sobre las sociedades y sistemas socio-políticos actuales. La metodología forma parte de un modo de hacer que en cierta manera caracteriza a los autores, quienes en múltiples ocasiones han llevado a cabo una investigación iconográfica que les exime de la obligación de crear imágenes. Es decir, rastrean e investigan la llamada iconosfera con el fin de rescatar imágenes que forman parte de nuestro imaginario colectivo. Inscritos en lo que Nicolas Bourriaud acuñó como estrategias de postpodrucción audiovisual, son capaces de aislar la imagen, descontextualizarla y otorgarle un nuevo lugar dentro de la narración que ellos crean con el fin de crear nuevos significados. Es en este sentido que podemos hablar de un trabajo de naturaleza duchampiana que alberga la idea de readymade audiovisual.

En esta ocasión abordan el tema de la cacotopía, (para el que conviene recordar la propia etimología de la palabra: “caco”, lo peor, y “topos”, lugar). El vocablo lo acuñó Jeremy Bentham en 1818 pero fue su discípulo John Stuart Milll quién dio lugar a su sinónimo distopía. La distopía surge por contraposición a la utopía y viene a ser una especie de utopía perversa en la que la sociedad y la evolución transcurren en términos opuestos a los de una sociedad ideal. La distopía alude a una sociedad ficticia ubicada en un futuro cercano donde las consecuencias de la manipulación y el totalitarismo despótico llevado a cabo por el estado dan lugar a un caos incontrolado.

La pieza se divide en 5 capítulos que van planteando diversos modos de pensar la contradicción inherente al vocablo. Los cuatro primeros confeccionados a partir de material proveniente de algunos de los clásicos cinematográficos que abordan la cuestión y el quinto construido a partir de imágenes reales sobre las últimas manifestaciones y reivindicaciones sociales originadas en Atenas, Londres, Roma o Barcelona.

Siguiendo el propio recorrido del concepto nos adentramos en la doble lectura que presenta la pieza. La narración nos permite situarnos en un espacio atemporal que nos es fácilmente reconocible. Presente, pasado y futuro se erigen como estigma de lo contemporáneo a través de una indagación radical en lo etimólogico y sociológico. Planteamientos que reabren debates inaugurados en el s. XVI con Tomás Moro, pasando por Hannah Arendt y sus tesis visionarias de la sociedad o algunas de las últimas teorías de Slavoj Zizek sobre la muerte y el capitalismo.

(Imma Prieto)

La Universidad Complutense de Madrid, en representación de la Conferencia de Rectores de las Universidades Públicas de Madrid (CRUMA) hace pública la tercera convocatoria de estancias de investigación en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, en colaboración con el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y el Banco Santander, de acuerdo con las siguientes bases.

1.- Objeto

Se convocan cinco estancias de investigación en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía durante el período de 1 de octubre de 2012 a 30 de junio del 2013.

2.- Requisitos de los candidatos

Para optar a estas Estancias, los candidatos han de reunir los siguientes requisitos:

a) Acreditar documentalmente un perfil profesional, como investigador, artista o docente, dirigido a una o varias de las siguientes líneas de estudio y trabajo:
Análisis y/o propuesta de métodos y poéticas de intervención crítica en la cultura contemporánea, con énfasis en el debate postcolonial y la globalización, las políticas de género y nuevas manifestaciones de la inteligencia y acción colectivas.
Análisis y/o creación sobre la realidad cultural y artística latinoamericana desde diversas vertientes: las definiciones alternativas y resistentes a la modernidad “del norte”, la activación poética y política del legado artístico de la vanguardia latinoamericana y la construcción de nuevas subjetividades en el escenario global.
Exploración de modos de producción, gestión e interpretación de la información y la documentación en las nuevas culturas de archivo, así como investigación de modos de compartir información en redes abiertas.
Investigación de los fondos documentales del arte español e internacional contemporáneo, con énfasis en aquellos que, o bien, forman parte del Centro de Documentación del Museo, o que habrían de formar parte del mismo.
Exploración de nuevos modos pedagógicos y/o análisis de la dimensión pedagógica del propio trabajo de investigación o artístico.

b) Presentar un proyecto de la investigación a desarrollar durante la estancia, cuya descripción no superará las 3.000 palabras.

c) Presentar un proyecto de actividad pública y de seminario destinado a la comunidad de estudiantes de postgrado del Centro de Estudios del Museo a realizar durante la estancia. Tanto la actividad pública como el seminario se organizarán en coordinación con el Departamento de Programas Culturales del Museo Reina Sofía.

3.- Finalidad y objeto de las estancias

3.1. El fin de las estancias convocadas es el de propiciar la investigación y la participación en un proceso de reflexión mediante la puesta a disposición de los recursos bibliográficos y documentales del Museo Reina Sofía, así como la participación en los núcleos de investigación vinculados a los programas del Centro de Estudios del Museo.

3.2. El disfrute de estas estancias no supone establecimiento de relación contractual o estatutaria alguna, ni supondrá vinculación laboral o funcionarial entre el beneficiario de la misma y el Museo Reina Sofía.

4.- Dotación y duración de las estancias

4.1. La dotación económica de cada estancia de investigación es de seis mil euros (6.000 €) brutos, que se destinarán por el beneficiario a la cobertura de los gastos de viaje, alojamiento y manutención. El pago al beneficiario del importe de la estancia se realizará únicamente en una cuenta corriente en el Banco Santander.

4.2. La citada cantidad será pagadera de una sola vez, al comienzo del disfrute de la estancia y le resultará aplicable la retención fiscal que corresponda, de acuerdo con lo dispuesto en la Ley del Impuesto sobre la Renta de las Personas Físicas.

4.3. Las estancias tendrán una duración de dos (2) meses, no renovables. La fecha concreta de inicio será fijada de mutuo acuerdo entre el beneficiario de la estancia y el Museo Reina Sofía, entre el 1 de octubre de 2012 a 30 de junio del 2013. El desarrollo será continuado a partir de la fecha de inicio acordada.

4.4. Se facilitará al beneficiario de la estancia la infraestructura para la realización de la investigación en las instalaciones del Museo Reina Sofía y se fomentará su participación en las actividades de sus diversas áreas.

Para más información consultar la web

Estancias de Investigación en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
Departamento de Programas Culturales
Registro General Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
Calle Santa Isabel, 52
28012 Madrid

5.2. La fecha límite de presentación de solicitudes será el 31 de enero de 2012 inclusive, fecha de la que dará fe el matasellos de la oficina de Correos.

Un respetuoso homenaje a las víctimas del 11S y a la muerte de la cinta vhs a través de una instalación multimedia cuyo centro es la reproducción a escala de las fenecidas Torres Gemelas (World Trade Center) mediante cintas vhs.

En mayo de 2011 el artista Carlos TMori fue uno de los cuatro premiados en la «Iª convocatoria de proyectos para el desarrollo y producción de propuestas expositivas en Castilla y León» convocada por la plataforma P4 para llevar a cabo su proyecto [CAJA NEGRA] en el Museo de Arte Contemporáneo Español
Patio Herreriano. Esta exposición tendrá lugar a partir del 16 de diciembre de 2011 hasta el 19 de Marzo de 2012 en dicho museo.

[CAJA NEGRA] surge a raíz de una profunda investigación sobre el llamado «apagón analógico» de 2010 y su relación con el fin del mítico soporte del vídeo arte. La pieza central del proyecto son 2 torres parejas de casi tres metros de altura, construídas con cintas vhs, conseguidas gracias a la donación de amigos y ciudadanos anónimos. La proporción de dichos monolitos están a escala 1:158 respecto a las desgraciadamente famosas torres gemelas del WTC, 10 años después de su desplome.

Los conceptos de desaparición, tragedia, catástrofe, accidente o atentado y cambio conviven con los de nostalgia y desuso. En este momento de transición hacia nuevos criterios digitales esta exposición contempla una doble finalidad, observar las tensiones, accidentes y atentados producidos por la tecnología, y confeccionar una obra de arte a partir de basura, que así mismo es archivo, con cintas vhs.

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«Lo de las cajas me viene obsesionando desde hace mucho tiempo, debido a una contradicción personal:
la necesidad imperiosa de orden y la incapacidad para conseguirlo.»
(tmori)

Los elementos que componen la totalidad de la muestra [CAJA NEGRA] son:
• Stock tecnológico: un cubo de 50 x 50 x 50cm., sobre la distopía de la ciencia aplicada, construido con 300 libros.
• Tríptico fotográfico Lost Highway.
• TGV, dos torres de cintas vhs de 264 x 40 x 40 cm.
• Instalación visual de la pieza en vídeo Turbina.
• Sonorización y audio a cargo del colectivo yoko.lennon
• 6 sesiones de vídeo arte con piezas de la serie «Poder Analógico», 1987 – 2011.

claves
• Conceptos base: potencialidad del accidente, sistemas tecnológicos, filosofía del arte electrónico, archivo / basura / obra de arte, escenario / sala de proyección.
• VHS (video home system): primer acceso del cine al hogar y del hogar a la pantalla de televisión. Resultado del espionaje industrial es, literalmente, una «caja negra» convertida ahora en basura tecnológica.
• Una obra sobre las relaciones entre plástica y tecnología ironizando sobre la idea romántica de pérdida, «el grito del vídeo por su obligada transición de analógico a digital».
• 2010, año del Apagón Analógico: El final de una era. Por ese motivo es necesario enfrentarse y reflexionar sobre el pasado, hacer cuentas para, una vez depurado, anhelar su renacimiento digital.

Carlos TMori (Valladolid, 1970) comienza a trabajar en vídeo en el año 1987. Licenciado en Bellas Artes y en Comunicación Audiovisual, se traslada a Kassel, Alemania, donde participa en 1992 en el proyecto colectivo “Let there be tv” dentro de la IX Documenta. Recibe el 2º premio en el Festival de Vídeo de Navarra en 1998, es seleccionado en el Certamen Nacional de Fotografía Injuve en 1999 y en 2002 presenta en la Casa de América en Madrid, una retrospectiva de su trabajo en vídeo. Dentro de su producción audiovisual, se incluyen obras como Castilla Penitente de 1991, Koji de 1998, Inestabilidad & Metamorfosis de 2005 o Learning about cells de 1987-2007.

Jornadas organizadas por la Unión de Asociaciones de Artistas Visuales, con el apoyo del Museo Reina Sofía y la Fundación Arte y Derecho y VEGAP.

“Do the Right Thing”
Jornadas sobre Buenas Prácticas y Derechos de Autor en las Artes Visuales

El mundo cambia. Y cada vez más rápido. El arte está sujeto al mundo. Los artistas son surfistas del presente. El futuro está por venir. “Do the Right Thing” es un foro promovido desde las asociaciones de artistas para realizar una puesta en común sobre el panorama actual del arte en España. Las Buenas Prácticas y los Derechos de Autor son los ejes que se han marcado para el debate y la reflexión. Dicho esto, desde la UAAV queremos invitar a todo el sector a participar en las jornadas y a construir de manera colectiva los “modos de hacer” en los que moverse en los próximos años, más allá del cataclismo.

PROGRAMA
Viernes 16 de diciembre
JORNADA SOBRE BUENAS PRÁCTICAS

De 10.30 a 11 horas:
Introducción a cargo de Francesca Llopis, presidenta de la Unión de Asociaciones de Artistas Visuales.

De 11 a 11.30 horas:
Presentación a cargo de Daniel García Andújar, artista y vicepresidente de la Asociación de Artistas Visuales de Cataluña.

De 11.30 a 12 horas:
Presentación de los Informes sobre Buenas Prácticas en las comunidades autónomas a cargo de:
Artistes Visuals de València Alacant i Castelló AVVAC.
Associació d’Artistes Visuals de Catalunya AAVC.

De 12 a 12.15 horas:
Descanso.

De 12.15 a 13.30 horas:
Mesa redonda “Presente y futuro de la aplicación de las Buenas Prácticas”. Con la participación de:
Elvira Mignoni, miembro del Consorcio de Galerías de Arte Contemporáneo.
Eva Moraga, miembro de la Junta Directiva del Instituto de Arte Contemporáneo.
Jesús Carrillo, jefe de Programas Culturales del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.
José Luis Pérez Pont, presidente del Consejo de Críticos y Comisarios de Artes Visuales.
Rocío de la Villa, presidenta de Mujeres en las Artes Visuales.
Yolanda Romero, vocal de la Junta Directiva de Asociación de Directores de Arte Contemporáneo de España y directora del Centro José Guerrero.

Con la moderación de Ignacio París, artista y presidente de AVVAC, Artistes Visuals de València Alacant i Castelló.

De 13.30 a 14.30 horas:
Debate abierto al público sobre los temas expuestos.

De 14.30 a 16.30 horas:
Descanso.

De 16.30 a 18 horas:
Mesa redonda “Las Buenas Prácticas y la dimensión política del arte”. Con la participación de:
Representantes de los diferentes partidos políticos.
Con la moderación del artista Pablo España, miembro del colectivo Democracia.
Con la presencia de la presidenta de la Unión de Asociaciones de Artistas Visuales Francesca Llopis.

De 18 a 18.30 horas:
Debate abierto al público sobre los temas expuestos.

De 18.30 a 19 horas:
Conclusiones de la jornada a cargo de la Unión de Asociaciones de Artistas Visuales.

Sábado 17 de diciembre
JORNADA SOBRE DERECHOS DE AUTOR

De 10.30 a 11 horas:
Presentación de los Informes sobre Buenas Prácticas en las comunidades autónomas a cargo de:
Asociación de Artes Visuales de Asturias AAVA.
Unión de Artistas Visuales de Andalucía UAVA.

De 11 a 11.30 horas:
Panorámica general sobre el Derecho de Autor.

De 11.30 a 12 horas:
“Creative Commons y gestión colectiva de la obra artística. Qué no es Creative Commons, qué es y por qué no debería preocuparles a las entidades de gestión”.
Presentación a cargo de David Maeztu, abogado especializado en Propiedad Intelectual.

De 12 a 12.30 horas:
“Problemas de encaje: Arte contemporáneo y derechos de autor”.
Presentación a cargo de la abogada especializada en Propiedad Intelectual Eva Soria.

De 12.30 a 12.45 horas:
Descanso.

De 12.45 a 13.15 horas:
“Do the Left Thing! Nuevas economías de la cultura y empresas del procomún”.
Presentación a cargo de Rubén Martínez, cofundador de la productora cultural YPRODUCTIONS.

De 13.15 a 13.45 horas:
“Libres de vuelta. Retorno social de la producción artística a través de licencias libres”.
Presentación a cargo de David Gómez, artista.

De 13.45 a 14.30 horas:
Presentación de los Informes sobre Buenas Prácticas en las comunidades autónomas a cargo de:
Artistas Visuales Agrupados de Castilla y León AVA.
Associació d’Artistes Visuals de les Illes Balears AAVIB.
Colectivo Aragonés de Artistas Visuales CAAV.

De 14.30 a 16.30 horas:
Descanso.

De 16.30 a 18.30 horas:
Mesa redonda “El Derecho de Autor a debate”. Con la participación de:
David Gómez, artista.
David Maeztu, abogado especializado en Propiedad Intelectual.
Eva Soria, abogada especializada en Propiedad Intelectual.
Rubén Martínez, cofundador y codirector de la productora cultural YPRODUCTIONS.
Con la moderación de José Luis Pérez Pont, presidente del Consejo de Críticos y Comisarios de Artes Visuales.

De 18.30 a 19 horas:
Conclusiones de la jornada a cargo de la Unión de Asociaciones de Artistas Visuales.

A partir de las 19.30 horas:
Fiesta de clausura en la sala de Protocolo Novel.

De 21 a 22 horas:
Guy de Cointet Five sisters.
Actividad paralela dentro del programa general del Museo Reina Sofía.

Tipo de actividad: Obra de teatro.
Fecha: 16 de diciembre.
Lugar: Edificio Nouvel, Auditorio 400.
Hora: 21 horas.

Actividad relacionada con: Locus Solus. Impresiones de Raymond Roussel.
Entrada gratuita con invitación.

El artista francés Guy de Cointet (1934-1983) es una de las claves para entender la influencia de Duchamp y el giro lingüístico en el arte a finales de los 60. Afincado en la Costa Oeste de Estados Unidos, Guy de Cointet representa una teatralidad entendida desde el minimalismo y la experimentación con el lenguaje como objeto, ejerciendo una influencia decisiva sobre artistas como Allen Ruppersberg o el primer Mike Kelley. Su trabajo se desarrolla a caballo entre los ámbitos escénico y expositivo, con influencias continuas entre los dos. Esta representación deriva de un año de investigación y reconstrucción a cargo del colectivo de Amsterdam If I can’t dance I don’t want to be part of your revolution.

Capilla y Sala 9
Museo Patio Herreriano

infancia es un retrato de la diversidad y de la igualdad.

De la diversidad de los niños, de las niñas y de los adolescentes que pueblan nuestro mundo y de la igualdad de los derechos que deben tener independientemente de cuál sea su situación o su origen.

Isabel Muñoz, Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes 2009, posa en ellos su mirada y convierte lo personal en arquetipo, trasciende la realidad cotidiana y, retratándola, convierte a sus personajes en iconos universales que representan una etapa de nuestra vida y el futuro, que debemos proteger, de la Humanidad.

Esta exposición patrocinada y organizada por UNICEF, la Secretaría de Estado de Cooperación Internacional del Ministerio de Asuntos Exteriores y de Cooperación, la Campaña de la Cumbre del Microcrédito y el Museo Patio Herreriano de Valladolid se ha construido sobre una idea original de El País Semanal para la celebración del 20 aniversario de la Convención sobre los Derechos del Niño: un retrato de la infancia plasmado, en imágenes y palabras, por las fotografías de Isabel Muñoz y los artículos de cinco periodistas de la revista dominical del diario El País.

Museo Patio Herreriano
Jorge Guillén, 6
47003 Valladolid
Tel. +34 983 362 771. Fax +34 983 375 295
patioherreriano@museoph.org

El Museo Patio Herreriano organiza una nueva edición del curso “Aproximaciones al arte contemporáneo”, dirigido en esta ocasión al análisis y profundización en la creación artística española a lo largo de los siglos XX y XXI, a través de la Colección del Museo.
Las sesiones se desarrollarán entre el 12 y el 22 de diciembre de 2011. Su realización estará a cargo de algunos de los más importantes especialistas en arte contemporáneo español, quienes aportarán diferentes miradas al hecho artístico actual a través de la Colección Arte Contemporáneo, depositada en el Museo Patio Herreriano. El curso está dirigido a un público general, Amigos del Museo, Estudiantes y Docentes en ejercicio.

12 DIC
Entre la realidad y el sueño. Del arte nuevo y las primeras vanguardias a la década de los 40.

Josep Casamartina. Crítico, historiador de arte y comisario independiente.

14 DIC
Feminismo y género en el arte: 1970-2010.

Alicia Murría. Historiadora, crítica de arte y comisaria de exposiciones. Edita y dirige la revista ARTECONTEXTO.

15 DIC
Prácticas artísticas en el cambio de milenio.

Armando Montesinos. Crítico y comisario de exposiciones, y profesor en la Facultad de Bellas Artes de Cuenca (Universidad de Castilla-La Mancha)

17 DIC
VISITA Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (MUSAC)
Exposición Cambio de paradigma. Colección Serralves años 60-70.

19 DIC
La escultura en el aire de la habitación moderna.

Olga Fernández. Actualmente profesora del Dpto. de Historia y Teoría del Arte en la Universidad Autónoma de Madrid. Conservadora jefe del Museo Patio Herreriano durante los años 2003-2006.

21/22 DIC
Las décadas oscuras. Arte español de los años 50 y 60. /
Transiciones democráticas. Arte español de los años 70 y 80.

Mariano Navarro. Crítico de arte y comisario de exposiciones.

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Para más información

Coordinación: Departamento de Investigación y Educación
Lugar: Salón de Actos del Museo Patio Herreriano
Horario: de 20:00 a 21:30 h.
Inscripción y matrícula: Museo Patio Herreriano, calle Jorge Guillén 6, 47003 Valladolid
Plazo: hasta el día 12 de diciembre. Plazas limitadas y concedidas por orden de inscripción.

Empleo
Provides key administrative support to the director and assistant director of the International Program and to the Museum’s C-MAP (Contemporary and Modern Art Perspectives) program, including departmental programs and publications. Manages departmental calendars, including coordinating travel, maintaining attendance records, and updating the international art event calendar. Performs departmental tasks, including answering telephones, sorting mail, responding to general inquiries, ordering supplies, etc. Assists the assistant director in initiating the budget-planning process each fiscal year and consults with finance department as needed. Assists with the coordination of departmental budgets and funds, including specially funded programs such as the Cisneros Travel Fund. Provides daily financial and operations support. In collaboration with the director and assistant director, drafts reports on departmental and C-MAP fund expenditures as needed. Coordinates visitor programs and exchange programs run by the International Program. Communicates with vendors (Federal Express, hotels, apartments, etc.) and carefully monitors all expenditures, including ensuring compliance with contracts and other agreements. Builds effective relationships with relevant Museum departments related to the department’s day-to-day activities, including Security, Visitor Services, Development, External Affairs, etc. Keeps Museum staff informed on relevant international travel issues. Maintains content for department’s website. Reports to Director, International Program.

Requirements: Bachelor’s degree (preferably in art history or international studies) and two to three years relevant museum experience or equivalent. Good knowledge of, and interest in, 20th- and 21st-century art in a global context. Experience working with budgets. Excellent interpersonal, communication, diplomacy, and organizational skills. Strong writing skills. Proficiency in Microsoft Office, especially Word and Excel. Fluency in at least one foreign language, with a preference for one or more of the following: French, Japanese, Portuguese, Spanish, or Russian

MoMA Jobs application guidelines
If you would like to submit your resume and cover letter for consideration, please choose one of the following options:
By e-mail: jobs@moma.org (most preferred option)
By fax: (212) 333-1107
By mail: The Museum of Modern Art
The Department of Human Resources
11 West 53 Street
New York, NY 10019
Please be advised that due to the high volume of applicants, we are only able to contact those candidates whose skills and background best fit the needs of the open positions. Thank you for your interest in employment opportunities at The Museum of Modern Art.

Empleo
Associate Curator
Works closely with the curator and the director to develop, define, and execute a program of live events and public programs at MoMA PS1. Oversees the organization and execution of all MoMA PS1 event programming, including recurring events (e.g. Warm Up music series) as well as workshops, artist lectures, performances, and other special events. Works with the curator and the director to conceptualize a strategic, overarching, distinct institutional profile for live programming in the multidisciplinary context that the museum offers. Actively promotes and nurtures strong intra-institutional working relationships between curatorial, development, special events, and communications staff at both MoMA PS1 and The Museum of Modern Art. Manages junior curatorial and support staff involved in the production of the events organized under the leadership of the associate curator. Liaises with artists and organizations represented in related programs. Remains informed of current activities in contemporary art and practice through sustained research and exposure to cultural happenings, initiatives, and organizations, with the ultimate goal of making recommendations to senior staff. Reports to Director, MoMA PS1.

Requirements: Bachelor’s degree; Master’s degree or equivalent preferred. Three to five years museum curatorial or live-event programming experience. Demonstrated initiative and discernment, as well as project management skills and experience managing junior staff. Knowledge and competence to conceive, initiate, direct, and produce all manner of public and live event programming. Knowledge of basic office procedures and management skills. Knowledge of a foreign language, especially German, needed for project-related work. Superior judgment, high level of professionalism, initiative, and strong verbal and written communication capabilities. Proficiency in Word, Excel, and PowerPoint.

HOW TO APPLY: Please send a cover letter, resume, and list of references, to employment_ps1@moma.org and include the position title in the subject line. No phone calls please.
Please note: international candidates must secure and be in possession of a valid US work visa.
Please be advised that due to the high volume of applicants, we are only able to contact those candidates whose skills and background best fit the needs of the position.