Ecuador vive una nueva situación, caracterizada por un creciente desarrollo cultural y la eclosión de una generación de jóvenes artistas que completan su formación en el extranjero y están bien comunicados internacionalmente. Asimismo existen proyectos de gestión cultural comunitaria y propuestas de archivos colectivos fuertemente enraizados en la población local a través de colectivos urbanos. Tanto los ponentes activos en Ecuador como los participantes en las mesas, señalan carencias en la formación académica y demandan capacitación profesional para los diversos agentes intervinientes en el arte actual: la ciudad de Quito cuenta con una sola galería, superviviente a la gran crisis bancaria. En su soledad casi absoluta, se demanda a los centros institucionales mayor apoyo a la creación actual y la exhibición de artistas jóvenes y emergentes. El Museo Nacional de Arte Contemporáneo se inauguró apenas hace un año.

La administración cultural está impulsando el desarrollo de estudios estadísticos para tratar de dimensionar el sector artístico, evaluar sus necesidades y definir líneas de apoyo en un contexto marcado por el crecimiento de las industrias creativas. Para ello se plantea establecer una Cuenta Satélite que permita ponderar la aportación al PIB nacional. Además se está mejorando el sistema de asignación, seguimiento y justificación de fondos concursales de apoyo a la creación.
Ante este panorama han proliferado colectivos y espacios independientes que desarrollan procesos y prácticas artísticas contemporáneas sin una estructura formal que facilite su sostenibilidad financiera. El asociacionismo profesional está por desarrollar, así como un plan de formación de públicos conducente al aprecio al arte de vanguardia.

El proyecto ARTE ACTUAL de la Facultad Latinoamericana de Ciencias Sociales constituye un hito en este sentido. El éxito del programa, tras cinco años de implantación ha animado a la puesta en marcha de una Maestría en Arte para el próximo curso académico, que contribuirá al avance en la formación y la investigación. Es fundamental que, ante el horizonte que se abre para el sector de las artes visuales en los próximos años, coincidente con una apuesta por el desarrollo de una economía de la cultura desde el Ministerio de Cultura, la administración apueste por la transparencia y por la implantación de buenas prácticas profesionales, fomentando la identificación de los agentes participantes, a quienes debe animar al desarrollo de códigos deontológicos de aplicación tanto a la producción como a la exhibición, difusión y circulación de bienes y servicios artísticos, desde la toma de conciencia de su aportación a la generación y acrecentamiento de patrimonio contemporáneo.

El encuentro se estructuró en torno a cuatro secciones:
Mesa 1: Economía y cultura, ¿una relación contradictoria? Dilemas y oportunidades en el diálogo economía, cultura y arte en el capitalismo globalizado.

Mesa 2: Arte y mercado ¿Es la obra de arte una mercancía como cualquier otra?

Mesa 3: Sustentabilidad de organizaciones y proyectos culturales. Experiencias, desafíos y oportunidades en gestión y sustentabilidad financiera, socio-cultural y política de organizaciones dedicadas a procesos y prácticas artísticas contemporáneas.

Mesa 4: Estrategias para salir de la precariedad. Redes culturales, articulaciones, colaboraciones y buenas prácticas profesionales en las artes visuales.

Enlaces con el programa y blog:
http://culturaqui.com/destacado/arte-y-economia-de-la-adversidad-%C2%A1vivimos
http://delaadversidadvivimos.wordpress.com/

El IAC estuvo representado en la mesa 4: Estrategias para salir de la precariedad: redes culturales, articulaciones, colaboraciones y buenas prácticas profesionales en las artes visuales, moderada por Falco.

Integraron la mesa el colectivo Tranvía Cero, Red Cultural del Sur (Quito), Javier Duero (Pensart, España), Paulina Varas (CRAC, Valparaíso, Chile) y Federico Castro Morales (Instituto de Arte Contemporáneo, España).

La aportación del IAC se centró en las “Herramientas conceptuales de regulación y profesionalización del sector: Procesos asociativos, buenas prácticas y código deontológico”. Federico Castro explicó los logros de las asociaciones de artistas y demás colectivos profesionales en España, así como la del IAC, destacando su carácter interprofesional y la búsqueda de consenso con las demás asociaciones para amplificar la voz y contundencia del sector. Tras mencionar los éxitos alcanzados en España a través del Decálogo de las Artes Visuales (UAAV, 2007) y del Manual de buenas prácticas profesionales de las artes visuales (UAAV, 2008), centró la atención sobre las iniciativas impulsadas por el IAC: el Documento de Buenas Prácticas en Museos y Centros de Arte Contemporáneo, suscrito por el Ministerio de Cultura y todas las asociaciones de las artes visuales (2007), y el Código Deontológico del IAC (2011), único de carácter interprofesional existente en España. Finalmente se refirió a la incidencia estructurante, económica y social del programa ARS (Art, Research Society): el arte como criterio de excelencia, desarrollado en el marco del convenio suscrito en 2010 entre el IAC y la Secretaría General de Universidades para “fomentar la elaboración de modelos de excelencia, que integren aspectos vinculados con la sensibilidad artística interdisciplinar entendida como núcleo fundamental de la educación ciudadana y de la cultura”.

ARS ha sido valorado muy positivamente en Ecuador, al reconocer en él un modelo extrapolable a otras latitudes dado que se ve en él un motor para la investigación en arte actual y porque su incorporación al Programa Campus de Excelencia Internacional, basado en la agregación estratégica de universidades, instituciones relacionadas con el Triángulo del Conocimiento, y el sector productivo ejercerá influencia en el desarrollo regional y posicionamiento en el contexto internacional. Igualmente se ha valorado la presentación que hace de la creación artística como cruce entre Arte-Ciencia-Tecnología y como espacio estratégico para la excelencia universitaria y su gestión próxima a la demanda de la sociedad y el mercado (ver Documento en http://www.iac.org.es/el-arte-como-criterio-de-excelencia).

De manera paralela se reunieron 4 grupos de trabajo, con una metodología participativa, diseñada por la Dirección de Fomento de la Cultura del Ministerio de Cultura de Ecuador, para analizar la situación del país en relación con las temáticas centrales de las mesas de debate y para identificar la cadena de valor de las artes visuales en dicho contexto.

En la sesión plenaria celebrada el jueves 18, los grupos de trabajo expusieron y debatieron sus aportaciones, que estructuran en tres bloques: análisis de carencias, recomendaciones y conclusiones, investigación y consumo.

Javier Duero intervino en nombre de Pensart, refiriéndose a la mediación, como híbrido entre curaduría, didáctica y acción social y a los procedimientos de colaboración y acceso a convocatorias de fondos públicos (a través de convocatorias de concurrencia competitiva) y mediante nuevas fórmulas (crowfunding, microcrédito, comunidades autofinanciadas…) Finalmente presentó tres iniciativas en las que ha participado Pensart: Espacio Trapecio, Mapear Madrid e In-Transit. Además incidió sobre el asociacionismo, la identificación y profesionalización del sector, abogando por la transparencia y la visibilidad de los proyectos.

Además de los ponentes Federico Castro y Javier Duero, miembros de la actual directiva del IAC, también participó en los debates Ricardo Calero, del Colectivo Aragonés de Artistas Visuales y socio del IAC, de visita en Quito procedente de la Bienal de Cuenca. Planteó la necesidad de avanzar más allá de la reciprocidad y solidaridad que ha sustentado la colaboración entre los artistas para vencer la precariedad.

– Creemos que la fuerte tradición de financiación pública para la cultura en Europa garantiza la diversidad, accesibilidad e igualdad del contenido artístico a disposición de todos.

– Las artes, las humanidades y, en definitiva, la cultura nos atraen y nos inspiran; nos empujan a desafiar el mundo en el que vivimos. Invertir en la cultura desde la edad preescolar hasta la tercera edad permite construir sociedades creativas, innovadoras, democráticas y plurales.

Ideemos nuevos mecanismos de inversión pública a largo plazo para que contribuyan al desarrollo humano, social y ambiental.

Los gobiernos nacionales y aquellos que deciden sobre las políticas de la UE están actualmente tomando decisiones sobre el próximo presupuesto de la UE que influenciará los próximos diez años de ayudas a las actividades culturales de las que se beneficia todo aquel que vive en Europa.

HA LLEGADO EL MOMENTO de hacer oír vuestra voz – Firmad el manifiesto de la campaña we are more dirigido a gobiernos nacionales – a los que toman decisiones en Europa:

http://www.wearemore.eu/manifesto/

Conclusiones:

I. En estos momentos se está debatiendo en la Unión Europea sobre el próximo presupuesto multianual (2014-2020). La Comisión Europea acaba de publicar su propuesta definitiva para el nuevo Programa Cultura (“Creative Europe”) (http://ec.europa.eu/culture/creative-europe/). Al mismo tiempo se está perfilando la nueva Política Regional de la Unión Europea, de cuyos Fondos de Desarrollo Regional se ha beneficiado el sector cultural en los últimos años en cierta medida. Los próximos meses serán decisivos para delimitar y perfilar el futuro del sector cultural en Europa en los años por venir.

II. Para poder empezar a trabajar a nivel europeo con posibilidad real de influir en las políticas culturales que se gestan y aprueban en Europa es necesario incardinarse en una de las plataformas o redes de redes ya existentes. El diálogo con la Dirección General de Educación y Cultura de la Comisión Europea se articula a través de dos vías principalmente:

• La primera sería aquélla en la que los principales actores son plataformas/agrupaciones de otras nacionales o regionales que defienden intereses uni- o multi-sectoriales y que realizan las habituales labores de lobbying/advocacy de influencia política, no solamente ante la Comisión Europea sino ante las demás instituciones europeas. Aquí es de principal interés Culture Action Europe, que es una plataforma que engloba tanto a redes como a organizaciones individuales, que en la actualidad tiene alrededor de 100 miembros. Culture Action Europe ha lanzado la campaña “We are more”. Esta campaña pretende conseguir un Programa Cultura más contundente e innovador, defendiendo un mayor apoyo a la cultura, el patrimonio y las artes en los Fondos de Desarrollo Regionales de la Unión Europea. Más de 20.000 personas han firmado ya el manifiesto. A principios de 2012 Culture Action Europe emitirá un informe sobre el programa “Creative Europe” presentado por la Comisión Europea y se organizarán una serie intensa de acciones en el primer semestre de 2012 en Bruselas. De manera simultánea será necesario que las organizaciones miembros de CAE actúen a nivel nacional y regional para movilizar e influenciar a los políticos nacionales que después tendrán relevancia en la toma de decisiones en el Consejo de la Unión Europea.

• La segunda vía es la que se articula a través del Diálogo Estructurado con la Dirección General de Educación y Cultura de la Comisión Europea. Este marco de diálogo fue propulsado por la Agenda Europea de la Cultura que quiso introducir nuevas formas de cooperación con los stakeholders (grupos interesados) del sector cultural para poner en marcha sus tres objetivos estratégicos: la promoción de la diversidad y el diálogo intercultural; la promoción de la cultura como catalizador para la creatividad; y la promoción de la cultura como elemento vital de las relaciones externas de la Unión Europea. Para ello la propia Comisión Europea invitó a organizaciones culturales con una fuerte presencia europea a participar en varias plataformas de la sociedad civil que se establecieron en el año 2008 con el fin de que estas organizaciones pudieran hacer recomendaciones a la política cultural de esta Dirección General.

Las tres plataformas europeas incardinadas en el marco del Diálogo Estructurado con la Comisión Europea son:

Plataforma sobre el Acceso a la Cultura (Platform on Access to Culture)
http://ec.europa.eu/culture/our-policy-development/doc1581_en.htm

Plataforma por una Europa Intercultural (Platform for Intercultural Europe)
http://www.intercultural-europe.org/site/

Plataforma sobre el potencial de las Industrias Culturales y Creativas (Platform on the Potential of Culture and Creative Industries)
http://ec.europa.eu/culture/our-policy-development/doc1583_en.htm

Estas plataformas funcionan a través de encuentros y grupos de trabajo en los que han elaborado distintos documentos de recomendaciones a lo largo de los últimos años. En estas tres plataformas las artes visuales tienen muy poca representación en comparación con otras disciplinas artísticas.

Una vez que estas plataformas han terminado varias fases de trabajo y han emitido sus recomendaciones, se encuentran en fase de reestructuración y de replanteamiento. Ya que se trata de redes de redes, para participar en todas ellas como organización individual hasta ahora ha sido necesario hacerlo a través de una red existente a nivel europeo. En estos momentos tanto la relativa al Acceso a la Cultura como la que concierne a las Industrias Creativas y Culturales se están replanteando la posibilidad de que puedan participar organizaciones individuales directamente, pero es algo que se está debatiendo justamente ahora.

III. Los principales temas objeto de discusión en los paneles comunes fueron:

• La digitalización como oportunidad aún no suficientemente explotada para desarrollar el potencial creativo del sector y alcanzar nuevas audiencias.
• La necesidad de incrementar la profesionalización de los agentes culturales e incrementar sus habilidades y conocimientos en el campo de la empresa y la gestión.
• El papel de la cultura como agente de desarrollo económico y social a nivel regional y local.
• El rol de los actores culturales en los cambios sociales y políticos que se están dando en terceros países, así como de qué modo la UE puede integrar a estos agentes culturales en sus acciones dirigidas a la promoción de los derechos humanos y la democracia en esos países.

En general las discusiones en los paneles comunes fueron muy generales y entraron poco en detalles específicos, salvando algunas presentaciones. Lo mismo ocurrió en la sesión informativa sobre la propuesta para el nuevo Programa “Creative Europe” que se está perfilando en esos momentos. Son de destacar dos ponencias:

a. La presentación de Pier Luigi Sacco “Culture for smart growth. The non-market channels” en la que dio a conocer distintos estudios que se están llevando en Italia que ofrecen argumentos originales sobre la importancia de la cultura en la sociedad, como el que destaca la participación cultural como el segundo factor más relevante para el bienestar psicológico de las personas estando sólo por delante la salud y por detrás los ingresos, la edad o la educación.
b. La presentación de Gerald Lidstone, Director del Institute for Creative and Cultural Entrepreneurship Goldsmiths de la Universidad de Londres sobre las actividades que está realizando su instituto en la creación de vínculos entre el mundo y el conocimiento de la empresa y las artes y la cultura.

La mayor parte de las presentaciones están disponibles en la web:
http://culture-forum-2011.ec.europa.eu/documentation.jsp

Las otras sesiones informativas a las que se pudo asistir fueron las relativas a las distintas plataformas, ya comentadas anteriormente, así como a la relativa a la Estrategia sobre los Derechos de Propiedad Intelectual que la Dirección General de Mercado Interior de la Comisión Europea está ultimando y cuyas principales líneas directrices serán: cambios en la gestión del copyright y en el sistema de licencias de manera que se facilite el acceso; la creación de un sistema unitario de protección de patentes; una mejora de la protección de las marcas; facilitar el acceso on-line a obras protegidas por los derechos de autor; y mejorar la cooperación en la lucha contra la piratería. Otro de los temas que se está estudiando en estos momentos en la Unidad de Copyright es la mejora del funcionamiento de las Entidades de Gestión así como de la forma en la que son gestionadas y gestionan a su vez los derechos de autor. Asimismo se hizo mención a la consulta pública sobre el derecho de participación que ha tenido lugar este año, en la que participaron bastantes organizaciones de nuestro sector.

Como se puede ver las líneas de actuación que se han perfilado desde el IAC están en consonancia con los principales temas de discusión que se están debatiendo a nivel europeo y que tendrán consecuencia en las políticas que se impulsen y se implementen a nivel nacional y autonómico en España en los próximos años

El Instituto de Arte Contemporáneo (IAC) es una asociación profesional del sector artístico que cuenta con más de 400 asociados procedentes de diversos campos de la producción y la creación: artistas, galeristas, comisarios, críticos y gestores culturales que han desempeñado responsabilidades en diversas instituciones. Consideramos que las declaraciones consensuadas en este comunicado representan significativamente la percepción del sector artístico en general y de buena parte de la ciudadanía.

En el intento de exigir transparencia en la gestión de las instituciones culturales los profesionales de las artes visuales hemos venido reclamando la aplicación del Documento de Buenas Prácticas suscrito en 2007 por el Ministerio de Cultura y las principales asociaciones que representan a los trabajadores de este ámbito. En el contexto de esas reiteradas peticiones se inscribe la presente manifestación de profundo desacuerdo ante las recientes decisiones tomadas sobre el destino del Domus Artium 2002 (Da2), dependiente de la Fundación Salamanca Ciudad de Cultura, así como las actuaciones en otras áreas de esa Fundación de las que hemos tenido noticia. Estas decisiones se han traducido en los últimos meses en no sustituir mediante concurso público al responsable de programación, hasta junio de este año Francisco Javier Panera Cuevas, que decidió no continuar al frente, y el despido reciente de siete trabajadores de la Fundación. Dos de esos trabajadores constituían el equipo básico que gestionaba las exposiciones del centro y habían obtenido sus plazas por concurso público.
Por lo que se refiere al Da2 estas decisiones desmantelan definitivamente un espacio al que se ha destinado una importantísima inversión de dinero público, o se degrada como mero contenedor de una colección privada, la Colección de Arte Fundación Coca-cola, que recibe de las arcas municipales un escaparate gratuito para sus fondos.

Respecto a la Fundación Salamanca Ciudad de Cultura, con competencias en toda la programación cultural de la ciudad, permanece sin una dirección visible desde hace 4 años, de manera que toda la actividad cultural se viene programando según criterios desconocidos para los ciudadanos y con una manifiesta opacidad.

Desgraciadamente para la ciudad de Salamanca la trayectoria del Da2, creado con motivo de la Capitalidad Cultural Europea de la ciudad en el 2002, ha venido ofreciendo un espectáculo inagotable de arbitrariedades políticas y ha llegado a ser más conocido como símbolo de las malas prácticas que por la importante labor de los profesionales que han desarrollado su programación. En agosto del 2003 el entonces Alcalde de Salamanca, D. Julián Lanzarote Sastre, despedía ilegítimamente todo el personal del Centro de Arte de Salamanca a excepción de su Coordinador de Programación que como consecuencia dimitió de inmediato, un despido reprobado por los tribunales que obligaban al Ayuntamiento a malgastar el dinero público en las debidas indemnizaciones y atrasos a los trabajadores. En el 2009 un nuevo episodio del circo mediático se escenificaba con la dimisión de la Concejala de Cultura tras varios intentos de injerencia en la programación del centro. Esta exhibición comportamientos políticos grotescos y anacrónicos se traducen en consecuencias directas sobre la institución y sus trabajadores, y se ve culminada ahora con despidos y una aniquilación de facto del proyecto iniciado en 2002.

Ello supone una lesión frontal de derechos básicos, tanto de los ciudadanos, beneficiarios de los programas culturales, como de los trabajadores. Se trata, pues, de una mala gestión del dinero público sostenida en el tiempo y que desemboca en la actual situación. El desgastado argumento de los imperativos de ahorro que provoca la crisis resulta insultante tras derroches como los que supusieron las consecuencias judiciales de los despidos en 2003, y, lo que es peor, tras los recientes anuncios de inversiones millonarias en nuevos proyectos y nuevas incorporaciones de personal en la misma Fundación. Esas nuevas inversiones hacen injustificable el abandono de las instituciones ya existentes y el despido de sus trabajadores.

Consideramos además muy grave la ausencia o la marginación de responsables técnicos, con criterio artístico y conocimiento del medio, en instituciones que fueron creadas para ofrecer un servicio que ahora se ve seriamente devaluado. La ausencia de responsables que aporten una gestión y una programación identificables y asociadas a un proyecto contrastado compromete de nuevo la independencia del centro y lo desacredita. Esta ausencia supone una evidente elusión de las responsabilidades adquiridas con la creación del centro gracias a las importantes inversiones económicas con las que se hizo posible. El mismo problema se reproduce en la Fundación Salamanca Ciudad de Cultura que permanece sin director desde hace 4 años y cuyas decisiones más importantes dependen de un gerente, José Luis Barba Real, sin competencia ni formación para evaluar la programación. En el derecho de los ciudadanos a la independencia política de las instituciones culturales se incluye a su vez el de conocer y disfrutar las líneas de programación y el proyecto que se desarrolla en ellas. Se trata pues de un derecho de los ciudadanos, beneficiarios de este centro, y no solo de quienes los gestionan ni de los profesionales que se ocupan de dotarlo de contenidos.

Desgraciadamente el cambio al frente del consistorio podría haber supuesto una rectificación de tales actitudes, pero comprobamos con estupor que su sucesión política en el cargo no hace sino competir en el despropósito. Por ello y por su condición de máximo representante del Ayuntamiento solicitamos su comparecencia pública para explicar las decisiones tomadas y el destino último de una infraestructura y un patrimonio creados para disfrute de todos. Del mismo modo solicitamos el concurso público a la dirección de la Fundación Salamanca Ciudad de Cultura y a la coordinación del Da2, así como la destitución del actual gerente de la fundación.

Junta Directiva del IAC

Noticias aparecidas en prensa:

http://www.tribunasalamanca.com/noticia/69226/Cultura/iac-lamenta-despidos-da2-pide-destituci%C3%B3n-gerente-fundaci%C3%B3n-cultura-salamanca.html
www.salamancaendirecto.com/index.php?news=27492
www.diariodesalamanca.es/tag/instituto-de-arte-contemporaneo/
http://www.abc.es/agencias/noticia.asp?noticia=1049558
http://www.elnortedecastilla.es/v/20111229/cultura/nueva-gestion-cultural-salamanca-20111229.html

Es un colectivo independiente que pretende desarrollar e incentivar la creación artística dentro de la comunidad local buscando la dignificación de su medio profesional.

Asamblea Amarika, denuncia:
La nueva política cultural en Álava se centra en la negación del proyecto de participación democrática y co-gestión con la Asamblea Amarika, la drástica reducción de presupuestos para Artium, el cierre no explicado de KREA a punto de inaugurarse y una profunda remodelación cultural y a la baja enVitoria (sarcásticamente ahora llamada “green capital”) en donde se ha eliminado hasta la concejalía de cultura
Ha sido la nueva Diputada de Cultura, Itziar Lamarain quien ha puesto cara a los recortes culturales en Araba /Álava. La nueva diputada optó por negar un necesario diálogo, por dar la callada por respuesta a la Asamblea Amarika y ahora ha actuado adoptando la actitud del “yo dispongo sin atender razones”. Así, anula la condición comunicativa que debería estar inserta en el ámbito público de la cultura. Ha actuado, desde una posición de fuerza tal, que significa no querer conocer la visión general y la perspectiva de quienes han mantenido un contacto estrecho y continuado con la situación artística del territorio.

Con ello cierra un ciclo de cuatro años de colaboración con la Asamblea Amarika, caracterizado por la gestión compartida y la participación, la gestión de la salas por el arte local y una brillante etapa de apoyo al arte joven y contemporáneo.

Retrocedemos con esta manera de entender la cultura y con estas decisiones a hace más de 10 años. Su imposición, significa no querer conocer los lazos que unen lo artístico con otros campos culturales y las conexiones de nuestra provincia con otros territorios, lugares (ciudades, comunidades) y proyectos (centros de arte, iniciativas, etc.) forjados durante todo este tiempo. El gran recorte se hace escudándose en una crisis económica que la ciudadanía no ha creado y que como siempre paga la cultura.

Se tira por tierra la actividad de co-gestión o de procomún de diferentes espacios expositivos. La Diputada del PP no está de acuerdo con que la cultura se democratice y sea participada por los ciudadanos. La Diputada ha dejado claro que no financiará “estructuras paralelas” ofreciéndonos así una corta visión de la necesaria corresponsabilidad y de la participación ciudadana. Cree que Asamblea Amarika es una empresa cultural. Confunde empresa, con colaboración y participación desinteresada sin ánimo de lucro.

Durante estos años y desde el entorno del arte en Álava ondeaba la preocupación sobre si la gestión compartida valía, entre otras cosas, para precarizar la creatividad y la situación de los y las artistas, pues las congelaciones y recortes de las cantidades asignadas eran las mismas desde hacía cinco años y sufríamos cada año más y más recortes. Pero se aguantó y se participó.

Es lamentable que se olviden que las personas creadoras o artistas también comen, se derribe el trabajo desinteresado de tantas personas, de tantos artistas locales, y que además no se dé valor, ni se pregunte al menos su opinión. Pues la decisión de la Diputada ha sido totalmente unilateral. De nuevo, como en antaño, tal y como ha expresado la Sr. Lamarain se llevará a las personas creadoras a llamar a la ventanilla “para ver si es aceptada” la cultura por una persona de la institución.

La Diputada piensa que participación democrática es “externalización” y en un curioso juego de palabras, por no adjetivarlo de otra manera, ella y la corriente política que representa, por otro lado campeones de la externalización de las tareas públicas durante los últimos años, olvidan que fueron ellos y precisamente ellos con su política cultural en las instituciones los que permitieron el desprendimiento de su carácter público y dieron pié a modelos de producción cultural basados en la banalización de los discursos. Ahora se nos presentan como los adalides defensores de lo público. No es creíble. Hay mucho grado de perversión en este enfoque de la actividad cultural cuando dice que ahora todo se hará “desde la institución”, porque lo que la Diputada del PP nos ha descubierto con sus intenciones es cómo pretende, amparada en la crisis, hacer que la institución vaya pasando poco a poco a ser el espacio privado del poder, la herramienta que permite trabajar con las manos libres desde lo público pero sin tener que mirar de frente a la vida pública y muchos menos, dialogar con ella.

La Diputada se ha abonado al recurrente club de que “cómo hay crisis, mi política cultural será la de la congelación y el recorte de recursos” y anuncia su política cultural como promoción turística y desea confundir arte con réditos económicos.

El problema es que su política hace retroceder y paraliza importantes y avanzadas experiencias participativas e ilusiones democráticas.

Su anunciada manera de entender la cultura no está a la altura del trabajo desarrollado, pues no lo tiene en cuenta. Pero no porque éste no haya sido brillante, que sí lo ha sido, sino porque no está de acuerdo con las políticas de colaboración, corresponsabilidad y participación democrática y así, elimina la gestión participativa. También lo que ha supuesto durante estos años el esfuerzo de las personas de la Asamblea Amarika y cómo desde el principio todas ellas vieron la necesidad de construir una asamblea lo más integradora y representativa posible. Si algo caracteriza a la Asamblea Amárika es su aspecto no lucrativo, de asamblea siempre abierta en todas las tomas de sus decisiones y abierta en esas decisiones a toda persona creadora que en ese momento se encuentre en la asamblea. También, su esfuerzo por motivar y recoger la mayor presencia de la comunidad artística. Algo que es la primera vez que ocurre en Álava y que no se puede perder.

Evidentemente, la Diputada tiene la capacidad de acabar con este bagaje y con todos estos procesos de participación democrática. Una sola persona, una, por sí sola, puede tirar por tierra todo un esfuerzo colectivo. Es una capacidad que le otorga un sistema con claro déficit democrático y que evidentemente hay que modificar.

La próxima edición de Inmersiones será la número cuatro. Con “Inmersiones” se puso en marcha este proyecto hace cuatro años. Son incontables los artistas que han pasado durante este tiempo, como lo son las relaciones a las que ha dado lugar y la energía creativa que ha provocado. Son muchas las publicaciones llevadas a cabo, las conexiones establecidas, las experiencias generadas y las que aún quedan en marcha…

Será fantástico que la próxima edición de Inmersiones sea una fiesta y una clara reivindicación en la que quede nuevamente patente el compromiso ciudadano con el arte y con la cultura que existe en nuestra comunidad y que ahora se quiere dilapidar.

Asamblea Amárika entiende que el “recortazo” en nuestro territorio no es una visión política y particular de Álava, sino un ataque que se suma y en toda regla al futuro del arte y de la cultura, al igual que ocurre en infinidad de otros ámbitos del estado. Desde esa comprensión creemos que es necesario dar una respuesta colectiva lo más amplia posible, por lo que os invitamos a sumaros a este comunicado y a que lo difundáis en todas las redes posibles.

Vitoria-Gasteiz, 2011
Asamblea Amarika

Lo que sigue a continuación no trata de ser más que una perspectiva personal de lo que está sucediendo en el campo artístico en un contexto localizado y a partir de algunas experiencias subjetivas. Se trata pues de un relato individual y con este mismo espíritu, al presentar esta última edición de las Jornadas de estudio del arte contemporáneo de Castilla y León, ponía el énfasis en la necesidad de “personificar” las instituciones, es decir, identificarlas con quienes dotan de sentido y de proyecto los contenidos y los programas culturales. En algunos casos la gestión cultural se pretende anónima, sin firma, como fruto de una implementación maquinal de políticas que se dan por hechas donde se deja sitio a los autores y a los creadores, verdaderos protagonistas de los contenidos. Pero esta asepsia del continente es tan falaz y contradictoria con la naturaleza de la cultura como la pretensión de neutralidad del cubo blanco, o tan tendenciosa como el sesgo de un encuadre fotográfico.
Las jornadas nacidas como una iniciativa del MUSAC en el 2005 se transformaron el año pasado en una plataforma, “Toda práctica es local”, que tiende a ampliar su espacio de resonancia más allá del salón de actos de un museo. Ante el encargo recibido de Agustín Pérez Rubio, director del MUSAC desde 2009, interpreté estas jornadas como la creación de un foro público y participado por el sector del arte en la comunidad de Castilla y León. Al hacer esto conocíamos bien las posibles respuestas que se darían y que no defraudaron en la edición anterior. Me refiero a voces muy críticas con la trayectoria del MUSAC y con las otras instituciones de la comunidad. La necesaria revisión crítica de la política expositiva del centro leonés, con la que nunca se había identificado la mayor parte de la comunidad a la que supuestamente representaba, tuvo lugar con intervenciones valiosas que ofrecían genealogías argumentadas sobre las herencias y débitos de lo que ya se había convertido en un paradigma museístico en el conjunto del Estado Español. Debo decir que la capacidad de encaje de estas críticas sin atenuantes por parte de Agustín Pérez Rubio sorprendió gratamente, en especial si tenemos en cuenta que a pesar del relevo en la dirección que dejaba Rafael Doctor, muchas de las acciones y exposiciones cuestionadas habían sido concebidas por el actual director del MUSAC.
La apertura de ese diálogo quizá en buena lógica llevaba al propio Agustín Pérez Rubio a hacer partícipes a los otros museos y centros de la comunidad de esta plataforma en su segunda edición. Para ello y para ofrecer algunas respuestas a las demandas del sector, entre otras la dedicación de espacios expositivos y recursos de producción a los artistas locales, crearon la plataforma P4 en la que participan el propio MUSAC, el CAB, el Da2 y el Patio Herreriano. Aunque las iniciativas planteadas por P4 han sido criticadas por algunos, considero que se trata de un signo de apertura de las instituciones a la realidad de los contextos donde se han implantado (tema fundacional de “Toda práctica es local”). Ante esto todavía cabe decir que las iniciativas llegan tarde y son insuficientes, pero la única premisa de un avance es la constatación de que algo se mueve y que se acusa recibo de las críticas. De nuevo, “Toda práctica es local”, se proponía como una segunda oportunidad de reinterpretar el contexto que nos preocupa desarrollando algunos de los temas planteados el año pasado.
El propio título, “Toda práctica es local”, se presentaba como un desafío al internacionalismo aspiracional que se encontraba en la base del nacimiento invasivo de los museos y centros de arte; un número desproporcionado de instituciones si tenemos en cuenta la densidad de población del territorio y la orientación conservadora de las políticas culturales hasta la fecha. Al ser creados como iconos políticos y sin un plan estratégico que atendiera a la realidad del contexto, no sólo no se enriquecía sino que se eclipsaba una cultura de base pendiente de visibilización y de apoyo. En este aspecto, las administraciones obraron hacia su propia comunidad con una actitud colonial que trataba de importar una cultura internacionalizada en un territorio cuyas inversiones habían sido de carácter patrimonial e histórico, al favorecer proyectos de revalorización del pasado monumental y religioso, y al obviar las experiencias desarrolladas por los colectivos y grupos en el territorio durante las últimas décadas. El resultado fue una imposible convivencia entre los “nativos”, que quedaban verdaderamente desplazados como indígenas irrelevantes para la empresa colonial, y los recién llegados, incluyendo los cuadros técnicos destinados a la gestión de esas nuevas y costosas infraestructuras.
En las pasadas jornadas la pregunta sobre los procesos decisionales en la política cultural de la comunidad se planteaba como una de las prioridades porque, como sabemos, una gran parte del sector artístico en Castilla y León considera que las administraciones presentan un déficit de transparencia en la gestión del dinero público. Esta situación ha llevado a radicalizar algunos discursos y a generalizar un hastío entre muchos creadores y colectivos. Los dispendios económicos derivados de ocurrencias de despacho, en general relacionados con efemérides y conmemoraciones pretendidamente mediáticas, las ingerencias en la programación de los centros, los despidos improcedentes del personal técnico o la precariedad laboral perpetuada de los educadores, los anuncios improvisados de inversiones astronómicas en centros y proyectos planteados sin criterio conocido, constituyen una breve historia del disparate en esta tierra. Nadie alcanza a entender por qué no se informan las decisiones con comisiones técnicas y por qué se sigue ninguneando a las asociaciones legítimamente constituidas. Es como si quienes ocupan esos cargos públicos estuvieran en un ciclo temporal diferente, cuando no en un pasado que los ciudadanos hemos abandonado hace tiempo.
No cabe duda de que la crisis económica conlleva también una crisis de legitimidad en las instituciones y de representación en los cargos electos, una crisis que tiene que ver con una concepción de la política que ha imperado hasta ahora en la que se accede a una suerte de espacio de impunidad decisional. El diálogo con los agentes culturales y con los beneficiarios de los proyectos en los que se invierte el dinero no puede esperar.
Mientras tanto, la nueva coyuntura no parece sugerir rectificaciones entre quienes entonces gobernaron de ese modo sobre la realidad del lugar, pero por el camino han ocurrido algunas cosas que hacen necesarias nuevas alianzas y una reinterpretación de las políticas culturales. Entre los acontecimientos saludables se encuentra la creación de Artistas Visuales Agrupados de Castilla y León (AVA) en diciembre de 2007 como principal asociación profesional con su incesante labor en la que, independientemente de los desacuerdos, se pone de manifiesto una voz colectiva preocupada por esta reciente historia cuajada de despropósitos. La demanda de interlocución directa y de asesoramiento de las decisiones que afectan a la inversión de los recursos públicos no ha dejado de oírse y el efecto de articulación colectiva, liderado por AVA, se hace sentir entre otros trabajadores de la cultura. Al poner en marcha “Toda práctica es local” partíamos de la necesidad de afrontar un cambio de escenario que tiene dos vías fundamentales: por un lado la interlocución directa con los responsables de las administraciones, igualmente identificables con nombres y apellidos; y, por otro, la articulación de una representatividad del sector a través de voces autorizadas y ponderadas. Entre medias de estos agentes del diálogo se encuentran diversos grupos de responsabilidad y la convivencia entre ellos y su consenso previo parece un paso necesario.
Esta nueva conciencia cívica en el campo cultural (o el intento de crearla de modo colectivo) no es, ni mucho menos, un hecho aislado, sino que se enmarca en la incorporación de los agentes a una revisión de su propio medio desde perspectivas implicadas. En nuestro contexto, además de los antecedentes del “Foro de arte y territorio” de Espacio Tangente, tenemos en la actualidad el Estudio sobre el estado de la cuestión del arte en Castilla y León promovido por AVA. Pero en esa sintonía podríamos enmarcar además las iniciativas del Instituto de Arte Contemporáneo IAC o los estudios elaborados por las distintas asociaciones de artistas, o el trabajo realizado para el informe Reucer008 de UNIA Arte y Pensamiento. En todos estos casos asistimos a un proceso reflexivo que opera sobre su contexto específico y que evalúa y visibiliza una situación que debe formar la base de cualquier acción política coordinada de los trabajadores de la cultura.
La posibilidad de una mejora de la vida cultural de nuestra comunidad no parece tarea fácil. Está por hacer entre los estudios de los problemas que nos ocupan, una historia reciente de la génesis del mapa institucional en Castilla y León. Como ha destacado Javier Panera, es importante distinguir las diferentes naturalezas y soportes económicos que alimentan cada uno de esos centros en Castilla y León, y no confundir su arquitectura de responsabilidades. Mientras tanto, en la edición del año pasado comenzábamos un esbozo del mapa de los espacios autogestionados en el territorio que mostraba, en apenas una primera aproximación, toda la riqueza invisibilizada durante este tiempo y que desafía de forma silenciosa al conjunto de museos y centros que han ocupado el espacio de lo que se considera “cultura” en las implantaciones verticales que propiciaron las distintas administraciones durante la década pasada. El panorama real de la implementación de estas infraestructuras, por lo que respecta al arte contemporáneo, podría muy bien contradecir hasta la fecha gran parte del documento del II Plan de Actuación en Museos de Castilla y León 1010-1015.
Ahora bien, esta situación de descrédito de los productos derivados de esa política faraónica ávida de eventos y celebraciones que permitan ecos mediáticos, no puede saldarse con el abandono de las instituciones por parte de los públicos y los agentes culturales que deben ser beneficiarios de la gestión pública de la cultura. Más bien al contrario debería propiciar una movilización y una ocupación de las mismas instituciones que fueron creadas sin control alguno. Lo que no parece de recibo es asumir a estas alturas la tentación futurista de dar al traste con todo, como sugería algún colectivo en el curso de las conversaciones. Uno de los aspectos en los que se ha insistido durante los debates que hemos tenido ha sido el antagonismo perverso con las instituciones y sus intermediarios que se produce como consecuencia de ese hastío. Resulta sorprendente tener que recordar que los museos y los centros de arte son nuestros, no son propiedad de la casta profesional de los políticos, y por ello la defensa de su autonomía de gestión es la defensa de la nuestra. La confusión sobre la responsabilidad de los interlocutores debilita posiciones cuya base en el malestar del que aquí hablamos podría ser válida si no se desperdiciara el discurso en acusaciones infundadas o carentes de la información necesaria sobre la constitución de nuestro contexto cultural.
En este aspecto el desequilibrado crecimiento institucional desde la implantación de museos y centros de arte en 5 provincias ha decantado el debate, que debería haber sido mucho más plural, hacia el papel de los directores de los centros. La designación de estos cargos parecía el único problema que teníamos. Sin embargo, como es lógico, la magnitud de las inversiones de entonces (a principios de la década que acabamos de dejar atrás) justificaba la demanda de transparencia en la toma de decisión. El problema es, pues, de doble vertiente: la creación de los centros se ha llevado a cabo de modo irregular y desequilibrado, sin planes de viabilidad; pero en estos momentos tenemos una serie de infraestructuras y unos cuantos problemas para mantenerlas. ¿Qué hacer con esos centros? ¿Qué otros modelos de “producción artística” serían necesarios en la actual coyuntura?
El peligro que se atisba es el desmantelamiento definitivo de lo que nos queda de lo público bajo la disculpa de un imperativo de eficacia económica o de viabilidad a posteriori. Curiosamente se exige ahora a esas instituciones creadas sin orden ni concierto que no lastren las arcas públicas y se las convierte en culpables de su propia existencia en un giro de cinismo político sin precedentes. El cinismo es si cabe mayor en una tierra donde, por desgracia, los candidatos triunfantes disfrutan de una gran longevidad política sostenida por la falta de alternativas. Los mismos protagonistas que crearon esas infraestructuras son ahora los que las amenazan de cierre o desmantelamiento sin por ello dejar de anunciar nuevos proyectos e inversiones.
El problema trasciende nuestro contexto próximo como demuestra el reciente dislate protagonizado por políticos del PNV en Vitoria, ahora en la oposición, cuestionando la legitimidad del Centro de Arte Montehermoso. Resulta muy complicado hacer entender a políticos cuya formación o solvencia intelectual raramente se somete a examen por qué algunos espacios presentan una buena programación frente a otros a los que los medios hacen más caso. Pero lo más preocupante de la situación es el plebiscito de popularidad al que se pretende someter a los centros de investigación cultural. Sin duda Montehermoso ha sido una de las referencias más interesantes en el contexto español en los últimos años, pero la tendencia derivada de la crisis ha deslizado en la clase política la ilegítima demanda de reevaluar todos los proyectos en curso en un nuevo refrendo que permita definitivamente su instrumentalización electoralista. Resulta bastante plausible a la vista de estas sorprendentes reacciones que lo que esté ocurriendo en realidad sea que la falta de legitimidad de la clase política trate de ser proyectada ahora sobre las instituciones culturales, vulnerables y en apariencia innecesarias. Los procesos aberrantes de legitimación de Banca Cívica, bajo el significativo lema “es tu dinero y tú decides”, basados en la aclamación popular de los proyectos que se apoyan económicamente sin criterios técnicos cualificados, ponen a merced de la ignorancia lo poco que se ha permitido crecer de investigación cultural fuera de los mercados. En definitiva tales mecanismos tratan de consumar un proceso que no ha dejado de avanzar hacia la identificación de cultura y espectáculo, cultura y turismo o, en definitiva, de cultura y mercado.
La nueva legitimidad de las opciones liberales y privatizadoras se sostiene, como un verdadero sarcasmo, sobre el fracaso de las instancias reguladoras democráticas en la corrupción o la mala gestión de una clase política manifiestamente cómplice. En el lugar de una profunda revisión de los presupuestos discursivos de ese liberalismo tras esta crisis que delata la falacia de que “los mercados se autorregulan”, lo que tenemos ahora es una nueva legitimación amparada por la decadencia de la clase política.
En esto el supuesto elitismo de algunas instituciones actúa con doble filo en el debate sobre la implantación en el contexto local y por ello es peligroso que los agentes culturales (ya sean creadores o mediadores) acepten esa trampa como parte de una lógica localista y sustitutiva del trabajo de calidad. El mismo problema lo encontramos cuando los creadores locales confunden el carácter público de los museos y espacios expositivos con su derecho a ser reconocidos y legitimados artísticamente en esos espacios. Las cuotas locales que acaban imponiéndose a instituciones cuya filosofía era de una supuesta proyección internacional contiene implícitamente un alto riesgo de confusión de los derechos civiles de uso e información sobre la gestión de los centros, con el refrendo del trabajo del artista. Parece claro a estas alturas que no todos los proyectos estaban llamados a convertirse en “centros de referencia internacional”, como acostumbra a rezar en los textos autopromocionales, y que, por tanto, se impone una reinterpretación de sus objetivos; pero también es más necesaria que nunca la reserva de un espacio de investigación de calidad y una autoexigencia del campo artístico.
El tema que nos ocupaba este año, el de los “centros de recursos”, es una modalidad de apoyo a la producción artística que ha sido ensayada con casos de verdadero éxito en algunas comunidades artísticas como la del País Vasco, en la que Arteleku ejerció un influjo poderoso e identificable entre varias generaciones de artistas vascos. O el de Hangar en Barcelona, cuya gestión y promoción por parte de la Asociación de Artistas Visuales de Cataluña propició una experiencia coordinada que ha aportado uno de los más interesantes modelos en la dotación de recursos accesibles para la producción. Algo similar ocurría con Medialab Prado en Madrid, que ha conseguido convocar intereses plurales y se ha convertido en un lugar de encuentro frecuentado por personas interesadas de muy diversa procedencia. En resumen se trataba de repasar las experiencias de algunos proyectos en el contexto español e internacional (como en el caso de Les Laboratoires de Aubervilliers) que habían sido capaces de generar algún tipo de comunidad y que se presentaban cercanos a sus contextos de implantación. Su carácter alternativo al modelo institucional del museo o el centro de exposiciones sitúa el foco en la demanda de coordinar fuerzas y sugiere la imperiosa necesidad de una colaboración efectiva entre administraciones y colectivos.
La idea del “medialab” o el centro de recursos es ya muy antigua, lleva tiempo en funcionamiento y en algunos lugares, como en el caso de Arteleku, ha agotado su ciclo histórico. Pero el anuncio reiterado por parte de la Junta de Castilla y León de la construcción de centros similares en la comunidad (con la incomprensible proliferación de un centro por cada provincia), así como el desconocimiento general de los criterios que se seguían para su diseño e implantación, llevó a redirigir estas jornadas al debate hacia ese modelo cuya obsolescencia o viabilidad valía la pena considerar en este momento. Mientras tanto, han aparecido dos de estos proyectos en la Universidad de Salamanca (el medialab USAL que fue invitado a estas jornadas a presentarse como nueva iniciativa) y el LAVA dependiente del Ayuntamiento de Valladolid, recientemente dado a conocer. En la misma línea parece inminente la inauguración de otro de estos centros en Segovia, dependiente de la Fundación Siglo, dedicado al diseño. Esta tendencia plantea nuevos interrogantes y se pone sobre la mesa de diálogo como un ámbito práctico en el que propiciar un consenso entre los profesionales; pero seguimos sin conocer la génesis, los objetivos y el planteamiento de estos proyectos.
Obviamente la crisis se ha convertido en el nuevo escenario imaginario o real que altera en definitiva todas las acciones políticas. La propia decisión de la Junta de poner en marcha esos centros ha sido postergada, en palabras de la Directora General de Promoción Cultural de la Junta de Castilla y León, Luisa Herrero, en vista del problema económico que aqueja a las administraciones. Pero se ofrece la oportunidad de repensar el modelo y proponer desde un asesoramiento cualificado la naturaleza y funcionalidad de este tipo de proyectos. Se impone en todo caso un análisis detenido de las necesidades en este momento y una gestión equilibrada de los recursos que detenga la urgencia de apostar grandes sumas económicas en proyectos que se van alternando y relevando, y que aparecen con la vocación de grandes eventos mediáticos (de ello han sido buenos ejemplos el propio MUSAC en León, el Festival de las Artes Escénicas en Salamanca, o el Museo de la Evolución Humana en Burgos). En ello me atrevería a sugerir la buena disposición de todos los agentes que intervinieron en este diálogo para consensuar propuestas concretas que sirvan para una gestión más eficiente en la administración.
Para todo ello es necesario mantener el equilibrio en el reparto de papeles que nos asigna el diálogo. Ni las asociaciones pueden copar una representatividad que es de todos, ni deben fiscalizar la labor también autónoma de las instituciones, ni los responsables de éstas pueden inhibirse de los problemas planteados, en algunos casos muy graves y relacionados con la gestión de sus recursos, no solo materiales sino también humanos, invocando el sometimiento a un régimen restrictivo (cuando no coactivo) de las administraciones de las que dependen. En esas invasiones o elusiones de la responsabilidad se encontraría el principio de la disfunción de un diálogo necesario.
El debate sobre el destino de lo público tras la crisis y el desmantelamiento solapado de los recursos destinados a cultura surgía a propósito de la presentación del proyecto de Tabacalera de Lavapiés, a cargo de Jordi Claramonte. En conversación con Santi Eraso se discutía si las iniciativas autegestionarias como la que representa Tabacalera, en la que el voluntarismo y la organización colectiva rehabilitaban un espacio abandonado y pendiente de reforma por las administraciones, no estaría en realidad favoreciendo una tendencia a la inhibición de responsabilidades institucionales en esa misma administración (en este caso el Ministerio de Cultura). El proyecto diseñado expresamente como el bloqueo a una iniciativa de reforma megalómana por parte del Ministerio, con el habitual borrado de la historia simbólica del edificio (un lugar ocupado durante años por las trabajadoras del tabaco con gran capacidad de influencia), se traducía en un peculiar contrato de uso con la administración por parte de los habitantes del barrio de Lavapiés en Madrid, que se organizaban internamente de modo asambleario. La crisis hacía inviable para las arcas ministeriales por el momento la nueva y desaforada inversión de un centro cultural en el que la arquitectura estelar e invasiva se consagraba a un nuevo programa de gentrificación vertical, no demandada por la base popular del barrio y, sin embargo, rentable como nuevo icono de una acción política reformista y maquilladora. La sospecha o la precaución formulada por Santi Eraso debe confrontarse con la pluralidad de opciones que pueden desplegarse en función del contexto, pero supone una objeción necesaria en las premisas de esa interlocución con los poderes públicos a tenor de la actual coyuntura. Del mismo modo sería importante retener el comentario de Miguel Ángel Fernández en esa misma discusión acerca de las diferencias sustanciales de los contextos de Madrid y Castilla y León al fantasear con modelos siquiera parecidos.
Hay un peligro real que por mi parte comentaba a François Piron después de su relato de la experiencia de Les Laboratoires de Aubervilliers. En el proyecto desarrollado en Francia el artista Thomas Hirshorn montaba una especie de museo provisional y efímero a partir de medios precarios y bricolage colectivo en el que se implicaba a las comunidades marginales de esta ciudad satélite de París. Tras instituirlo como museo se conseguía forzar la maquinaria administrativa del Centre Georges Pompidou para que cediera algunas obras fundamentales de la historia del arte moderno, que eran prestadas de modo excepcional para formar parte de la obra de Hirshorn. La comunidad local se implicó en las tareas propias del museo asumiendo la responsabilidad y el trabajo efectivo de vigilancia, conservación, catalogación y documentación de las obras prestadas. La capacidad de estímulo entre la población local ofreció interesantes respuestas que desbordaban las apariencias de las habituales terapias ocupacionales ideadas desde la administración, mostrando un aspecto novedoso que no pasaría desapercibido. Paradójicamente la experiencia estimuló el interés de algunas autoridades políticas que reclamaban una continuidad de la idea. En ese momento los organizadores de Les Laboratoires invocaron la autonomía del artista y su obra, la de Thomas Hirshorn, para enfatizar el carácter temporal de la acción y para, a fin de cuentas, devolver a cada uno a su lugar al igual que las obras eran restituidas intactas a su lugar de origen. Este retorno al orden de las cosas tras la promesa idealizada de un evento excepcional se parece demasiado a una clausura en el ámbito autonómico del arte de lo que en apariencia parecía desbordarlo. Es decir, el resultado final es si cabe más hermético y autosuficiente que las obras de arte abstracto que se habían mostrado. Se daba así con un escollo paradójico y ejemplar de las contradicciones de la práctica artística contemporánea y de su confusión con el aparato institucional que la propicia. La acción de inmersión social en un contexto concluía como un fenómeno exitoso dentro de las propias coordenadas del arte, pero no trascendente para la comunidad más allá de lo que sería un buen recuerdo del excursionismo de unos días de museo improvisado. La apropiación de los medios de producción y recepción artística por parte de la gente en un evento creado desde el propio discurso artístico reinvierte el capital simbólico adquirido en esa operación en el refuerzo de su propia autonomía.
Esta situación, que por falta de tiempo apenas pudo ser comentada en el propio foro que habíamos creado, afecta a muchos de los productos artísticos e institucionales en la actualidad y ni siquiera “Toda práctica es local” escaparía a la sombra de esta paradoja. Algunos han sugerido que la tendencia natural de la institución a apropiarse de los contenidos y las iniciativas de base podría afectar al proyecto que hemos compartido en marzo. En mi opinión esto depende de las acciones que se deriven de los diálogos mantenidos, de las ganas de sostener ese diálogo con los museos o con la administración, y de la capacidad de articulación interna de un sector en el que no somos tantos como para que resulte inmanejable. En este sentido sospecho que siempre se ha exigido a la plataforma la efectividad que sólo depende de los agentes activos, decididos a actuar. “Toda práctica es local” es un foro que se ha calificado de estéril, pero en él se han oído por primera vez algunas cosas y se han visto las caras personas que quizá debieron reunirse o deberán hacerlo en algún momento. En este aspecto, además de estas ya demasiado extensas conclusiones, propondré una reunión entre quienes nos vimos en marzo abierta todo aquel que quiera sumarse para ofrecer a las administraciones un informe consensuado que aporte las valoraciones y las necesidades detectadas. Esta reunión muy bien podría ser la base de constitución, si los agentes lo desean, de un consejo civil de las artes en Castilla y León, una cuestión que ha estado en la mente de todos durante estos últimos años.
En todo caso no puedo terminar sin agradecer muy sinceramente la participación de todos los asistentes que situaron la discusión y los diálogos en un nivel difícil de alcanzar en foros abiertos como éste. Creo que la madurez del conjunto de los trabajadores culturales debería hacerse efectiva sobre el terreno con propuestas concretas algunas de las cuales ya hemos podido ver y sirven de estímulo para continuar este trabajo.

El Secretario General confirmó su compromiso con el Documento de Buenas Prácticas en Museos y Centros de Arte y tuvo una actitud receptiva hacia las peticiones de los representantes de los colectivos, entre ellas la de que la Consejería no siga apoyando económicamente a la BIACS. Una vez abierto este canal de diálogo, existe la intención de favorecer la participación de los profesionales del arte en los procesos de definición y desarrollo de diferentes proyectos, como el C4 de Córdoba o el programa Iniciarte. A pesar de estas señales favorables, advertimos de que los recortes presupuestarios que afectan ya a la mayoría de museos, centros, programas y ayudas, están paralizando la actividad en nuestro sector y reclaman a la Junta de Andalucía un compromiso real con la cultura y el arte, traducido en una dotación presupuestaria adecuada que apueste por la producción artística y apoye las diferentes actividades profesionales en el ámbito del arte.

Artistas Visuales de Andalucía (AVA)
Asociación de comisarios andaluces (en constitución)
Consorcio de Galerías Españolas de Arte Contemporáneo
Consejo de Críticos y Comisarios de Artes Visuales
Instituto de Arte Contemporáneo (IAC)
Mujeres en las Artes Visuales (MAV)
Plataforma de Profesionales de Arte Contemporáneo de Córdoba (PPAC)
Plataforma de Reflexión de Políticas Culturales (PRPC)
Plataforma por el Centro Guerrero

José Manuel Costa, presidente del Consejo de Críticos y Comisarios de Artes Visuales
Alberto de Juan, en representación del el Consorcio de Galerías Españolas de Arte Contemporáneo
Elena Vozmediano, presidenta del Instituto de Arte Contemporáneo IIAC)
Rocío de la Villa, presidenta de Mujeres en las Artes Visuales (MAV)
María Noguerol, coordinadora de la Unión de Asociaciones de Artistas Visuales (UAAV)
El documento está firmado también por la Asociación de Directores de Arte Contemporáneo (ADACE), que no ha podido organizar su presencia en el acto.

Se ha puesto de manifiesto la necesidad y la firme voluntad de todas estas asociaciones de contribuir activamente a la superación de la grave crisis que afecta a este sector económico, el cual tiene un gran potencial en la generación de riqueza para el país a la vez que sirve a la sociedad como generador de cultura. Deseamos transmitir a las administraciones, los organismos con competencias en este ámbito, los medios de comunicación y, principalmente, la sociedad:
-una valoración positiva de la creación artística y de la labor de los profesionales de todo tipo que integran el sistema del arte en España
-una reclamación de medidas urgentes de carácter político, económico y administrativo, que frenen la caída del empleo, la disminución de la oferta cultural y la pérdida de patrimonio artístico contemporáneo
-la exigencia de una planificación a medio plazo que garantice, con medidas de gran calado referidas a la educación y a la gestión cultural pública, el provecho social y el mejor rendimiento cultural de las inversiones públicas
-un compromiso, basado en las buenas prácticas profesionales y el apoyo mutuo entre los diversos agentes, para poner en valor la obra de los artistas españoles y ofrecer perspectivas de futuro a los jóvenes artistas, críticos, comisarios, galeristas…

Este documento se dirige al propio sector, a los aficionados al arte y a todas las administraciones públicas -estatal, autonómicas, municipales, diputaciones y cabildos- con la petición de que las medidas propuestas sean tenidas en cuenta desde este mismo momento en el diseño de las políticas culturales, con especial interés en que sean contempladas en el “Plan estratégico para las artes visuales” que el Ministerio de Cultura desea consensuar con las comunidades autónomas y los representantes del sector.

Asociación de Directores de Arte Contemporáneo (ADACE)
Consejo de Críticos y Comisarios de Artes Visuales
Consorcio de Galerías Españolas de Arte Contemporáneo
Instituto de Arte Contemporáneo (IAC)
Mujeres en las Artes Visuales (MAV)
Unión de Asociaciones de Artistas Visuales (UAAV)

MEDIDAS DE APOYO AL SECTOR DEL ARTE

El sector de las artes visuales en España atraviesa, en un contexto de grave crisis económica generalizada, un momento de particular dificultad. Su potencial para el desarrollo económico y sus beneficios sociales no han sido suficientemente reconocidos y, a las tradicionales carencias —deficiencias educativas, falta de planificación, mercado inestable, ausencia de los incentivos fiscales necesarios para facilitar la afluencia de capital privado al sector…— se suma ahora una durísima caída en la financiación pública que está afectando de manera muy notable no sólo a los museos y centros en todas las comunidades autónomas sino también a una gran cantidad de profesionales autónomos, de empresas y de artistas. El arte no es un lujo prescindible sino un bien de primera necesidad que fortalece nuestra identidad cultural y prestigia la proyección de nuestro país al resto del mundo.

Urge que todas las administraciones tomen algunas decisiones políticas que eviten la paralización de la actividad cultural y económica que el sector aporta a la sociedad y, al mismo tiempo, planificar medidas a medio y largo plazo que garanticen no sólo la conservación del tejido institucional, empresarial y profesional existente sino también su crecimiento y su expansión internacional. Por su parte, el sector ­—todos quienes componen el entramado del sistema artístico en nuestro país— refuerza en este contexto de crisis el apoyo mutuo entre sus diferentes agentes y apuesta decididamente por la producción artística española, manifestando su compromiso para construir estrategias que fortalezcan su prestigio dentro y fuera de nuestras fronteras.

MEDIDAS URGENTES

1. Pacto de Estado
Resulta ya inaplazable que los partidos políticos establezcan un Pacto de Estado para vertebrar la cultura en el Estado español y para definir el organismo encargado de la difusión internacional de la cultura y del arte producidos por los profesionales del sector: un organismo estable, independiente y al margen de los cambios partidistas marcados por las convocatorias electorales.

2. Moderación en los recortes presupuestarios a las instituciones culturales
El gasto en cultura es mínimo, si se compara con otras partidas presupuestarias. Los presupuestos, ya antes muy ajustados, de la mayoría de museos y centros de arte no soportan los recortes que se están aplicando. Los recortes acumulados de 2010 y de 2011 impiden desarrollar las actividades para las que fueron creados, reduciendo en ocasiones sus funciones al mero mantenimiento del edificio y del personal básico. El Estado, las comunidades autónomas, las diputaciones provinciales, los cabildos y los ayuntamientos tienen que responsabilizarse del funcionamiento eficaz de nuestras instituciones artísticas, dotándolas de un presupuesto adecuado.

3. Puntualidad en los pagos
Las demoras crecientes en el pago tanto de adquisiciones como de servicios profesionales, de subvenciones y ayudas ahogan, en el contexto de crisis, a las empresas, los autónomos y los artistas.

4. Inversiones del 1% cultural en promoción del arte actual
Muchas administraciones están incumpliendo lo que marcan sus propias legislaciones, o lo están haciendo sin criterio. Pedimos que se establezcan programas y criterios para realizar estas inversiones, aplicados con total transparencia en todas las administraciones. Solicitamos que se aplique un porcentaje estable del 1% cultural a la promoción del arte actual, con adquisiciones y realización de proyectos artísticos en espacios públicos. En los casos en que la legislación no lo contemple, pedimos que ésta se modifique para hacerlo posible.

5. IVA cultural para el mercado del arte
Es imposible que nuestro mercado artístico funcione si no tenemos un IVA cultural. El 18% aplicado actualmente a las ventas en las galerías de arte hace imposible la competencia en la escena internacional.

6. Ley de Mecenazgo
Que incluya las máximas desgravaciones no sólo para la financiación de instituciones de titularidad pública y eventos organizados por las administraciones sino que también contemple beneficios para las donaciones, daciones y adquisiciones de obras de arte actual (y no sólo de bienes de interés cultural) por parte de colecciones particulares y corporativas, al igual que ocurre en los países de nuestro entorno.

7. Internacionalización
Somos conscientes de que el Ministerio de Cultura y la AECID están elaborando estrategias para la promoción interior y exterior del arte español, que deberían ser consensuadas con los profesionales del sector y que  deberán acompañarse de una financiación pública adecuada. Esos planes están tardando demasiado tiempo en hacerse públicos y en ponerse en marcha. Es necesario que se planifique seriamente y a largo plazo, evitando las improvisaciones.
Desde la Transición, el sistema del arte español ha estado volcado en superar el aislamiento heredado, impulsando el conocimiento del arte internacional: este objetivo ya se ha cumplido. No se trata de recaer en prácticas “localistas” ni “provincianas”. Pero sí de tratar la producción artística y la del resto de los profesionales (reflexión critica, proyectos curatoriales, etc.) de nuestro país con similar relevancia y dotación presupuestaria.

8. Igualdad
Con el fin de no mermar la excelencia del arte contemporáneo en España, es necesaria la aplicación de la igualdad efectiva de oportunidades establecida por la legislación vigente; así como la optimización y la transparencia de la gestión en todos los niveles, desde la fase de formación y profesionalización, hasta las más altas instituciones, que han de convertirse en referencia del prestigio del arte español.

MEDIDAS A MEDIO PLAZO

1. Reforma de los programas educativos
El aprecio del arte se fundamenta en la educación. La escasez de contenidos artísticos en los programas de enseñanza primaria , secundaria y universitaria hipoteca el futuro del sector.
Los medios de comunicación públicos deberían asimismo prestar una atención más constante y rigurosa a la formación cultural de los ciudadanos.

2. Recuperación de los presupuestos para cultura
Se utiliza a menudo la cultura como elemento que apuntala el discurso político sin que las declaraciones se acompañen de la necesaria generosidad presupuestaria. En las dos últimas décadas las inversiones se han hecho en nuevas infraestructuras, descuidando el sostenimiento de los proyectos. Es necesario que las instituciones culturales tengan, en todas las administraciones, presupuestos propios y estables que les permitan cumplir con sus objetivos.
 
3. Estructuras de gestión de las instituciones culturales que permitan una mayor autonomía administrativa
La dependencia excesiva del aparato burocrático hace que las instituciones culturales sean menos eficaces. El Documento de Buenas Prácticas en Museos y Centros de Arte Contemporáneo, elaborado por algunas de las asociaciones firmantes y suscrito por el Ministerio de Cultura, hace unas recomendaciones muy claras sobre la gestión de los museos y centros que defendemos. Pedimos a las administraciones autonómicas y locales que suscriban ese documento y lo apliquen a los museos y centros que dependen de ellas.

COMPROMISOS QUE ADQUIERE EL SECTOR

Paralelamente, como sector, nos comprometemos a establecer un marco de relaciones solidario fundamentado en las buenas prácticas profesionales (contratación, respeto a los derechos que la Ley reconoce a cada uno de los agentes, honorarios adecuados, transparencia), con vocación de servicio a la sociedad y con perspectivas de futuro para los jóvenes artistas, críticos y comisarios, galeristas… que incluya los siguientes propósitos:
 
1. Todos los agentes que forman el sector del arte dedicarán una especial atención en sus programas y actividades a posibilitar la producción, exhibición y adquisición de obras de artistas españoles o establecidos en nuestro territorio (tanto hombres como mujeres) de modo que puedan ser puestas en relación con el trabajo realizado en el ámbito internacional.

2. Los museos e instituciones públicas se comprometen a realizar un esfuerzo especial, con la imprescindible ayuda de los organismos estatales y autonómicos con competencias en acción cultural exterior, en la exportación de las exposiciones de producción propia que incluyan obras de artistas españoles. Esta es una de las bazas fundamentales para internacionalizar el sector del arte español.
 
3. Las instituciones tendrán en cuenta, a la hora de elaborar sus programaciones y sus publicaciones, la labor de los comisarios y críticos afincados en nuestro país para que su trabajo pueda ser contrastado con el de los foráneos.

4. Es importante considerar el elevado crédito de los comisarios españoles en el circuito del arte internacional. A diferencia de otros agentes del sector, su influencia está más asentada y es indispensable su concienciación acerca de la necesidad de apostar por nuestros artistas.
 
5. Cuando un museo o institución pública desee adquirir una obra de arte, sea de un artista español o extranjero, se dirigirá al artista o a la galería española que lo represente. Este apoyo, que ya se da en otros países de nuestro entorno, supone un reconocimiento a la labor de promoción que realizan las galerías españolas.

6. Las galerías deberían asimismo continuar velando por la promoción de los artistas españoles poniendo todos sus medios en dignificar y difundir sus obras entre todos los agentes del arte: críticos, comisarios, medios de comunicación, responsables de museos y centros de arte y coleccionistas. La participación en ferias de arte y la colaboración en la producción artística son también elementos fundamentales.
 
Estas medidas tienen como objetivo dinamizar el sector del arte actual. Al movilizar toda la cadena de agentes que participan en su entramado se fortalecerá del sistema en su conjunto, asegurando su continuidad y proyección de futuro, su incidencia social y su sostenibilidad económica.

Asociación de Directores de Arte Contemporáneo (ADACE)
Consejo de Críticos y Comisarios de Artes Visuales
Consorcio de Galerías Españolas de Arte Contemporáneo
Instituto de Arte Contemporáneo (IAC)
Mujeres en las Artes Visuales (MAV)
Unión de Asociaciones de Artistas Visuales (UAAV)

Sala Parpalló
C/ Alboraia, 5. Valencia

Comunicado AVCA
El pasado miércoles, 8 de diciembre, una noticia aparecida en el diario Las Provincias anunciaba el traslado de la Sala Parpalló, desde su actual ubicación en la calle Alboraia de Valencia, anexa al Convento de la Trinidad, al Museu Valencià de la Illustració i de la Modernitat (MuVIM). La información desde entonces ha sido confusa y escasa, muy escasa, si atendemos al hecho decisivo que implica este traslado y posible posterior merma en la producción y difusión de exposiciones de arte contemporáneo. Ante lo cual la Associació Valenciana de Crítics d’Art (AVCA), quiere exponer lo siguiente:

1.La Sala Parpalló, como institución dedicada a la difusión del arte contemporáneo, con 30 años de trayectoria, necesita un espacio independiente en el que poder desarrollar sus actividades con plena capacidad autónoma. Los sucesivos traslados de esta institución le hicieron recorrer cuatro sedes en sus tres décadas de existencia, pasando de la histórica sede en la calle Landerer al Centre de la Beneficència, de ahí al MuVIM, cuando éste se inauguró en el año 2000, siendo ubicada en la denominada sala Alfons Roig y de aquí, en 2005, a lo que parecía su emplazamiento definitivo en la actual calle Alboraia, la única sede, aparte de la originaria, con autonomía. Durante los cinco años y medio en que ha estado en la sede de la calle Alborada, la sala se ha incorporado efectivamente a la programación artística contemporánea de la ciudad, ha consolidado un espacio más allá del centro urbano y conseguido un público fiel y numeroso que acude a las inauguraciones, visita las exposiciones y participa en los talleres, conferencias y ciclos programados.

2.Entendemos que este traslado –una suma que resta- cuya versión oficial indica que se debe a la necesidad de ahorrarse los gastos corrientes que ocasiona el propio espacio, podría implicar una merma en su actividad o incluso una existencia aparente, pues al sumarse a las salas del MuVIM, lo que realmente hará es restarle tanto a éste como a la propia Sala Parpalló espacio, proyectos y, en definitiva, lugares y visibilidad de creación y difusión para el arte más contemporáneo, en una ciudad como Valencia ya de por sí falta de este tipo de proyectos culturales, y que se añadiría históricamente al cierre del Centre del Carme, realizado en 2002.

3.En calidad de profesionales del arte contemporáneo y atendiendo a la preocupación cultural de los valencianos, siempre sensibles a la creatividad artística, creemos necesario que la Diputació de València aclare:
a. El futuro inminente de la Sala Parpalló.
b.La continuidad de la programación ya comprometida, en la que profesionales de diferentes campos están trabajando desde hace meses y se encuentran ahora en la incertidumbre sobre si sus proyectos se culminarán o no.

4.Consideramos que la Sala Parpalló debe mantenerse en su actual sede de la calle Alboraia o, en todo caso, ser alojada en dependencias de la propia Diputació de València que no pusieran en riesgo el número y la calidad de exposiciones de arte contemporáneo, como podría suceder en el caso de su hipotético traslado al MuVIM.

Associació Valenciana de Crítics d’Art -AVCA

El Instituto de Arte Contemporáneo (IAC), ha advertido que el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo “no tiene ni espacio ni presupuesto” para acoger el programa Iniciarte, pretensión de la Consejería de Cultura después de que en el día de ayer abandonara de manera defitiniva la que hasta ahora fuera su sede, la Iglesia de Santa Lucía.
La portavoz del IAC, Elena Vozmediano, lamentó la actuación “improvisada” de la Consejería de Cultura en este sentido y advirtió de que el cierre del espacio expositivo pone “pendiendo de un hilo” el Programa Iniciarte.
En este sentido, dijo que, además, la sala dedicada al programa en Córdoba “está funcionando a medio gas” y “no tiene la suficiente entidad como para recoger su actividad”. “Esperamos que Cultura dé un solución, porque hasta ahora ha actuado de manera improvisada y sin estrategias definidas para impulsar el arte contemporáneo”, señaló.
Asimismo, insistió en lo “preocupante” que es el cierre del Espacio Iniciarte, pues significa “no soló la clausura de un recinto expositivo, que ya de por sí es importante porque hay pocos en Sevilla”, sino que “deja en el aire un programa muy importante de apoyo a los artistas, adquisiciones y becas en un contexto de mercado de arte muy débil como es el de Andalucía”.
En esta línea, lamentó que el sector del arte contemporáneo en la región “no cuente con una implicación muy clara de las administraciones ni de las empresas privadas para apoyar el coleccionismo y permitir que simplemente exista el arte contemporáneo”.
A ello se une, indicó, que en Andalucía el sector profesional del arte contemporáneo “no está estructurado y no lucha por defender el espacio en el que puede crecer”.
A este respecto, apuntó que se ha habilitado la web ‘porelarte’ para recabar apoyos en defensa del arte, consiguiendo recoger hasta el momento unas 300 firmas de adhesión.

Cultura cierra su proyecto Espacio Iniciarte en la iglesia de Santa Lucía

Amalia Bulnes, Sevilla Actualizado 22/06/2010 22:12

La Junta de Andalucía se desprende de la sala expositiva icono de sus políticas de arte contemporáneo.

La desacralizada iglesia de Santa Lucía de Sevilla, que la Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía había erigido como buque insignia de sus políticas dedicadas al arte contemporáneo, cerrará sus puertas como espacio expositivo el 27 de julio, una vez que se clausure la exposición Afterpost. Más allá de la fotografía, actualmente en cartel. La decisión fue comunicada ayer al personal de la sala, coordinada por Cristina Garcés, y ratificada a este periódico por fuentes de la consejería, que argumentaron los ya recurrentes “ajustes económicos” para justificar el cerrojazo.

Poco más de dos años -Espacio Iniciarte se inauguró el 22 de noviembre de 2007 con una exposición de la artista sevillana María Cañas- ha durado la impetuosa exhibición de apoyo al arte emergente de la Junta de Andalucía, que gastó 579.000 euros en la rehabilitación de la iglesia de Santa Lucía y que se abrió como punta de lanza de una red de espacios expositivos en cada una de las ocho provincias andaluzas. Según aseguró ayer a este periódico la misma fuente, la explicación política de los reajustes económicos se completa con una “intención” de “rentabilizar más las instalaciones del Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (CAAC)”, dentro del cual se habilitaría “una sala dedicada al desarrollo del programa Iniciarte”.

De las declaraciones de la Consejería de Cultura se desprende que el departamento de Paulino Plata -y más concretamente la Dirección General de Museos, de donde depende Iniciarte y que capitanea Inmaculada López Calahorro- no ha tomado aún una decisión política acerca de la continuidad o no del programa Iniciarte de ayuda al arte emergente, al asegurar simplemente que “continúa el proyecto”, aunque sin precisar si lo hará “de un modo integral o será redefinido en función a la partida presupuestaria”.

El programa Iniciarte de la Consejería de Cultura -que se ha pavoneado en cada edición de ARCO desde su creación- es un proyecto que incluye ayudas a artistas emergentes, la celebración anual de los Premios Iniciarte, un capítulo de adquisiciones, la apertura de una sala de exposiciones en cada una de las provincias (hasta ahora estaban operativas Santa Lucía en Sevilla y una de reciente inauguración en Córdoba) y la producción de proyectos artísticos concretos.

De este modo, Iniciarte ha gastado cada año en ayudas 675.000 euros en una media de 150 proyectos. Los Premios Iniciarte, por su parte, están dotados con 30.000 euros para cada uno de los tres galardonados de cada edición; mientras que el capítulo de adquisiciones -para la composición de la que fue llamada Colección de Arte Emergente de la Junta de Andalucía- ha contado con un presupuesto que rondaba los 120.000 euros anuales.

Pero la culminación del programa -y “de todo el apoyo prestado a la creación contemporánea” en aquella legislatura- fue la apertura, el 22 de noviembre de 2007, del Espacio Iniciarte en la iglesia de Santa Lucía, un edificio que es propiedad de la Junta y del que aseguran que ya está decidido su futuro uso. Fuentes de la Consejería de Cultura se negaron a desvelar, no obstante, la ocupación que tendrá el edificio, quedando en el aire si volverá a ser un espacio abierto al público o se le reservará un uso administrativo.

Con el cierre de Santa Lucía desaparece también la hemeroteca del centro, en la que hasta la fecha pueden consultarse libremente publicaciones periódicas especializadas, así como una selección de los catálogos o libros sobre la exposición vigente.

EL CORREO

Plata afirma que el programa Iniciarte estará “más cómodo” en el CAAC

José Gallego Espina / Mónica Ureta Actualizado 23/06/2010 22:29

El programa Iniciarte, impulsado por la Consejería de Cultura para apoyar el arte contemporáneo emergente en Andalucía, no va a desaparecer. Así lo garantizó ayer el responsable autonómico del ramo, Paulino Plata, que no quiso concretar qué cambios va a experimentar este proyecto, por qué se cierra la desacralizada Iglesia de Santa Lucía o qué uso se dará a partir de julio a este edificio, reabierto en 2007.

“El programa Iniciarte se mantiene. Sólo cambia la ubicación”, dijo ayer el consejero a los periodistas que le cuestionaron sobre este asunto –adelantado ayer por El Correo– en los pasillos del Parlamento andaluz.

Plata anunció oficialmente que Iniciarte deja Santa Lucía para instalarse en el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (CAAC), donde ocupará una zona específica.

“Contará con unas instalaciones magníficas, porque se van a poder desarrollar actuaciones en un lugar específico del centro”, subrayó. Es más, a su juicio, Iniciarte “estará más cómodo” en el Monasterio de Santa María de las Cuevas. “De hecho, se va a modificar y enriquecer este programa para que albergue exposiciones de mayor calado”, añadió el consejero de Cultura.

En cuanto al futuro de la desacralizada iglesia de Santa Lucía, en cuya adaptación para usos expositivos la Junta se gastó 579.000 euros en 2007, Plata no quiso aclarar nada. “No se puede adelantar mucho”, se excusó, antes de avanzar que su departamento baraja dos opciones, aunque no especificó si tendrá uso cultural o administrativo.

Según aseveró, ninguno de los nuevos posibles destinos para Santa Lucía supondrá un gran desembolso económico, algo relevante teniendo en cuenta que el martes Cultura argüía “recortes presupuestarios” para justificar el cierre de este edificio, buque insignia de las políticas dedicadas al arte contemporáneo del ex director general de Museos, Pablo Suárez.

En cualquier caso, al margen de las cuestiones económicas, la decisión política de cerrar Santa Lucía y reorientar Iniciarte se ha ejecutado sin ninguna transparencia por parte de la consejería –desde el martes este periódico está tratando de hablar con la nueva directora general de Museos y Arte Emergente, Inmaculada López Calahorro, sin que ésta quiera ponerse al teléfono– y con cierto grado de improvisación, ya que ni siquiera se sabe qué parte del CAAC se dedicará a este nuevo uso, a qué cuentas se cargarán las exposiciones “de más calado” que se organicen en la Cartuja –el centro andaluz dispone de presupuestos propios– ni cuándo comenzará a funcionar este nuevo modelo.

De momento, lo que es seguro es que Santa Lucía cerrará sus puertas como espacio expositivo el 27 de julio, una vez que se clausure la exposición que actualmente alberga, Afterpost.

Al margen de lo que el futuro –y la crisis– depare al programa Iniciarte, El Correo contactó ayer con expertos del sector y artistas que han tenido relación con este programa de apoyo a la creación de artistas jóvenes. Todos coincidieron en subrayar lo positivo de esta apuesta de Cultura, y confiaron en que a pesar de los recortes no desaparezca totalmente. Sin embargo, una parte de ellos llamaron la atención sobre el escaso control artístico que la consejería ha mantenido sobre las ayudas concedidas para las iniciativas subvencionadas –unos 675.000 euros en una media de 150 proyectos–. Éste es uno de los aspectos que algunos artistas esperan que cambie aprovechando esta coyuntura.

DIARIO DE SEVILLA

Una vuelta al pasado

La indiferencia de la Administración respecto al arte del presente prevalece en el cierre de Espacio Iniciarte sobre el ajuste económico
Juan Bosco Díaz Urmeneta / SEVILLA | 24.06.2010

Hace poco más de cinco años se abría en Andalucía una prometedora vía para el conocimiento y el ejercicio del arte contemporáneo. Iniciarte en efecto quería andar ese doble camino: fomentar el conocimiento riguroso (de la información a la investigación) de cuanto se hace hoy en arte y apoyar a los autores jóvenes impulsando sus iniciativas, no precisamente uniformes, como corresponde a la pluralidad contemporánea. Ambas líneas de acción contaban con el soporte económico de becas y ayudas.

Al poner en marcha tal iniciativa la Administración autonómica demostró una sensibilidad de la que tanto entonces como ahora carecen la mayor parte de los ayuntamientos y diputaciones andaluzas. Parecía que una parte de la Administración despertaba del sueño pertinaz en los laureles del pasado, renunciaba al fácil populismo (denominador casi común de las políticas culturales en Andalucía) y apostaba por el arte del presente.

Tal opción no estaba exenta de sagacidad: por esos años aparece una vigorosa generación de autores jóvenes que marca un nuevo florecimiento en el arte contemporáneo en Andalucía. Esa generación no había recibido demasiado del sistema educativo andaluz (siempre reticente hacia el arte actual) pero se interesó desde el principio por el quehacer contemporáneo, tendió puentes con otros jóvenes autores dentro y fuera de España, apostó por la diversidad de soportes artísticos (de la pintura al arte tecnológico) y prefirió medirse con otras latitudes en vez de quedarse en casa. Iniciarte nació con esa generación: puede que garantizara su continuidad (que ha demostrado sobradamente ser fértil) pero sobre todo, al ser un proyecto a largo plazo, serviría para catalizar el quehacer de autores aún más jóvenes (como así lo ha hecho).

Esta labor de promoción, bastante silenciosa, con becas y ayudas eficaces sin ser desmesuradas, se completó desde el año 2007 con exposiciones vinculadas a los premios concedidos cada año. Para ello se contó con el templo desacralizado de Santa Lucía. Era interesante su ubicación (el barrio sevillano de San Julián) y su espacio (que obligaba a cada autor a repensar su trabajo) pero también el hecho de conectar el antiguo recinto con el arte actual. Las exposiciones celebradas arrojan además un excelente balance: hay notables diferencias entre las ideas de María Cañas y Jesús Palomino, Simón Zabell y Santiago Cirugeda, o Cristina Lucas y Juan Carlos Bracho, pero todos supieron articular el espacio en muestras que fueron bien acogidas por la crítica más allá de Andalucía.

A todo esto hay que añadir dos capítulos más: la publicación de Arte desde Andalucía para el siglo XXI, que da cuenta de cuanto se está haciendo por los autores jóvenes y quizá supla la corta información que de ellos da el sistema educativo, y la Colección Iniciarte, una iniciativa feliz, dada su calidad de la que dejó constancia una reciente exposición en Madrid.

Todo esto parece hoy amenazado. El cierre de Santa Lucía pone fin a las exposiciones. Se dice que se harán en una sala del Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, pero se sabe de sobra que el Centro carece de sitio aun para acomodar su propia colección con el rigor que merece. La reducción de los presupuestos del Centro hace pensar además que tampoco habrá recursos para dicha sala, caso de que hubiera sitio. Por otra parte, los fondos destinados a becas y ayudas se restringen, se dice, a poco más de la mitad. Es, a mi juicio, otro error: las becas concedidas tienen una rentabilidad nada despreciable porque los jóvenes, con poco, son capaces de hacer mucho. Pero si no tienen nada, nada podrán hacer.

Puede que me equivoque y ojalá sea así, pero la impresión es que la obligada reducción presupuestaria va a descargarse sobre todo en el arte contemporáneo. Hace algunos años intenté mostrar que el arte moderno y contemporáneo en Andalucía apenas ha tenido apoyos institucionales. Sucesivas generaciones lograron visibilidad gracias a galerías madrileñas o a iniciativas privadas (a veces heroicas) en Andalucía. Iniciarte (junto al CAAC y al Centro José Guerrero) pareció romper esa tendencia. Por fin se iba a hacer lo que exigían los tiempos: atender al arte actual, formar espectadores acordes con la época, establecer comunicación con circuitos internacionales, tener presencia propia en tales circuitos. Todo eso parece hoy amenazado. No por la necesidad de limitar los gastos, sino por los criterios que parecen presidir la restricciones. Volvemos al pasado, a la tradicional enfermedad de la Administración, su indiferencia (¿o desconfianza?) hacia el arte más vivo, el del presente, el que se atreve a señalar (y construir) caminos de futuro.

ABC

El arte contemporáneo, última víctima de la crisis en la Consejería de Cultura

El cierre de Espacio Iniciarte decidido por Paulino Plata hace temer a los artistas jóvenes andaluces que pueda desaparecer un programa de ayudas y becas que ha invertido en ellos más de 3 millones de euros desde 2006

Jesús Álvarez | C. B. / sevilla 30/06/2010

Gogo Lobato

La iglesia de Santa Lucía, sede de Espacio Iniciarte, se cerrará el próximo día 29 de julio «para ahorrar costes»

La crisis no se detiene en los libreros, ni en los editores, ni en los productores de cine, ni en los programadores de los teatros. La creación contemporánea es la última víctima del delicado momento económico por el que atraviesan las administraciones públicas. El cierre de Espacio Iniciarte, que la Junta de Andalucía puso en marcha en noviembre de 2008, es el primer aviso de lo que puede venir. Aunque el consejero de Cultura, Paulino Plata, anunció el pasado miércoles en el Parlamento que el programa de apoyo a los artistas emergentes andaluces impulsado desde febrero de 2006 por su antecesora, Rosa Torres, «en ningún caso, desaparecerá», son muchos los artistas que temen que el cierre de la antigua iglesia de Santa Lucía para este uso cultural sea sólo el aperitivo del abandono definitivo, encubierto en una «sección del Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, de un programa por el que Plata no parece sentir gran entusiasmo y en el que se han invertido desde 2006 unos 3 millones de euros, desglosados en 619 ayudas, 96 obras adquiridas (450.000 euros) y 12 premios de 30.000 euros cada uno. El consejero afirma que se habilitará una sala para «instalar» Iniciarte en el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, pero nadie de la Consejería confirma en este momento si Iniciarte llegará con un presupuesto digno a una institución para la que se anuncia un importante descenso de su partida anual: un millón de euros menos, es decir, de 5 a 4 millones.

Incierto futuro

Tampoco ha dicho el consejero qué va a pasar con el apartado más importante de Iniciarte, el referido al apoyo económico (becas y subvenciones a la producción) a los artistas emergentes, al que se han agarrado como a un clavo ardiendo en los últimos cuatros años. Exactamente 740.900 euros ofertó Iniciarte en 2009, según afirmó Rosa Torres el pasado mes de febrero, durante la presentación en la Sala Matadero de Madrid, de una muestra de artistas andaluces. Este dinero fue a parar a ayudas a la creación contemporánea y con él jóvenes artistas andaluces han podido disfrutar de becas en lugares como Nueva York o Berlín; galerías andaluzas han editado catálogo o realizado iniciativas conjuntas con varios artistas; y se han canalizado presentaciones en ferias internacionales y bienales. Si desaparecen parcial o totalmente las ayudas de Iniciarte, la creación andaluza más joven y el arte contemporáneo que se hace en Andalucía, en general, entraría en una situación complicada. Algunos artistas anuncian incluso que algunas galerías, ferias y certámenes podrían desaparecer.

Fuentes de la Consejería de Cultura no descartan que Iniciarte se pueda instalar en el actual Pabellón del siglo XV, dentro del Monasterio de la Cartuja, actualmente sin uso. El problema es que este espacio necesita una reforma para la que no hay dinero consignado ni lugar o partida presupuestaria de donde sacarlo, según el recorte que se ha impuesto en los presupuestos de Cultura desde la Presidencia de la Junta de Andalucía. Si se acometiera esa rehabilitación, se podría solventar el serio problema que para el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, que dirige Juan Antonio Álvarez Reyes, supondría tener que ceder parte de su reducido espacio expositivo actual a Iniciarte. Fuentes de este museo consideran, además, que supondría un «parche» que no casaría con un proyecto expositivo consolidado y con un concepto claro como es el que rige las instalaciones del monasterio de la Cartuja.

Biacs4

Que no es el mejor momento para el arte contemporáneo en Sevilla ni para la cultura, en general, lo demuestran las dificultades que está teniendo la organización de la IV Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de Sevilla para lograr patrocinios privados, tras la renuncia de la fundación de Abu Dhabi. Biacs4, que debía celebrarse este año, decidió aplazar a febrero de 2011 su fecha de inauguración, según sus responsables, «para hacerla coincidir con ARCO», la mayor feria española y una de las más importantes del mundo, que atraviesa por una grave crisis, saldada con la reciente dimisión de su directora, Lourdes Fernández.

La crisis ha llegado también a la Fundación Beulas, cuyo patronato se reunía en Huesca este lunes. El recorte ha sido muy importante en lo que respecta al presupuesto para el próximo ejercicio en el CDAN, pasando de los 1,8 millones de euros de 2007 a los 850.000 para 2010. Nada se ha dicho en el patronato del encargo del segundo edificio del CDAN a Rafael Moneo al no haber preguntado tampoco ninguno de los patronos, entre los que hay miembros del gobierno, pero también de la oposición.

En un ambiente de pesimismo y apatía, según relataba alguno de los patronos a Radio Huesca Digital, la Fundación Beulas aprobaba un presupuesto del CDAN para el próximo año muy restrictivo. Si en 2007 la dirección del centro contó con 1,8 millones de euros para el programa de actividades y en 2008 esa cantidad se fijó en 1,7 millones, en 2010 dicho presupuesto sufre una estrepitosa caída, quedando en 850.000 euros, prácticamente la mitad,

Sorprende que durante la reunión, ni el gobierno aragonés, representado por la Consejera de Cultura, ni el resto de patronos se refiriera al encargo del segundo edificio del Centro, ya que existía un compromiso incumplido por María Victoria Broto de encargar ese inmueble a principios de este año. De momento, no hay fecha par el encargo y la dirección del CDAN sigue trabajando en el programa de necesidades con Rafael Moneo.

Dicha dirección ha presentado un programa de actividades con cuatro exposiciones. La primera de ellas lleva el título de Revolviendo en la Basura de Koldo Michelena; la segunda, bajo el epígrafe de Mensurable, versa sobre cómo se mide los fenómenos naturales a través de imágenes y cine y su evolución con documentos científicos y piezas de arte; la tercera propuesta lleva la firma de Tomas Jhosua Cooper, artista británico de la generación de Richard Long, el cual se ha dedicado a fotografiar zonas inhóspitas de la tierra; por último, otro fotógrafo, Albert Gusi, de ascendencia oscense, también expondrá en el CDAN y llevará a cabo algunos talleres.

Además de estas cuatro exposiciones, se ha programado una nueva edición del Curso de Paisaje y Patrimonio.

DIEGO F. HERNÁNDEZ – LAS PALMAS DE GRAN CANARIA. El proyecto de ampliación y reforma del Centro de Arte La Regenta tendrá que esperar varios años para su ejecución. La Viceconsejería de Cultura del Gobierno canario no tiene dinero para comprometer durante 2010 y 2011 el inicio del futuro centro de producción artística diseñado por el equipo Nred Arquitectos, de José Antonio Sosa-Díaz Saavedra y Magüi González, ganadores en diciembre de 2005 del concurso convocado por la entonces viceconsejera de Cultura, Dulce Xerach Pérez.

El proyecto agotará previsiblemente dos legislaturas sin que, por condicionantes diversos, haya sido posible allanar su camino. Con Dulce Xerach Pérez, el futuro diseño de La Regenta como centro de producción, con una estructura de cuatro pisos más en altura y un ático mirador, cuya fijación al actual inmueble mantendrá inalterable la singular fachada de la antigua fábrica de tabacos, echaba el freno hasta que el Ayuntamiento de Las Palmas de Gran Canaria modificara el Plan General Municipal de Ordenación para rebajar la protección del inmueble y ejecutar el diseño de Nred Arquitectos. Ahora es la falta de liquidez presupuestaria la que amenaza con eternizar la conclusión. “Estábamos a la espera de esta descatalogación, se había hablado con el alcalde para que entendiera que era un proyecto bueno para la ciudad, y ha llegado en un momento que no tenemos un euro”, aseguró ayer el viceconsejero de Cultura, Alberto Delgado.

La imposibilidad de habilitar el presupuesto para encarar una obra con un coste estimado de seis millones de euros, resta valor en la práctica a la resolución adoptada por el Ayuntamiento sobre el encaje administrativo del futuro centro de producción artística, después que la pasada semana el Ayuntamiento accediera a modificar el citado Plan de Ordenación, en lo que afecta tanto a La Regenta como a otras proyectos ligados a la mejora y ampliación de insfraestructuras culturales y científicas de la capital grancanaria, caso de El Museo Canario y de la Casa Fuentes, en Ciudad Jardín, espacio proyectado para albergar la sede de la Sociedad General de Autores y Editores de España (SGAE) y lo que implica su red Arteria.

SIN PLAZOS. La imposibilidad de incluir a comienzo de la actual legislatura una inversión de carácter plurianual, como si se hizo para acometer la rehabilitación del Teatro Guiniguada, en la actualidad con la tercera fase del proyecto en ejecución, y que previsiblemente podría abrirse al público en mayo de 2011 tras una década en obras y con un gasto superior a los seis millones de euros. “El Guiniguada sí se salvó, pero La Regenta es especialmente complicado”, subrayó Alberto Delgado.

El titular de Cultura prefirió no avanzar plazos ni hacer cálculos sobre el calendario de futuribles obras en La Regenta teniendo en cuenta el panorama económico y los recursos que maneja su departamento. En opinión de Delgado, “tal como está la situación económica es casi imposible, y las previsiones de cara al año que vienen, apuntan que las cosas irán a peor, y eso que estamos ante un proyecto que particularmente no me parece excesivamente caro”.

Lo que está claro, al menos para el viceconsejero, es que la mejora y ampliación de La Regenta no debe estar sujeta al gobierno de turno, toda vez que el Ayuntamiento capitalino ha desbloqueado el expediente y se incluye entre los iconos culturales de la ciudad de cara a sumar puntos en la candidatura a la capital europea en 2016.

La directora del Museo, Ana Martínez de Aguilar, reconoció en la presentación de la exhibición de la obra de Robert Irwin que puede verse en el centro, que 2010 será un año “muy difícil”, con un recorte presupuestario que cifró en torno al 40 por ciento respecto al ejercicio anterior, ya que algunos de los patronos han reducido sustancialmente o incluso eliminado sus aportaciones. En total no se llegará a los 900.000 euros de presupuesto frente a los más de 1.6 millones que ha manejado en los años anteriores. Se vuelve así a las cifras que manejaba en torno al año 2002.

En concreto, Caja Madrid no destinará este año ninguna aportación económica. Ya en el año 2009 bajó a 100.000 euros los 180.000 que había invertido en 2008 y ha decidido además retirar los casi 90.000 euros que aportaba al programa educativo del Museo.

Por otro lado, la aportación de Caja Segovia se reduce a la mitad este año y las de Ministerio de Cultura y Junta de Castilla y León bajan ligeramente. Martínez de Aguilar destacó, sin embargo, el esfuerzo del Ayuntamiento y la Diputación provincial, que mantienen la ayuda económica, así como de la estadounidense Fundación Esteban y Harriet Vicente.

El Museo ha contado estos años de atrás con partidas de hasta 1,6 millones de euros, de los que unos 800.000 iban destinados a exposiciones y el resto se destinaba a cubrir gastos fijos.

Forman parte del Consorcio del Museo de Arte Contemporáneo Esteban Vicente la Diputación Provincial de Segovia, el Ministerio de Cultura, la Junta de Castilla y León, el Ayuntamiento de Segovia, Caja Segovia, Caja Madrid, la empresa lberpistas y la Fundación Harriet y Esteban Vicente.

La lógica económica, hasta ahora, ha hecho que las crisis y sus consecuentes reducciones presupuestarias se ceben con los sectores menos productivos, considerados incluso ornamentales por la sociedad y por los poderes públicos. Entre ellos, sin duda, se encuentra la cultura en general y los museos en particular (en 2010 las reducciones en los presupuestos de los museos de arte contemporáneo en España han oscilado entre un diez y un treinta por ciento). Sin embargo, en un momento económico como este en el que estamos inmersos, la lógica utilizada hasta hoy no es la que debería aplicarse a la cultura: necesitamos un cambio de modelo productivo, y parece que todos estamos de acuerdo en esto.

Se ha demostrado que la cultura, en los últimos años, es un sector en crecimiento (de hecho, hace ya tiempo que se habla de industrias culturales), capaz de aportar, según el avance ofrecido por la Cuenta Satélite de la Cultura, casi un cuatro por ciento al producto interior bruto. Por sectores, las artes plásticas se sitúan en el cuarto lugar de las aportaciones con las que se mide dicho índice. Es indudable que en la última década los museos se han convertido (en especial los dedicados al arte contemporáneo) en elementos articuladores de numerosas empresas relacionadas con el sector: galerías de arte, empresas de transporte y montaje, gabinetes de diseño, empresas de restauración, imprentas, revistas de arte, etc. Quiere decir esto que, por fin, los museos hemos empezado a quitarnos el sambenito de la falta de productividad en términos económicos; pero, además de empezar a valorarnos como un sector que tiene mucho que aportar a la nueva economía, debe añadirse lo que realmente aportan los museos a la sociedad: creatividad, innovación, educación, investigación, conocimiento y conservación del patrimonio colectivo. Es esta la verdadera contribución social de los museos, una contribución cuyo valor se mide en el largo plazo y no en el inmediato. Invertir en cultura, invertir en patrimonio, conocimiento y educación es construir futuro.

Por todo ello insistimos en la necesidad de mantener el apoyo institucional y social a las estructuras museísticas, que aún están en pleno desarrollo; cortar su impulso, castigando sus ya escasos presupuestos, es cercenar un futuro mejor para nuestra sociedad.

Lo celebramos el 18 de mayo, sí, pero todos los días que los museos abren sus puertas y ofrecen contenidos valiosos son el Día del Museo porque, en el fondo, todos los días son el Día del Público.

ADACE

Asociación de Directores de Arte Contemporáneo