Conclusiones del II Curso de Arte Contemporáneo y Coleccionismo. Artistas, Galerías, Coleccionistas

A lo largo de todas sus sesiones, el curso fue construyendo una lectura amplia del ecosistema artístico actual: desde las tensiones entre apropiación e investigación conceptual, pasando por los desafíos de financiación, fiscalidad, gestión de legados, instituciones y educación artística, hasta llegar a la dimensión del territorio y la ecología como nuevos marcos de producción cultural. 

Lunes 6 de julio

La sesión ofreció una visión articulada del ecosistema artístico contemporáneo a través de tres perspectivas complementarias.

Por la izquierda, Santiago Martínez, Diana Llamazares, Lucía Falcón (moderadora) y Jorge Fernández

Conversación. Presupuestos limitados, criterios exigentes: construir una colección

Jorge Fernández – Coleccionista.
Diana Llamazares – Galería Llamazares.
Santiago Martínez – Coleccionista.
Modera: Lucía Falcón – Presidenta del IAC Instituto de Arte Contemporáneo en Asturias.

La primera mesa abordó cómo se construye una colección desde presupuestos ajustados pero criterios firmes, mostrando que el coleccionismo nace de una emoción inicial que evoluciona hacia una mirada más formada, donde el formato, la materialidad y la experiencia directa con artistas y obras orientan la coherencia del conjunto y el desarrollo del criterio.

⁃ “Los grandes coleccionistas son los que comienzan con la emoción y con el corazón”. Diana Llamazares
⁃ “El formato es importante porque condiciona la colección”. Santiago Martínez 
⁃ “El uso de nuevos materiales es reflejo de lo contemporáneo en nuestra colección: fécula de patata, azúcar, cera de vela, imanes (sobre todo de escultura e instalación). El denominador común de nuestra colección es la arquitectura. Es una visión interesada, un paraguas que acoge los intereses que tenemos en cada momento”. Jorge Fernández 
⁃ “Lo que entra por el ojo es la figuración, con el tiempo se desarrolla el interés conceptual. Un artista te lleva a otro y la colección empieza a tomar un sentido. El ojo se educa”. Diana Llamazares
⁃ “La figuración tiene mucha presencia en mi colección, pero también os digo que mi manera de construirla ha ido derivando hacia un tipo de obra más matérica/conceptual”. Santiago Martínez 
⁃ “Que la gente joven no deje de visitar, ver, leer. Foméntalo, aliméntalo, sigue construyendo tu criterio. Con interés y ganas, no solo se crea una colección, sino también un legado”. Diana Llamazares
⁃ “El presupuesto marca un ritmo pero no una calidad, esta la dota el propio criterio”. Diana Llamazares
⁃ “Nuestro calendario de incorporación tiene q ver con los tiempos de ARCO, Art Basel, Estampa y Apertura Madrid y Barcelona”. Jorge Fernández 
⁃ “No incorporamos ninguna obra que no hayamos visto en persona, que no hayamos hablado con el artista o visto el proceso de creación”. Jorge Fernández 
 

Semíramis González 

Ponencia. El ecosistema del arte: acompañar, producir y conectar artistas. El caso de LABoral Centro de Arte.

Semíramis González – Directora, LABoral Centro de Arte.

La segunda ponencia, centrada en LABoral Centro de Arte, destacó el papel de estas instituciones como infraestructuras que acompañan la investigación y la producción, proporcionando recursos técnicos esenciales —entre ellos el FABLab (laboratorio artístico de creación digital)— y articulando proyectos vinculados al territorio, la industria y la tecnología. Semíramis González subrayó una idea clave: un centro de arte se define no solo por lo que expone, sino por lo que permite poner en relación, es decir, por su capacidad de conectar agentes, procesos y contextos para generar oportunidades y pensamiento crítico.

⁃ La investigación artística conlleva muchos recursos para concluir un proyecto, los centros de arte proveen de dichos recursos. A LABoral le interesa ser parte de ese proyecto de investigación para que la obra finalmente se materialice.
⁃ El FABLAB es un recurso fundamenal del proyecto, de los centros europeos con los que participan, es el más solicitado por los artistas.
⁃ Los conceptos que se desarrollan en proyecto de LABoral son principalmente el territorio asturiano: industria, minería y la digitalización: tecnología y ciencia, desde puntos de vista muy variados. 
⁃ Cuanto más conocimiento técnico de la máquina, más legitimados para mantener un debate democrático sobre cómo influye en nuestra sociedad.
⁃ Las redes y residencias son fundamentales para crear oportunidades para los artistas.
⁃ LABoral promueve proyectos para mejorar como sociedad desde lo artístico.
⁃ Un centro de arte se define no solo por lo que expone, sino por lo que permite poner en relación.
 

Por la izquierda, Roger Dedeu Pastor, Pablo Alonso (moderador) y Nacho Ruiz

Conversación. Fiscalidad del arte: una conversación necesaria.

Roger Dedeu Pastor – Fundación Gabeiras.
Nacho Ruiz – Galería T20.
Modera: Pablo Alonso – Asociación de Coleccionistas Prinvados de Arte Contemporáneo 9915.

Finalmente, la conversación sobre fiscalidad planteó la necesidad de un marco legislativo que reconozca la cultura como bien básico, valore la función de custodia del arte que ejercen los coleccionistas y atienda las demandas estructurales de las galerías, especialmente en materia de IVA, para fortalecer un sector que contribuye al capital simbólico del país. En conjunto, la jornada mostró cómo criterio, producción y política cultural se entrelazan para sostener el valor del arte contemporáneo.

⁃ Desde el momento en que la cultura se considera bien básico y de primera necesidad, cualquier iniciativa legislativa ha de tener en cuenta esta singularidad. Roger Dedeu 
⁃ Los coleccionistas están cumpliendo una tarea fundamental, la custodia del patrimonio artístico, y por ello debería haber una compensación económica: exenciones, trato fiscal especial…Roger Dedeu 
⁃ El modelo más conocido de tributación especial del coleccionismo es el francés: la Loi Ailliong, para empresas y particulares. Roger Dedeu 
⁃ No estamos hablando de un sistema de lujo, sino de seres humanos que están construyendo un capital simbólico para un país. Cervantes, El Greco… son precedentes, hoy la creación contemporánea sigue siendo ese capital simbólico. Nacho Ruiz 
⁃ Hay una obligación del Ministerio de Cultura para ser el puente y mediador sobre la reducción del 21% de IVA para las galerías de arte. Nacho Ruiz 
⁃ Las galerías han fracasado en esta reivindicación, hay una debilidad estructural en cuanto a la representación cultural que desempeñan en la sociedad. Es intolerable y no se puede seguir así.

La jornada finalizó con la visita de los participantes al Centro Niemeyer para conocer las exposiciones "What Darwin Missed" de Joan Fontcuberta, "Agua" de Edward Burtynsky y "Naturalezas Vivas", comisariada por María Toral que, en el marco de la 1.ª edición de la Bienal Climática: arte, industria y territorio, invita al público a reflexionar sobre el futuro del planeta a través de una mirada retrospectiva que nos permita comprender el presente.

Martes 7 de julio

La segunda sesión se articuló como una prolongación natural de las conclusiones del día anterior, profundizando en los problemas estructurales del ecosistema artístico y mostrando cómo todos ellos —autoría, mercado, legados, instituciones y educación— forman un continuo. Las ponencias de ayer ya habían señalado que la falta de recursos, de políticas culturales estables y de conocimiento especializado genera fragilidad institucional, dificultades de financiación y una fiscalidad inadecuada para el sector.

La intervención de Julio Pérez Manzanares retomó esa línea desde la teoría contemporánea: el arte actual oscila entre la vía de la apropiación, absorbida por el mercado, y la vía de la investigación conceptual heredera de los años sesenta, que busca abrir nuevos lenguajes en un contexto saturado. 

Esa tensión desembocó en la mesa sobre legados artísticos, donde se evidenció que ni el sistema público ni el privado tienen capacidad para sostener todos los patrimonios: gestionar un legado exige recursos, circulación en el mercado, políticas claras y modelos híbridos como el de Chillida Leku, que combina ingresos propios, apoyo familiar y representación internacional mendiante la galería suiza Hauser & Wirth.

Julio Pérez Manzanares

Ponencia 4. Desapariciones, apropiacionismos y “muertes” del artista en el arte contemporáneo.

Julio Pérez Manzanares - Prof. Estética y teoría de Arte en la Universidad Autónoma de Madrid.

⁃ El arte, artistas y autores volverán a morir y a nacer. En tiempos de IA, me gusta la gente que hace cosas, mientras les dejen. Da igual que se les llame artista, autor o trabajador, cuando hablamos de la muerte del artista estamos hablando del funeral del cadaver equivocado.
⁃ En el arte de ahora hay dos vías: la apropiación donde no existe originalidad, todo está hecho y todo da igual “la vanguradia es el mercado donde todo es suficiente”, y otro tipo de arte intentando seguir la vía abierta en los años ‘60, de investigación conceptual. Sería deseable que vinieran nuevas formulaciones que den el signo de los tiempos.
⁃ Hoy en día se ha vuelto a poner en valor la autoría pero volverá la muerte de los autores y los artistas.
⁃ O muere la crítica o muere el artista, a manos de la IA o lo que sea, pero con el tiempo se demostrará que es una pérdida de tiempo como con los NFTs. Los seres humanos tenemos la necesidad de hacer cosas.

Por la izquierda, Pablo Álvarez de Toledo, Charo López, Jose María Luna, Celia Quintas y Mikel Chillida

Ponencia 5. Legados artísticos e impacto cultural.

Mesa patrocinada por Caja Rural de Asturias.

Jose María Luna - Ex-director de la Agencia Pública para la Gestión de la Casa Natal de Pablo Ruiz Picasso y otros Equipamientos Museísticos y Culturales, Málaga.
Mikel Chillida - Director Museo Chillida Leku.
Celia Quintas - Subdirectora del Museo Abstracto de Cuenca.
Modera: Charo López - Presidenta de la Asociación de Coleccionistas de Arte Contemporáneo, 9915.

⁃ La Fundación Juan March es la titular del museo Fernando Zóbel, un acierto, en manos públicas quizá la colección se hubiera podido dividir, por ejemplo, entre provincias de Castilla La Mancha, rompiendo el concepto con el que nace el museo. Cecilia Quintas 
⁃ El gran reto es mantener el legado, proyectarlo y que funcione: no es fácil ni barato gestionarlo, y no es lo mismo hacerlo para un gran artista que para otros menos conocidos. Todos quieren tener un museo: te dono mi legado pero te condiciono: mi museo mi catálogo razonado, pero no hay capacidad pública ni privada. Sería más sensato compartir espacio para el legado. Jose María Luna.
⁃ El arte nunca fue una respuesta al coste ni al tiempo para Eduardo Chillida. La obligación de la Fundación es que el artista siga de actualidad para quien se le olvide todo lo que ha aportado. Su obra de “la jaula” (1990), haciendo una metáfora con la ley que limita pero a la vez te da libertad, está donde se negocian y redactan las leyes de la Unión Europea (Consejo de la UE en Bruselas) y eso tiene una trascendencia simbólica que hay que preservar. Mikel Chillida.

Por la izquierda, Daniel Silvo (moderador), Maria Antonia Hervada, Enrique Pérez y Cristina Heredia Alonso

Ponencia 6: El valor de la educación artística: de la formación al pensamiento crítico

Maria Antonia Hervada – Directora de CTIF Madrid- Capital.
Enrique Pérez – Área de Educación del Museo Nacional del Prado.
Cristina Heredia Alonso – Responsable del Departamento de Educación y Difusión, Museo de Bellas Artes de Asturias.
Modera: Daniel Silvo – Secretario del Instituto de Arte Contemporáneo.

⁃ El principal objetivo hoy está en la diversidad y construcción de nuevos relatos, para poner las colecciones al servicio de los colectivos más vulnerables y no vice versa. Cristina Heredia. 
⁃ Si queremos llegar al mayor público posible, el profesorado de secundaria va a ser quienes construyan la sociedad, y la formación en artes plásticas es parte de una formación crítica. Maria Antonia Hervada. 
⁃ A través del descubrimiento en el arte se pueden poner en marcha los mecanismos para poner nombres a las emociones. El hecho de poder utilizar los idearios y objetos, tiene un poder que va más allá del valor histórico y económico: el valor social es preponderante. Cristina Heredia. 
⁃ Hay que establecer criterios de respeto al patrimonio, y para ello es esencial distinguir entre el arte clásico y el contemporáneo y poner a cada uno en valor. Enrique Pérez. 
⁃ Que la obra de arte sea una herramienta de formación desde cualquier asignatura: para explicar la serie de Fibonacci en matemáticas por ejemplo, un cuadro del Renacimiento. Maria Antonia Hervada. 
⁃ Para entender el arte contemporáneo lo importante son los procesos y no el resultado final, y esa es una de las claves del paso exitoso por el museo. Cristina Heredia. 
⁃ Al museo no se va solo a sacar la foto porque anula la emoción de la contemplación de la obra de arte. La foto hay que fomentarla pero de forma educada, con un sentido. Enrique Pérez. 

Esta ponencia sobre educación conectó directamente con las carencias señaladas ayer: sin formación artística, sin pensamiento crítico, sin docentes capacitados y sin inversión en mediación, el sistema cultural no puede generar públicos, sostener instituciones ni garantizar la continuidad de los legados.

En conjunto, ambas jornadas convergen en una misma conclusión: la raíz de los problemas de financiación, fiscalidad y sostenibilidad del arte es la falta de conocimiento y de recursos destinados a la educación y a la estructura cultural, y cualquier política eficaz debe partir de ahí.

La sesión culminó con la visita a LABoral Centro de Arte, en Gijón, durante la cual los asistentes al II Curso de Arte Contemporáneo y Coleccionismo tuvieron la oportunidad de conocer de cerca su trabajo, recorrer los distintos espacios del Centro y visitar las exposiciones actuales de la mano de su directora Semíramis González.

Miércoles 8 de julio

El último día del curso estuvo dedicado a la Bienal Climática de Avilés, una ponencia que funcionó como cierre natural de todo lo trabajado en las sesiones anteriores, desplazando el foco hacia el arte como herramienta de transformación territorial, social y ambiental.

Su directora artística Amanda Masha Caminals presentó una bienal nómada impulsada por la Fundación Atelier Itd, cuyo modelo se sostiene en tres pilares —colaboración, territorio y arte— y que entiende el clima no solo como cuestión ecológica, sino también como síntoma de un sistema social polarizado y tensionado.

La bienal propone un espacio de investigación ampliado en torno a las humanidades ambientales, con obras procedentes de ARCOmadrid 2026 y nuevas producciones vinculadas a la investigación científica en colaboración con Ciudadela Energía, AEMET y el programa de residencias de la Factoría Cultural.

Su objetivo es nutrir distintos contextos —ecología, activismo, imaginarios sociales— y complejizar problemas que no tienen soluciones únicas, generando impacto en la ciudad de Avilés y en los diferentes espacios que han participado en su desarrollo, como la Biblioteca de la Luz, las derivas urbanas programadas y las comunidades locales implicadas desde el inicio del proyecto.

Amanda Masha, directora artística de la Bienal Climática de Avilés y José Luis Guijarro Alonso, Historiador del Arte y Antropólogo, Investigador y Director del Máster en Mercado del Arte y Gestión de Empresas Relacionadas de la Universidad Nebrija

⁃ Iniciativa de la Fundación Atelier itd, bienal nómada en Avilés como ciudad pionera, la idea es que vaya evolucionando por otros emplazamientos.
⁃ Los tres pilares de la bienal son la colaboración, el territorio y el arte.
⁃ El tema del clima es central, no solo en el sentido de transición ecológica, sino referido también a lo social. El sistema de convivencia está sufriendo un calentamiento, está polarizado.
⁃ El arte como herramienta de transformación social tiene un alcance temporal amplio en la bienal. Para ello requiere también un espacio de investigación ampliado: en territorio con cartografía crítica en el campo de las humanidades ambientales.
⁃ Las obras de la bienal se apoyan en adquisición en la ARCOMadrid 2026 y obra de nueva producción ligada a la investigacion científica, en colboración con Ciudadela Energía, AEMET y un programa de residencias de la Factoría Cultural, principal de centro de producción de arte de Avilés.
⁃ La clave está en que el arte tiene distintos focos en la bienal: debemos nutrir los distintos contextos: arte y ecología se asocia al activismo, a cómo el arte ayuda a transformar imaginarios, incrementar el impacto que tiene el arte cuando los artistas tratan temas con los que normalmente no trabajan. Y regalar ese campo de sensibilidad que da el arte, a complejizar los problemas que no tienen solución única.
⁃ El legado de la bienal empieza con el trabajo previo de conexión con las comunidades que participan. También se espera impacto en la Biblioteca de la Luz de Avilés, las derivas urbanas hechas a partir de las cartografías para ver la ciudad con otros ojos y los y las artistas del territorio que participan.
 

Las ponencias anteriores habían mostrado que la falta de recursos, de políticas culturales estables y de conocimiento especializado genera fragilidad estructural en museos, colecciones y legados, y que incluso modelos sólidos, como Chillida Leku, dependen de estrategias complejas para sostenerse. La sesión de educación subrayó que la raíz de muchos problemas del sector es la ausencia de formación crítica y de inversión en mediación, lo que repercute en públicos insuficientemente preparados y en políticas culturales poco eficaces.

La Bienal Climática funciona como colofón porque propone justamente lo contrario: un modelo de arte que se inserta en el territorio, que trabaja con comunidades, que colabora con ciencia e industria, que genera conocimiento y que entiende el arte como herramienta de transformación social y ambiental. Si las sesiones anteriores diagnosticaron las carencias del sistema, esta última mostró un ejemplo de cómo podría construirse un futuro cultural más sólido: interdisciplinar, situado, crítico y con impacto real.