Bilbao, (EFE).- La nueva directora de la Sala Rekalde, Alicia Fernández, se ha mostrado dispuesta a abrir al apoyo económico del patrocinio privado las exposiciones en ella organizadas, que actualmente se financian con fondos aportados por la Diputación de Vizcaya, titular del equipamiento cultural enclavado en el centro de Bilbao.

La responsable de la Sala Rekalde, nombrada hace cuatro meses, ha defendido, en una entrevista concedida a EFE, la utilidad de este espacio público expositivo, abierto al público en 1991, cuestionada en los últimos tiempos desde algunos sectores de la vida política y cultural vizcaína por su proximidad a los dos grandes museos de Bilbao, el de Bellas Artes y el Guggenheim, y por su incapacidad de atraer a un público numeroso.

Respecto esta última cuestión, Alicia Fernández ha subrayado que la Sala Rekalde tiene su espacio propio dentro del panorama cultural de Bilbao “porque es una sala pública de exposiciones, lo que la diferencia de las galerías de arte, y porque su principal objetivo es presentar las propuestas más novedosas y experimentales que se realizan actualmente en el mundo del arte contemporáneo, faceta que los museos de Bilbao no cubren”, ha apuntado.

Pese a defender la especificidad y utilidad de la Sala Rekalde, Alicia Fernández ha considerado que este equipamiento cultural debe “establecer vínculos más continuados y colaboraciones con otros centros similares que existen en España” y que tiene que colaborar “lo más posible” con los museos y centros artísticos cercanos, entre los que incluye el Artium de Vitoria.

La nueva directora, nacida en Bilbao en 1962, historiadora, crítica de arte y comisaria de exposiciones antes de acceder a su nuevo cargo, aspira también a que la Sala Rekalde establezca contactos con centros nacionales e internacionales de arte contemporáneo para que no se quede en “una sala meramente local, sino que pueda llegar a ser un referente dentro del mundo del arte contemporáneo”.

“Pero para conseguir esto -ha precisado- necesitas dinero, y con los tiempos de crisis que corren el presupuesto de la Sala para 2010 se ha visto recortado en un 5% y ha quedado en 684.173 euros para todo, incluidos los gastos de personal“.

Por este motivo, Alicia Fernández se ha mostrado dispuesta a “conseguir financiación de patrocinadores privados para la realización de las exposiciones y de las actividades didácticas que las acompañen”.

Respecto a sus planes para atraer a un público más numeroso a las exposiciones, ha revelado que se centrarán en profundizar en los aspectos didácticos, para conseguir hacerlas más comprensibles a las personas que se acerquen a visitarlas.

Alicia Fernández ha declarado ser consciente de que el arte más vanguardista y experimental, y al que, ha advertido, no piensa renunciar en sus futuras programaciones, es difícil de entender por aquellas personas que no están versadas en la materia porque “a veces maneja unas claves complejas para los no iniciados”.

Cuestionada sobre la conexión que va a tener la Sala Rekalde con el panorama vizcaíno de las artes plásticas, Alicia Fernández ha señalado que le interesa “mantener un contacto muy directo con el mundo artístico de Bilbao y Vizcaya, y desde la Sala Rekalde se cursarán invitaciones a sus integrantes para que expongan aquí sus obras”.

La nueva directora ha revelado que no será hasta 2011, año en el que se cumple el vigésimo aniversario de la apertura de la sala, cuando los vizcaínos puedan ver las exposiciones por ella programadas, ya que las de este año fueron confeccionadas por la anterior dirección.

Fernández ha manifestado que durante 2010 va a dedicarse a hacer “una transición tranquila al proyecto de Sala que quiero para el futuro y que no es nuevo, sino continuidad de lo que ya se venía haciendo, pero poniendo mayor acento en el apartado didáctico, formativo y divulgativo, para hacerla más presente y que llegue a públicos más amplios”. EFE

La directora del Museo, Ana Martínez de Aguilar, reconoció en la presentación de la exhibición de la obra de Robert Irwin que puede verse en el centro, que 2010 será un año “muy difícil”, con un recorte presupuestario que cifró en torno al 40 por ciento respecto al ejercicio anterior, ya que algunos de los patronos han reducido sustancialmente o incluso eliminado sus aportaciones. En total no se llegará a los 900.000 euros de presupuesto frente a los más de 1.6 millones que ha manejado en los años anteriores. Se vuelve así a las cifras que manejaba en torno al año 2002.

En concreto, Caja Madrid no destinará este año ninguna aportación económica. Ya en el año 2009 bajó a 100.000 euros los 180.000 que había invertido en 2008 y ha decidido además retirar los casi 90.000 euros que aportaba al programa educativo del Museo.

Por otro lado, la aportación de Caja Segovia se reduce a la mitad este año y las de Ministerio de Cultura y Junta de Castilla y León bajan ligeramente. Martínez de Aguilar destacó, sin embargo, el esfuerzo del Ayuntamiento y la Diputación provincial, que mantienen la ayuda económica, así como de la estadounidense Fundación Esteban y Harriet Vicente.

El Museo ha contado estos años de atrás con partidas de hasta 1,6 millones de euros, de los que unos 800.000 iban destinados a exposiciones y el resto se destinaba a cubrir gastos fijos.

Forman parte del Consorcio del Museo de Arte Contemporáneo Esteban Vicente la Diputación Provincial de Segovia, el Ministerio de Cultura, la Junta de Castilla y León, el Ayuntamiento de Segovia, Caja Segovia, Caja Madrid, la empresa lberpistas y la Fundación Harriet y Esteban Vicente.

Diario de León. 27/06/2010 Verónica Viñas

La exposición Modelos para armar, que abría ayer sus puertas en el Musac con más de un centenar de obras de 47 artistas de Latinoamérica, ha costado 450.000 euros. Y es la segunda de este año. La anterior, el Proforma, que consistió en una cuarentena que mantuvo encerrados en el museo a los artistas vascos Txomin Badiola, Jon Mikel Euba y Sergio Prego, junto a quince voluntarios, supuso un desembolso de 380.000 euros. Es decir, el centro de arte contemporáneo ha gastado 830.000 euros en dos exposiciones.

Aunque las cifras pueden parecer desorbitadas, el ajuste decretado por la Junta también ha afectado al Musac, que ha pasado de contar con 5,5 millones de euros anuales a los 4,2 actuales -”de los que un alto porcentaje se destina a pagar la «hipoteca» que pesa sobre el edificio-”. El presupuesto que se invierte en las exposiciones no es «a fondo perdido». Como ha desvelado el director del Musac, Agustín Pérez Rubio, «el dinero siempre vuelve al museo». El Musac produce las obras; y cuando los artistas las venden, tienen que reintegrar el coste al museo.

En las últimas exposiciones el centro de arte contemporáneo se ha «buscado la vida» y ha contado con patrocinadores privados y subvenciones de instituciones al margen de la Junta. Es el caso de Modelos para armar, que ha recibido 90.000 euros de la Agencia Española de Cooperación Internacional y Desarrollo (AECID), dependiente del Ministerio de Asuntos Exteriores. El director de relaciones culturales y científicas de la AECID, Carlos Alberdi, estuvo ayer en la inauguración de Modelos para armar. « Es parte de nuestra tarea ayudar a que la cultura Iberoamericana esté presente en España», aseguró. Esta agencia, aparte de fondos, ha facilitado contactos y asesoramiento al Musac. «Tenemos ya una larga historia de colaboración», dijo Alberdi.

Ajustes y celebraciones. La consejera de Cultura, María José Salgueiro, que tampoco quiso perderse el estreno de Modelos para armar, hizo ayer un balance «positivo» de los cinco años de vida del Musac. En este tiempo, por el museo han pasado 690.000 visitantes y otros 69.196 personas han participado en las actividades paralelas -”talleres, conciertos, conferencias…-”. Salgueiro destacó tanto la calidad de las exposiciones, como la de la colección del propio Musac, «que es muy buena», según sus palabras. En opinión de la titular de Cultura de la Junta, una de las claves del éxito del Musac es la voluntad de «investigar e innovar» del museo; y atribuyó el mérito tanto al actual director como a su predecesor, Rafael Doctor Roncero.

Salgueiro no dio cifras, pero reconoció que los recortes presupuestarios anunciados esta semana por el presidente de la Junta, Juan Vicente Herrera, supondrán una merma en las subvenciones. Puntualizó que Cultura ya experimentó «recortes anteriormente» (de un 14%), por lo que cuentan ahora con un presupuesto «bastante ajustado», lo que obligará a «priorizar» los gastos. La consejera defendió asimismo la programación del 1.100 aniversario del Reino de León y la buena labor del coordinador de los actos, el escritor Juan Pedro Aparicio.

Como es tradicional en esta fórmula de mecenazgo, la convocatoria de la XI Edición de las Becas Endesa supone la renovación parcial del jurado que las concede. En ese sentido, subrayar la incorporación como nuevos miembros de dos artistas de singular relevancia: Carmen Calvo y José Manuel Broto.

Carmen Calvo (Valencia, 1950) ha conseguido con su particular universo pictórico una presencia indiscutible entre lo más interesante del arte español. Practica un lenguaje artístico transformador, que explora las posibilidades tridimensionales y que aporta una visión del mundo en la que son elementos básicos el fetichismo, la infancia, el vouyerismo y la memoria. Posee obra en numerosos Museos y Colecciones de España y otros países.

José Manuel Broto (Zaragoza, 1949) es uno de los artistas aragoneses de mayor proyección y prestigio nacional e internacional. Cuenta en su haber con importantes reconocimientos, como el Premio Nacional de Artes Plásticas o el Premio Aragón Goya de Grabado y ha realizado un amplio número de exposiciones individuales y colectivas. Obras suyas forman parte de las colecciones de los más significativos centros museísticos: Metropolitan Museum of Art de Nueva York, Kampo Collection de Tokio, Dove Collection de Zurich, Chasse Manhattan Bank de Nueva York, Museo Nacional Centro Reina Sofía de Madrid, MACBA de Barcelona, IVAM de Valencia, Fundación “La Caixa” de Barcelona, Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca, CAAM de Las Palmas de Gran Canaria, Cortes de Aragón y Museo de Teruel.

BECAS ENDESA, UNA INICIATIVA DE PRESTIGIO

Las Becas Endesa son una iniciativa cultural surgida, en 1989, de la colaboración entre la Fundación Endesa y la Diputación de Teruel. Con dichas Becas, ambas entidades pretenden fomentar la creatividad en sus distintos campos y apoyar la labor artística. Además, la Diputación de Teruel consigue, con la cesión de tres obras seleccionadas de cada uno de los artistas becados, formar una rigurosa e interesante colección de Arte Contemporáneo dentro del Museo de Teruel.
Además de la importante dotación económica de las Becas, que en esta convocatoria alcanza los 24.000 euros para cada una de las cinco ayudas que se conceden, un factor fundamental que ha permitido consolidar esta labor de apoyo a las artes plásticas es el prestigio del jurado, su nivel de rigor y la calidad de la selección que se realiza. La pluralidad de su composición y la
seriedad de su trabajo confirman la relevancia personal y profesional de sus miembros y avalan, en las ediciones celebradas hasta el momento, la trayectoria coherente de las Becas Endesa.

El jurado de la XI Edición de las Becas Endesa lo integran, bajo la presidencia de Tomás Llorens, que ha sido Conservador Jefe de las colecciones del Museo Thyssen Bornemisza, los artistas, críticos y especialistas siguientes: Juan Manuel Bonet (crítico de arte, comisario de exposiciones y antiguo drector del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía), José Manuel Broto (artista), Carmen Calvo (artista), Estrella de Diego (catedrática de Arte Contemporáneo de la Universidad Complutense de Madrid y comisaria de exposiciones), Alicia Fernández (crítico de arte y comisaria de exposiciones), Miguel Fernández-Cid (crítico de arte, comisario de exposiciones y exdirector del Centro Galego de Arte Contemporánea), Daniel Giralt-Miracle (crítico de arte y comisario de exposiciones), Fernando Huici (crítico de arte y comisario de exposiciones) y Francesc Rodon (crítico de arte y comisario de exposiciones).

El apoyo a los becarios no se limita a la concesión de la dotación económica y la organización de una exposición colectiva bianual. También se promueve la presencia de los becarios en ferias o foros de arte contemporáneo, así como la organización de exposiciones de carácter individual y de cualquier otro acto que pueda redundar en su beneficio. Así, en el intervalo de los dos últimos años, el Museo de Teruel ha llevado a cabo las muestras colectivas “Becarios Endesa 8” y “Becarios Endesa 9”.

NOMBRES PARA EL ARTE CONTEMPORÁNEO ESPAÑOL

A lo largo de la trayectoria de las Becas Endesa han recibido la ayuda un total de 50 artistas, siendo dos de ellos de origen turolense (Gonzalo Tena y Joaquín Escuder). Por otra parte, si trazáramos un balance conjunto de las Becas podría apreciarse cómo en su nómina de artistas figuran varios de los nombres propios más interesantes del arte contemporáneo español.

Las Becas Endesa han obtenido, en las convocatorias anteriores, una respuesta multitudinaria en calidad y cantidad entre los artistas españoles o
residentes en España. Así, en la X Edición de las Becas se registró una participación cifrada en 630 solicitudes. Se espera que en esta XI Edición de las Becas Endesa que ahora se pone en marcha se alcancen también importantes niveles de participación.

En 1989 se celebró la primera edición de las Becas Endesa y resultaron seleccionados los siguientes artistas: Antoni Abad (Lérida, 1956), Dis Berlin
(Ciria, Soria, 1959), Pelayo Ortega (Mieres, Asturias, 1956), Néstor Sanmiguel (Zaragoza, 1949) y Gonzalo Tena (Teruel, 1950).

La segunda convocatoria tuvo lugar en 1991 y los artistas becados fueron: Jaime Lorente (Madrid, 1956), Herminio Molero (Puebla de Almoradiel, Toledo, 1948), Jorge Ribalta (Barcelona, 1963), Antonio Rojas (Tarifa, 1962), Javier Tudela (Vitoria, 1960).

Los cinco artistas seleccionados en la tercera convocatoria, realizada en 1993, fueron: José Ramón Amondarain (San Sebastián, Guipúzcoa, 1964), Joaquín Escuder (Alcañiz, Teruel, 1961), Santiago Mayo (Grado, Asturias, 1965), Javier Pagola (San Sebastián, 1955), Carlos Pazos (Barcelona, 1949).

La cuarta convocatoria de las Becas Endesa permitió seleccionar a los siguientes artistas: Miguel Galano (Tapia de Casariego, Asturias, 1956), Xesús Vázquez (Orense, 1946), Manuel Sáiz (Logroño, 1961), Ángeles San José (Madrid, 1961), Marcelo Fuentes (Valencia, 1955).

La quinta edición de las Becas Endesa seleccionó a los siguientes cinco becarios: Teresa Lanceta (Barcelona, 1951), Montserrat Soto (Barcelona, 1961), Humberto Rivas (Buenos Aires, Argentina, 1937), Isabelle Larras (Boulogne Billancourt, Francia, 1965), Ángel Mateo Charris (Cartagena, Murcia, 1962).

La sexta convocatoria de las Becas permitió seleccionar a los creadores siguientes: Javier Alkain (San Sebastián, 1960), Javier Campano (Madrid, 1950), Susy Gómez (Pollensa, Mallorca, 1964), Joël Mestre (Castellón, 1966) y José Antonio Orts (Valencia, 1955).

La séptima edición de las becas tuvo como artistas seleccionados a: Lara Almarcegui (Zaragoza, 1972), Martí Llorens (Barcelona, 1962), Daniel Verbis (León, 1968), Manu Muniategiandikoetxea (Bergara, Guipúzcoa, 1966) y Mónica Alonso (A Fonsagrada, Lugo, 1970).

Los cinco artistas seleccionados en la octava edición fueron los siguientes: Elssie Ansareo (México, 1979), Alexander Apóstol (Barquisimeto, Venezuela,

1969), Gonzalo Sicre (Cádiz, 1967), Abi Lazkoz (Bilbao, 1972), Domènec (Mataró, Barcelona, 1962).
La novena edición de las Becas seleccionó a los siguientes artistas: Luis Baylón (Madrid, 1958); Mireya Masó (Barcelona, 1963); Fernando Renes (Covarrubias, Burgos, 1970); Vicente Blanco (Cee, La Coruña, 1974) y Laura Lio (Buenos Aires, Argentina, 1967).

La décima edición de las Becas tuvo como artistas seleccionados a: Sergio Belinchón (Valencia, 1971), Jordi Bernadó (Lleida, 1966), Alicia Framis (Mataró, Barcelona, 1967), Christophe Prat (París, Francia, 1970) y Juan de Sande (Madrid, 1964).

http://www.dpteruel.es/museodeteruel/noticiario.htm

Sotto la lente della crisi economica, piccole crepe diventano enormi, nella ceramica di tante vite individuali, ma anche nel muro di pietra del nostro convivere civile. Una che si sta spalancando, non sanguinosa ma solenne, è quella che riguarda le sovvenzioni pubbliche alla cultura. Il fiume di denaro che si riversa in teatri, musei, festival, rassegne, convegni, fondazioni e associazioni. Dato che il fiume si sta estinguendo, ci si interroga. Si protesta. Si dibatte. Un commissariamento qui, un’indagine per malversazione là, si collezionano sintomi di un’agonia che potrebbe anche essere lunghissima, ma che questa volta non lo sarà. Sotto la lente della crisi economica, prenderà tutto fuoco, molto più velocemente di quanto si creda.

In situazioni come queste, nei film americani puoi solo fare due cose: o scappi o pensi molto velocemente. Scappare è inelegante. Ecco il momento di pensare molto velocemente. Lo devono fare tutti quelli cui sta a cuore la tensione culturale del nostro Paese, e tutti quelli che quella situazione la conoscono da vicino, per averci lavorato, a qualsiasi livello. Io rispondo alla descrizione, quindi eccomi qui. In realtà mi ci vorrebbe un libro per dire tutto ciò che penso dell’intreccio fra denaro pubblico e cultura, ma pensare velocemente vuol dire anche pensare l’essenziale, ed è ciò che cercherò di fare qui.

Se cerco di capire cosa, tempo fa, ci abbia portato a usare il denaro pubblico per sostenere la vita culturale di un Paese, mi vengono in mente due buone ragioni. Prima: allargare il privilegio della crescita culturale, rendendo accessibili i luoghi e i riti della cultura alla maggior parte della comunità. Seconda: difendere dall’inerzia del mercato alcuni gesti, o repertori, che probabilmente non avrebbero avuto la forza di sopravvivere alla logica del profitto, e che tuttavia ci sembravano irrinunciabili per tramandare un certo grado di civiltà.

A queste due ragioni ne aggiungerei una terza, più generale, più sofisticata, ma altrettanto importante: la necessità che hanno le democrazie di motivare i cittadini ad assumersi la responsabilità della democrazia: il bisogno di avere cittadini informati, minimamente colti, dotati di principi morali saldi, e di riferimenti culturali forti. Nel difendere la statura culturale del cittadino, le democrazie salvano se stesse, come già sapevano i greci del quinto secolo, e come hanno perfettamente capito le giovani e fragili democrazie europee all’indomani della stagione dei totalitarismi e delle guerre mondiali.

Adesso la domanda dovrebbe essere: questi tre obbiettivi, valgono ancora? Abbiamo voglia di chiederci, con tutta l’onestà possibile, se sono ancora obbiettivi attuali? Io ne ho voglia. E darei questa risposta: probabilmente sono ancora giusti, legittimi, ma andrebbero ricollocati nel paesaggio che ci circonda. Vanno aggiornati alla luce di ciò che è successo da quando li abbiamo concepiti. Provo a spiegare.

Prendiamo il primo obbiettivo: estendere il privilegio della cultura, rendere accessibili i luoghi dell’intelligenza e del sapere. Ora, ecco una cosa che è successa negli ultimi quindici anni nell’ambito dei consumi culturali: una reale esplosione dei confini, un’estensione dei privilegi, e un generale incremento dell’accessibilità. L’espressione che meglio ha registrato questa rivoluzione è americana: the age of mass intelligence, l’epoca dell’intelligenza di massa.

Oggi non avrebbe più senso pensare alla cultura come al privilegio circoscritto di un’élite abbiente: è diventata un campo aperto in cui fanno massicce scorribande fasce sociali che da sempre erano state tenute fuori dalla porta. Quel che è importante è capire perché questo è successo. Grazie al paziente lavoro dei soldi pubblici? No, o almeno molto di rado, e sempre a traino di altre cose già successe. La cassaforte dei privilegi culturali è stata scassinata da una serie di cause incrociate: Internet, globalizzazione, nuove tecnologie, maggior ricchezza collettiva, aumento del tempo libero, aggressività delle imprese private in cerca di un’espansione dei mercati. Tutte cose accadute nel campo aperto del mercato, senza alcuna protezione specifica di carattere pubblico.
Basta soldi pubblici al teatro meglio puntare su scuola e tv

Se andiamo a vedere i settori in cui lo spalancamento è stato più clamoroso, vengono in mente i libri, la musica leggera, la produzione audiovisiva: sono ambiti in cui il denaro pubblico è quasi assente. Al contrario, dove l’intervento pubblico è massiccio, l’esplosione appare molto più contratta, lenta, se non assente: pensate all’opera lirica, alla musica classica, al teatro: se non sono stagnanti, poco ci manca. Non è il caso di fare deduzioni troppo meccaniche, ma l’indizio è chiaro: se si tratta di eliminare barriere e smantellare privilegi, nel 2009, è meglio lasciar fare al mercato e non disturbare. Questo non significa dimenticare che la battaglia contro il privilegio culturale è ancora lontana dall’essere vinta: sappiamo bene che esistono ancora grandi caselle del Paese in cui il consumo culturale è al lumicino. Ma i confini si sono spostati. Chi oggi non accede alla vita culturale abita spazi bianchi della società che sono raggiungibili attraverso due soli canali: scuola e televisione. Quando si parla di fondi pubblici per la cultura, non si parla di scuola e di televisione. Sono soldi che spendiamo altrove. Apparentemente dove non servono più. Se una lotta contro l’emarginazione culturale è sacrosanta, noi la stiamo combattendo su un campo in cui la battaglia è già finita.

Secondo obbiettivo: la difesa di gesti e repertori preziosi che, per gli alti costi o il relativo appeal, non reggerebbero all’impatto con una spietata logica di mercato. Per capirci: salvare le regie teatrali da milioni di euro, La figlia del reggimento di Donizetti, il corpo di ballo della Scala, la musica di Stockhausen, i convegni sulla poesia dialettale, e così via. Qui la faccenda è delicata. Il principio, in sé, è condivisibile. Ma, nel tempo, l’ingenuità che gli è sottesa ha raggiunto livelli di evidenza quasi offensivi.

Il punto è: solo col candore e l’ottimismo degli anni Sessanta si poteva davvero credere che la politica, l’intelligenza e il sapere della politica, potessero decretare cos’era da salvare e cosa no. Se uno pensa alla filiera di intelligenze e saperi che porta dal ministro competente giù fino al singolo direttore artistico, passando per i vari assessori, siamo proprio sicuri di avere davanti agli occhi una rete di impressionante lucidità intellettuale, capace di capire, meglio di altri, lo spirito del tempo e le dinamiche dell’intelligenza collettiva? Con tutto il rispetto, la risposta è no. Potrebbero fare di meglio i privati, il mercato? Probabilmente no, ma sono convinto che non avrebbero neanche potuto fare di peggio.

Mi resta la certezza che l’accanimento terapeutico su spettacoli agonizzanti, e ancor di più la posizione monopolistica in cui il denaro pubblico si mette per difenderli, abbiano creato guasti imprevisti di cui bisognerebbe ormai prendere atto. Non riesco a non pensare, ad esempio, che l’insistita difesa della musica contemporanea abbia generato una situazione artificiale da cui pubblico e compositori, in Italia, non si sono più rimessi: chi scrive musica non sa più esattamente cosa sta facendo e per chi, e il pubblico è in confusione, tanto da non capire neanche più Allevi da che parte sta (io lo so, ma col cavolo che ve lo dico).

Oppure: vogliamo parlare dell’appassionata difesa del teatro di regia, diventato praticamente l’unico teatro riconosciuto in Italia? Adesso possiamo dire con tranquillità che ci ha regalato tanti indimenticabili spettacoli, ma anche che ha decimato le file dei drammaturghi e complicato la vita degli attori: il risultato è che nel nostro paese non esiste quasi più quel fare rotondo e naturale che mettendo semplicemente in linea uno che scrive, uno che recita, uno che mette in scena e uno che ha soldi da investire, produce il teatro come lo conoscono i paesi anglosassoni: un gesto naturale, che si incrocia facilmente con letteratura e cinema, e che entra nella normale quotidianità della gente.

Come vedete, i principi sarebbero anche buoni, ma gli effetti collaterali sono incontrollati. Aggiungo che la vera rovina si è raggiunta quando la difesa di qualcosa ha portato a una posizione monopolistica. Quando un mecenate, non importa se pubblico o privato, è l’unico soggetto operativo in un determinato mercato, e in più non è costretto a fare di conto, mettendo in preventivo di perdere denaro, l’effetto che genera intorno è la desertificazione. Opera, teatro, musica classica, festival culturali, premi, formazione professionale: tutti ambiti che il denaro pubblico presidia più o meno integralmente. Margini di manovra per i privati: minimi. Siamo sicuri che è quello che vogliamo? Siamo sicuri che sia questo il sistema giusto per non farci derubare dell’eredità culturale che abbiamo ricevuto e che vogliamo passare ai nostri figli?

Terzo obbiettivo: nella crescita culturale dei cittadini le democrazie fondano la loro stabilità. Giusto. Ma ho un esempietto che può far riflettere, fatalmente riservato agli elettori di centrosinistra. Berlusconi. Circola la convinzione che quell’uomo, con tre televisioni, più altre tre a traino o episodicamente controllate, abbia dissestato la caratura morale e la statura culturale di questo Paese dalle fondamenta: col risultato di generare, quasi come un effetto meccanico, una certa inadeguatezza collettiva alle regole impegnative della democrazia. Nel modo più chiaro e sintetico ho visto enunciata questa idea da Nanni Moretti, nel suo lavoro e nelle sue parole. Non è una posizione che mi convince (a me Berlusconi sembra più una conseguenza che una causa) ma so che è largamente condivisa, e quindi la possiamo prendere per buona. E chiederci: come mai la grandiosa diga culturale che avevamo immaginato di issare con i soldi dei contribuenti (cioè i nostri) ha ceduto per così poco?

Bastava mettere su tre canali televisivi per aggirare la grandiosa cerchia di mura a cui avevamo lavorato? Evidentemente sì. E i torrioni che abbiamo difeso, i concerti di lieder, le raffinate messe in scena di Cechov, la Figlia del reggimento, le mostre sull’arte toscana del quattrocento, i musei di arte contemporanea, le fiere del libro? Dov’erano, quando servivano? Possibile che non abbiano visto passare il Grande Fratello? Sì, possibile. E allora siamo costretti a dedurre che la battaglia era giusta, ma la linea di difesa sbagliata. O friabile. O marcia. O corrotta. Ma più probabilmente: l’avevamo solo alzata nel luogo sbagliato.

Riassunto. L’idea di avvitare viti nel legno per rendere il tavolo più robusto è buona: ma il fatto è che avvitiamo a martellate, o con forbicine da unghie. Avvitiamo col pelapatate. Fra un po’ avviteremo con le dita, quando finiranno i soldi.

Cosa fare, allora? Tenere saldi gli obbiettivi e cambiare strategia, è ovvio. A me sembrerebbe logico, ad esempio, fare due, semplici mosse, che qui sintetizzo, per l’ulcera di tanti.

1. Spostate quei soldi, per favore, nella scuola e nella televisione. Il Paese reale è lì, ed è lì la battaglia che dovremmo combattere con quei soldi. Perché mai lasciamo scappare mandrie intere dal recinto, senza battere ciglio, per poi dannarci a inseguire i fuggitivi, uno ad uno, tempo dopo, a colpi di teatri, musei, festival, fiere e eventi, dissanguandoci in un lavoro assurdo? Che senso ha salvare l’Opera e produrre studenti che ne sanno più di chimica che di Verdi? Cosa vuol dire pagare stagioni di concerti per un Paese in cui non si studia la storia della musica neanche quando si studia il romanticismo? Perché fare tanto i fighetti programmando teatro sublime, quando in televisione già trasmettere Benigni pare un atto di eroismo? Con che faccia sovvenzionare festival di storia, medicina, filosofia, etnomusicologia, quando il sapere, in televisione – dove sarebbe per tutti – esisterà solo fino a quando gli Angela faranno figli? Chiudete i Teatri Stabili e aprite un teatro in ogni scuola. Azzerate i convegni e pensate a costruire una nuova generazione di insegnanti preparati e ben pagati. Liberatevi delle Fondazioni e delle Case che promuovono la lettura, e mettete una trasmissione decente sui libri in prima serata. Abbandonate i cartelloni di musica da camera e con i soldi risparmiati permettiamoci una sera alla settimana di tivù che se ne frega dell’Auditel.

Lo dico in un altro modo: smettetela di pensare che sia un obbiettivo del denaro pubblico produrre un’offerta di spettacoli, eventi, festival: non lo è più. Il mercato sarebbe oggi abbastanza maturo e dinamico da fare tranquillamente da solo. Quei soldi servono a una cosa fondamentale, una cosa che il mercato non sa e non vuole fare: formare un pubblico consapevole, colto, moderno. E farlo là dove il pubblico è ancora tutto, senza discriminazioni di ceto e di biografia personale: a scuola, innanzitutto, e poi davanti alla televisione.
La funzione pubblica deve tornare alla sua vocazione originaria: alfabetizzare. C’è da realizzare una seconda alfabetizzazione del paese, che metta in grado tutti di leggere e scrivere il moderno. Solo questo può generare uguaglianza e trasmettere valori morali e intellettuali. Tutto il resto, è un falso scopo.

2. Lasciare che negli enormi spazi aperti creati da questa sorta di ritirata strategica si vadano a piazzare i privati. Questo è un punto delicato, perché passa attraverso la distruzione di un tabù: la cultura come business. Uno ha in mente subito il cattivo che arriva e distrugge tutto. Ma, ad esempio, la cosa non ci fa paura nel mondo dei libri o dell’informazione: avete mai sentito la mancanza di una casa editrice o di un quotidiano statale, o regionale, o comunale? Per restare ai libri: vi sembrano banditi Mondadori, Feltrinelli, Rizzoli, Adelphi, per non parlare dei piccoli e medi editori? Vi sembrano pirati i librai? È gente che fa cultura e fa business. Il mondo dei libri è quello che ci consegnano loro. Non sarà un paradiso, ma l’inferno è un’altra cosa. E allora perché il teatro no? Provate a immaginare che nella vostra città ci siano quattro cartelloni teatrali, fatti da Mondadori, De Agostini, Benetton e vostro cugino. È davvero così terrorizzante? Sentireste la lancinante mancanza di un Teatro Stabile finanziato dai vostri soldi?

Quel che bisognerebbe fare è creare i presupposti per una vera impresa privata nell’ambito della cultura. Crederci e, col denaro pubblico, dare una mano, senza moralismi fuori luogo. Se si hanno timori sulla qualità del prodotto finale o sull’accessibilità economica dei servizi, intervenire a supportare nel modo più spudorato. Lo dico in modo brutale: abituiamoci a dare i nostri soldi a qualcuno che li userà per produrre cultura e profitti. Basta con l’ipocrisia delle associazioni o delle fondazioni, che non possono produrre utili: come se non fossero utili gli stipendi, e i favori, e le regalie, e l’autopromozione personale, e i piccoli poteri derivati. Abituiamoci ad accettare imprese vere e proprie che producono cultura e profitti economici, e usiamo le risorse pubbliche per metterle in condizione di tenere prezzi bassi e di generare qualità. Dimentichiamoci di fargli pagare tasse, apriamogli l’accesso al patrimonio immobiliare delle città, alleggeriamo il prezzo del lavoro, costringiamo le banche a politiche di prestito veloci e superagevolate.

Il mondo della cultura e dello spettacolo, nel nostro Paese, è tenuto in piedi ogni giorno da migliaia di persone, a tutti i livelli, che fanno quel lavoro con passione e capacità: diamogli la possibilità di lavorare in un campo aperto, sintonizzato coi consumi reali, alleggerito dalle pastoie politiche, e rivitalizzato da un vero confronto col mercato. Sono grandi ormai, chiudiamo questo asilo infantile. Sembra un problema tecnico, ma è invece soprattutto una rivoluzione mentale. I freni sono ideologici, non pratici. Sembra un’utopia, ma l’utopia è nella nostra testa: non c’è posto in cui sia più facile farla diventare realtà.

(24 febbraio 2009)

Los ciudadanos de Barcelona se vuelcan masivamente en los actos en los que no hay que pagar o que tienen el precio de entrada muy reducido

El fenómeno es digno de ser estudiado. Aunque el precio no sea estratosférico, lo cierto es que hay mucha gente que prefiere hacer más de una hora de cola antes que pagar por ver una exposición.Volvió a confirmarlo el viernes la noche de puertas abiertas celebrada en el Museo Nacional de Arte de Cataluña (MNAC) para festejar su cuarto aniversario. Fueron 2.205 los visitantes, frente a los 854 registrados durante el día, cuando se cobraba entrada. Otra prueba. El domingo 18 de noviembre la Fundación Godia inauguró sede y ofreció una jornada de puertas abiertas. Hubo 2.500 personas y la mayoría tuvieron que soportar una larga cola a la intemperie. El sábado y el domingo siguientes, ya de pago (seis euros), sólo 600 personas se acercaron a conocer el nuevo centro. “El fin de semana de apertura, muchas personas que acudieron el sábado al enterarse de que al día siguiente era grautito se fueron y prefirieron volver al día siguiente, pese a que algunos tenían derecho a entrada reducida”, comenta una empleada de la fundación. En el MNAC cada primer domingo de mes es gratuito y la diferencia casi es de cuatro a uno. “El récord se alcanzó con la exposición dedicada al románico del pasado año: el domingo gratuito hubo 5.500 visitas, y el de pago, 1.500″, explica el administrador del museo, Joan Linares.

Según la gerente del Instituto de Cultura de Barcelona, Marta Clari, es una visión que cada vez gana más adeptos. “Algunos expertos defienden todavía que si a la cultura no se le pone precio, el usuario no reconoce su valor, pero es un argumento que se oía hace un tiempo que ahora es minoritario”, explica. “En la actualidad nadie discute el valor de la cultura y el precio de la entrada no es lo que la hace socialmente importante”. Para Clari, la tendencia actual en el Ayuntamiento de Barcelona es incrementar esta línea y, si no hacerlo totalmente gratuito, sí ir ofreciendo cada vez más ofertas y precios reducidos a mayores capas de ciudadanos.

“Las actividades gratuitas pretenden atraer también a nuevos públicos”, indica. ¿Se consigue? “En la pasada Nit dels Museus hicimos una encuesta para saber qué tipo de visitantes acudía. El 50% reconocía que no iba nunca a un museo o que lo hacía muy pocas veces. Por lo tanto, una actividad como ésta les descubre instalaciones que desconocían”. Falta por saber es si este tipo de propuestas consiguen finalmente fidelizar al público. “Tenemos que hacer estudios, pero es necesario esperar a que las experiencias se asienten. Creo que sí consiguen ganar público para la cultura: el crecimiento de inscritos en las bibliotecas me lo hace pensar”.

El Centro de Cultura Contemporànea de Barcelona (CCCB) y Caixafòrum son dos de los lugares que atraen a mayor público en busca de propuestas de calidad y gratuitas. El pasado fin de semana, el CCCB acogía La Marató del Dia dels Festivals de Cinema, una selección de 24 películas de diferentes festivales catalanes por sólo dos euros la jornada. Pasaron más de 400 personas por la sala y en algunas sesiones el auditorio estaba repleto, de manera que los nuevos espectadores tenían que esperar en la puerta a que se fuera desalojando la sala.

En opinión de Juan Insúa, responsable de actividades del CCCB, el tema de la gratuidad es más complejo y “delicado” de lo que parece. “Soy partidario de la gratuidad siempre que sea posible, sobre todo en los centros públicos, que cumplen así parte de su función social. No obstante, ciertas propuestas, como festivales o iniciativas musicales y de teatro emergente, tienen un determinado coste. Eso obliga a poner un precio mínimo, aunque sea simbólico”.

Para la mayoría de los que se acercaron estos días al maratón de cine en el centro, “la gratuidad no es un factor determinante a la hora de escoger una actividad, pero sí influye”, resumían Beatriu y Carlota . “No me importa pagar si la oferta es buena”, añadía Néstor, otro espectador. “Yo, en cambio, a conciertos pagando no voy”, explicaba Ana, quien considera que las entradas son muy caras y prefiere ver a sus grupos favoritos en locales o festivales que los ofrecen sin cobrar. El problema es que esa posibilidad no siempre existe. En dar con descuentos o actividades gratis hay auténticos especialistas. “El sábado vimos El burdell, en el Lliure, en la sesión de tarde; encontramos las entradas por Internet a cinco euros”, dice Ana.

Es curioso porque en artes escénicas, en general, sólo son gratuitos o a precio reducido los festiales de calle. Y no todos. Un ejemplo es el festival Escena Poblenou, dedicado a la comicidad y los nuevos lenguajes. Nació como una iniciativa gratuita y ahora la mitad de los espectáculos son de pago, aunque a un precio simbólico de tres euros. “Nos dimos cuenta de que cobrar una pequeña entrada era beneficioso para todos”, opina Ada Vilaró, una de sus directoras. “No se hizo por razones económicas, sino porque de este modo el público escoge mejor lo que quiere ver y se evita el tráfico de espectadores una vez iniciada la función”. Vilaró opina que la cultura no debe ser de acceso libre porque los espectadores valoran más un producto de pago, pero está convencida de que la democratización va ligada a los precios reducidos.

Información elaborada con datos de Israel Punzano, Roberta Bosco, Belén Ginart, Fermín Robles y José Ángel Montañés.

Que tiemblen iglesias y exposiciones: cuando el cliente decide, crece la inversión en obra social – La experiencia de la Caja de Ahorros de Navarra pone en evidencia el divorcio de prioridades.

Sorpresa en el mundo de la banca. Y de la democracia. La decisión de la Caja de Ahorros de Navarra de dar a sus clientes voz y voto para elegir los proyectos en los que invertir ha dado un vuelco a las previsiones: no quieren tanta cultura, sino solidaridad. El divorcio entre dirigentes y opinión pública ha trastocado las cuentas de cientos de proyectos y ha puesto sobre la mesa el debate sobre las prioridades sociales.

En 2006, antes de que las hipotecas basura y los activos tóxicos hundieran la Bolsa de Wall Street, Jacques Attali, presidente de PlaNet Finance -la mayor organización mundial de microcréditos-, predijo la pérdida de confianza en las entidades bancarias. “Los bancos producen seguros, mercados de valores y todo este tipo de cosas que no son recursos muy útiles para gente que necesita agua potable. Si no se aproximan a esta nueva dimensión, van a tener problemas en el futuro”, afirmó en EL PAÍS.

Y el futuro ha llegado cargado de recelos. Cada vez más gente se plantea qué hacen los bancos con su dinero. Por eso las entidades se centran hoy en vender la obra social de sus fundaciones y los minoritarios bancos éticos -que sólo prestan e invierten el dinero en iniciativas sociales, medioambientales y culturales- están de enhorabuena.

“La gente quiere saber si su dinero va en la misma dirección que sus ideales y valores”, señala Esteban Barroso, director general de Triodos Bank, un banco ético que se estableció hace dos años en España. “En Europa crecemos un 20% anual y en España entre un 40% y un 50%. Tenemos ya 13.000 clientes”.

Caja de Ahorros de Navarra (CAN) ha decidido que sean sus 650.000 clientes quienes dispongan a qué obras sociales se destinan 50,4 millones de euros -el 30% de sus beneficios-. Y se han dado cuenta de que durante décadas la reinversión en la sociedad no ha coincidido con lo que ésta quería. En manos de los usuarios, el 28% de los fondos que iba a cultura se han convertido en un pírrico 5%, y el 35% de ocio, bienestar y deportes se ha quedado en un 15%. Mientras, medio ambiente ha aumentado su partida del 5% al 10% o la discapacidad -la más favorecida con el sistema de votación- del 11% del 34%.

“Este sesgo social y cultural tiene que ver con la mala conciencia. Es una forma de ganarse el cielo. La cúpula de Barceló es algo inútil frente a los geriátricos que tanto necesitamos”, opina Enrique Gil Calvo, profesor de Sociología en la Universidad Complutense. “Igual que se entiende que los ricos paguen más, es una forma de redistribución de la renta a favor de los más desfavorecidos. Esta estrategia de las cajas recuerda al reparto de presupuestos de Portoalegre”. En la ciudad brasileña los vecinos apoyan con su voto el gasto en alcantarillado, pavimentación y educación.

En Mutilva Baja, una localidad aledaña a Pamplona de 3.700 habitantes, buscan el apoyo económico de los clientes de la CAN el cura, que quiere reparar la iglesia; un grupo de vecinos que quiere más investigación de daños cerebrales o Joaquín Sevilla, cuya ONG necesita fondos para una nueva vacuna contra el cáncer de cuello uterino. Del sistema se han beneficiado en 2008 más de 3.600 proyectos de toda España. La caja lo inunda todo. Florián, a sus 80 años, tiene “tres trabajos” -en un comedor social, el Banco de Alimentos y un taller solidario de reparaciones-, y en todos está la CAN. “La gente piensa que la cultura es un deber de las administraciones públicas y priorizan las iniciativas sociales”, sostiene Ignasi Carreras, ex director de Intermón Oxfam y director del Instituto de Innovación de Esade.

A José Etayo, presidente de la Asociación de Esclerosis Múltiple de Navarra (Ademna), no le extraña que el dinero que reciben de la CAN se haya multiplicado por cinco desde que los inversores decide dónde va su dinero. “La gente con esta patología cada vez se esconde menos y los medios de comunicación han ayudado a que se conozca”. Para el próximo año se han propuesto también mejorar la vida de los enfermos de zonas rurales y para ello necesitan 100.000 euros suplementarios.

Las conclusiones del muestreo de la CAN -implantada en el noreste de España, Madrid y Valencia- probablemente se repetirían en el resto del país. Caixa Tarragona permite a los clientes elegir a qué dedicar el 20% de su obra social -se presentan unos 700 proyectos- y las líneas de trabajo son muy parecidas a las navarras: tan sólo un 26% de la parte consensuada por los clientes se reparte entre cultura y ocio. “El año que viene dejaremos en sus manos cerca del 30%, porque cada vez se presentan más programas y queremos dotarlos. Lo que constatamos es que en 2009 se van a presentar más proyectos de contenido social”, explica Xavier Bas, su director de obra social.

“Existe una especie de despotismo ilustrado. Demos al pueblo lo que necesita pero sin saber qué es. Hay una falta de modernidad, con un estudio demoscópico lo sabrían”, dice José Juan Toharia presidente de Metroscopia. “Hicimos una vez un estudio que demostraba que la gente no sabía que su caja hacía obra social. Con la mejor de las intenciones se da el dinero a quien presenta un proyecto viable, sin hacer luego un seguimiento de éste. Les vale, por ejemplo, con que mucha gente visite la exposición”.

Este trasvase del ocio a la obra social acaba de ponerse de manifiesto en Jun (Granada), donde los vecinos han decidido de forma casi unánime que se destine unos 5.000 euros a la contratación de varios desempleados del municipio, aunque suponga renunciar al alumbrado navideño.

“Lo que hacen estas dos cajas con su obra social es un paso interesante, pero habría que pedirles que tuviesen en cuenta a quién prestan el dinero. Generan dividendos sin preocuparse de los criterios sociales”, afirma Jordi Marí, director general de Financiación Ética y Solidaria (Fest), una asociación compuesta por ONG, cooperativas y sindicatos. “Lo más coherente es la opción de la banca ética, que es muy minoritaria. Además, en los bancos y cajas se dan contradicciones. Puede que inviertan en una empresa que contamina en un valle y, a su vez, den dinero a los ecologistas que se manifiestan en su contra”.

“Nosotros pensamos que el ahorro es un instrumento de transformación social”, opina Emilio Viñuelas, de Banca Ética de Badajoz. En 2001 una red de voluntarios que trabajaba con inmigrantes sin papeles en esa provincia consideró la necesidad de crear una entidad que prestase dinero a esos indocumentados.

Desde entonces cuentan con pequeños ahorros de 50 personas -”el interés que consiguen es 0, pero tiene un gran valor social”- y los prestan para pagar un billete de avión o una operación en el país de origen. “Ahora se interesa por nuestro proyecto más gente, pero también tiene menos dinero ahorrado”, cuenta Viñuelas.

“Las entidades con peso en la sociedad civil han hecho de las obras sociales su bandera de comunicación, aunque no se les exige. Y el caso de la CAN, posicionarse con la banca cercana, es una altísima herramienta de marketing y sus resultados son buenos”, prosigue Carreras. En la entidad, claro, reconocen que con el boca a boca para sostener los proyectos confían en que se abran nuevas cuentas. Promover el “proselitismo económico”. Cuando en 2000 se fusionaron Caja Navarra y Caja Pamplona se plantearon cómo competir en un sistema bancario de 45 cajas muy complejo. Y, tras encargar un estudio, constataron que la sociedad no sentía como suyas las obras sociales sufragadas con sus ahorros porque desconocía su finalidad. Hoy casi toda su clientela se implica en el reparto. Pero tomar la decisión de democratizar el uso del dinero no era fácil para la caja de ahorros. Implicaba que “los órganos de gobierno de la CAN renunciasen al poder de control y hacer tabla rasa con las obras sociales históricas, lo que luego ha supuesto que baje la actividad en las salas de exposiciones”, recuerda Guillermo Catalán, director de comunicación de la CAN. Las goteras de la iglesia de El Salvador, de Pamplona, tendrán que esperar -sólo han conseguido el 8% de lo presupuestado-, mientras que el Orfeón y la Coral de Cámara de esta ciudad se tienen que conformar con un 25% de lo solicitado.

Además, la transparencia nunca ha gustado mucho al sistema financiero. Y no hay que ser muy avezado para calcular cuánto gana la entidad contigo, si ésta te indica el dinero con el que cuentas para distribuir en proyectos. De nuevo una sorpresa para la CAN. Encuestaron a 10.000 personas y lejos de escandalizarse, casi todas opinaban que esta información inusual resultaba positiva. Es más, la red de voluntarios que acompañan los proyectos de la CAN no deja de crecer. Van por casi 10.000.

“Los bancos tradicionales nunca han sido transparentes, ni lo van a ser. Es el ansia de ganar más de los bancos y de los consumidores lo que les hace mirar a otra parte. Ante estas deficiencias nacen las iniciativas de ahorro ético, préstamos solidarios, para dar respuesta a una ciudadanía, cada vez más justa y responsable”, razona Laura Rodríguez, de Ideas (Iniciativas de Economía Alternativa y Solidaria).

La mezcolanza es insólita. Hay asociaciones que solicitan a la CAN 1.300 euros para café y bollos para los bailes de la tercera edad, algo más para la conservación de la cigüeña negra en Tarifa o miles de euros para ambiciosas investigaciones de sida o con niños prematuros en el hospital Gregorio Marañón de Madrid.

Carreras, de Esade, remarca que esta atomización va en contra de la tendencia general de las empresas de concentrar el capital solidario en menos proyectos pero con mayor financiación. “Un comité de expertos debería hacer una preselección de proyectos de calidad contrastada y teniendo en cuenta el contexto social, y que luego que los clientes eligiesen”, aconseja el directivo.

La CAN no veta ninguna candidatura, pero supervisa que el dinero sea bien gestionado y ha organizado más de 500 “rendiciones de cuentas”, eventos en los que se explica a los clientes dónde va a parar su capital. El físico Joaquín Sevilla, de la Asociación de Investigación Solidaria El Sadar, pensó que nadie acudiría al encuentro en el que tenía que contar cómo se van a gastar los 800.000 euros que su ONG envió este año a la Fundación Instituto de Inmunología de Colombia (Fidic). “A la charla acudieron 25 personas muy interesadas en saber todos los detalles, con una exigencia moral que me parece muy buena. La gente no piensa igual que los expertos. No tienen las mismas connotaciones las personas y las piedras. Pero, claro, ¿ahora quién va a restaurar el puente romano?”, se pregunta Sevilla.

De las arcas de la caja provienen más de la mitad del presupuesto del Fidic, en el que 100 investigadores dirigidos por Manuel Elkin Patarroyo -descubridor de una polémica vacuna contra la malaria- buscan una vacuna contra el cáncer de cuello uterino más barata que la actual, inaccesible para el Tercer Mundo. Por eso Sevilla, preocupado, pide que los clientes sigan apoyándoles. Para el año 2010 empiezan de cero y anima a visitar su web: ww.investigacionsolidariasadar.org/. Además, Sadar diseña aplicaciones tecnológicas que favorecen la inserción laboral de los discapacitados intelectuales navarros. “Como nos va bien, cada vez más compañeros se animan a presentar un proyecto”.

Y ante la temida crisis hay opiniones divergentes sobre la actuación social de las grandes empresas. “No se van a ver disminuidas en momentos de menor bonanza económica, porque se plantean desde objetivos de negocio y de resultados en la sociedad, no desde un área marginal dedicada sólo a gestionar un presupuesto de donaciones”, sostiene Francisco Abad Jiménez, director de la Fundación Empresa y Sociedad. Es más, confía en que la coyuntura anime a “debates como el del papel de las empresas ante la inmigración, la educación, la dependencia o el envejecimiento próximo y su efecto en el sistema de pensiones, el gasto sanitario o la atención a los mayores”.

Carreras, de Esade, opina en cambio que los presupuestos de acción social se van a reducir, “sobre todo en las cajas que dedican a ésta entre un 10% y un 30% de sus beneficios que van a ser peores”. Aunque con mejores ojos ve el comportamiento de las grandes empresas del Ibex 35, que dedican un 1% de sus beneficios a patrocinio. “Serán sensibles a las necesidades sin cubrir que afectarán cada vez a más personas”. Quizá por fin sigan los consejos de Jacques Attali.

NEW YORK— When Palestinian artist Emily Jacir accepted the 2008 Hugo Boss Prize last week, the champagne-sipping crowd at the Guggenheim Museum radiated all the glitter expected at a confluence of the fashion and art worlds. But that glitter, given the present economic state, also gave the event the indulgent feel of a relic from a bygone gilded age.

While partnerships between fashion brands and the arts are part of a longstanding, mutually beneficial game of glamour marketing, it’s not clear that such a strategy would still be effective in today’s economy. But that would depend on the brand’s goals. While companies from Louis Vuitton to Gap use art-world collaborations to create and move merchandise, an approach that is prey to fluctuations in consumer spending, Hugo Boss’s strategy — to create long-term associations with art and arts institutions in buyers’ minds — is less susceptible to tough times.

For Hugo Boss, involvement in the arts is based on a somewhat traditional model. “Our arts sponsorship emotionalizes the brand,” said Hjördis Kettenbach, Hugo Boss’s head of corporate communications and arts sponsorship.

Since 1996, the German fashion label has partnered with the Guggenheim Foundation to award the biannual Hugo Boss Prize, which recognizes a mid-career contemporary artist with a $100,000 award and a solo show in the New York museum. Hugo Boss is also a major supporter of other exhibits at the Guggenheim — including, coincidentally, the museum’s current exhibit “theanyspacewhatever.”

But for all of Boss’s sponsorship efforts, equally significant is what it doesn’t do: cross-promote its own products through the arts. There will be no Hugo Boss scarves with prints designed by Emily Jacir, nor T-shirts with the artwork of Jacir and her fellow nominees. The reason for that is based on a firm belief in boundaries. “This is the art world, and what we do is fashion,” Kettenbach said. “If you mix it too much, it gets too commercial. We don’t want to lose our good reputation with the art world.”

Of course, commercial tie-ins have certainly worked for Louis Vuitton, which boasts an enthusiastic dialogue between artists and fashion design. In 2003, Takashi Murakami created a wildly popular series of handbags for the brand; last year, as part of the artist’s retrospective at the Museum of Contemporary Art in Los Angeles and the Brooklyn Museum of Art, Vuitton sponsored a shop containing Murakami’s designs that was controversially located within the exhibition itself.

Richard Prince, too, was invited by Louis Vuitton artistic director Marc Jacobs to design a series of handbags for the spring 2008 collection; at the runway show, the bags were presented on models dressed to look like the subjects of Prince’s “Nurse” paintings. In January, the company hosted a party to celebrate the bags at the Guggenheim, which was hosting a survey of Prince’s work at the time; the bags were available for pre-order at the event.

On the mass-market end of the fashion spectrum, Gap entered the fine-art mix earlier this year with T-shirts designed by artists included in the 2008 Whitney Biennial. And on the occasion of this year’s presidential election, the brand invited artists including Kara Walker and John Waters to design “Vote” buttons that sold for $5 each.

But Hugo Boss is having none of it: no sales, no crossover merchandising, no discernible spike in receipts at its Manhattan stores after the award ceremony at the Guggenheim, according to Kettenbach. “This is not our aim,” she said. “It’s more for the image and the brand.”

That image is meant to attract a shopper who has an interest in luxury, clothing, art — and most important, in aesthetic values. Someone who cares equally about what’s on the body, the table, and the walls, but doesn’t need to shout about it. The Vuitton customer, on the other hand, is more interested in communicating to the world that she knows the work of Prince and Murakami — she wants it on the wall and on her shoulder, too.

That said, Vuitton covers all its bases by directly supporting emerging artists as well. Its discrete gallery space — located above its flagship store in Paris, accessible by an elevator designed by Olafur Eliasson — hosts shows bearing only a loose connection to the brand — or none at all. Hermès and Ferragamo present art in their own spaces, too. But the luxury brand that goes the furthest, perhaps, is Prada, which since 1993 has operated the contemporary art–focused Fondazione Prada in Milan, whose artistic director, Germano Celant, is also coincidentally a curator at the Guggenheim. Every year, the foundation exhibits two artists, but its activities are largely separate from what comes down the runway or is found in the stores. If anything, it is through the physical stores themselves that Prada links retail to the arts. The New York flagship by Rem Koolhaas — who also did work for the Fondazione in Milan — is in the building that once housed the Guggenheim SoHo.

Even if the future of retail collaborations between fashion and brand-name artists is less promising than in the recent past, the broader connection between the two fields is strong. Luxury brands have created the expectation that they will be associated with creative institutions or show the work of artists directly. And after 12 years of the Hugo Boss Prize, it is highly unlikely that a year of economic instability will shake the award. As Kettenbach said: “We put serious effort and budgets into this. To give it up because of one bad year would be stupid.”

La frase (“Primero es el pan, luego el chorizo”) de la consellera de Cultura valenciana, Trinidad Miró, justificando el recorte presupuestario para el IVAM, ha sido contestada por la galerista Petra Pérez, directora de la galería bilbaina Vanguardia, quien sugiere que “sería interesante plantearse primero quién es el pan y quién el chorizo”. Y añade: “Lo que parece que olvidan nuestras instituciones es que al final, con crisis o no crisis, lo único que queda es el patrimonio, y patrimonio son las adquisiciones. Y con esas adquisiciones y con inteligencia se pueden plantear exposiciones. Esas a las que se les saca rendimiento con la entrada, las visitas, el turismo cultural, al que se han apuntado últimamente todas las ciudades, ese patrimonio que se alquila a otras instituciones que no lo tienen”.

“Claro que hay que hacer sacrificios, de festejos y fiestones. Más cultura y menos folklore. Más prudencia y más astucia en las decisiones. Que el dinero que invertimos se quede en casa, en los que pagan nuestros impuestos, que son los que compran esas obras. Por ejemplo, nuestro famoso regalo (en alusión a la cúpula de Barceló). ¿No hay galería española que represente a Barceló? ¿Tenemos que enviar todo el dinero a Suiza?. Una buena política económica en tiempo de crisis -concluye la galerista en declaraciones a ARTEINFORMADO- puede ser barrer para casa cuando se puede. Así además de para pan, nos llegaría para el chorizo e igual hasta para el Jabugo”.

In a salesroom overflowing with collectors like the actor Steve Martin, the financier Eli Broad and the fashion designer Valentino, Sotheby’s barely managed to sell $125.1 million worth of contemporary art on Tuesday night, well below the low estimate of $202.4 million.

“It was a half-price sale,” said Mr. Broad, who went on his first shopping spree in several years. In less than 90 minutes, he dropped more than $8 million (including Sotheby’s fees) on works by Ed Ruscha, Jeff Koons, Robert Rauschenberg and Donald Judd.

Bidding was fairly sparse throughout the night — of the 63 lots offered, 20 failed to sell. But some art was coveted. The evening’s star was an Yves Klein wall relief from 1960 featuring the artist’s signature rich saturated blues. It was being sold by Magnus Lindholm, a Swedish collector, and was estimated at more than $25 million. It brought $19 million, or $21.3 million with fees: under the estimate, but still hefty.

(Final prices include the commission to Sotheby’s: 25 percent of the first $50,000, 20 percent of the next $50,000 to $1 million, and 12 percent of the rest. Estimates do not reflect commissions.)

“At the right level, the market exists,” said Tobias Meyer, the head of Sotheby’s contemporary art department worldwide and the evening’s auctioneer. “But the audience is smart and seasoned.” He said prices had rolled back to 2006 levels.

But when Mr. Meyer and Sotheby’s experts were putting together Tuesday night’s sale, it was summer and the world was a far richer place. So was Sotheby’s, which agreed to financial deals that might have seemed sensible months ago but made for what must have been an expensive evening for the house.

Philip Guston’s “Beggar’s Joys,” for instance, went on the block with a big guarantee, an undisclosed sum promised the seller, in this case Donald L. Bryant Jr., a New York collector.

Mr. Bryant, watching the auction in a skybox above the salesroom, looked intent when his work came up for sale. Executed in 1954-55, the abstract canvas of lush reds and pinks attracted only one bidder, Mary Zlot, a San Francisco art adviser. Prices have soared since 1996, when Mr. Bryant paid a record $1.7 million for the work at Christie’s in New York. Sotheby’s experts estimated it would bring around $15 million. So confident were they that it is said they gave Mr. Bryant a guarantee of around $18 million. In the end, Ms. Zlot paid $9 million, or $10.1 million with fees.

Another big-ticket item, and the cover image of the sale’s catalog, was “Half Face With Collar,” a comic-strip painting from 1963 by Roy Lichtenstein, but it was one of the evening’s many casualties. Gian Enzo Sperone, an Italian dealer, was the seller. Estimated at $15 million to $20 million, it had no takers. Sotheby’s is thought to have guaranteed it for about $15 million.

Mr. Sperone wasn’t the only dealer selling work that Sotheby’s had guaranteed. Anthony d’Offay, a London dealer, was parting with several items, like Cy Twombly’s “Untitled (A Painting in Two Parts) (Bassano in Teverina),” a 1986 abstract Roman landscape that was estimated at $4 million to $6 million. Two bidders went for the painting, which sold to the same telephone bidder who bought the Klein. The price was $4.2 million, or $4.7 million including Sotheby’s fees. Mr. d’Offay was also selling Jeff Koons’s “Wishing Well,” a mirror with an elaborate gilded wood frame. It was one of the more popular works, with four bidders wanting to take it home. Mr. Broad succeeded in outbidding them, paying $2.1 million, under its $2.5 million low estimate.

It was obvious throughout the evening that Sotheby’s had worked hard to persuade sellers to lower their expectations. Many works sold, therefore, but for well below their estimates. A 1991 painting by Lichtenstein, “Interior With Red Wall,” brought only $6.2 million, or $7 million with commission, from a lone telephone bidder. It had an estimate of $8 million to $10 million. Tom Wesselmann’s “Great American Nude #21,” a 1961 Pop collage, seemed like a bargain when it sold to a telephone bidder for $3.6 million, or $4.1 million with fees. It had been priced at $6 million to $8 million.

Last season, the market could not get enough of Richard Prince’s nurse paintings. (One at Sotheby’s in London this summer fetched $8.4 million, a record for the artist at auction.) Several more are at auction this week. On Tuesday night, “Everglade Nurse,” a 2003 image in which the nurse’s seductive eyes stare from the canvas, was estimated at $4 million to $6 million. A telephone bidder was able to snag it for a mere $3 million, or 3.4 million with fees.

There was no bargain to be had when it came to a painting by John Currin. Dean Valentine, a Los Angeles collector, was selling “Nice ’n’ Easy,” a 1999 painting of two Renaissance-inspired nude women that Sotheby’s had priced at $3.5 million to $4.5 million. Three people bid, and it sold for a record price of $5.4 million.

Two minor works by Damien Hirst, both made last year, were up for sale. After his landslide auction in London in September, observers wondered whether the Hirst appetite would subside. “Ethionamide,” a dot painting, went without a bid. Its estimate of $1 million to $1.5 million seemed expensive. But “Midas of Phrygia,” a round, gold canvas dotted with butterflies, brought $700,000, or $1 million with Sotheby’s commission, from an unidentified buyer, well below its $1.2 million to $1.5 million estimate.

Buyers were clearly careful about parting with their cash, wondering if better bargains were around the corner. “I don’t think we’ve reached the bottom yet,” Mr. Broad said as he was leaving Sotheby’s after the sale. “We may be close.”

This article has been revised to reflect the following correction:

Correction: November 13, 2008

An article in some copies on Wednesday about an auction of contemporary art at Sotheby’s in New York misstated the month of a major auction of art by Damien Hirst, who had two works for sale at Sotheby’s. It was in London in September, not in June.

Closures, layoffs and downsizing are the order of the day as the downturn affects orchestras, museums and theater companies.

When it comes to his future arts giving in today’s economy, even Eli Broad, perhaps Los Angeles’ most generous arts supporter, is looking at the bottom line.

“The value of the Broad Foundation is down 18%,” says Broad, who can count among his latest contributions $56 million for the Los Angeles County Museum of Art’s Broad Contemporary Art Museum, $10 million to the new Broad Stage at Santa Monica College and $6 million for Los Angeles Opera’s coming production of Wagner’s epic “Ring” cycle.

“Let me say this: It can’t be business as usual for the next several years.”

FOR THE RECORD:

Economy and the arts: A article in Friday’s Section A about economic problems in the arts said that an exhibition of Dan Graham’s work scheduled to appear early next year at the Museum of Contemporary Art’s Geffen Contemporary had been moved to the museum’s Grand Avenue building and postponed to February 2010. The show will open on Grand Avenue in February 2009. —

Arts organizations throughout Southern California are scrambling in the face of declining ticket sales and donor contributions. This week brought news of layoffs and concert cancellations by the Pasadena Symphony and of the possible collapse of Opera Pacific, Orange County’s only professional opera company.

Jason Alexander, artistic director of Reprise Theatre Company, said that his organization, which presents Broadway musical revivals, had seen a 15% to 25% decline in its subscriber base over the last several years. “Everything is on the table,” Alexander said. “We are radically rethinking not only the kinds of productions that we want to do next but the very structure of our organization.

“We’re all going after the same pool of major individual donors, corporate donors and grants. When the pool really gets dry and everybody’s trying to jump in, somebody’s going to land in the shallow end.”

At Southern California’s art museums, the most drastic steps have been taken by the Museum of Contemporary Art — a privately supported institution that runs on about $21 million a year. MOCA will close the Geffen Contemporary, a warehouse-like annex in Little Tokyo, for six months beginning Jan. 6.

A large exhibition of artist Dan Graham’s work that was to appear there early next year will be moved to the museum’s Grand Avenue building and postponed to February 2010. And three shows planned for the Grand Avenue site — featuring the work of artists Luisa Lambri and Drew Heitzler and the architectural firm Morphosis — will be moved to later slots.

The Los Angeles County Museum of Art, which operates on an annual budget of about $60 million from public and private sources, enacted a hiring freeze about three weeks ago. Attendance is up, thanks in part to a popular exhibition of photographic portraits from Vanity Fair magazine. But revenue from membership fees has fallen about $500,000 short of the $8.6-million goal for the current fiscal year.

At the Autry National Center — which encompasses the Museum of the American West, the Southwest Museum of the American Indian and the Institute for the Study of the American West, all on a $14-million annual operating budget — 15 positions have been eliminated. Some of them were unfilled, said Autry President John L. Gray, but 11 full- and part-time employees lost their jobs Tuesday, leaving 142 staff members.

“The positions eliminated were not related to the care and conservation of the Southwest Museum’s building and collection,” Gray said. “This was a preemptive move in anticipation of decreased attendance and giving to the Autry over the next couple of years.”

And with donations down more than 10%, the Orange County Museum of Art in Newport Beach has cut its budget from $4.5 million to $4 million, partly by reducing staff. Also gone is “Orange Crush,” a monthly indie-rock concert program at the museum.

Broad, a founding trustee of MOCA and a board member at LACMA, said that, in order to survive the recession, museums will have to continue to reduce their workforces and overheads as well as acquisitions. In addition, he said, the museum world must “become more populist” in what it presents to the public and markets to cultural tourists. He pointed to the economic boost LACMA received from its popular Van Gogh and King Tut shows.

Southern California’s theaters are equally nervous, although none has yet experienced the difficulties of Opera Pacific, which has presented performances at the Orange County Performing Arts Center in Costa Mesa for more than two decades. Citing a lack of deep-pocketed donors, it announced Tuesday that it had canceled the two remaining productions of its 2008-09 season, laid off all but two members of its staff and put its Santa Ana headquarters on the market to settle its debts.

Gilbert Cates, producing director of Westwood’s Geffen Playhouse, predicted that, because most performing arts organizations must commit to their season schedules months in advance, Southland theatergoers probably wouldn’t see the full force of the economic downturn reflected onstage until the 2009-10 season — as a sort of aftershock to the current quake.

“For the Geffen, 60% of our revenue is ticket sales, but the rest is donations, from individuals and corporations,” Cates said. “One day a donor has $2 billion, the next day, you have $800 million. That’s still a lot of money, but is that going to have an impact on a $450,000 donation?”

Center Theatre Group, which oversees the Ahmanson and Kirk Douglas theaters and the Mark Taper Forum, recently announced a recession-minded program that makes available 100,000 tickets at $20 for all performances at the three venues for the 2008-09 season.

Sheldon Epps, artistic director of the Pasadena Playhouse, foresees more partnerships between small and large arts groups, such as sharing staff and marketing resources. Epps said most theaters include on their schedules one or two “TBA” productions, and that will allow some to opt for less-expensive shows — smaller casts or less elaborate staging, for example — if necessary.

As is the case for many ballet companies, its annual “Nutcracker” is the “bread and butter” of Los Angeles Ballet, said co-artistic director Thordal Christensen, that will help fund other productions throughout the year. What will it mean to the company that this year the economy has gone south for the holidays?

Christensen said “Nutcracker” ticket sales are up 15% from last year. Still, he said, the 30-member company is exploring various kinds of family and group packages and promotional partnerships with other organizations. For example, company members presented a pas de deux as part of the Geffen Playhouse’s Family Fun Day this fall.

“We have to work together to help each other,” he said.

ICAA e INAEM, con 291 millones de euros, y los Museos, con 247,8, reciben las mayores partidas presupuestaria del Departamento

El ministro de Cultura, César Antonio Molina, consideró hoy que los presupuestos 2009 destinados al Departamento que dirige son “los mejores posibles” en época de crisis. El Ministerio, dijo, los ha luchado “cuerpo a cuerpo” para que todas las “esenciales” partidas prometidas fueran “intocables”. En total, son 922,8 millones de euros los destinados al Ministerio de Cultura, un 0,57 por ciento más que en 2008. Dentro de los diferentes apartados, tanto el ICAA como el INAEM recibirán las mayores partidas: 291 millones de euros en total. Los Museos, por su parte, contarán con 247,8 millones.

Molina, que estuvo acompañado durante la presentación por la subsecretaria de Cultura, María Dolores Carrión, resumió en tres puntos las líneas de actuación del Ministerio para 2009: “austeridad en el gasto, cumplimiento íntegro de todos los compromisos y fomento de las industrias culturales”. Pese a la austeridad, en contribución “solidaria” con la contención en gasto público, el Ministerio de Cultura para 2009 conseguirá mantener “todos” sus compromisos.

El programa de cine contará, como explicó el ministro, con 124,2 millones de euros, 16,1 millones más que en 2008. El ICAA gestionará 120,1 millones de euros, de los cuales 88 millones irán destinados al Fondo de la Protección de la Cinematografía (tres millones más); 10,1 al Fondo de Protección de las películas en lenguas cooficiales (8 millones más que en 2008); y un millón en ayudas a las salas de exhibición, “en cumplimiento de la Ley del Cine”.

El INAEM, por su parte, recibirá 170,9 millones. Para Música y Danza serán 118,5 millones (con refuerzo en la programación del Auditorio Nacional y el Teatro de la Zarzuela, precisó Molina).

Entre los compromisos en infraestructuras en las dos áreas, destacan, como señaló Molina, el Centro Nacional de las Artes Visuales con sede en el edificio de Tabacalera en Madrid (tres millones), el Centro de Restauración y Conservación de Fondos Fílmicos de la Cuidad de la Imagen (7,2 millones), el Centro Nacional de las Artes Escénicas y Músicas Históricas en León (otros tres millones) o el Teatro de la Comedia (2,9 millones).

Sobre la televisión cultural, en colaboración con RTVE, Molina precisó que se dedicará en 2009 un millón de euros. El inicio del proyecto será para el próximo ejercicio y el ministro esperó que en 2010 ya esté en marcha un canal con vistas a estar presente, además de en España, en toda América. También dio breves apuntes sobre el proyecto de la “gran ciudad” de las Artes Escénicas, que se construirá en Getafe (Madrid), y cuya primera construcción será una “gran biblioteca” de las Artes Escénicas.

Asimismo, se refirió a las subvenciones a instituciones de interés cultural, entre éstas, para el Teatro Real (19,1 millones de euros), el Liceu de Barcelona (12,9), la Asociación Bilbaína de Amigos de la Ópera (2,9), la Fundación Palau de las Artes de Valencia (1,4 millones) o el Consorcio del Mercat de las Flors (1,2).

REINA SOFÍA Y EL PRADO

Dentro de los “cumplimientos”, Molina también se refirió a los dedicados a Museos (con una partida total de 247,8 millones de euros). El Reina Sofía contará con 58,8 millones y el Museo del Prado con 46,2 millones. Se dedicarán 15 millones a las obras del Museo Arqueológico Nacional; 6,7, al Museo Palacio de la Aduana de Málaga; tres millones irán a parar al Salón de Reinos del Museo del Prado, espacio que se dedicará “a exposiciones temporales” de la Pinacoteca, como recordó el ministro, y con la próxima inauguración del Museo del Ejército en Toledo.

El Museo Nacional de Arqueología Submarina se inaugurará en noviembre, el de Etnografía de Teruel contará con tres millones de presupuesto; para las obras para el Centro Nacional de la Moda y el Diseño, que está previsto que empiecen “ya” en Matadero Madrid, otros tres millones. Para el Museo Nacional de Arte de Cataluña irán 2,5 millones; al MACBA se dedicarán dos millones del presupuesto y, entre otras partidas, para la Fundación Thyssen 1,9 millones. Entre las subvenciones a instituciones culturales, también destacan las destinadas al Consorcio de la Maestranza (2,6 millones de euros) y al Ayuntamiento de Barcelona (10,7 millones).

La partida para Archivos será de 65,7 millones de euros, con un incremento de las inversiones, destinadas, por ejemplo, a la reforma del Archivo Histórico Nacional y a los Archivos provinciales como el de Huelva o Guadalajara. Entre los compromisos con las infraestructuras se encuentra, además, el Centro de la Memoria Histórica de Salamanca (3,6 millones de euros). Para las Bibliotecas irán destinados 106,9 millones, presupuesto que mantiene el fondo para las bibliotecas públicas de 19,6 millones.

INDUSTRIAS CULTURALES

En cuanto al fomento de las industrias culturales, Molina subrayó el “gran trabajo y las grandes esperanzas” depositadas por el Ministerio en la creación de la Dirección General de Políticas e Industrias Culturales, que recibirá 65,5 millones. Y quiso matizar la importancia de los 27,1 millones de euros que irán a parar a estas industrias. Es la primera vez que se crea un programa presupuestario específico a este respecto.

También hizo hincapié en el apoyo desde el Ministerio al “fomento de la creatividad, el apoyo a los nuevos creadores y a la internacionalización de empresas”. Y se refirió a la creación, de cara a 2009, de líneas de crédito para proyectos y PYMES culturales, en colaboración con el ICO.

En resumen, para Molina los presupuesto para Cultura son “los mejores posibles, en circunstancias extraordinarias”, como es la crisis económica. “Hay limitaciones, austeridad y rigor, derivadas de la situación económica mundial. Pero contamos con un margen suficiente para financiar todo”, subrayó Molina, que recordó cómo la subsecretaria estudió con el Ministerio de Economía y Hacienda “todo lo esencial e intocable”.

La subsecretaria quiso añadir que el Ministerio de Cultura no ha prescindido para 2009 “de nada”. De hecho, a los 5,23 millones de euros de presupuesto de más para 2009 hay que añadir, “en términos reales”, casi otros 56 millones (por liberación de obras y de subvenciones) que permite al departamento “financiar todo”.

“Es triste que nos toque esta situación, pero no hay que amilanarse y hay que afrontarla con responsabilidad y valentía”, enfatizó el ministro, “bastante” satisfecho con cómo ha salido parado su Departamento en los PGE. “La cultura necesita toda la protección posible” sobre todo en periodos como el actual con una crisis “que ha sido como una enfermedad”, señaló.

Los Presupuestos de la Junta destinarán 700.000 euros para la gestión del Museo de la Siderurgia y la Minería de Sabero el próximo año

La Fundación Siglo contará el próximo ejercicio con 18,8 millones de euros para el desarrollo de cuatro grandes ejes, según recoge el Proyecto de Presupuestos Generales de la Comunidad para 2009: la gestión de los grandes equipamientos culturales de la región, el apoyo a la creatividad, el desarrollo de grandes eventos culturales y la proyección exterior de la Comunidad.

En lo que se refiere al primer eje, la gestión cultural del Centro Cultural Miguel Delibes acapara 6,1 millones de euros del presupuesto total; mientras que la del Museo Etnográfico de Zamora contará con 975.000 euros y para la gestión y consolidación del Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León el Gobierno regional destinará 4,7 millones de euros y 700.000 euros a la gestión del Museo de la Siderurgia y la Minería de Castilla y León, ubicado en Sabero.

Además, se colaborará en el asesoramiento para la creación de equipamientos culturales, en todo lo relacionado con el diseño y desarrollo del denominado ‘Territorio Cultural Atapuerca’ y otros equipamientos, para lo que se destinará 380.000 euros.

El eje relacionado con el apoyo a la creatividad incluye la consolidación de la red Café Música, que contará con 105.000 euros; la red de Festivales recibirá 641.000 euros; el Festival Internacional de las Artes de Castilla y León dispondrá de una inversión de 1,7 millones de euros y en concepto de ayudas al teatro y a la danza los presupuestos de la Fundación Siglo contemplan 816.000 euros, mientras que para convenios de colaboración se destinarán 200.000 euros.

También, dentro del programa de ayuda al libro se destinarán 300.000 euros y a premios 450.000 euros y las actividades de la Orquesta Sinfónica de Castilla y León (OSCyL) contarán con 400.000 euros.

Para el tercer eje, de conmemoraciones culturales y grandes eventos, así como a las actividades de promoción cultural del Camino de Santiago, la Fundación Siglo dedicará 450.000 euros y dentro del cuarto eje de proyección exterior se incluyen partidas de 500.000 euros para el desarrollo del Plan del Español y 126.500 euros para la consolidación de la Cátedra Miguel Delibes como espacio de encuentro de los autores más contemporáneos con el mundo anglosajón.

El autor tiene que recibir el 3% del precio cada vez que se revende por 1.800 euros

MADRID.- En España, el autor de una obra plástica tiene que recibir el 3% del precio cada vez que ésta se revende por más de 1.800 euros, pero ese derecho sólo se abona si él o sus herederos así lo reclaman, algo que se cambiará por ley, con los galeristas y los artistas enfrentados por los límites y las formas.

El problema, según han explicado los galeristas y representantes de autores que han comparecido en la Comisión de Cultura del Congreso, donde se debate la ley, es que a unos el que el mínimo por el que se generen derechos de autor se suba a 3.000 euros les parece “apropiado” y, a otros, un “desaguisado” porque dejarán de cobrar derechos el 78% de los artistas españoles, que venden por debajo de esa cantidad.

La UE establece sobre el llamado “derecho de participación” en beneficio del autor de una obra de arte original, que el “canon” es obligatorio, no voluntario, y que, cuando el autor no está identificado porque haya fallecido sin herederos habientes, debe ingresarse en una entidad de gestión colectiva de derechos, aunque deja discrecionalidad al país sobre el umbral mínimo.

Al artista Luis Gordillo elevar el tope mínimo a 3.000 euros le parece “decididamente mal” y por eso ha asistido, en compañía de Joan Genovés, Antonio Fraguas, Antón Patiño y Valentín Vallhonrat, a la comparecencia en la Comisión de Juan Gutiérrez Vicén, el director de Visual Entidad de Gestión de Artistas Plásticos (VEGAP).

Al director de la VEGAP, a la que están asociados 1.800 artistas españoles, le parece “inasumible” elevar a 3.000 euros el tope, “muy bueno” que sea obligatorio pagarlos siempre y que su gestión sea colectiva, y “discutible” la constitución de un Fondo de Ayuda a las Bellas Artes que se nutra del 20% de los derechos de los autores identificados y de la totalidad de los que no lo están.

Según el portavoz del PSOE, Rafael Simancas, el proyecto es que una entidad de gestión, “que podría ser —matiza— la VEGAP u otra que se creara”, recaude “obligatoria y colectivamente” el derecho de participación sobre todas las obras revendidas.

Ese derecho, que no tiene que ver con el que el autor tiene sobre la reproducción de su obra, se genera cuando el primer comprador vende la pieza a un segundo antes de tres años —después de ese tiempo no hay que abonarlo— y ya, a partir de esa vez, siempre que cambie de manos.

En el extremo opuesto a VEGAP, Agustín González, en representación de la Agrupación Española de Galerías de Arte, sostiene que el cobro de ese derecho tiene que ser una iniciativa del artista y sólo promovido de oficio y por una entidad cuando el autor así lo quiera, que el límite de 3.000 euros “está muy bien”, y que constituir el Fondo es “insólito”.

Una ‘SGAE’ de artistas plásticos

Quizá es que la VEGAP, apunta González, quiere convertirse en la “SGAE” de los artistas plásticos, una idea en la que abunda Juan de Muga, vicepresidente del Consorcio de Galerías de Arte Contemporáneo, que ve “peligroso” que una entidad tenga “ese poder” de gestión de derechos.

Tampoco les gusta a los directores generales de Goya Subastas, Mariano Blasco, y de Subastas Segre, Isabel Casillas, que haya una “SGAE” del arte y que no le dé la posibilidad al artista de renunciar a ello, convirtiéndose así en “un impuesto” lo que era un derecho.

Los galeristas Guillermo de Osma e Íñigo Navarro, también asistentes a la sesión, no se han ahorrado críticas. A Osma la ley le parece “un palo” y “solo ayuda a los hijos de Picasso”, y a Navarro le preocupa la “asfixia” a la que somete a las galerías porque penaliza una “barbaridad” el precio final.

La Comisión estudiará las enmiendas a la ley la semana que viene y a partir de entonces entrará a debate en ponencia.