El Instituto de Arte Contemporáneo (IAC) es una asociación independiente de profesionales dedicados al arte actual que, más allá de los intereses gremiales particulares, pretende beneficiar al conjunto de la comunidad artística.
Te necesitamos para fortalecer la comunidad artística profesional del arte contemporáneo en España.
Leer másGracias a la insistencia de agentes y asociaciones del sector, la Dirección General de Bellas Artes saca una guía de Medidas Aplicables al Sector de las Artes Visuales en relación a lo propuesto en el RDL del 6 de mayo.
Cabe destacar que han incluido algunas medidas nuevas que no figuraban en el RDL.
Descarga la guía AQUÍ
En este tiempo de crisis sobrevenida por la pandemia del COVID-19, desde el IAC proponemos a las instituciones e iniciativas públicas y privadas una serie de medidas que, con carácter temporal y debido a la situación precaria en la que nos encontramos, sirvan para fortalecer desde dentro al sector del arte contemporáneo y evitar un mayor deterioro.
Solidaridad, sostenibilidad y coherencia priman en estas medidas pensadas para ser eficaces hoy, pero también para construir estructuras más fuertes en el sector de cara al futuro.
El Instituto de Arte Contemporáneo (IAC) es una asociación independiente de profesionales dedicados al arte actual que, más allá de los intereses gremiales particulares, pretende beneficiar al conjunto de la comunidad artística.
El IAC desarrolla iniciativas con el fin de favorecer la mejora y el perfeccionamiento de nuestra red institucional dedicada al arte contemporáneo, para velar por la progresiva implantación de buenas prácticas e impulsar una nueva percepción social del arte español actual.
Leer más
Autorretrato con obelisco esponjiforme. Secuencias de la documentación del deshielo. 13 de abril de 2001. Rua Riveira dos Peiraos, Pontevedra. Duración: 3 horas 10 minutos
Páginas de libros recortadas 43 x 27 cm 2017
ATLAS MUNDIAL DE SELECCIONESde Juan José Martín Andrés. Hasta el 1 de julio de 2017.
La aparente oposición entre arte y ciencia ha limitado la visión del mundo. Si desde el siglo de las luces lo pensamos como un territorio dividido, la percepción dominante parece sustentarse en lo geopolítico. Pero otras formas de hacer y leer mapas son posibles. Atlas Mundial de Selecciones se inserta en este contexto: no sólo descompone una mirada oficial, sino también propone lecturas que se distancian de visiones políticas y nacionalistas.
La exposición es resultado de un complejo proceso en el que sus diferentes etapas de producción ponen en tensión la idea de un mapa inequívoco, para revelar la hegemonía de la cartografía. A partir de antiguos atlas comprados en librerías de viejo en la Ciudad de México, el artista seleccionó una serie de mapas que datan de diferentes épocas y momentos históricos del siglo XX y que, vistos desde el presente, dan cuenta de la transformación del territorio.
Con una acción sutil aunque contundente, el artista elimina los espacios correspondientes a los países en un gesto por llevar el territorio-nación al terreno de la supresión. La memoria de quien lea, sin embargo, llenará el vacío con el nombre de un país, un estado o una región que sean reconocibles. ¿Es posible pensar o experimentar el espacio sin divisiones políticas? En tiempos de políticas populistas y nacionalismo, donde la paradoja de un mundo globalizado dicta el cierre de fronteras, el desplazamiento humano queda relegado a un segundo plano.
Borrar los espacios geopolíticos es un intento del artista por desdibujar la máquina de guerra, aquella que Deleuze y Guattari identificaron como el mecanismo de poder para dividir y sumarse territorios. Así, retomar mapas viejos permite analizar, a distancia, los cambios de una imagen o representación política del mundo que se ha deconstruido constantemente desde la subjetividad del vencedor, aunque fundamentado en la aparente veracidad de la cartografía.
Como en sus anteriores trabajos gráficos, Martín Andrés retoma material impreso ya existente en una suerte de ejercicio que, más allá del reciclaje material, busca analizar el modelo de pensamiento que dio origen a la representación original. En ese contexto, las fronteras marcadas sobre un fondo negro no existen como tal. No hay divisiones políticas, sino una superficie con líneas de colores que no distinguen naciones. Una referencia al dibujo con la que Juan José Martín Andrés nos recuerda que existen otras tantas formas de trazar y observar al mundo, al menos desde el arte.
Bajo el título de Eros, la nueva exposición de Stefano Bonacci recorre los últimos trabajos del artista italiano, basados en la mitología griega y romana, y en particular en el mito de Eros, hijo de Afrodita.
A través de una serie de esculturas realizadas principalmente a base de terracota y yeso, pero también con materiales como el hierro o el latón, Bonacci se acerca a conceptos íntimamente relacionados con aquellos seres mitológicos, como la belleza ideal, el deseo físico, el poder sexual o la bondad. Da así lugar a imágenes y formas que surgen de modelar la arcilla y trabajar con materiales y métodos tradicionales siempre con sus propias manos; tocando el material.
Una cuestión, la de modelar manualmente, que no es meramente técnica o formal, sino que coloca al artista en esa tensión entre la belleza ideal y el deseo que la acompaña; temas fundamentales también en el arte y que han asumido diferentes formas en cada época. Eros es, de hecho, quien desea, quien tiende su arco hacia lo bello y lo bueno.
En esta exposición, las obras redescubren el mito y lo reformulan recreándolo en formas inquietantes y misteriosas fruto de un tiempo que nos coloca hoy frente a un muro aparentemente infranqueable. Al pie de ese muro, el arte, impulsado por el deseo, vuela armado con un arco y flechas, como un Eros alado, buscando el bien y la belleza.
A través de estas obras que buscan un fuerte impacto visual, la propuesta de Bonacci, en línea con su trayectoria artística, cuestiona ideas, emociones, mitos, arquetipos, el azar, la naturaleza, el hombre o la razón.
1999. "Que se pare el mundo, me quiero bajar". Escayola, látex y globo terráqueo. 40 x 25 x 33cms.
Atari Kultura Arquitectónica y yo organizamos un seminario y unas jornadas sobre la Bauhaus en el marco de Mugak 2019. Bienal Internacional de Arquitectura de Euskadi
Proyecto Pan duro
[site specific]
Instalación | Hamburgo | medidas variables | 2016
Colaboración con la compañía Atra Bilis
Galeria Toni Tàpies
C/ Consell de Cent, 282, 08007 Barcelona
Tel. 93 4876402
Info@tonitapies.com
Antoni Tàpies. El meu índex
Exposición de pinturas de Antoni Tàpies, realizadas en los años 90. La exposición se podrá visitar en la Galeria Toni Tàpies hasta finales de julio.
Serie UNFINISHED LANDSCAPE
Trinchera del Pensamiento, espejo.
3º obra de la serie Trincheras del Pensamiento
[site specific]
Instalación | X Bienal de La Habana | La Habana, Cuba | 2009
Foto: Javier Caballero
En la Galeria Antoni Pinyol conocimos a Mireia Cifuentes a raíz de su paso por el 24 PremiTelax, del cual consiguió un accesito gracias a sus pinturas, que se alzan con tal fuerza que nos remiten a las figuras votivas de las Venus en la antigüedad; éstas son símbolo no sólo de lo femenino sino de todo lo que tiene que ver con la vida, su nacimiento y su muerte, son mucho más que mujeres desprovistas de rostro, son personificaciones del mismo ciclo vital.
Uno de los signos más antiguos de nuestra especie se combina en la obra de Cifuentes con una técnica innovadora con la que consigue diluir la figura humana de tal manera que ésta entra en nuestra mente, no cómo una masa sólida y estática, sino que fluye, tal que un río que se expande hacia nuevos significados, abriéndonos las puertas a la percepción y compartiendo con nosotros las diferentes realidades de la existencia, simbolizadas por la parte frontal de la obra y su reverso oculto.
En lo que a sus paisajes se refiere, éstos no dejan de ser otra manera de acercarse a las preguntas sobre el paso del tiempo y, tal y cómo hacía con la figura humana, dota de movimiento a éstas visiones aparentemente estáticas y desérticas, son tierras muertas y estériles por las que nuestra mente viaja y trata de responder las preguntas vitales que sutilmente nos sugieren.
La obra de Mieria Cifuentes cumple con dos dualidades que la hacen sobresalir, pues ésta es universal a la vez que personal y atemporal a la vez que innovadora, pues consigue transmitirnos con un lenguaje contemporáneo un mensaje que afecta a toda la humanidad desde sus inicios, pero desde un punto de vista propio, basado en la experiencia íntima de la artista.
Serie UNFINISHED LANDSCAPE
Esta página web se ha realizado con la colaboración de la Secretaría de Cultura del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte