Con La piel de la imagen, la editorial Sendemá inicia la colección Arte y Reflexión, que pretende cubrir el vacío actual existente de ensayos que, desde la experiencia práctica, arrojen luz sobre las cuestiones candentes y las problemáticas que se han instalado en los operadores de la escena artística y cultural, una vez desmantelados los viejos paradigmas.

La piel de la imagen; Ensayos sobre gráfica en la cultura digital. Valencia, Sendemá, 2011. 175 pp. ISBN: 978-84-938045-7-2. 18 €.

+Info: http://www.sendemaeditorial.com/

Autores: Jorge Oteiza, Santos Zunzunegui (Ed.), Jenaro Talens y Paulino Viota

Edición a cargo de la Fundación Museo Jorge Oteiza en colaboración con el Museo Nacional centro de Arte Reina Sofía, 2011.

300 páginas. PVP: 22 euros.

El libro Oteiza y el cine, editado por la Fundación Museo Jorge Oteiza en colaboración con el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, testimonia y analiza los proyectos y las reflexiones realizadas por Jorge Oteiza sobre el lenguaje cinematográfico, como un escenario de investigación estética y de “herramienta espiritual” para la creación de una nueva conciencia simbólica.

Esta publicación, que incluye dos textos inéditos de Oteiza y las aportaciones de Santos Zunzunegui (Ed.), Jenaro Talens y Paulino Viota, analiza las preocupaciones de Oteiza por experimentar con la estructura narrativa de lo cinematográfico, alejándose del dominio de lo real para optar, en palabras del propio Oteiza, por “un cine de ideas, abiertamente subjetivo, que resulte elíptico, sintético y natural”.

Oteiza, tras considerar terminada su investigación escultórica, se vio impelido, a principios de los años sesenta, a cambiar de territorio de exploración. Como expresó el artista, había llegado el momento de buscar e interpelar al espectador allí, precisamente, donde se ocultaba, huyendo de sus responsabilidades vitales. Para Oteiza este lugar venía definido por la sala cinematográfica, espacio en el que los sujetos podían vivir vidas ajenas por procuración. Para devolver al espectador perdido a la vida había que poner en juego una nueva manera de concebir el cine, capaz de capturar «a este hombre que huye y que hay que ayudar, allí dentro del cine, de la narración cinematográfica». En ese sentido, las reflexiones que Oteiza quiso trasladar al medio cinematográfico estaban fuertemente
determinadas por su propia experiencia plástica. “En esta narrativa, los episodios se producen atendiendo a las construcción de un espacio receptivo, desocupado, apto para ser ocupado por la atención reflexiva del espectador, para mi encuentro con él”.

El resultado de esta acción (ejemplo de lo que denominó «estética existencial») adoptó la forma del proyecto cinematográfico de un largometraje de ficción destinado a ser proyectado en las salas comerciales, producido por X Films, que fue conocido con el nombre de Acteón y que nunca llegó a buen puerto.

Este libro reproduce dos textos esenciales e inéditos de Oteiza: el guión titulado Escenario de Acteón, en el que pueden verse, en estado práctico, las ideas de Oteiza sobre el cine, y el denominado Estética de Acteón, documento preparado por el artista para que sus colaboradores en el proyecto pudieran imbuirse de sus opciones creativas.

Esta edición recoge también los textos analíticos Subordinaciones heterogéneas. Las “artes prohibidas” de Jorge Oteiza, a cargo de Santos Zunzunegui, coordinador del libro; Contar hasta cero (El Quousque Tandem…! y el cine), de Paulino Viota, y El «vacío habitable» de Jorge Oteiza y la interrogación sobre el sentido, a cargo de Jenaro Talens.

La presentación de este libro tuvo lugar en el Museo Reina Sofía de de Madrid, dentro de un programa homónimo que incluye un ciclo audiovisual y un seminario, que se inició el pasado día 14 y que concluiyó el viernes 21 de octubre con la intervención de Gabriel Villota titulada Los dos televisores de Oteiza y la posterior mesa redonda El cine sobre todas las artes, en la que participarán Víctor Erice, Javier Aguirre, Paulino Viota y Fernando Golvano.

Créditos:
Versión en español: www.roundtriny-es.com
Versión en inglés: www.roundtripny.com

Entrevistas:
Round Trip NY # 17. David Maroto
Round Trip NY # 18. Blanca de la Torre
Round Trip NY # 19. Bruno Le Mieux Ruibal
Round Trip NY # 20. Antón Cabaleiro
Round Trip NY # 21. Isidro Blasco

Para participar en el proyecto o para más información: info@roundtripny.com

Creación y dirección ejecutiva: Eva Mendoza Chandas

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Round Trip NY es un blog que trata el arte español en Nueva York a través de entrevistas a creadores, comisarios de exposiciones, gestores, críticos y otros profesionales dedicados a las artes visuales, cuyo trabajo se encuentra relacionado de alguna manera con esta ciudad.

Bien entrados ya en pleno siglo veintiuno, y habiendo sustituido casi por completo la pretérita tecnología analógica por su sucesora digital en esta nueva era basada en códigos binarios y píxeles, nos encontramos con un fenómeno, el de la emigración, que sigue estando vigente en nuestros días a pesar de las transformaciones socioculturales de los últimos tiempos. ¿Por qué los artistas y demás profesionales siguen escogiendo Nueva York como uno de los principales destinos? Frente a las razones para emigrar en el pasado, mucho más obvias (políticas, económicas…) hoy en día los motivos de estos flujos migratorios se nos presentan más difusos e imprecisos.

¿Qué lugar ocupa la cultura española en Nueva York hoy? ¿Hacia dónde se dirige? ¿Cómo está afectando esta situación a los ámbitos de la creación y de la gestión en el presente y qué consecuencias podría acarrear?

Este proyecto online recoge opiniones de profesionales sobre estas cuestiones y abrirá paso a otras, centrando su atención en la situación vigente y en la búsqueda de soluciones sostenibles.

Las nuevas entrevistas recogen las opiniones de los artistas visuales Isidro Blasco, Antón Cabaleiro y David Maroto, la comisaria Blanca de la Torre, en la actualidad conservadora asociada en Artium Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo de Vitoria-Gasteiz y Bruno Le Mieux Rubial, crítico de arte corresponsal en Estados Unidos de la Revista Internacional de Arte Lápiz.

Isidro Blasco, se trasladó a Nueva York en 1996 para investigar en la biblioteca y los archivos del MoMA y en Columbia University sobre su tesis doctoral en arquitectura. Blasco ha recibido importantes apoyos de prestigiosas instituciones americanas como son las becas de la Pollock Krasner Foundation, la John Simon Guggenheim, la New York Foundation for the Arts y la Rockefeller Foundation. Además, su trabajo ha podido verse en la Roger Smith Gallery y en las calles de Nueva York, como parte del proyecto de arte público Public Fund Art Project.

Enlace a la entrevista completa:
http://www.roundtripny-es.com/2011/10/round-trip-ny-21-isidro-blasco.html

Antón Cabaleiro se trasladó a Estados Unidos en 2006 para estudiar un Master en Arte y Nuevas Tecnologías en la School of Visual Arts con la financiación de una beca de la Fundación Barrié de la Maza. Posteriormente estudió un Master en Arquitectura de Paisaje en Columbia University.

El artista, que en estos momentos se prepara para una estancia en el ISCP (International Studio and Curatorial Program de NY), ha participado recientemente en la Bienal del Bronx Museum, siendo el único artista español en la muestra. Además, su trabajo ha podido verse en diferentes lugares de Nueva York como el Armory Show, P.S.1. MoMA Studio Visit, King Juan Carlos Center at New York University, MAD (Museum of Art and Design), Under the Bridge Festival (Dumbo, Brooklyn), Visual Arts Gallery, Times Square Alliance, The Drawing Center Viewing Program, Jen Beckman Gallery y en el Anthology Film Archive, entre otros.

Enlace a entrevista completa:
http://www.roundtripny-es.com/2011/10/round-trip-ny-20-anton-cabaleiro.html

Bruno Le Mieux Ruibal se trasladó a Nueva York en 2004. Es crítico de arte y corresponsal de la Revista Internacional de Arte, Lápiz.

Enlace a entrevista completa:
http://www.roundtripny-es.com/2011/09/round-trip-ny-19-bruno-le-mieux-ruibal.html

Blanca de la Torre residió y trabajó como comisaria en Nueva York del año 2006 al 2009. En la actualidad trabaja como conservadora asociada en Artium Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo de Vitoria-Gasteiz.

Enlace a entrevista completa:
http://www.roundtripny-es.com/2011/08/round-trip-ny-18-blanca-de-la-torre.html

David Maroto vino a Nueva York con motivo de una estancia en el ISCP, International Studio and Curatorial Program en Brooklyn. Maroto, que lleva alrededor de siete años viviendo y trabajando en Holanda, ha sido esponsorizado por dos instituciones holandesas para su estancia en Nueva York.
Enlace a entrevista completa:
http://www.roundtripny-es.com/2011/06/round-trip-ny-17-david-maroto.html

14 de octubre, SALAMANCA. Casa de la Conchas. 20 h.
por Manuel González Ávila y José María Larrondo

Editorial Varadero, dibujos de José María Larrondo, con el patrocinio del Instituto Municipal del Libro de Málaga.

Pedro Pizarro (Málaga 1956). Licenciado en Historia del Arte. Gestor cultural desde 1985. De 1986 a 1992 dirigió la Galería Pedro Pizarro, donde exponen artistas de la talla de Nino Longobardi, Milan Kunc, Marcus Oehlen, Cyndi Shermann, Guillermo Paneque o Curro González; así como los más destacados representantes de la pintura malagueña del momento como Diego Santos, Agustín Parejo School o José Luis Bola Barrionuevo. De 1994 a 1999 estuvo al frente de la sala de exposiciones del Colegio de Arquitectos de Málaga, donde planteó un programa para mostrar las líneas básicas del arte de la última década del arte español. De 1999 a 2003 fue director de la Fundación Picasso y coordinador de Artes Plásticas del Ayuntamiento de Málaga. Ha organizado junto con Alfredo Taján diez ediciones de las
Jornadas Internacionales de Arte Contemporáneo. En los últimos años ha comisariado exposiciones, entre
otras, Larrondo, nadador en la tormenta (encargo del Ministerio de Asuntos Exteriores. Itinerante por
Latinoamérica), Picasso: La multiplicidad del vértice (itinerante por Europa), Futurismo y cuenta nueva.
Cien años después, celebrada en las sala del Archivo Municipal de Málaga y Camuflajes (Madrid, Zaragoza,
Barcelona y Málaga. Además ha escrito numerosos textos críticos e impartido distintas conferencias.

Introducción

En los últimos meses se han venido incrementando en el sector artístico y cultural los casos de impago o de retraso en el pago de las cantidades adeudadas tanto por venta de obra como por la prestación de servicios como el comisariado u organización de una exposición o la elaboración de un texto, por ejemplo. Se trata de impagos que están ocurriendo tanto en el ámbito de las Administraciones Públicas, donde se ha disparado el número de facturas impagadas, como en el sector privado en el marco de las relaciones más comunes entre profesionales y empresas, o entre profesiones/empresas y particulares. En algunos casos el retraso en el pago excede incluso el año, lo que viene a empeorar la precariedad económica de los profesionales del sector.

Esta guía va dirigida a todos estos profesionales con el fin de que sepan cuáles son los puntos esenciales que se deben tener en cuenta y los pasos que se deben dar para conseguir el pago de las cantidades que se les adeuda. Se ha estructurado en tres partes dependiendo del tipo de agentes que intervengan en la relación, ya que los pasos a seguir para llevar a cabo la reclamación por impago serán distintos en cada caso. La primera parte se dedica a las operaciones comerciales entre profesionales y empresas del sector. La segunda explica las principales particularidades a tener en cuenta en las relaciones con particulares. Y la tercera establece los distintos caminos para llevar a cabo una reclamación cuando el profesional o empresa ha contratado con un ente, organismo o entidad del sector público. También se han incluido los principales puntos que han de tenerse en cuenta al contratar con profesionales, empresas, particulares y administraciones.

Puedes ver a continuación el índice del documento por si te interesa. Si quieres más información sobre la Guía puedes ponerte en contacto con el Instituto de Arte Contemporáneo (www.iac.org.es | secretaria.tecnica@iac.org.es) o conmigo (info@porypara.es).

ÍNDICE – Guía Legal para la Reclamación de Impagos en el Sector Artístico y Cultural.

I. Reclamaciones de impago entre profesionales y empresas.

A. ¿Qué cosas tengo que tener en cuenta en el sector privado a la hora de contratar que serán importantes para una reclamación posterior por impago?
B. He entregado la obra/he prestado el servicio correctamente, en el plazo y en el modo en que acordamos, pero todavía no me ha pagado. ¿Qué debo hacer? ¿Qué pasos debo seguir?
II. Reclamaciones de impago entre profesionales/empresas y particulares.

III. Reclamaciones de impago entre profesionales/empresas y los entes, organismos y entidades del sector público (la Administración).

A. ¿Qué elementos deben aparecer en el contrato con un ente, entidad u organismo del sector público?
B. He entregado la obra/he prestado el servicio correctamente, en el plazo y en el modo en que acordamos, pero todavía no me han pagado. ¿Qué debo hacer? ¿Qué pasos debo seguir?
a. Pasos a seguir si se trata de una relación contractual de carácter administrativo con una Administración Pública.
b. Pasos a seguir si se trata de una relación contractual de carácter privado con una Administración Pública.
c. Pasos a seguir si se trata de una relación contractual de carácter privado con un ente, organismo o entidad del sector público que no sea Administración Pública.

IV. “Recuerda”

Anexo I: Modelo de carta de reclamación de impago de prestación de servicios.

Anexo II: Modelo de carta de reclamación de impago de venta de obra.

Anexo III: Legislación de referencia.

ACCESO AL DOCUMENTO (sólo para socios del IAC)

La presentación tendrá lugar el miércoles 14 de septiembre en La Central del Raval de Barcelona (Elisabets, 6) a las 19.00 h. El escritor y ornitólogo Francisco Ferrer Lerín, el artista Ignasi Aballí, y el Director de la Fundación Arte y Derecho, José Vicente Quirante Rives acompañaran al autor durante la presentación.

David G. Torres es co-director y co-fundador de A*DESK, Instituto Independiente de Crítica y Arte Contemporáneo. Crítico de arte para El Cultural, ha colaborado también en las revistas Art Press y Lápiz, y escribe en Bonart la columna “Dada Sight!”. Desde 2005 ha sido comisario de diversas exposiciones que buscan recuperar la radicalidad en arte y en cultura trazando sus orígenes y actualidad, como: “David G. Torres presenta: Salir a la calle y disparar al azar “(Barcelona), “Attitude!!” (Montpellier), “No Future” (Londres) o “The Fashion Party Is Over” (Amberes).

Chris Burden compra un camión; Andy Warhol se come una hamburguesa en una película de Jørgen Leth, que es martirizado por Lars von Trier; Graham Gussin imita al cómico Andy Kaufman; Enrique Vila-Matas describe la pulsión negativa en la literatura; Johnny Lydon aúlla No Future… Engancha desde la primera línea. David G. Torres enhebra con habilidad hechos artísticos de muy diversa naturaleza para proponer una sugerente idea: en el arte de las últimas décadas se percibe una marcada tendencia a la ‘verdad’, en respuesta a la imposibilidad de continuar produciendo ficción, contando ‘mentiras’. Prólogo de Elena Vozmediano.

PLAZO DE PRESENTACIÓN DE OBRAS: Del 11 de abril al 22 de julio.

CONTACTO:
info@arteyderecho.org
T. 91 523 56 47
MÁS INFORMACIÓN:
www.arteyderecho.org

La Fundación Arte y Derecho convoca su séptima edición del premio “Escritos sobre Arte”, con el propósito de contribuir al fomento de la investigación y la creación literaria en materia de arte contemporáneo y con arreglo a las siguientes

BASES
Primera.- Objeto de la convocatoria
Podrán optar al Premio de la Fundación Arte y Derecho “Escritos sobre Arte”, aquellos escritos originales e inéditos que versen sobre arte contemporáneo y que estén relacionados con la creación visual. Se deja plena libertad formal para los textos (ensayo, entrevista, diario de artista, etc.…). La obra no puede haber sido presentada ni premiada con anterioridad en ningún otro certamen. Esta condición deberá mantenerse hasta el momento del fallo del jurado.

Segunda.- Beneficiarios
Los autores de los proyectos han de ser personas físicas y podrán presentar los proyectos individualmente o en colaboración con otros autores.

Tercera.- Presentación y entrega de los trabajos
La extensión del escrito no podrá ser inferior a 50 folios ni superior a 100 folios mecanografiados a doble espacio y por una sola cara.
Los trabajos que se presenten habrán de entregarse en castellano y en CD-ROM, junto con cuatro copias en formato papel. Dichas copias tienen la función de permitir la deliberación del Jurado, por lo que no se devolverán al concursante. El escrito se identificará con su título y carecerá de detalles que puedan identificar a su autor. Se incluirá un sobre cerrado, mencionándose en el exterior exclusivamente el título de la obra, mientras que en el interior se incluirá el nombre, apellidos, DNI, dirección, teléfono, fax, e-mail y “curriculum vitae” del autor. Se procederá a la apertura del sobre en el momento del anuncio del fallo del Jurado.

El plazo de presentación de los trabajos comenzará el 11 de abril de 2011 y se cerrará el 22 de julio de 2011. Las copias de los trabajos se entregarán en la sede de la Fundación Arte y Derecho: C/ Núñez de Balboa, 9, 3º dcha. 28001 Madrid, o bien se enviarán, a la misma dirección y dentro del mismo plazo, por correo certificado.

Cuarta.- Premio
De entre los trabajos presentados, el Jurado escogerá uno de ellos al que se concederá un único Premio de 6.000 €. El pago del Premio estará sujeto a la normativa fiscal vigente. La dotación de la convocatoria proviene del Fondo Asistencial y Cultural de VEGAP, el cual se nutre, de acuerdo con lo dispuesto en el artículo 155 de la Ley de Propiedad Intelectual, del 20% de la recaudación que VEGAP percibe por la gestión del derecho de copia privada.

La Fundación Arte y Derecho se reserva el derecho de edición del escrito premiado durante el plazo de un año a contar desde la fecha del fallo.

La Fundación Arte y Derecho se reserva el derecho de opción preferente para editar aquellas obras presentadas al premio que sean consideradas de su interés, procediendo a su publicación previo acuerdo con los autores y, en ambos casos, tras la suscripción del correspondiente contrato de edición.

Quinta.- Jurado
El jurado del premio será designado por el Patronato de la Fundación Arte y Derecho. El Presidente se reservará el voto de calidad en caso de empate. Actuará como Secretario del jurado, con voz, pero sin voto, el Director General de la Fundación Arte y Derecho.
El premio podrá ser declarado desierto si el jurado estima que los proyectos presentados carecen del nivel mínimo exigible. Todas las incidencias no previstas en estas bases serán resueltas por el jurado y su decisión será inapelable.

La participación en la convocatoria supone la aceptación de estas bases

Sexta.- Protección de datos
Con arreglo a lo dispuesto en la Ley Orgánica 15/1999 de protección de datos de carácter personal, la Fundación Arte y Derecho informa de que los datos proporcionados serán susceptibles de ser incorporados, si procede, al fichero de tratamiento de datos correspondiente, con el único fin de gestionar la participación en este premio así como los compromisos derivados del mismo. Los participantes consienten expresamente el tratamiento de los datos de carácter personal que para el desarrollo del presente premio proporcionan a la Fundación Arte y Derecho. Para el ejercicio de los derechos de acceso, rectificación, cancelación y oposición, tendrán que dirigirse a la Fundación Arte y Derecho, calle Núñez de Balboa, 9, 3º dcha. 28001 Madrid, como responsable del fichero o tratamiento correspondiente.

Arte/Cidade es un proyecto de intervenciones urbanas que se realiza en São Paulo, Brasil, desde 1994. El proyecto tuvo cuatro ediciones y ahora DARDO edita Arte/Cidade-Zona Leste, donde los artistas y arquitectos participantes desarrollaron propuestas de intervención para diferentes situaciones de la región.

En 2002, Arte/Cidade fue realizado en la Zona Este de São Paulo, en un perímetro de 10 kilómetros cuadrados, buscando desarrollar un nuevo repertorio estético, técnico e institucional para las prácticas artísticas y urbanísticas. En el momento en que se procesa la inserción de Brasil en el sistema económico y cultural globalizado, el proyecto discutió los procesos urbanos y los dispositivos de producción de arte.

Esta publicación, de 386 páginas a color editada y diseñada por DARDO, fue posible gracias al apoyo del Programa Brasil Arte Contemporânea, de la Fundação Bienal de São Paulo y del Ministerio de Cultura de Brasil.

Este libro presenta los resultados de la investigación y análisis de los espacios independientes y colectivos de artistas en el Estado Español desde 1980 realizado por Nekane Aramburu en el año 2010. Modelos de autogestión, producción y comunicación para la creación contemporánea que desarrollaron una labor fundamental en una época en la que apenas existían infraestructuras.

Esta otra historia de la creación contemporánea relativamente reciente pero aún desconocida, sin apenas documentar ni analizar su evolución con criterios imparciales. Por ello conocer sus génesis y mutaciones, los caminos paralelos, oscilantes y ensortijados que han recorrido en el devenir del arte entre lo oficial y lo alternativo, lo visible y lo subterráneo, resulta fundamental para comprender la situación de las prácticas creativas y modelos de gestión que están abocadas a cambios estructurales profundos tras una nueva crisis.

La actividad desplegada en estos treinta años por un gran número de organizaciones queda reflejada en la web archivoscolectivos.net.

En paralelo los agentes activos que han desarrollado su labor en estos ámbitos de la gestión cultural han trabajando en unos textos de análisis para ser publicados en esta edición: Florenci Guntín, Clara Garí, Karin Ohlenschläger, Paco Salinas, Jana Leo, Tomás Ruiz Rivas, Alicia Jiménez, Juan José Martín, Juan Ramón Barbancho, Carlos Trigueros y Nekane Aramburu han dado lugar a un manual útil y único.

Ejercicios espirituales en un túnel. En busca y encuentro de nuestra identidad perdida, constituye una obra clave para comprender, en su complejidad, el pensamiento multidisciplinar de Jorge Oteiza. Escrito, en 1965, como continuación de Quousque Tandem…! (1963), no fue publicado hasta 1983, debido a la censura franquista, reeditándose un año después en una edición corregida y ampliada. El Museo Oteiza ha revisado ahora este texto fundamental en el pensamiento estéticopoético de Oteiza, con la edición crítica dirigida por el director de la Cátedra Oteiza, Francisco Calvo Serraller, en colaboración con Emma López Bahut.
La presente edición se inicia con un prólogo titulado “El túnel del tiempo”, a cargo de Calvo Serraller, al que le sigue la edición facsimilar de la segunda edición de 1984, (ambas ediciones originales se encuentran actualmente descatalogadas) y su correspondiente traducción a euskera. Tras el texto de Oteiza, se presenta la anotación crítica (con 1.230 entradas), la bibliografía y el índice onomástico, todo ello realizado por López Bahut, profesora de la Escuela de Arquitectura de A Coruña y autora de De la escultura a la ciudad. Monumento a Batlle en Montevideo. Oteiza y Puig, 1958-60, editado por el Museo Oteiza en 2007. Este aparataje crítico permite desentrañar la compleja estructura de este volumen, sus múltiples claves bibliográficas e históricas y la propia trayectoria azarosa de su edición, recogiendo,
desde los comentarios de los censores franquistas, hasta las propias anotaciones que Oteiza realiza en su elaboración y en sus dos ediciones.
Esta publicación muestra la “hoja de ruta” propuesta por Oteiza para la activación de la cultura vasca, desde una postura estético-política, que abarca diferentes ámbitos como la poesía, educación, música, lingüística, cine, danza, o los deportes. En su peculiar estructura formada por tres ejercicios ignacianos (Importancia del artista en la vida del pueblo vasco, En esta hora para un renacimiento popular del Arte vasco y El Arte como Escuela política de tomas de
conciencia) y otros tantos apéndices, Oteiza propone un conjunto de reflexiones y acciones para lograr “salir del túnel y ver claro”, en sus propias palabras. “No escribía de lo que creía saber, era escribir para entendernos, para vivir, producir información, traducir confianza, acción, comportamientos”, señala el propio autor en la introducción a la segunda edición de este volumen.
“El proyecto de Oteiza es poético-político, algo que nos transporta al corazón del mundo moderno, en el que lo estético cobra una inusitada importancia política”, señala Calvo Serraller en su texto introductorio, en referencia a una obra realizada por “un iluso desilusionado, pero que, ante las contrariedades se multiplica y genera una espiral sin fin. Si Quousque Tandem era un compendio de todas sus intuiciones e ideas y los Ejercicios, en su redacción original, un programa de animación práctica para volver operativos sus ideales, la reedición de 1984, además de recordarlos y seguir desarrollándolos, es también el testimonio de su imposible cumplimiento”.
La publicación de Ejercicios constituye el cuarto volumen de las ediciones críticas de las obras esenciales de Jorge Oteiza publicadas por el Museo Oteiza tras Poesía (2006), Quousque Tandem (2007) e Interpretación estética de la estatuaria Megalítica americana y carta a los artistas de América. Sobre el arte nuevo en la postguerra (2007).

Museo Oteiza
de la Cuesta, 7
31486 ALZUZA (Navarra)
Tel.: +34 948 33 20 74
Fax.: +34 948 33 20 66
info@museooteiza.org

La colección de libros «Impasse» viene poniendo un especial énfasis en el tema de la exposición como plataforma de reflexión y de difusión de la creación contemporánea, y en el tema del comisariado de exposiciones como disciplina que la ampara. Varios volúmenes publicados han abordado este tema desde ópticas diferentes. En este nuevo volumen, hemos querido abordar un aspecto poco conocido en nuestro país, pero realmente relevante para la incorporación de las nuevas generaciones de historiadores y críticos de arte en el comisariado de exposiciones.La tarea desarrollada por las escuelas de formación de futuros comisarios por todo el mundo ha sido realmente significativa a lo largo de las dos últimas décadas. En este sentido, el mosaico de opiniones que recoge este volumen, en ocasiones muy entusiastas y en otras cuestionando desde dentro la viabilidad de enseñar una disciplina como ésta, nos ha permitido ofrecer un panorama sobre el tema, cuya significación la podemos encontrar en el hecho de que son los propios protagonistas los que, con la perspectiva del tiempo transcurrido, valoran su período de formación profesional.

Dentro de la colección de libros Impasse, y debido a su vinculación con el programa expositivo del Centre d’Art la Panera de Lleida desde que en 2003 éste inició su recorrido, se imponía dedicar un nuevo volumen al tema de la exposición como plataforma de reflexión y de difusión de la creación contemporánea, y al tema del comisariado de exposiciones como disciplina que la ampara. En un momento en el que a menudo se cuestiona el papel de los museos y centros de arte contemporáneo y su posición como mediadores entre la creación, los artistas y un público cada vez más amplio, la exposición se convierte en una tribuna inmejorable desde la que levantar la voz para transmitir mensajes al servicio de la creación y al servicio de la sociedad en la que vivimos. Con el convencimiento de que los conocimientos sobre la exposición se fundamentan tanto en la investigación como en la experiencia, hemos querido hacer posible este nuevo volumen de Impasse, convirtiéndolo en un mosaico de opiniones que nos permita establecer criterios de sistematización, ofrecer pautas de reflexión y valorar propuestas para impulsar proyectos expositivos en los que los componentes estéticos, éticos y conceptuales mantengan un equilibrio de fuerzas.

BEING-WITH:
COMMUNITY – ONTOLOGICAL AND POLITICAL PERSPECTIVES

Edited by Elke Bippus, Joerg Huber, Dorothee Richter, Institute for Critical Theory, Zurich University of the Arts

This edition of On-Curating.org places ontological and political perspectives on notions of community at the centre of its debate. We believe that such an explicit discussion of community on a theoretical level is an urgent requirement in the context of ‘curating’ since cultural articulations always implicitly or explicitly address and produce communities. It was Jacques Rancière in particular who in The Politics of Aesthetics: The Distribution of the Sensible pointed out the importance of access to visibility and audibility since these are what enables or prevents access to a community. ‘The distribution of the sensible makes visible who can participate in the communal according to what he does. A particular activity determines thus who is and is not capable of being communal.’ In his perspective, aesthetics, visibility and politics are causally linked.

Contributions by:
Michaela Melián, Thomas Bedorf, Jőrn Etzold, Lars Gertenbach, Ruth Sonderegger, Roberto Nigro

Supported by the Institute for Critical Theory and the Postgraduate Program in Curating, Institute for Cultural Studies in the Arts (ICS), both Zurich University of the Arts (ZHdK)

Lugar: Centro Casa Asia-Madrid · Auditorio Tagore
Palacio de Miraflores
Carrera de San Jerónimo, 15
Madrid

Presentación a cargo de:
José Andrés Santiago, autor del libro
Ana Soler Baena, directora del grupo de investigación dx5
Menene Gras Balaguer, directora de Cultura y Exposiciones de Casa Asia

Concebido como un proyecto de investigación, este libro es una extensa monografía sobre el manga japonés, que incide de forma especial en el ámbito sociológico. A lo largo de 600 páginas, se aborda no sólo la morfología, sintaxis y categorización del cómic manga, sino también su recorrido histórico, su influencia y repercusión en el seno de la sociedad nipona y su imbricación en otras manifestaciones culturales, así como su importante valor de mercado en todo el mundo.

Se trata de uno de los pocos volúmenes dedicados al manga en nuestro país, y uno de los más recientes y exhaustivos. El libro ya fue presentado por Casa Asia durante el Salón del Manga de Barcelona (2010).

Del cuadro flotante a la viñeta japonesa de José Andrés Santiago, nos dimensiona el manga como el fenómeno cultural más relevante en Japón. «¿Por qué este éxito del manga?» —se pregunta el autor. «Quizás parte del mismo estriba en su especificidad japonesa, en su capacidad de conjugar, sin perder su identidad, lo genuinamente nipón con un creciente sentimiento apátrida. El manga es un medio que mira hacia dentro —ahondando en la tradición histórica y cultural nipona— pero también hacia fuera. A nivel artístico, Japón siempre se ha reconocido por la tradición de sus pinturas y xilografías ukiyo-e, por la poesía haiku, las artes marciales, la cerámica o la filosofía zen.

José Andrés Santiago Iglesias
Doctor en Bellas Artes y Premio Fin de Carrera por la Especialidad de Pintura (Facultad de Bellas Artes de Pontevedra, Universidad de Vigo). Artista, docente e investigador, es autor de la monografía Manga. Del cuadro flotante a la viñeta japonesa, presentado en noviembre de 2010 en el XVI Salón del Manga de Barcelona, adonde acudió por invitación de la organización, la Federación de Instituciones Profesionales del Cómic (FICOMIC), y Casa Asia.

Conferenciante en el Salón do Manga, en el Expotaku de A Coruña o en el Museo de Arte Contemporáneo Unión Fenosa (MACUF), entre otros. Es, asimismo, coautor del libro de fotografía A Ding in Japan, editado por Comanegra en colaboración con el grupo de investigación dx5 de la Universidad de Vigo.

En el ámbito artístico, ha participado en numerosas exposiciones, tanto individuales como colectivas, habiendo sido seleccionado en diferentes certámenes nacionales e internacionales, entre los que destacan el Salón de ESTAMPA, la Feira Eixo Atlántico, el Certamen Xuventude Crea, el Premio Máximo Ramos de Gráfica Contemporánea o el Premio de Artes Plásticas de la Diputación de Ourense, así como varias Menciones de Honor en el Certamen de Jóvenes Creadores de la Calcografía Nacional (RABASF, Madrid).

Editada por el Museo Oteiza con la colaboración de Kutxa, recoge la investigación realizada por A. Arnaiz, J. Elorriaga, X. Laka y J, Moreno.

Jorge Oteiza trabajó en 1985, junto con los arquitectos Juan Daniel Fullaondo, Marta Maiz, Enrique Herrada y María Jesús Muñoz, en un proyecto para la edificación de un nuevo Cementerio en San Sebastián, que se proyectó en la colina de Ametzagaña. Su propuesta no fue siquiera aceptada a concurso, pero este proyecto contiene muchas de las claves simbólicas en torno a la relación entre escultura y ciudad, monumentalidad y memoria, esenciales para comprender el pensamiento metafísico de Oteiza. La publicación 261141 Izarrak alde. Proyecto para concurso de cementerio en San Sebastián, editada por la Fundación Museo Jorge Oteiza con el patrocinio de Obra Social de Kutxa, recoge
ahora el análisis de ese proyecto realizado por Ana Arnaiz, Jabier Elorriaga, Xabier Laka y Jabier Moreno, autores del texto.

Esta publicación (que cuenta con una edición en castellano y otra en euskera), es el séptimo título de la colección “Cuadernos del Museo Oteiza” y recoge la investigación realizada por los autores sobre las diferentes versiones existentes del proyecto arquitectónico, concebido
como respuesta al concurso convocado por el Ayuntamiento de la ciudad a finales de 1984, en el que participaron 15 proyectos, aunque finalmente no se ejecutó ninguno de ellos.
Por diversas cuestiones técnicas, el proyecto presentado por Oteiza y el equipo de arquitectos no fue aceptado, si bien constituye un ejemplo de construcción monumental y simbólica “que pretendía sintetizar en un solo paisaje dos tiempos, el tiempo arraigado en el mito y el que debía responder a la forma cultural de su presente”, señalan los autores del
volumen, que incluye numerosa documentación e imágenes del proyecto que han permanecido inéditas hasta ahora y que se incorporan en un extenso apéndice documental. La publicación reproduce también íntegramente dos textos de Oteiza: “Grave reclamación de Oteiza y de alerta al ciudadano. El proyecto de ideas contra ideas y cultura para un nuevo cementerio” y “Política de sepultureros en Ametzagaña”.

Este proyecto, en su versión definitiva, se configuró formalmente a la manera suprematista como un gran prisma recto suspendido sobre la colina de Ametzagaña, de tal manera que “la cresta de la colina quedaría como pista de despegue al cielo abierto sobre la mar entre dos señales como de aeropuerto, a la izquierda el promontorio de Urgull, a la derecha, el de Ulia”, como señala el propio Oteiza en la memoria del proyecto. De este modo, la ideación del proyecto pretendía metamorfosear” la naturaleza del propio concepto de cementerio y de
muerte y sustituirlo por el de regreso o reencuentro con el “gran hueco receptivo” del cielo. “A modo de acrópolis arquitectónica-señala Oteizadominando la colina y abierta hacia la ladera sur, preside la cima la gran rampa: sobre ella, el gran vacío frente al muro, la ausencia, el despegue, la meditación”.

La publicación analiza diversos aspectos como la integración entre escultura y arquitectura que evidencia el proyecto, su concepción de lo monumental, las diferentes versiones en las que trabajaron los autores, las relaciones con otros proyectos arquitectónicos participados por Oteiza, así como las vicisitudes finales que provocaron que el proyecto no fuera aceptado a concurso, lo que provocó una airada respuesta pública
por parte de Oteiza.

Ana Arnaiz, Jabier Elorriaga, Xabier Laka y Jabier Moreno son escultores y profesores del Departamento de Escultura de la Universidad del País Vasco y desde 1994 trabajan en proyectos vinculados al análisis y significado de la escultura pública, la monumentalidad y la construcción del espacio simbólico de la ciudad. Son autores de textos como La colina
vacía. Jorge Oteiza-Roberto Puig. Monumento a José Battle y Ordóñez 1956-1964, EHU Press y Fundación Museo Jorge Oteiza, 2008; “Monumento para una ciudad: Oteiza y el Cementerio de Ametzagaña”, en Ondare nº26. Eusko Ikaskuntza, 2008, o “Una propuesta Moderna en la crisis de la modernidad”, en Oteiza y la crisis de la modernidad. Primer
Congreso Internacional Jorge Oteiza, Fundación Museo Jorge Oteiza, 2008.

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